2da Fería de Artes Visuales
del 17 al 23 de diciembre
Horario de 11 am a 8 pm
Unearte Plaza Morelos
Obras de Arte en mediano y pequeño formato, de artistas emergentes y maestros.
Jueves 20 a las 3 pm taller de creatividad
con la GAN en la Expoferia del arte de
Viernes 21
a las 3 pm Taller de Dibujo con Edgar Guerrero
Unearte Bellas Artes
El 7 de diciembre de 2012 en la Fundación Banco Industrial de Venezuela el arte se viste de gala con 6 muestras.
2da Fería de Artes Visuales
del 17 al 23 de diciembreHorario de 11 am a 8 pm
Unearte Plaza Morelos
Obras de Arte en mediano y pequeño formato, de artistas emergentes y maestros.
Jueves 20 a las 3 pm taller de creatividad con la GAN en la Expoferia del arte deViernes 21 a las 3 pm Taller de Dibujo con Edgar Guerrero
Unearte Bellas Artes
El 7 de diciembre de 2012 a las 11 am.
La Fundación Banco Industrial de Venezuela , se viste de gala con 6 exposiciones.
Homenaje rendido por estos creadores regionales hacia la montaña que engalana nuestra ciudad capital. Participantes: Luis Cuevas, Edgar Queipo, Gregorio Rubio, Marco Cardenas,Wilmer Lugo, Nerio Quintero, Antonio Vargas, Gustavo Raffe, Carlos Ramos, Ender Colina, Roberto Camprovin, Eduardo Ramos.
Laura Solano
“El tejido en una dimensión artística, más allá de lo artesanal, me ha permitido expresarme ampliamente, jugar con texturas, colores, asociaciones y sentimientos, crear obras tridimensionales, figurativas, abstractas y hasta cinéticas. Como para el óleo y la tela, tampoco hay limitaciones para el hilo y la mano”.
En esta muestra expositiva, los fotógrafos Coromoto Ramírez, Félix Hernández y Luis Chacín, indagan en la iconografía social, los focos de relaciones formalmente estructurantes en las que el signo y el símbolo funcionan como entes comunicativos y alienantes a la vez.
Doce visiones muy particulares presentes en esta propuesta. Visiones que de una manera u otra buscan interpretar el dinamismo contemporáneo del contexto citadino. Diferentes técnicas se evidencian a través de la pintura, la escultura, la fotografía y la instalación. Participantes: Juana Flores, Hugo Mariño, José Guacache, José Moret, Vladimir Sersa, Miguel Ruíz, Carlos Vielma, Ingrid Lozano, Rossel, Ygnacio Mejía, Julián Bulfón y José Caldas.
Albert Alexander Almarza
Caricaturas de Músicos Venezolanos.
@almarzaale
El universo creador de Héctor Mancera y sus Visiones Cósmicas
Héctor Mancera
Recopilación e inventario de toda la información acumulada por el artista, en torno a los diversos estados paranormales y “contactos del tercer tipo” que asegura haber tenido desde hace más de quince años, luego de haberse instalado en los sublimes parajes del páramo merideño, en particular, en la población de San Rafael de Mucuchíes y sus alrededores.
Centro Artístico y Publicitario Martinis
Belleza natural de los paisajes de venezolanos, a través de sus lápices y pinceles.
Fundación Banco Industrial de Venezuela
Avenida Universidad, esquina de Traposos, Edificio Banco Industrial de Venezuela (BIV), Mezzanina
Teléfonos (0212) 5152511—Fax (0212)5162509
La Fundación Banco Industrial de Venezuela , se viste de gala con 6 exposiciones.
Del Coquivacoa para el Guaraira Repano
Antonio Vargas
Marcos Cárdenas
Alonso Aguin
Roberto Camp
Homenaje rendido por estos creadores regionales hacia la montaña que engalana nuestra ciudad capital. Participantes: Luis Cuevas, Edgar Queipo, Gregorio Rubio, Marco Cardenas,Wilmer Lugo, Nerio Quintero, Antonio Vargas, Gustavo Raffe, Carlos Ramos, Ender Colina, Roberto Camprovin, Eduardo Ramos.
Textiles Táctiles. Unas palabras sobre el hilo y la mano.
Laura Solano
Laura Solano
“El tejido en una dimensión artística, más allá de lo artesanal, me ha permitido expresarme ampliamente, jugar con texturas, colores, asociaciones y sentimientos, crear obras tridimensionales, figurativas, abstractas y hasta cinéticas. Como para el óleo y la tela, tampoco hay limitaciones para el hilo y la mano”.
Una Deriva Urbana
Fotografía Luis Chacín
Fotografía Coromoto Ramírez
En esta muestra expositiva, los fotógrafos Coromoto Ramírez, Félix Hernández y Luis Chacín, indagan en la iconografía social, los focos de relaciones formalmente estructurantes en las que el signo y el símbolo funcionan como entes comunicativos y alienantes a la vez.
La Ciudad que Vemos
La Ciudad que vemos
Doce visiones muy particulares presentes en esta propuesta. Visiones que de una manera u otra buscan interpretar el dinamismo contemporáneo del contexto citadino. Diferentes técnicas se evidencian a través de la pintura, la escultura, la fotografía y la instalación. Participantes: Juana Flores, Hugo Mariño, José Guacache, José Moret, Vladimir Sersa, Miguel Ruíz, Carlos Vielma, Ingrid Lozano, Rossel, Ygnacio Mejía, Julián Bulfón y José Caldas.
La nota es Venezuela
Albert Alexander Almarza
Caricaturas de Músicos Venezolanos.
@almarzaale
El universo creador de Héctor Mancera y sus Visiones Cósmicas
Recopilación e inventario de toda la información acumulada por el artista, en torno a los diversos estados paranormales y “contactos del tercer tipo” que asegura haber tenido desde hace más de quince años, luego de haberse instalado en los sublimes parajes del páramo merideño, en particular, en la población de San Rafael de Mucuchíes y sus alrededores.
Maravillas de Venezuela
Maravillas de Venezuela
Centro Artístico y Publicitario Martinis
Belleza natural de los paisajes de venezolanos, a través de sus lápices y pinceles.
Fundación Banco Industrial de Venezuela
Avenida Universidad, esquina de Traposos, Edificio Banco Industrial de Venezuela (BIV), Mezzanina
Teléfonos (0212) 5152511—Fax (0212)5162509
TIERRA CONSAGRADA, del maestro Octavio Russo
El Centro Docente La Trinidad homenaje a la
memoria Dra. Graciela Mathison Monserrat con la inauguracion de la
exposiciòn: TIERRA CONSAGRADA, del maestro Octavio Russo. El exito de
esta exposiciòn permitirà contribuir en el desarrollo de los programas
sociales institucionales.
Lugar: Espacio Lobby CMDLT.
Fecha: 6 de Diciembre de 2012.
Hora: 7pm.
Lugar: Espacio Lobby CMDLT.
Fecha: 6 de Diciembre de 2012.
Hora: 7pm.
María Eugenia y Eduardo tiñen sus sueños de azul natural
Los artistas inauguran el jueves 6 de diciembre en la Sala TAC
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En la muestra "Azul índigo" presentan 16 piezas CORTESÍA SALA TAC
EL UNIVERSAL
sábado 1 de diciembre de 2012 12:00 AM
"El azul es muy difícil de conseguir en la naturaleza. No es común en las plantas. La fórmula era teñirlo de índigo, pero el natural desapareció cuando se creó el sintético. Nosotros hemos buscado las hojas para cultivarlas y producirlas. Es el azul que los merideños vemos cuando se despeja la montaña", cuenta la artista María Eugenia Dávila.
Es justamente este color el hilo conductor de la exposición Azul índigo que inaugura el jueves 6 de diciembre en la Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC), dentro de Centro Comercial Paseo Las Mercedes. Se trata de 16 textiles, en mediano formato, que fueron tejidos al ritmo de las horas del día.
"Están relacionadas con las cosas que vemos: el cielo o el mar. Las piezas están distribuidas en la sala por el ritmo de las horas del día. Las obras reciben el nombre de amanecer, atardecer, alba y anochecer. Además, representan las nubes y el color de la luna. Todas llevan varias tonalidades de azul", aclara.
Los tejidos, realizados durante un año, son obras de pared. "Son formas tejidas muy complejas", asegura la creadora de las telas tejidas con hilos de seda -que producen en el Taller Morera gracias a la cría de gusanos-, algodón, lana y fibras como moriche, chiquichique, curagua, además, de la combinación de hilos metálicos.
Es en el Taller Morera en donde realizan las investigaciones para teñir las piezas que crean. Aparte de las hojas de añil, usan la semilla del aguacate, hojas de corteza de eucalipto, semillas de onoto, cáscara de cebolla y otros elementos naturales con los que consiguen una amplia gama de tonalidades.
"El azul está relacionado con las cosas inalcanzables, pero que todos los días nos acompañan. Incluso, tiene un significado en algunas culturas del mundo. Es el único color que, al teñirlo, se pasea primero por el amarillo y el verde antes de volverse azul. Todo eso pasa frente a tus ojos. Es un trabajo largo que parte por la obtención del añil y de los hilos", concluye.
dfalcon@eluniversal.com
"Detrás de estas obras hay un paisaje metafórico"
"Decidí radicalizar el discurso (...). Quizás, este no es el momento para estar cociendo"
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La artista inaugura el domingo la exposición "Azimut" en la galería D' Museo en el Centro de Arte Los Galpones NICOLA ROCCO
DUBRASKA FALCÓN , ANA MARÍA MAZZEI , ARTISTA PLÁSTICO
| EL UNIVERSAL
sábado 1 de diciembre de 2012 12:00 AM
A través de 25 obras en mediano formato, algunos dípticos y otros trípticos, la artista expone las rasgaduras que le produjo esta tierra en Azimut. La muestra, que inaugura mañana, toma la sala de galería D' Museo dentro del Centro de Arte Los Galpones, en Los Chorros. "Aquí utilizo las rasgaduras y los cortes a través de la madera y las betas. En eso se basa la exposición. En un principio, las betas penetran en el color a través de estas fisuras. He querido resumir aquí muchos de los temas que trabajé en mis primeros tiempos con el dibujo", explica.
Esta no es la primera vez que Mazzei utiliza las fisuras en su trabajo. Ya lo hizo con sus dibujos de grafito sobre papel. Pero a estas rasgaduras las tejía. Las cosía con alambres. "Tapaba esas rasgaduras", recuerda.
En Azimut no hay costuras evidentes. Tan solo queda el corte. Seco. Sin cura. "Quizás este no es el momento para estar cociendo. Estas fisuras, estas rasgaduras, están dentro de cada uno. Son mis rasgaduras internas. Esta es una obra bastante esquemática y minimalista, pero cuando te acercas te das cuenta que hay una fisura. Detrás de ella se encuentra otro mundo", confiesa Ana María Mazzei acerca de las piezas que realiza con madera industrial.
Incluso en dos de los dípticos que expone, la artista decidió colocar unos alambres sueltos. Largos hilos que aún no llegan a coser las rasgaduras del alma de Ana María Mazzei. "Decidí radicalizar el discurso. Detrás de estas obras geométricas existe un paisaje más metafórico. Aquí no está solo el elemento de las formas. Es más bien un proceso de reflexión que vas depurando a través de tu vida. Te vas despojando de cosas que en el momento son muy poéticas", dice.
La primera vez que la artista incluyó el geometrismo en su obra fue cuando expuso en 1993 en una de las salas de la Galería de Arte Nacional. Ya había ganado el premio Arturo Michelena. Decidió introducir la figura geométrica colocando relojes de sol y horizontes artificiales, similares a los que utilizan los pilotos de aviones. Hoy, la geométrica retoma el espacio y se amolda a la poesía de la artista.
"Ya la geometría salió a la superficie y tomó un espacio concreto. Ya esto salió del cuadro y de la pintura y tomó un espacio concreto. Es un elemento que flota dentro del espacio global de la galería. Con la madera que utilizó en esta exposición descubro las formas y los colores que tendrá la pieza. Es un elemento industrial que te da la libertad de hacer arte (...). Aquí, en Azimut, el exquisito soporte industrial desmitifica lo hecho a mano dándole importancia al refinamiento obtenido a través del diseño", concluye la Mazzei.
El proyecto Píxeles llega a su sexta edición
Píxeles 2012 en su sexta edición ha convocado a 12 nuevos artistas a
participar en el proyecto, iniciado en abril del 2006. Como invitados
especiales contaremos con la presencia del maestro venezolano Harry
Abend y del artista peruano Jorge Cabieses.
La convocatoria de este año intenta abarcar distintas expresiones,
tales como el dibujo espontáneo, la pintura tradicional, la nueva
escultura y dándole una importante presencia a los medios fotográficos
contemporáneos (desde lo documental a lo conceptual).
Como introducción a la presente edición se exhibirá Píxeles: Antología, una retrospectiva que presenta una selección de los artistas que han participado en anteriores ediciones de Píxeles, que hasta el momento cuenta con la colaboración de más de cien artistas.
Sobre el proyecto
En el comienzo, el proyecto Píxeles fue un relato curatorial, un proceso de exhibición cuyo fin era presentar un gran abanico de artistas de diferentes generaciones y tendencias en una sola exposición. Un pequeño mapa de la plástica en Venezuela. Así, se dió el encuentro afortunado de las obras de jóvenes artistas que todavía trabajaban en los talleres del instituto de arte, con las obras de artistas de gran trayectoria. Cada obra en este contexto será a partir de ahora llamada píxel.
La primera edición de Píxeles (#1) fué en abril de 2006, debido a la receptividad e interés generado tanto en artistas como en el público general y coleccionistas, se ha producido una convocatoria anual como evento estable de la galería, incorporándose nuevos artitas venezolanos y latinoamericanos, con la única premisa de formato 24 x 24 centímetros.
Píxeles #6, 2012/ Artistas convocados
Harry Abend
Lisa Blackmore
Jorge Cabieses
Arsenio Felipe Reyes
Nano González
Víctor Julio González
Cristina Matos-Albers
Sandro Pequeno
Daniela Quilici
Carlos Luis Sánchez
Anita Reyna
Alberto Blanco
Apertura de exhibición: Sábado, 1 de diciembre de 2012. 11:00 a.m
Clausura: 17 de febrero de 2012
GBG Arts
Avenida Principal de Prados del Este. Galpón #2. Caracas, 1080. Venezuela
Teléfonos: +58 212 975 22 09 / +58 412 213 36 19
www.gbgarts.com
Horario de atención al público:
Martes a Viernes: 09:30am – 12:30m / 03:00pm - 06:00pm
Sábados y Domingos: 11:00am – 03:00pm
Prensa GBG Arts
Como introducción a la presente edición se exhibirá Píxeles: Antología, una retrospectiva que presenta una selección de los artistas que han participado en anteriores ediciones de Píxeles, que hasta el momento cuenta con la colaboración de más de cien artistas.
En el comienzo, el proyecto Píxeles fue un relato curatorial, un proceso de exhibición cuyo fin era presentar un gran abanico de artistas de diferentes generaciones y tendencias en una sola exposición. Un pequeño mapa de la plástica en Venezuela. Así, se dió el encuentro afortunado de las obras de jóvenes artistas que todavía trabajaban en los talleres del instituto de arte, con las obras de artistas de gran trayectoria. Cada obra en este contexto será a partir de ahora llamada píxel.
La primera edición de Píxeles (#1) fué en abril de 2006, debido a la receptividad e interés generado tanto en artistas como en el público general y coleccionistas, se ha producido una convocatoria anual como evento estable de la galería, incorporándose nuevos artitas venezolanos y latinoamericanos, con la única premisa de formato 24 x 24 centímetros.
Píxeles #6, 2012/ Artistas convocados
Harry Abend
Lisa Blackmore
Jorge Cabieses
Arsenio Felipe Reyes
Nano González
Víctor Julio González
Cristina Matos-Albers
Sandro Pequeno
Daniela Quilici
Carlos Luis Sánchez
Anita Reyna
Alberto Blanco
Apertura de exhibición: Sábado, 1 de diciembre de 2012. 11:00 a.m
Clausura: 17 de febrero de 2012
GBG Arts
Avenida Principal de Prados del Este. Galpón #2. Caracas, 1080. Venezuela
Teléfonos: +58 212 975 22 09 / +58 412 213 36 19
www.gbgarts.com
Horario de atención al público:
Martes a Viernes: 09:30am – 12:30m / 03:00pm - 06:00pm
Sábados y Domingos: 11:00am – 03:00pm
Prensa GBG Arts
Crónicas de las Mujeres que Inquietan a los Hombres
Domingo 2 de diciembre 2:30 pm, Crónicas de las Mujeres que Inquietan a los Hombres de Nicomedes Febres. D'Museo 8va Transversal con Av. Ávila, Los Chorros
Exposición Colectiva Memoria para Llevar
Memoria para llevar
es
una exhibición íntima donde se muestran diferentes intervenciones a la
bolsa de
La Librería
de la Sala Mendoza
por parte de 13 jóvenes artistas. Los creadores en sus intervenciones,
le imprimen a estas emblemáticas bolsas de los años 70 un nuevo
contenido, una nueva identidad, para que nuestro público las compre y
las lleve a casa. Lo recaudado en esta muestra será donado al fondo del Centro Documental y
destinado a su reestructuración, expansión, así como a la digitalización y
promoción del material documental.
Jhonny Fung
Gladys Calzadilla
Danahe Palacios
Niurka Canelón
Arnoll Cardales
Iván Guerrero
Kennys Aponte
Manuel Eduardo González
Misael Carpio
Adrian García
Carolina Barrios
Carolina Lagente
Edson Cáceda
Sala Mendoza,
Centro Documental
Mezzanina
Universidad Metropolitana
Fundación Sala Mendoza
Universidad Metropolitana, edificio Eugenio Mendoza
Goiticoa, Planta Baja, Terrazas del Ávila, Caracas. Teléfono: (+58 212) 2435586
Horario: martes a viernes de 8:30 am a 4:30 pm, sábados de
8:30 a 3:00 pm, y domingos 11:00 am a 3:00 pm.
Desde lo pictórico pero con un planteamiento conceptual, la propuesta
es parte de un proyecto que profundiza en la revisión analítica del
arte nacional, el artista se apropia de la creación de otros para darle
una reformulación que los acerca al espectador en un nuevo escenario que
permite traer a la memoria una constante reflexión de las aspiraciones
de un país que quiso alcanzar una modernidad de la cual quedan solo
evidencias convertidas en anhelo.
La inauguración de la exposición Aula Magna se llevará a cabo el domingo 25 de noviembre a partir de las 11:00 am.
Galería 39
Calle Bolívar con Calle Instrucción. Quinta La Casona. No. 37. El Hatillo.
Teléfono: 9610023. Fax: 9613692
De martes a viernes de 11:00 am a 1:00 pm y de 2pm a 6pm, y los sábados y domingos de 11:00 am a 3:00 pm.
39galeria@gmail.com
www.39galeria.blogspot.com
Fuente: Prensa Galería 39
No obstante, para muchos otros artistas las nuevas posibilidades del
lenguaje plástico, centradas en la poderosa capacidad comunicacional de
la imagen, pueden seguir expresándose a través de los medios que
podríamos reconocer como tradicionales pero percibidos y expresados
desde una perspectiva actual, vinculados a temas y propuestas que forman
parte de la historia del siglo XX. Se trata ahora de una revisión
crítica de momentos o discursos emblemáticos de la plástica con la
finalidad de re-encontrar en el análisis formal las claves que dan
sentido a ese proceso creativo. Desde este espacio de reflexión se
inserta el trabajo reciente de Javier León, un artista que se identifica
con la noción del arte como discurso conceptual, sin embargo, aun
afianzado en la idea no abandona el valor de lo pictórico, precisamente
por su importancia como transmisor de mensajes. Ese enfoque del hacer
del artista se centra en el tiempo heroico de la modernidad nacional,
plena de realizaciones y resultados de importancia histórica.
Percibimos su propuesta como parte de un proyecto fundado en su intención de profundizar en la revisión interesada, pero esencialmente analítica, de ejemplos singulares del arte nacional, dentro del cual ya ha presentado varias realizaciones. En este contexto propone un “encuentro” con el Aula Magna de la Ciudad Universitaria de Caracas, Patrimonio Moderno de la Humanidad, proyecto emblemático que une la arquitectura de Carlos Raúl Villanueva con la obra del escultor Alexander Calder, reconocido como ejemplo excepcional de la integración de las artes. Esa obra le permite a León, no sólo puntualizar los valores alcanzados con su realización, sino, de igual modo, cuestionar el concepto articulador de la CUC como valor fundamental en los procesos de reconstrucción de la identidad.
Los plafones acústicos creados por Calder, aquellas Nubes de los años cincuenta, reinventadas ahora por León para convertirlas en formas pictóricas le muestran al espectador una nueva lectura de un conjunto concebido y realizado dentro de la concepción vanguardista de la época. Una realización de carácter
abstracto de voluntad constructiva cuya concepción se fundaba en la
integración armónica de la arquitectura y el arte, así las obras
presentadas por León: Nubes 1, De la ciudad moderna, y Stabile, entre
otras más, todas realizadas en el presente año, en las que el creador
enfatiza la importancia del color, nos acercan a una lectura distinta
pero significativa de la propuesta calderiana. Reformula la obra
original no solo como forma, sino que plantea una visión del acto
creador que se asocia a su experiencia de artista conceptual.
Propone una obra que de manera repentina enfrenta al espectador a una imagen cercana en su memoria, tal vez muy próxima en su experiencia cotidiana, pero esencialmente distinta como propuesta plástica, y sin embargo, sigue siendo una viva referencia a la obra excepcional que acompaña el ámbito sagrado del Aula Magna. En este sentido, y con la intención de reforzar la referencia al espacio simbólico, León acompaña su trabajo con fotografías que marcan hitos emblemáticos a su alrededor.
Las formas espaciales creadas por Calder para ese recinto, cumpliendo de manera rigurosa su decisión, se hallan en lo alto suspendidas, altivas y serenas a un tiempo, formas sugerentes que a diferencia de las nubes de nuestra cotidianidad permanecen estáticas, inmóviles dentro del espacio monumental. Pero en la propuesta de León se han hecho accesibles al espectador, cercanas como hecho plástico, convertidas en planos de color. En piezas como De la ciudad Moderna y Platillos voladores, el dinamismo que las configura propician procesos vibratorios que por momentos son percibidos como vibraciones de color cercanas a las expresiones cinéticas.
Los platillos ucevistas, trasladados ahora a una tela que les sirve de soporte, se han convertido en realidades que escapan de los límites de la arquitectura. Creaciones que se articulan en el espacio y le plantean al espectador un nuevo escenario de reconocimiento alrededor de un hecho consagrado en la historia. A partir de esta experiencia es posible que surjan nuevos temas de reflexión, y por qué no, ¿de discusión?
Freddy Carreño
Noviembre de 2012
Quince artistas de diferentes generaciones indagan en la mezcla e hibridez de lenguajes en el arte actual en el proyecto expositivo que se presenta en la Sala Mendoza, bajo la curaduría de María Elena Ramos
La mezcla de lenguajes es frecuente en el arte contemporáneo, volviéndose éste cada vez más abierto, múltiple y sincrético, es decir, híbrido en el uso de géneros y tecnologías. Atendiendo a esta situación específica, la del arte que enfrenta antiguas especializaciones y se abre a otros géneros clásicos y, también, a los medios de esta época, la Sala Mendoza presenta Contaminados.
Bajo la curaduría de María Elena Ramos, con museografía de Rafael Santana y Maitena De Elguezábal, esta muestra colectiva indaga en la mezcla e hibridez de lenguajes y “ahonda en los conceptos de un arte ‘impuro’ frente al arte ‘puro’ de los antiguos géneros, superando la ‘pureza’ que exigía una disciplina artística única y especializada para cada obra. Lo contaminado es aquí lo contrario de lo impoluto, es lo que ha incorporado y aceptado la interrelación de lo distinto, el contagio incluso, la transmisión, los cruzamientos e injertos entre muy diferentes procesos y discursos. Así, pureza e impureza, lenguaje específico vs conexión de lenguajes, mestizajes y cruzamientos serán ideas centrales en este proyecto”, explica Ramos.
Magdalena Fernández, Corina Briceño, Mariana Rondón, Anita Pantin, Terry Smith, Javier León, Andrés Michelena, Enay Ferrer, Julio Pacheco, Luis Molina-Pantin, Pedro Morales, Miguel Von Dangel, Alfredo Ramírez, Misael Carpio y Kruskheylim Jhamaly son los creadores que integran el proyecto expositivo. Estos quince artistas representan diversas generaciones, desde reconocidos maestros, jóvenes con obra ya divulgada en Venezuela y el exterior, así como otros muy nóveles, desconocidos y aún en su proceso de tesis en la Universidad de las Artes.
Pese a las diferencias de los participantes, a través de sus obras se evidencia ese sincretismo al que alude Ramos: el pintor o el escultor que hacen uso del video, la valla urbana, la fotografía, la computadora, Twitter y otras redes sociales, valiéndose de diversos formatos y soportes. “No se trata ya de que un mismo creador pueda realizar sus obras en distintos momentos con muy diversos lenguajes, sino más bien de que, en una misma propuesta visual, un artista logre fusionar y hacer simultáneos muy distintos medios. Es precisamente gracias a tal mezcla —vivaz y actuante— como una obra de esta naturaleza puede llegar a existir”.
Si bien Contaminado puede ser lo que trasciende sus límites, también es lo que recibe en sí diversidades ajenas. Más allá de la hibridación del lenguaje, el proyecto muestra cruzamientos temáticos, espaciales, de temporalidades convertidas en simultáneas, de referencias visuales de artistas de otras épocas que son incorporados a las obras, de lo figurativo y lo abstracto interpenetrándose; es por ello que muchas de las obras que lo integran pueden revisarse como afines al concepto de “obra abierta”.
“Así en estos procesos contaminantes puede darse tanto un acercamiento espacial que quisiera anular todo límite como, en otros momentos, el alejamiento de unas formas desde las otras, con una —menos o más consciente— distancia crítica. La curaduría hace ver que son muchas las posibilidades del acto contaminante: recreación, generación y degeneración, revelación y puesta de relieve, integración y síntesis, multiplicación, simultaneidad, fragmentación, extrañamiento”, dice María Elena Ramos.
Contaminados responde al concepto de muestras colectivas temáticas, orientadas hacia la profundización en aspectos específicos del arte contemporáneo. Inaugura el domingo 2 de septiembre y permanecerá abierta hasta el 15 de diciembre de 2012, con horario de visita de martes a viernes, de 8:30 am a 4:30 pm, sábados 8:30 a 3:00 pm y domingos, de 11:00 am a 3:00 pm. Además, habrá una programación de eventos especiales, como charlas abiertas al público, encuentros con la comunidad universitaria, actividades virtuales, literarias y musicales, todo en correspondencia con el espíritu híbrido del proyecto.
A 55 años de su apertura, la Sala Mendoza continúa su trabajo de promoción del arte y la cultura contemporánea. El período actual plantea además otras perspectivas, alineadas con la tendencia de nuestro tiempo que involucra Espacios Expositivos con Universidades. Al estar integrada al campus de la Universidad Metropolitana, hoy la Sala Mendoza tiene la oportunidad de proponer exitosos proyectos y experiencias que dinamizan el vínculo entre la creación y el conocimiento.
Contaminados
Inauguración: Domingo, 2 de septiembre de 2012 – 11:00AM
Clausura: Domingo 15 de diciembre de 2012
Lugar: Sala Mendoza, Edificio Eugenio Mendoza Goiticoa, Plaza del Rectorado, Universidad Metropolitana, Terrazas del Ávila, Caracas
Prensa: Zoraida Depablos
Bajo el título [Des]ocupación del espacio será inaugurada una exposición individual del artista venezolano Iván Rojas, este domingo 25 de noviembre a las 11:30 a.m., en La Caja 2 del Centro Cultural Chacao, en El Rosal, con la curaduría de Ginett Alarcón.
Esta exhibición –que estará abierta hasta el 17 de febrero de 2013– está integrada por una serie de obras tridimensionales que flotan en el espacio, a través de las cuales se muestra el trabajo plástico de Iván Rojas, resultado de múltiples reflexiones y experimentaciones en torno al vacío.
En [Des]ocupación del espacio “surgen cada
vez más protagonistas los Signos móviles, un conjunto de piezas
suspendidas que en un principio «saltan» como positivos desde los
Códices de oquedad y ahora se individualizan en su ocupación del
espacio. Estas estructuras móviles de madera sugieren al espectador un
recorrido diferente. La obra inicia un diálogo entre el espacio
arquitectónico, el público y el área que define la estructura. El
movimiento azaroso, la geometría y las líneas proponen una nueva
conversación que exige participación y crean un sistema sonoro de
percusión. Estos móviles y su propuesta escultórica ofrecen diversidad
de puntos de vista que parten desde la forma de líneas ordenadas y el
color plano y puro”, según escribe la curadora Ginett Alarcón en el
texto de presentación de la muestra.
Nacido en 1965 en Nueva Esparta, Iván Rojas ha desarrollado una amplia trayectoria de más de dos décadas durante las cuales ha exhibido su obra en numerosas exposiciones individuales y colectivas, en Venezuela, México, Estados Unidos, Cuba y España, entre otros países. Asimismo, su obra se encuentra representada en colecciones privadas de Venezuela, México, Estados Unidos, España, Londres, Suiza, República Dominicana, y forma parte de la colección pública de importantes instituciones museística tales como: Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, Museo de Arte Coro, Museo Mario Abreu, Museo Francisco Narváez, Museo Nueva Cádiz, Centro Comercial Sambil. Museo de Arte Latinoamericano de los Angeles.
El público tendrá la oportunidad de apreciar la obra de este
destacado artista margariteño, del 25 de noviembre al 17 de febrero de
2013, en La Caja del Centro Cultural Chacao, ubicado en la Avenida
Tamanaco de El Rosal. El horario es de martes a sábado de 12:00 p.m. a
8:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.
Cualquier información adicional puede ser solicitada por la página web: www.culturachacao.org, o a través de las cuentas de Twitter: @culturachacao y @CculturalChacao Facebook: Centro Cultural Chacao.
Iván Rojas
[Des]ocupación del espacio
Del 25 de noviembre de 2012 al 17 de febrero de 2013
Inaguración: Domingo 25 de noviembre,11:30 a.m.
La Caja Espacio de Investigación Visual
Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco, El Rosal, Caracas, Venezuela
Texto Josefina Núñez ProDavinci
Aula Magna: Pinturas y fotografías de Javier León
en la Galería 39
Pinturas y fotografías son parte del reciente conjunto de obras, que en esta oportunidad nos presenta Javier León. La serie titulada Aula Magna pone de relieve la importancia de este monumento arquitectónico realizado por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva como demostración de la mejor integración entre arquitectura y arte que se ha realizado en Venezuela, los Stabile, Nubes o Platillos como son llamados estos imponentes elementos escultóricos realizados por Alexander Calder, que además de su contundente armonía estética cumplen una función acústica para el espacio que integran, son tomados por el artista como significante de este proyecto de modernidad, que fue sueño de progreso como ciudad, como comunidad y mejor país.La inauguración de la exposición Aula Magna se llevará a cabo el domingo 25 de noviembre a partir de las 11:00 am.
Galería 39
Calle Bolívar con Calle Instrucción. Quinta La Casona. No. 37. El Hatillo.
Teléfono: 9610023. Fax: 9613692
De martes a viernes de 11:00 am a 1:00 pm y de 2pm a 6pm, y los sábados y domingos de 11:00 am a 3:00 pm.
39galeria@gmail.com
www.39galeria.blogspot.com
Fuente: Prensa Galería 39
‘Las Nubes’ de Javier Leon
Una de las particularidades del lenguaje plástico contemporáneo lo constituye su pluridiversidad conceptual, formal y consecuentemente expresiva: asunto que podría reconocerse, en una primera lectura, como la capacidad de este medio visual de asimilar los cambios que tienen lugar en el ámbito tecnológico y convertirlos en recursos propios. Dentro de esa nueva y amplia visión, pero con otro enfoque del propósito del arte, es evidente el interés de numerosos creadores de plantear temas que particularizan los problemas de la sociedad.Percibimos su propuesta como parte de un proyecto fundado en su intención de profundizar en la revisión interesada, pero esencialmente analítica, de ejemplos singulares del arte nacional, dentro del cual ya ha presentado varias realizaciones. En este contexto propone un “encuentro” con el Aula Magna de la Ciudad Universitaria de Caracas, Patrimonio Moderno de la Humanidad, proyecto emblemático que une la arquitectura de Carlos Raúl Villanueva con la obra del escultor Alexander Calder, reconocido como ejemplo excepcional de la integración de las artes. Esa obra le permite a León, no sólo puntualizar los valores alcanzados con su realización, sino, de igual modo, cuestionar el concepto articulador de la CUC como valor fundamental en los procesos de reconstrucción de la identidad.
Los plafones acústicos creados por Calder, aquellas Nubes de los años cincuenta, reinventadas ahora por León para convertirlas en formas pictóricas le muestran al espectador una nueva lectura de un conjunto concebido y realizado dentro de la concepción vanguardista de la época. Una realización de carácter
Propone una obra que de manera repentina enfrenta al espectador a una imagen cercana en su memoria, tal vez muy próxima en su experiencia cotidiana, pero esencialmente distinta como propuesta plástica, y sin embargo, sigue siendo una viva referencia a la obra excepcional que acompaña el ámbito sagrado del Aula Magna. En este sentido, y con la intención de reforzar la referencia al espacio simbólico, León acompaña su trabajo con fotografías que marcan hitos emblemáticos a su alrededor.
Las formas espaciales creadas por Calder para ese recinto, cumpliendo de manera rigurosa su decisión, se hallan en lo alto suspendidas, altivas y serenas a un tiempo, formas sugerentes que a diferencia de las nubes de nuestra cotidianidad permanecen estáticas, inmóviles dentro del espacio monumental. Pero en la propuesta de León se han hecho accesibles al espectador, cercanas como hecho plástico, convertidas en planos de color. En piezas como De la ciudad Moderna y Platillos voladores, el dinamismo que las configura propician procesos vibratorios que por momentos son percibidos como vibraciones de color cercanas a las expresiones cinéticas.
Los platillos ucevistas, trasladados ahora a una tela que les sirve de soporte, se han convertido en realidades que escapan de los límites de la arquitectura. Creaciones que se articulan en el espacio y le plantean al espectador un nuevo escenario de reconocimiento alrededor de un hecho consagrado en la historia. A partir de esta experiencia es posible que surjan nuevos temas de reflexión, y por qué no, ¿de discusión?
Freddy Carreño
Noviembre de 2012
“Contaminados”
en la Sala Mendoza
Terry Smith – Contaminados
Quince artistas de diferentes generaciones indagan en la mezcla e hibridez de lenguajes en el arte actual en el proyecto expositivo que se presenta en la Sala Mendoza, bajo la curaduría de María Elena Ramos
La mezcla de lenguajes es frecuente en el arte contemporáneo, volviéndose éste cada vez más abierto, múltiple y sincrético, es decir, híbrido en el uso de géneros y tecnologías. Atendiendo a esta situación específica, la del arte que enfrenta antiguas especializaciones y se abre a otros géneros clásicos y, también, a los medios de esta época, la Sala Mendoza presenta Contaminados.
Bajo la curaduría de María Elena Ramos, con museografía de Rafael Santana y Maitena De Elguezábal, esta muestra colectiva indaga en la mezcla e hibridez de lenguajes y “ahonda en los conceptos de un arte ‘impuro’ frente al arte ‘puro’ de los antiguos géneros, superando la ‘pureza’ que exigía una disciplina artística única y especializada para cada obra. Lo contaminado es aquí lo contrario de lo impoluto, es lo que ha incorporado y aceptado la interrelación de lo distinto, el contagio incluso, la transmisión, los cruzamientos e injertos entre muy diferentes procesos y discursos. Así, pureza e impureza, lenguaje específico vs conexión de lenguajes, mestizajes y cruzamientos serán ideas centrales en este proyecto”, explica Ramos.
Magdalena Fernández, Corina Briceño, Mariana Rondón, Anita Pantin, Terry Smith, Javier León, Andrés Michelena, Enay Ferrer, Julio Pacheco, Luis Molina-Pantin, Pedro Morales, Miguel Von Dangel, Alfredo Ramírez, Misael Carpio y Kruskheylim Jhamaly son los creadores que integran el proyecto expositivo. Estos quince artistas representan diversas generaciones, desde reconocidos maestros, jóvenes con obra ya divulgada en Venezuela y el exterior, así como otros muy nóveles, desconocidos y aún en su proceso de tesis en la Universidad de las Artes.
Pese a las diferencias de los participantes, a través de sus obras se evidencia ese sincretismo al que alude Ramos: el pintor o el escultor que hacen uso del video, la valla urbana, la fotografía, la computadora, Twitter y otras redes sociales, valiéndose de diversos formatos y soportes. “No se trata ya de que un mismo creador pueda realizar sus obras en distintos momentos con muy diversos lenguajes, sino más bien de que, en una misma propuesta visual, un artista logre fusionar y hacer simultáneos muy distintos medios. Es precisamente gracias a tal mezcla —vivaz y actuante— como una obra de esta naturaleza puede llegar a existir”.
Si bien Contaminado puede ser lo que trasciende sus límites, también es lo que recibe en sí diversidades ajenas. Más allá de la hibridación del lenguaje, el proyecto muestra cruzamientos temáticos, espaciales, de temporalidades convertidas en simultáneas, de referencias visuales de artistas de otras épocas que son incorporados a las obras, de lo figurativo y lo abstracto interpenetrándose; es por ello que muchas de las obras que lo integran pueden revisarse como afines al concepto de “obra abierta”.
“Así en estos procesos contaminantes puede darse tanto un acercamiento espacial que quisiera anular todo límite como, en otros momentos, el alejamiento de unas formas desde las otras, con una —menos o más consciente— distancia crítica. La curaduría hace ver que son muchas las posibilidades del acto contaminante: recreación, generación y degeneración, revelación y puesta de relieve, integración y síntesis, multiplicación, simultaneidad, fragmentación, extrañamiento”, dice María Elena Ramos.
Contaminados responde al concepto de muestras colectivas temáticas, orientadas hacia la profundización en aspectos específicos del arte contemporáneo. Inaugura el domingo 2 de septiembre y permanecerá abierta hasta el 15 de diciembre de 2012, con horario de visita de martes a viernes, de 8:30 am a 4:30 pm, sábados 8:30 a 3:00 pm y domingos, de 11:00 am a 3:00 pm. Además, habrá una programación de eventos especiales, como charlas abiertas al público, encuentros con la comunidad universitaria, actividades virtuales, literarias y musicales, todo en correspondencia con el espíritu híbrido del proyecto.
A 55 años de su apertura, la Sala Mendoza continúa su trabajo de promoción del arte y la cultura contemporánea. El período actual plantea además otras perspectivas, alineadas con la tendencia de nuestro tiempo que involucra Espacios Expositivos con Universidades. Al estar integrada al campus de la Universidad Metropolitana, hoy la Sala Mendoza tiene la oportunidad de proponer exitosos proyectos y experiencias que dinamizan el vínculo entre la creación y el conocimiento.
Contaminados
Inauguración: Domingo, 2 de septiembre de 2012 – 11:00AM
Clausura: Domingo 15 de diciembre de 2012
Lugar: Sala Mendoza, Edificio Eugenio Mendoza Goiticoa, Plaza del Rectorado, Universidad Metropolitana, Terrazas del Ávila, Caracas
Iván Rojas exhibe sus Signos Móviles en La Caja 2 del Centro Cultural Chacao
Prensa: Zoraida Depablos
Bajo el título [Des]ocupación del espacio será inaugurada una exposición individual del artista venezolano Iván Rojas, este domingo 25 de noviembre a las 11:30 a.m., en La Caja 2 del Centro Cultural Chacao, en El Rosal, con la curaduría de Ginett Alarcón.
Esta exhibición –que estará abierta hasta el 17 de febrero de 2013– está integrada por una serie de obras tridimensionales que flotan en el espacio, a través de las cuales se muestra el trabajo plástico de Iván Rojas, resultado de múltiples reflexiones y experimentaciones en torno al vacío.
En [Des]ocupación del espacio “surgen cada
vez más protagonistas los Signos móviles, un conjunto de piezas
suspendidas que en un principio «saltan» como positivos desde los
Códices de oquedad y ahora se individualizan en su ocupación del
espacio. Estas estructuras móviles de madera sugieren al espectador un
recorrido diferente. La obra inicia un diálogo entre el espacio
arquitectónico, el público y el área que define la estructura. El
movimiento azaroso, la geometría y las líneas proponen una nueva
conversación que exige participación y crean un sistema sonoro de
percusión. Estos móviles y su propuesta escultórica ofrecen diversidad
de puntos de vista que parten desde la forma de líneas ordenadas y el
color plano y puro”, según escribe la curadora Ginett Alarcón en el
texto de presentación de la muestra.Nacido en 1965 en Nueva Esparta, Iván Rojas ha desarrollado una amplia trayectoria de más de dos décadas durante las cuales ha exhibido su obra en numerosas exposiciones individuales y colectivas, en Venezuela, México, Estados Unidos, Cuba y España, entre otros países. Asimismo, su obra se encuentra representada en colecciones privadas de Venezuela, México, Estados Unidos, España, Londres, Suiza, República Dominicana, y forma parte de la colección pública de importantes instituciones museística tales como: Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, Museo de Arte Coro, Museo Mario Abreu, Museo Francisco Narváez, Museo Nueva Cádiz, Centro Comercial Sambil. Museo de Arte Latinoamericano de los Angeles.
El público tendrá la oportunidad de apreciar la obra de este
destacado artista margariteño, del 25 de noviembre al 17 de febrero de
2013, en La Caja del Centro Cultural Chacao, ubicado en la Avenida
Tamanaco de El Rosal. El horario es de martes a sábado de 12:00 p.m. a
8:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.Cualquier información adicional puede ser solicitada por la página web: www.culturachacao.org, o a través de las cuentas de Twitter: @culturachacao y @CculturalChacao Facebook: Centro Cultural Chacao.
Iván Rojas
[Des]ocupación del espacio
Del 25 de noviembre de 2012 al 17 de febrero de 2013
Inaguración: Domingo 25 de noviembre,11:30 a.m.
La Caja Espacio de Investigación Visual
Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco, El Rosal, Caracas, Venezuela
“Gego y los orfebres”: exhibición en “La Ventana”, Los Galpones
Proyecto de estudio, investigación,
creación en orfebrería y exposición, desarrollado a partir de la obra de
Gego (Gertrud Goldschmidt), Hamburgo, 1912-1994. Exhibición del 18 de
noviembre al 21 de diciembre en ArtKao, Centro de Arte Los Galpones.
Proyecto de estudio, investigación,
creación en orfebrería y exposición, desarrollado a partir de la obra de
Gego (Gertrud Luise Goldschmidt), Hamburgo 1912-1994.
El objetivo primordial de la curadoría
ha sido vincular el pensamiento plástico de Gego, desde el punto de
vista de conceptos constructivos, técnicas y expresión estética, con la
joyería contemporánea. La iniciativa ofreció a los creadores de este
oficio, un camino de estudio y metodología en provecho de su desarrollo
particular, además de la posibilidad de presentar al público una visión
integradora del arte y rendir homenaje a Gego en la conmemoración de los
cien años de su natalicio.
A tales fines se realizó una
convocatoria abierta a la que aplicaron 54 participantes, se recibieron
35 propuestas y 13 fueron seleccionadas. El jurado estuvo integrado por
dos miembros de la Fundación Gego: Priscilla Abecasis y Bárbara Gunz,
además de Josefina Manrique, un orfebre invitado: Christian Gramcko y la
curadora de este proyecto Josefina Núñez.
Los orfebres que participan en la
muestra son: Maritza Alayón, Alejandra Álvarez, Ana Mercedes Carvallo,
Marianela Centeno, Graciela Gómez, Seymar Liscano, Begonia Matamoros,
José Rafael Pineda, Teresa Sansón, Mercedes Sergheiev, Yolanda Sucre,
Rafier Vera y Annabell Villet.
Fotografía Gladys Calzadilla
En los zapatos de Gego
Múltiples han sido los puntos de partida
de los orfebres. Del mismo modo, las asociaciones, variaciones e
interpretaciones propuestas. El reto ha consistido en establecer un
acuerdo entre el trabajo del participante y la diversidad de aspectos
que la obra de Gego propone. Desde el manejo ceñido de su lenguaje
plástico, mostrando los elementos formales de la composición (punto,
línea, plano y espacio) de manera sobria, sincera e integrada, sumado a
una postura vigorosa y alegre, Gego apunta a resoluciones magistrales en
todos los órdenes. Así lo testimonian quienes asumieron este
proyecto-taller. Reconocen en su obra un paradigma que, bien estudiado,
conduce a una comprensión profunda del hecho constructivo. Y qué es el
orfebre sino un constructor plástico.
El punto inicial a vencer en este
ejercicio, ha consistido en no dejarnos engañar por la sencillez de
Gego. La sintesis que ella logra es producto de una práctica de
decantación consciente. Afortunadamente se percibe, en los trabajos que
componen esta muestra, el reconocimiento de que la gracia no se
improvisa. Se recibe como un don o no se recibe.
Uno de los aspectos de Gego que más ha
motivado a los orfebres ha sido el dibujo tridimensional. El
comportamiento de la línea dentro del plano y cuando parte hacia el
espacio. Cómo producir relieves, cómo generar volumen. De este modo se
han abordado los temas de Gego, sus grabados de los años sesenta, sus
mallas, chorros, retícularea, dibujos sin papel, bichos y bichitos. En segundo lugar, la concepción modular o eslabón maestro
como principio constructivo. El partir de una forma que se multiplica a
fin de crecer estructuradamente en el espacio. No menos importante,
vinculado a lo modular, son los sistemas de articulación que Gego
llamaba anudamientos y que en orfebrería se entienden como
micromecánica: procedimiento clave en la concreción de una joya. Otra
posibilidad de lo modular consiste en crear una forma y variables a
partir de ella. Este recurso lo vemos también aprovechado en no pocos de
los trabajos. Un tercer elemento geguiano que ha servido de
trasfondo, ha sido la visión de la trama-tejido-urdimbre como materia
escultórica, liviana y transparente. Gego no se consideraba una
escultora (en el sentido tradicional del término) porque ella no
trabajaba con la masa solida (talla, modelado y vaciado) Se veía, más
bien, como una constructora porque dibujaba en el aire. Asimilada esta
lección, la vemos reflejada aquí, en el manejo de hilo, papel, telas,
tierra, especias, polvos acrílicos, resinas y caucho. Todos estos
materiales han formado parte de la pequeña pieza escultórica en la que
puede resultar una joya. La escala nos vuelve a jugar una trampa con el
ojo. Algunas de las propuestas de este conjunto bien podrían crecer en
formato y mantener intactas su belleza y realización. Por esta
invaluable compañia, te decimos gracias Gego.
Texto Josefina Núñez ProDavinci
Punto y Línea. Obras tridimensionales de Nadia Benatar en la Gsiete
La artista Nadia Benatar expone desde este domingo 18 de noviembre en los espacios de la Gsiete una serie de obras tridimensionales que forman parte de su discurso creativo desarrollado en los últimos 5 años bajo la serie Punto y Línea en la se conjuga una atmosfera poética de líneas que entran y salen del soporte, a la vez que rinde con esta muestra un homenaje a Gego, su maestra.
Partiendo del metal, - cobre, alambre - junto a la madera y mangueras de goma como soportes, Benatar presenta una serie de 15 obras en mediano formato donde la línea es interrumpida o a veces unida por esas pequeñas y diminutas esferas de plomo para crear un lenguaje de líneas y formas geométricas que flotan en el espacio.
Como lo expresara Elida Salazar en la importante muestra realizada un quinquenio atrás en los espacios de Elvira Neri cuando presentará su primera muestra sobre esta serie Punto y Línea …”su obra son siempre proyecciones de múltiples planos relacionados entre sí y motivados por la condición de sensibilizar el espacio, de forjarse en él. Ahora, Nadia comienza a realizar lo que siempre estuvo implícito en su obra: liberar al fin el trazo dentro del espacio real. Dibujar en el aire, como lo haría Gego…”.
Egresada del Instituto de Diseño Neumann, pertenece a esa generación de artistas, que sobresalen en los años Ochenta, aunque sus obras empiezan a mostrarse a mediados de los años Setenta. También forma parte de la primera promoción del Cegra (Centro de Enseñanza Gráfica). Nadia Benatar integra en sus obras los recursos aprendidos en su formación y se vale del collage, el dibujo y el ensamblaje por la libertad que ofrecen estas técnicas, para representar su discurso estético.
Nadia Benatar
Punto y Línea
Del 18 de noviembre hasta diciembre de 2012
Galería Gsiete
Centro de Arte Los Galpones
Av. Avila con 8va transversal, Los Chorros, Caracas, Venezuela
Tel: 58 212 524 6661
Prensa: Marisela Montes
Exposición Obra Reciente de Amalia Caputo - fotografías y Esperanza Mayobre - Dibujos
La galería Artepuy y el Centro Cultural Chacao, La Caja: invitan a la Inauguración de la Exposición Obra Reciente de Amalia Caputo - fotografías y Esperanza Mayobre - Dibujos, el domingo 18 de noviembre a las 11 am, en la galería Artepuy, y a la Exposición Transferencias - Amalia Caputo y Tierra a la Vista - Eperanza Mayobre, el domingo 25 de noviembre a las 11 am, en el Centro Cultural Chacao, La Caja.
Con la curaduría de Lorena González, este proyecto trae al país la
producción visual de dos creadoras venezolanas residenciadas en el
extranjero –Amalia Caputo en Miami y Esperanza Mayobre en Nueva York– a
través de una propuesta expositiva donde dialogan las diversas variables
que rodean sus trabajos creativos, como son el video, la fotografía, el
dibujo, la instalación y el performance.
“En el caso de Amalia Caputo la fotografía se despliega como el discurso crítico que le permite abordar estereotipos y asignaciones del orden hegemónico de políticas poco equivalentes a la hora de evaluar los discursos de género y el rol social de la mujer dentro de las organizaciones del poder”, mientras que para Esperanza Mayobre “es el tránsito de la existencia el evento crucial que convoca una buena parte de sus problemáticas visuales. Estructuras, quiebres, fracturas e inéditas recomposiciones consolidan armazones en movimiento constante, perspectivas de una contingencia que se suscribe desde inestabilidades más allá de la imagen”, según señala Lorena González en el texto de presentación de ambas salas.
La primera estación de este engranaje curatorial tendrá lugar en la Galería Artepuy desde el 18 de noviembre,
donde se presentará un pequeño recorrido por los trabajos más
relevantes de Amalia Caputo, e imágenes de su producción más reciente
que dan cuenta de las mitologías convulsas que a través de la imagen
esta creadora capitaliza; así como también, una muestra con los dibujos
más recientes de Esperanza Mayobre, con énfasis en la delicada inserción
que la artista elabora sobre el papel, un camino de tramas infinitas
que remiten a la pulsión física de estructuras que parecen levantarse, y
al mismo tiempo sugieren un amasijo de consecuencias desperdigadas.
Para complementar el proyecto, La Caja del Centro Cultural Chacao exhibirá desde el 25 de noviembre los procesos más instalativos y performáticos de ambas creadoras en sendas muestras. Transferencias de Amalia Caputo, “contempla una instalación conformada por un conjunto de series donde se articulan las diversas narrativas de una imagen que se ensambla y se desplaza al mismo tiempo en el espacio expositivo: la memoria privada del objeto, el presente activo de una fotografía que lo ha capturado y el futuro incierto que construirá el nuevo vínculo que establecerá con el afuera luego del desprendimiento. Miles de objetos personales registrados por la artista son colocados en la puesta en escena para invitar al espectador a llevarlos con él y así convocar la reconstrucción de otro relato”, afirma la curadora.
Por su parte, Esperanza Mayobre presenta en La Caja del Centro Cultural Chacao la instalación 'Tierra a la vista' en la que refleja la fragilidad de la imagen, por medio de un video performance que la artista realizó con una apropiada bandera del inmigrante, en un recorrido desde la Estatua de la Libertad hasta la sede de Las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York. A juicio de Lorena González, “El itinerario además de topar con una cartografía relevante en torno al tema de la inmigración también destaca las oscuridades de una situación vital que se debate en el ejercicio de realidades forzadas por la crisis, la intolerancia y la necesidad extrema”.
Obra reciente de Amalia Caputo (fotografías) y Esperanza Mayobre (dibujos)
Del 18 de noviembre hasta febrero de 2013
Galería Artepuy
Calle California con Calle Jalisco. Las Mercedes
www.artepuy.com
De lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados y domingos de 11:00 a.m. a 3:00 p.m.
Transferencias de Amalia Caputo y Tierra a la vista de Esperanza Mayobre
Del 25 de noviembre hasta febrero de 2013
La Caja del Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco de El Rosal
www.culturachacao.org
De martes a sábado de 12:00 p.m. a 8:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.
Prensa: Zoraida Depablos
Lorena González
Galería Artepuy y La Caja del CCCH exponen obras de Amalia Caputo y Esperanza Mayobre
A través de esta propuesta, dialogan las diversas variables que rodean los trabajos creativos de estas artistas, como son el video, la fotografía, el dibujo, la instalación y el performance.
Como parte de los programas de alianza que viene realizando Cultura Chacao con otras instituciones, se presentará un proyecto expositivo con la obra reciente de las creadoras venezolanas Amalia Caputo y Esperanza Mayobre, que será inaugurado este domingo 18 de noviembre a las 11:30 a.m. en la Galería Artepuy, y el domingo 25 de noviembre en La Caja del Centro Cultural Chacao.
Amalia Caputo
“En el caso de Amalia Caputo la fotografía se despliega como el discurso crítico que le permite abordar estereotipos y asignaciones del orden hegemónico de políticas poco equivalentes a la hora de evaluar los discursos de género y el rol social de la mujer dentro de las organizaciones del poder”, mientras que para Esperanza Mayobre “es el tránsito de la existencia el evento crucial que convoca una buena parte de sus problemáticas visuales. Estructuras, quiebres, fracturas e inéditas recomposiciones consolidan armazones en movimiento constante, perspectivas de una contingencia que se suscribe desde inestabilidades más allá de la imagen”, según señala Lorena González en el texto de presentación de ambas salas.
Esperanza Mayobre
Para complementar el proyecto, La Caja del Centro Cultural Chacao exhibirá desde el 25 de noviembre los procesos más instalativos y performáticos de ambas creadoras en sendas muestras. Transferencias de Amalia Caputo, “contempla una instalación conformada por un conjunto de series donde se articulan las diversas narrativas de una imagen que se ensambla y se desplaza al mismo tiempo en el espacio expositivo: la memoria privada del objeto, el presente activo de una fotografía que lo ha capturado y el futuro incierto que construirá el nuevo vínculo que establecerá con el afuera luego del desprendimiento. Miles de objetos personales registrados por la artista son colocados en la puesta en escena para invitar al espectador a llevarlos con él y así convocar la reconstrucción de otro relato”, afirma la curadora.
Por su parte, Esperanza Mayobre presenta en La Caja del Centro Cultural Chacao la instalación 'Tierra a la vista' en la que refleja la fragilidad de la imagen, por medio de un video performance que la artista realizó con una apropiada bandera del inmigrante, en un recorrido desde la Estatua de la Libertad hasta la sede de Las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York. A juicio de Lorena González, “El itinerario además de topar con una cartografía relevante en torno al tema de la inmigración también destaca las oscuridades de una situación vital que se debate en el ejercicio de realidades forzadas por la crisis, la intolerancia y la necesidad extrema”.
Obra reciente de Amalia Caputo (fotografías) y Esperanza Mayobre (dibujos)
Del 18 de noviembre hasta febrero de 2013
Galería Artepuy
Calle California con Calle Jalisco. Las Mercedes
www.artepuy.com
De lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados y domingos de 11:00 a.m. a 3:00 p.m.
Transferencias de Amalia Caputo y Tierra a la vista de Esperanza Mayobre
Del 25 de noviembre hasta febrero de 2013
La Caja del Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco de El Rosal
www.culturachacao.org
De martes a sábado de 12:00 p.m. a 8:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.
Prensa: Zoraida Depablos
Amalia Caputo / Esperanza Mayobre
La obra de un artista contempla un proceso amplio de circunstancias,
logros, caminos y vicisitudes que van consolidando su propia
trayectoria. La exhibición es el momento crucial donde dispone sus
hallazgos en confrontación directa con el espacio museográfico y el
espectador. Focalizados en evaluar algunos puntos de este recorrido, el
Centro Cultural Chacao y la Galería Artepuy se han unido para recibir la
producción visual de dos creadoras venezolanas que residenciadas en el
extranjero traen a nuestro país las resonancias de varios de sus
procesos actuales, un itinerario donde el video, la fotografía, el
dibujo, la instalación y el performance abren las puertas de un nutrido
diálogo entre las diversas variables que rodean los períodos
individuales de la creación.
En el caso de Amalia Caputo la fotografía se despliega como el
discurso crítico que le permite abordar estereotipos y asignaciones del
orden hegemónico de políticas poco equivalentes a la hora de evaluar los
discursos de género y el rol social de la mujer dentro de las
organizaciones del poder. En el caso de la Galería Arte Puy, un pequeño
recorrido por los trabajos más relevantes así como imágenes de su
producción más reciente, dan cuenta de las mitologías convulsas que a
través de la imagen esta creadora capitaliza: dinámicas impalpables de
una reflexión interna que se universaliza en los ritos de un cuerpo en
tránsito complejo entre la demanda del adentro y las legislaciones del
afuera. En La Caja, la sensibilidad de la imagen figurada de las grandes
series se traslada al proceso interno de una fotografía que se levanta
como espectáculo efímero de entrega y acción. Miles de objetos
personales registrados por la artista son colocados en la puesta en
escena para invitar al espectador a llevarlos con él y así convocar la
reconstrucción de otro relato. Bajo el título Transferencias la
instalación engrana las diversas narrativas de una imagen que se
ensambla y se desplaza al mismo tiempo en el espacio expositivo: la
memoria privada del objeto, el presente activo de una fotografía que lo
ha capturado y el futuro incierto que construirá el nuevo vínculo que
establecerá con el afuera luego del desprendimiento.
Para Esperanza Mayobre es el tránsito de la existencia el evento
crucial que convoca una buena parte de sus problemáticas visuales.
Estructuras, quiebres, fracturas e inéditas recomposiciones consolidan
armazones en movimiento constante, perspectivas de una contingencia que
se suscribe desde inestabilidades más allá de la imagen. Sus dibujos más
recientes estarán en la Galería Arte Puy, reforzando en la delicada
inserción que la creadora elabora sobre el papel, un camino de tramas
infinitas que remiten a la pulsión física de estructuras que al tiempo
que parecen levantarse, también sugieren un amasijo de consecuencias
desperdigadas. En la instalación Tierra a la vista exhibida en La Caja
del Centro Cultural Chacao, esta misma fragilidad es reflejada por el
video performance que la artista realizó con una apropiada bandera del
inmigrante en un recorrido desde la Estatua de la Libertad hasta la sede
de Las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York. El itinerario además
de topar con una cartografía relevante en torno al tema de la
inmigración también destaca las oscuridades de una situación vital que
se debate en el ejercicio de realidades forzadas por la crisis, la
intolerancia y la necesidad extrema. En esta oportunidad el asta de la
bandera culmina en un instrumento de limpieza con el que va recopilando
la tierra indefinida del ciudadano que ha abandonado el propio terruño:
límites, bordes y rastros perdidos de esas zonas de deterioro tan
predominantes en los simbolismos e ilusiones globales de nuestro
presente actual.
Lorena González
Exposición "Traspasando fronteras".
Obras de Marylee Coll, Consuelo Ginnari, Ana María Olalde y Patricia Van Dalen.
Curaduría Susana Benko
Taller de Bicicletas interviene en el Bulevar Petare
17 de noviembre 2012 de 2 pm a 7 pm
Plataforma creativa urbana Taller de Bicicletas con el apoyo
de la Alcaldía del municipio Sucre, quienes a través de su Fundación José Ángel
Lamas y los distintos entes culturales que hacen vida en el Centro Histórico de
Petare celebrará la reinauguración del Teatro César Rengifo con una 2da
Interferencia en Petare convirtiendo las calles junta las demás actividades de
este pintoresco sector de la ciudad en un gran escenario para las distintas
artes el día 17 de noviembre .
En el marco de nuestro tercer aniversario Taller de
Bicicletas regresa al casco histórico de Petare para realizar la segunda
interferencia en el casco histórico de Petare, luego de la efectuada con
pendones en el 2010. Esta vez se realizará un tendedero lumínico con franelas
blancas y dispositivos LED, asimismo, se contará con el apoyo de aliados, tales
como, el activista urbano Pax quien
liberaran libros en los espacios público de Petare, los artistas urbano como Saz
Oner y Flix quienes realizaran un mural que vendrá precedido por un taller de
arte en los espacios públicos dictado por Douglas García R y los video de
artistas como Bakro y Dalia Ferreira quienes mostrarán sus trabajos a todos los
asistentes de un evento que han llamado Bulevar Petare 2012 .
El proyecto Bulevar Petare 2012 se desarrollará con unas 40
actividades a lo largo de un circuito conformado por un conjunto de espacios
culturales entre los cuales destaca la Fundación Lamas, la Fundación Bigott, la
Casa Parroquial, el Teatro César Rengifo, el Museo de Petare y su
estacionamiento, la Casa de la Cultura de Petare, la Capilla María Magdalena,
la iglesia del Dulce Nombre de Jesús, la plaza Sucre y las estrechas calles del
propio Centro Histórico de Petare la cuales serán cerrada al transito automotor
para darle cabida a una programación de actividades musicales, dancísticas,
teatrales, audiovisuales, gastronómicas, expositivas, intervenciones urbanas,
artes de calle y demás iniciativas que permitan proyectar el talento local,
generar un rato de sano esparcimiento y fomentar el arte como recurso para el
rescate de los espacios públicos y de la convivencia ciudadana.
Es propicio destacar que la Alcaldía de Sucre proporcionará
un servicio de transporte permanente y gratuito para todos los visitantes, que
partirá desde la calle de servicios detrás del CC Millenium hasta la plaza
Sucre de Petare, con retorno al mismo punto de salida, en un horario corrido
desde las 1:30 p.m. hasta las 8.30 p.m. La seguridad estará a cargo de la
policía de Sucre, la policía de circulación y protección civil de Sucre.
La invitación entonces, es para que nos acompañen en nuestro proyecto “El ARTE DE
HACER CIUDAD” y con ello, formar parte de nuestra 2da interferencia en Petare a
partir de las 12 de mediodía para quienes deseen participar en el montaje,
desde luego, para que apoyen y disfruten del proyecto Bulevar Petare 2012,
seguro lograremos cambiar tu manera de ver y sentir a Petare.
Los Amigos de Manifiesta - Colectiva en el Ateneo de Caracas
El domingo 10 de noviembre el Ateneo de Caracas recibe en sus
espacios las obras de “Manifiesta”, el colectivo de creadores
independientes que desde 2005 se han venido reuniendo con la idea
reflexionar sobre la realidad nacional, y proporcionar imágenes y lemas
dirigidos a incentivar la participación ciudadana en los procesos de
cambios que precisa el país.
Pero ahora, estos ocho creadores venezolanos de diferentes disciplinas que conforman el grupo, junto con algunos amigos y compañeros que los han acompañado, han decidido salir del ámbito político y simplemente mostrar sus trabajos, para “estar juntos y celebrar el arte”.
Ellos son Marco Aguilar, Marcel Antonorsi, Ricardo Benaím, Waleska
Belisario, Germán Cabrera, Maricarmen Carrillo, Isabel Cisneros, Rosana
Faría, Oscar Lucien, María Fernanda Sosa, Alejandro Szylagyl y Rosa
Virginia Urdaneta, artistas plásticos, visuales, ilustradores y
fotógrafos, cuyos trabajos dan cuenta de una creatividad muy
contemporánea.
La muestra se abre al público este domingo a las 11 am, en los espacios expositivos del Ateneo de Caracas, avenida La Salle, quinta La Colina, Colinas de Los Caobos, subida a Venevisión.
Hay estacionamiento y vigilancia
Los Amigos de Manifiesta
Inauguración: Domingo 11 de noviembre de 2012, 11am
Ateneo de Caracas
Av. La Salle. Colinas de Los Caobos
Qta. La Colina. Primera casa a mano derecha, subiendo hacia Venevisión
Tel. 0212 781.7624, 793.7015
Mayor información a través del teléfono 0212 793. 7015.
www.facebook.com/ateneodecaracas
@ateneodecaracas
Prensa Ateneo de Caracas
Pero ahora, estos ocho creadores venezolanos de diferentes disciplinas que conforman el grupo, junto con algunos amigos y compañeros que los han acompañado, han decidido salir del ámbito político y simplemente mostrar sus trabajos, para “estar juntos y celebrar el arte”.
Isabel Cisneros
La muestra se abre al público este domingo a las 11 am, en los espacios expositivos del Ateneo de Caracas, avenida La Salle, quinta La Colina, Colinas de Los Caobos, subida a Venevisión.
Hay estacionamiento y vigilancia
Los Amigos de Manifiesta
Inauguración: Domingo 11 de noviembre de 2012, 11am
Ateneo de Caracas
Av. La Salle. Colinas de Los Caobos
Qta. La Colina. Primera casa a mano derecha, subiendo hacia Venevisión
Tel. 0212 781.7624, 793.7015
Mayor información a través del teléfono 0212 793. 7015.
www.facebook.com/ateneodecaracas
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Prensa Ateneo de Caracas
La
Temporo-Espacial: Esculturas de Luis Millé en GBG Arts
Repercusiones. Unas líneas sobre la obra reciente de Luis Millé
Lorena GonzálezArtista que se inició en la escena de las artes visuales durante los años ochenta, se inscribe dentro de las variables que estas referencias han desarrollado en la actualidad. Su escultura, más que un objeto de relaciones geométricas cerrado sobre sí mismo, se apertura hacia las reacciones que este nudo de cadencias tiene sobre las zonas circundantes que le rodean, involucrando a su vez y en la propia trama interna de cada estructura, las resonancias posibles de un entorno que propiciará los lineamientos visuales del esperado intercambio sensorial con el espectador.
Luis Millé
"Temporo-Espacial"
Inauguración: Jueves, 8 de noviembre de 2012. 07:30 p.m
Cierre: Domingo, 17 de febrero de 2013
GBG Arts
Av. Principal de Prados del Este
Galpón #2 (venta de lanchas)
Teléfono: 58 212 975 22 09
Celular: 58 0412 213 36 19
www.gbgarts.com
Horario de atención al público:
Martes a Viernes: 09:30am – 12:30m / 03:00pm - 06:00pm
Sábados y Domingos: 11:00am – 03:00pm
Prensa GBG Arts
GISELA ROMERO
ARTISTA MÚLTIPLE DEL MES DE NOVIEMBRE
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Gisela
Romero es una Artista Visual que fusiona la imagen con la palabra,
experimentando con el Dibujo y las Técnicas de Impresión. Es una artista
polifacética que ha incursionado en diversos campos de las artes
plásticas, manejando distintos géneros y técnicas y apropiándose de cada
uno de sus lenguajes de manera natural. El uso combinado de géneros y
técnicas sugieren tensiones, opuestos y contrastes, tanto conceptuales
como formales que identifican su estética. Su investigación plástica
se fundamenta en el territorio de las dualidades; en su obra hay a la
vez rigurosidad y encuentros con el azar.
Romero se formó en el Instituto de Diseño, Fundación Neumman, en Caracas y en 1982 obtuvo el título de Diseñadora Gráfica. En 1985 recibe con honores el título de Licenciado en Bellas Artes del California College of Arts en Oakland y posteriormente en 1992, el Master en Bellas Artes del Pratt Institute de New York. Previo a su formación en artes plásticas estudió Literatura en la Universidad Central de Venezuela desde 1979 hasta 1982 y desde 1993 participa en Talleres de Gráfica en el Studio Camnitzer, Valdottavo, Italia, y de poesía y narrativa en ICREA y el Centro Cultural Trasnocho en Caracas, Venezuela.
Desde 1985 Gisela Romero ha trabajado en proyectos de Arte y ha sido docente enseñado Ilustración, Escritura Creativa y Gráfica Experimental y ha participado en Residencias de Artistas en Italia, España y los Estados Unidos. Romero ha producido 7 libros de Artista (“Ni Aquí, Ni Allá“, “Cinco Estaciones”, “El Bostezo del Caos”, “Amor y Desamor”, “Mar y Desierto”, “Lenguas de Paso” y “Vírgenes y Rejas”). En 2005 publica su poemario “Lo Contrario”, editorial Memorias de Altagracia, Colección Celacanto de Poesía. Asimismo, desde 1998 trabaja como voluntaria en la Fundación Acción (Fundación que trabaja con HIV/SIDA).
La artista ha participado en bienales y exposiciones representando a su país y su trabajo puede ser visto en colecciones públicas y privadas.
Algunas de sus exposiciones individuales han sido:
2010 “AVATARES”, Galería Artepuy, Caracas.
2008 “REVÉS”, Galería Artepuy.
2005 “DIBUJO LIBRE”, Alianza Francesa, Caracas.
2005 “OBRA RECIENTE” Galería Moro, Maracaibo.
2003 “REJAS”, Galería 39, Caracas.
2001 “IN REVERSE”, Studio Soto, Boston.
2000 “DE ADENTRO HACIA AFUERA”, Galería 39, Caracas.
2000 “NI AQUÍ, NI ALLÁ”, Sala Mendoza, Caracas.
1995 “CONTRARIOS”, Galería Namia Mondolfi, Caracas.
1994 “SISTEMAS”, Galería Namia Mondolfi, Caracas.
Una selección de los premios recibidos por la artista:
2011 Primer Premio XIV Bienal de Miniaturas Gráficas Luisa Palacios, TAGA. Portada de Catálogo otorgada por CAF.
2009 Mención Especial, VII Salón “Arte y Ciencia”, Universidad Simón Bolívar, Caracas.
2004 Mención Honorífica, XI Bienal de Miniaturas Gráficas, TAGA.
2002 Fundación Valparaíso, Mojácar, España, Grant, Artista en Residencia.
2001 WSW, Women’s Studio Workshop, Rosendale, New York, Grant, Artista en Residencia.
2000 Premio Mención Fundación Banco Mercantil, Gráfica Experimental, II Bienal de Artes Gráficas de Caracas.
1999 Helene Wurlitzer Foundation, Taos, New Mexico, Grant, Artista en Residencia.
1994 Premio Ferro de Venezuela, categoría esmalte sobre metal, XXII Salón Nacional de las Artes del Fuego, Valencia.
1991 Beca International Peace Scholarship Fund, P.E.O. Sisterhood International.
1990 Beca de Artes Plásticas, Organización de Estados Americanos.
Romero se formó en el Instituto de Diseño, Fundación Neumman, en Caracas y en 1982 obtuvo el título de Diseñadora Gráfica. En 1985 recibe con honores el título de Licenciado en Bellas Artes del California College of Arts en Oakland y posteriormente en 1992, el Master en Bellas Artes del Pratt Institute de New York. Previo a su formación en artes plásticas estudió Literatura en la Universidad Central de Venezuela desde 1979 hasta 1982 y desde 1993 participa en Talleres de Gráfica en el Studio Camnitzer, Valdottavo, Italia, y de poesía y narrativa en ICREA y el Centro Cultural Trasnocho en Caracas, Venezuela.
Desde 1985 Gisela Romero ha trabajado en proyectos de Arte y ha sido docente enseñado Ilustración, Escritura Creativa y Gráfica Experimental y ha participado en Residencias de Artistas en Italia, España y los Estados Unidos. Romero ha producido 7 libros de Artista (“Ni Aquí, Ni Allá“, “Cinco Estaciones”, “El Bostezo del Caos”, “Amor y Desamor”, “Mar y Desierto”, “Lenguas de Paso” y “Vírgenes y Rejas”). En 2005 publica su poemario “Lo Contrario”, editorial Memorias de Altagracia, Colección Celacanto de Poesía. Asimismo, desde 1998 trabaja como voluntaria en la Fundación Acción (Fundación que trabaja con HIV/SIDA).
La artista ha participado en bienales y exposiciones representando a su país y su trabajo puede ser visto en colecciones públicas y privadas.
Algunas de sus exposiciones individuales han sido:
2010 “AVATARES”, Galería Artepuy, Caracas.
2008 “REVÉS”, Galería Artepuy.
2005 “DIBUJO LIBRE”, Alianza Francesa, Caracas.
2005 “OBRA RECIENTE” Galería Moro, Maracaibo.
2003 “REJAS”, Galería 39, Caracas.
2001 “IN REVERSE”, Studio Soto, Boston.
2000 “DE ADENTRO HACIA AFUERA”, Galería 39, Caracas.
2000 “NI AQUÍ, NI ALLÁ”, Sala Mendoza, Caracas.
1995 “CONTRARIOS”, Galería Namia Mondolfi, Caracas.
1994 “SISTEMAS”, Galería Namia Mondolfi, Caracas.
Una selección de los premios recibidos por la artista:
2011 Primer Premio XIV Bienal de Miniaturas Gráficas Luisa Palacios, TAGA. Portada de Catálogo otorgada por CAF.
2009 Mención Especial, VII Salón “Arte y Ciencia”, Universidad Simón Bolívar, Caracas.
2004 Mención Honorífica, XI Bienal de Miniaturas Gráficas, TAGA.
2002 Fundación Valparaíso, Mojácar, España, Grant, Artista en Residencia.
2001 WSW, Women’s Studio Workshop, Rosendale, New York, Grant, Artista en Residencia.
2000 Premio Mención Fundación Banco Mercantil, Gráfica Experimental, II Bienal de Artes Gráficas de Caracas.
1999 Helene Wurlitzer Foundation, Taos, New Mexico, Grant, Artista en Residencia.
1994 Premio Ferro de Venezuela, categoría esmalte sobre metal, XXII Salón Nacional de las Artes del Fuego, Valencia.
1991 Beca International Peace Scholarship Fund, P.E.O. Sisterhood International.
1990 Beca de Artes Plásticas, Organización de Estados Americanos.
Ocho artistas venezolanos contemporáneos exponen en 'Selección' - Galería La Cuadra
Ocho artistas venezolanos contemporáneos muestran trabajos en los cuales coincide un interés por lo concreto, la geometría, lenguajes reduccionistas, además de ciertas ideas conceptuales
Selección, una exposición colectiva que reúne a ocho artistas plásticos venezolanos se abre al público en la Galería La Cuadra el domingo 4 de noviembre a partir de las once de la mañana. Las tendencias abstracto-geométricas y de marcada influencia minimalista, así como ideas conceptuales que han sido retomadas y ‘reinventadas’ con insistencia en la primera década del presente siglo por creadores visuales a nivel internacional, están presentes en las propuestas bi y tridimensionales de los artistas que conforman esta exhibición de grupo. Vicente Antonorsi, Sigfredo Chacón, Alexander Gerdel, José Antonio Hernández-Diez, Gerd Leufert, Víctor Lucena, Rodrigo Machado Iturbe y Roberto Obregón, conforman la muestra.De Antonorsi podrá verse su más reciente serie de obras titulada Marco, piezas realizadas en madera contraenchapada calada, de formato cuadrado, que suspendidas del techo de manera imperceptible y separadas de la pared frotan en el espacio, acentuando el vacío material que ya de por sí tienen.
Roberto Obregón. Disección 1
En la obra titulada Glucometría azul, Gerdel utiliza de manera límpida y serial los dispositivos usados en los exámenes de laboratorio para medir los niveles de glicemia en la sangre, creando un diseño que emula una trama cinética.
Del destacado creador Hernández-Diez se exhiben dos piezas: Buscando a Juanita # 2, una imagen fotográfica a gran escala en la cual sobrepone a un close-up de un rostro femenino un enorme lente de contacto a un lado de la cara del enigmático personaje, y una instalación de cajas de cartón corrugado de las utilizadas como contenedores de la típica Maizina Americana, emblema alimenticio del venezolano.
José Antonio Hernández-Diez. Buscando a Juanita #2
Lucena, uno de los creadores no solo venezolano sino latinoamericano precursor de la contemporaneidad, quien en la década de los setenta del pasado siglo realizara una obra de carácter conceptual de singular importancia a nivel internacional, participa en Selección con Space shock dimension N superficies 1991. Tus. Lucena 2008 y su similar 2009 con idéntico título, ejecutadas en láminas de aluminio intervenidas, donde desarrolla círculos, óvalos y elipses que se superponen entre sí.
Siguiendo los internacionalmente y cada día más reconocidos aportes del arte venezolano contemporáneo a movimientos seminales del siglo XX como el arte cinético, óptico y retinal, Machado Iturbe con sus Opticinéticos inventa y actualiza formas bidimensionales donde líneas de un mismo grosor en negro absoluto sobre superficies blancas planas o viceversa, crean movimientos gráficos que engañan la retina del espectador, insinuando volúmenes inexistentes.
Obras de Gerd Leufert y Sigfredo Chacón
Selección ofrece opciones de obras representativas de creadores visuales de tres generaciones que brindan una visión actualizada y vigente de momentos significativos del arte venezolano del último medio siglo, donde tendencias, conceptos y medios expresivos disímiles dialogan en un discurso coherente que señala una clara visión de momentos claves del arte nacional.
La inauguración de la exposición Selección se llevará a cabo el domingo 4 de noviembre a partir de las 11:00 am y permanecerá abierta hasta el domingo 13 de enero de 2013. La Galería La Cuadra está situada en la Cuadra Creativa-Gastronómica, en la 6ta transversal entre las 3ra y 4ta avenidas de Los Palos Grandes, Caracas. El horario de apertura al público es de martes a viernes de 11:00 am a 6:00 pm, y los sábados y domingos de 11:00 am a 3:00 pm.
Caracas, octubre de 2012
Selección
Vicente Antonorsi / Sigfredo Chacón / Alexander Gerdel / José Antonio Hernández-Diez / Gerd Leufert / Víctor Lucena / Rodrigo Machado Iturbe / Roberto Obregón
Del 4 de noviembre de 2012 al 13 de enero de 2013
Inauguración: 4 de noviembre, 11:00am
Galería La Cuadra
Cuadra Creativa-Gastronómica, 6ta transversal entre las 3ra y 4ta avenidas de Los Palos Grandes
Caracas, Venezuela
Martes a viernes de 11:00 am a 6:00 pm.
Sábados y domingos de 11:00 am a 3:00 pm.
Prensa Galería La Cuadra
Paul Parrella interviene el MAO con su ‘Materia Flotante’
Paul Parrella nos presenta una obra in situ del elemento más etéreo y
efímero del paisaje, donde reinvierte el color de la nube, de ese sutil
blanco al negro
Prensa Fundación Museos Nacionales (octubre 2012) Paul Parrella, desde el territorio de la naturaleza, del paisaje, y en su afán de observación directa de las nubes como materia de estudio plenará la sala 6 del Museo Alejandro Otero, desde el domingo 28 de octubre, con su interpretación plástica de esta materia ondulante ahora convertida en masa estructurada y como objeto palpable y determinado, a través de la exposición Materia flotante. Paul Parrella.
Tal como lo refiere el texto de Starsky Brines a
propósito de esta muestra, este joven artista recurre a este elemento
flotante “(..) para confrontarla con el sujeto, en una suerte de pequeño
laboratorio de la visión y, de esa manera, erigirnos como excelsos
observadores de las nubes (…) para ahora, en su determinación,
acercarnos y hacernos concientes de nuestra propia existencia”.
Parrella, joven creador nacido en Cumaná, procura -a través de su intervención en las paredes de la sala 6 con pintura acrílica y con tinta en el ventanal que se impone en este espacio- llevar al visitante el registro, el testimonio de contemplación que, ya desde hace algún tiempo, ejecuta desde su taller y otros espacios de creación, por medio del dibujo y la pintura.
Jhonny Fung, curador de Materia flotante. Paul
Parrella, comenta respecto a la intención del estudio creativo de
Parrella: “Paul Parrella nos presenta una obra in situ del elemento más
etéreo y efímero del paisaje, donde reinvierte el color de la nube, de
ese sutil blanco al negro; convirtiéndola en volumen o cuerpo, dándole
un peso y revalorizándola como un elemento compositivo único del estudio
del paisaje en su propuesta plástica, desde la pintura, el dibujo y la
fotografía”.
El mensaje de la muestra Materia flotante. Paul Parrella considera vital transferir a las personas la importancia en invertir un poco más de tiempo en la observación consciente de lo que nos rodea en la cotidianidad.
Prensa: Ana Dos Santos. FMN
Prensa Fundación Museos Nacionales (octubre 2012) Paul Parrella, desde el territorio de la naturaleza, del paisaje, y en su afán de observación directa de las nubes como materia de estudio plenará la sala 6 del Museo Alejandro Otero, desde el domingo 28 de octubre, con su interpretación plástica de esta materia ondulante ahora convertida en masa estructurada y como objeto palpable y determinado, a través de la exposición Materia flotante. Paul Parrella.
Parrella, joven creador nacido en Cumaná, procura -a través de su intervención en las paredes de la sala 6 con pintura acrílica y con tinta en el ventanal que se impone en este espacio- llevar al visitante el registro, el testimonio de contemplación que, ya desde hace algún tiempo, ejecuta desde su taller y otros espacios de creación, por medio del dibujo y la pintura.
El mensaje de la muestra Materia flotante. Paul Parrella considera vital transferir a las personas la importancia en invertir un poco más de tiempo en la observación consciente de lo que nos rodea en la cotidianidad.
Prensa: Ana Dos Santos. FMN
Oswaldo Vigas
Constructivista París 1953-1957
Miércoles 28 de noviembre a las 6 pm
2441 NW 2da. Ave.
Miami Florida 33127 Estados Unidos
Información: www.ascasogallery.com
Encuentro con Rick Sammon en Roberto Mata Taller de Fotografía
El viernes 9 de noviembre RMTF recibe al fotógrafo estadounidense Rick Sammon,
quien compartirá sus experiencias, anécdotas y conocimientos en una
charla abierta al público; el evento se realizará en la sede de la
escuela a las 8:00 de la nocheRick Sammon es uno de los fotógrafos más activos del planeta: ha hecho imágenes publicitarias, submarinas y de lugares, personas y culturas de diferentes partes del mundo. Sammon también ha sido pionero en el uso de nuevas tecnologías y ha producido aplicaciones de fotografía para iPad y iPhone, que tienen que ver con técnicas básicas, las bondades de la alta resolución y Marketing y Social Media para fotógrafos, entre otros contenidos. “Mi especialidad es no especializarme”, ha dicho en más de una ocasión.
En la charla que ofrecerá en los espacios de RMTF el viernes 9 de noviembre, el fotógrafo estadounidense hablará sobre asuntos que, a su parecer, son básicos en cualquier trabajo fotográfico como Luz ―cómo vemos lo que nuestras cámaras ven, por qué es tan importante ver el rango de contraste en una escena―, Composición ―vital en la manera de mirar― y Objeto ―no subestimar la importancia de un buen tema―. También conversará sobre algunas reglas y cuándo conviene romperlas.
En su presentación, Sammon compartirá sus imágenes recientes con el público, cada una acompañada por un consejo técnico o anécdota sobre la misma, “no es sólo una muestra de cuadros bonitos”, dice. El encuentro es abierto al público y será transmitido en vivo a través de Internet, en colaboración con Tráfico Visual (www.livestream.com/traficovisual), como una manera de facilitar la interacción entre el invitado y los asistentes, reales y virtuales.
Rick Sammon (Estados Unidos) se formó como compositor en Berklee College of Music (Boston), pero cambió la música por la fotografía. Ha publicado más de 30 libros, incluyendo Flying Flowers, ganador del Premio Golden Light, y Hide and See Under the Sea, que obtuvo el Premio Ben Franklin. Nominado para el Salón de la Fama de Photoshop, por ser considerado uno de los mejores expertos en imagen digital de hoy. Es cofundador de Digital Photography Experience, con Juan Pons. Fue elegido Canon Explorer of Light, y es el autor de las lecciones de la Canon Digital Rebel XT en Canon Digital Learning Center. Cada año, da talleres y clases de fotografía, así como seminarios y presentaciones, en diversos países.
Roberto Mata Taller de Fotografía es una escuela que pretende recrear un ambiente en el cual los alumnos armonicen el reto que supone la concepción de una imagen y el apoyo mismo que implique obtenerla. Asimismo, es un espacio que se dedica a promover e intercambiar ideas sobre todo lo que se refiere al hecho fotográfico. Desde sus inicios –en agosto de 1993- ha atendido más de 2000 alumnos, muchos de los cuales se mantienen vinculados activamente al Taller y a la fotografía.
Encuentro con Rick Sammon
Fecha: viernes 9 de noviembre de 2012
Hora: 8:00 PM
Entrada libre
Lugar: Roberto Mata Taller de Fotografía, Av. Trieste con Av. Madrid, La California Sur (www.robertomata.net)
Prensa: Militza Zúpan
Verónica: Sandra Gamarra y la estética del escepticismo – Carmen Araujo Arte
Carmen Araujo Arte presenta la primera individual de Sandra Gamarra en Venezuela
Sandra Gamarra. Autocensura con paño de pudor VI (Detalle). Óleo sobre papel. 2012
Verónica remite a sus raíces etimológicas: “vera icon”, o “imagen verdadera”, significado alusivo a la “impresión milagrosa” de la “imagen verdadera de cristo” en la reliquia cristiana conocida como “Manto de Santa Verónica”.
Bajo este orden de ideas, partiendo desde la resignificación del imaginario religioso como eje de reflexión, la presente exhibición, primera individual de Gamarra en Venezuela, propone una aproximación crítica a la imagen mediática, específicamente la imagen de prensa, como referente de verdad. Es decir, propone un cuestionamiento a la interpretación de las representaciones mediáticas como “imágenes verdaderas del mundo”.
De esta manera, la artista peruana apela, desde la pintura como recurso experimental y reflexivo, a la construcción de un entramado de significaciones visuales que pretende conducir al espectador a la duda activa. Propone de esta forma la articulación de un escepticismo sensible orientado a cuestionar el relato de certeza que intentan construir las imágenes y la textualidad de los medios impresos de comunicación y, simultáneamente, esta praxis artística propicia en un mismo impulso la reflexión crítica sobre el propio campo del arte como espacio de representación.
La pintura religiosa, la pintura de escenas históricas, el paisaje, el retrato, son algunos de los referentes de la tradición pictórica occidental que Gamarra incorpora a sus trabajos desde una perspectiva conceptual, crítica, auto-reflexiva y desde una tradición de resistencia a la hegemonía de los discursos articulados desde las certezas que sustentan los regímenes de verdad y del poder: “cuando hago uso de la pintura lo hago desde la certidumbre que el espectador contemporáneo, al enfrentarse a ésta, se enfrenta a todo lo que ella representa en la actualidad y todo lo que la tradición pictórica occidental implica. Me interesa sobretodo el rechazo que pueda suscitar la pintura, no un rechazo emotivo, sino un rechazo de tipo conceptual (…) Aunque sigo pintando, considero que hace tiempo dejé de pintar, en mi trabajo la pintura deja de ser una finalidad en si misma”, señala la artista.
Sandra Gamarra. Cómplices (Detalle). Recortes de prensa y óleo sobre papel. 2012
Sandra Gamarra realizó estudios de Pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima y en el año 2003 finaliza un doctorado en la Facultad de Arte de Cuenca, España. Gamarra ha realizado numerosas exposiciones individuales, entre las cuales destacan Mantos, Galería Leme, São Paulo, Brasil (2011); At the Same Time, Bass Museum of Art, Miami, EUA (2011); En Orden de Aparición, Galería Juana de Aizpuru, Madrid, España (2010); The Guest, Rotwand Gallery, Zurich, Suiza (2009) y La Ilusión del Uso, Galería Lucía de la Puente, Lima, Perú (2009).
Sandra
Gamarra. De la serie Dichosos los que sufren, porque esos van a recibir
consuelo. Mateo 5,4. 22,5 x 29 cm. Óleo sobre tela. 2012
Sandra Gamarra
Verónica
Del 4 de noviembre al 16 de diciembre de 2012
Inauguración: Domingo 04 de noviembre de 2012. Hora: 11:00 am.
Carmen Araujo Arte
Calle Rafael Rangel Sur, Hacienda La Trinidad,
Secadero No. 2. Urbanización La Trinidad.
Teléfono: 0212 9150789
Prensa Carmen Araujo Arte
Fundación BBVA Provincial presenta la exposición “Más allá de la imagen”
| Hasta el 2 de diciembre |
 La
Fundación BBVA Provincial presenta la exposición “Más allá de la
imagen”, iniciativa que tiene como objetivo mostrar la dimensión
estética y poética de la fotografía, a través del lenguaje de cinco
creadores venezolanos.
El trabajo de los artistas busca
transmitir emociones diferentes que lleven a valorizar la fotografía en
su dimensión más profunda. Las obras han sido seleccionadas con la
intención de generar diferentes sensaciones en el espectador, por medio
de los diversos enfoques de los artistas.
Entre los expositores se encuentran Ana
Luisa Figueredo, quien ofrece una visión artística de la actividad
campesina del mundo del cacao; Ricardo Jiménez, que evoca la soledad del
hombre a través de elementos inertes; Ramón Paolini, quien crea
imágenes a partir del patrimonio construido; Carlos Germán Rojas,
propone fotografías dispuestas en dípticos que dan valor a la
composición gráfica; y Antolín Sánchez, quien realiza con sus
fotografías diversos juegos de luz y sombra.
La exposición estará abierta al público
hasta el domingo 2 de diciembre en la Sala de Exposiciones de la
Fundación BBVA Provincial: Edificio BBVA Banco Provincial, piso 3,
Avenida Principal de La Castellana. El horario será de lunes a viernes
de 10:00 a.m. a 3:30 p.m. y los domingos de 11:00 a.m. a 3:00 p.m.
@revista_rsevzla
http://twitter.com/revista_rsevzla
© RSE Venezuela - www.rsevenezuela.com
|
Cecil Valera
Celeste Persuasión Instalación Vitrea
Destellos y brillos del vidrio en suspensión plenan el Atrio
Prensa Fundación Museos Nacionales (23.10.12) El domingo 28 de octubre los visitantes del Museo Alejandro Otero
serán recibidos en el Atrio por cientos de filamentos de vidrio en red
suspendidos bajo la imponente fachada tan característica de este espacio
cultural. Esta compleja intervención aérea y espacialista que se
desplegará, desde las 11 de la mañana, conforma la exposición Celeste persuasión. Instalación vítrea de Cecil Valera.
Con
esta propuesta estética Valera manifiesta parte de las preocupaciones
estéticas en las que ha indagado a través de las artes del fuego.
Adicionalmente, esta área interna del MAO le ha ofrecido, además
de experimentar con la noción de ingravidez, poder recurrir a los
cambios de luz y sombras que durante el transcurrir del día garantizan
destellos y fulgores que sugieren múltiples lecturas al espectador,
dependiendo del lugar desde el que se ubique para observar.
Valera,
quien desde la década de los noventa desarrolla su carrera artística
alrededor del universo del vidrio, de su adaptabilidad y maleabilidad, a
la vez ha dominado la técnica para comprender la rígida presencia y -al
tiempo- frágil consistencia de este noble y potencial material. De esta
manera extiende una estructura modular ensamblada por 12 módulos que
integran la pieza y entre los que existe cierta independencia que
propicia un juego compositivo de contacto y movimiento, con lo que esta
joven creadora sugiere interesantes efectos ópticos.
Es
así como Valera pretende persigue la idea de persuasión, que explica de
la siguiente manera: “El concepto de persuasión rehúye de la noción de
contaminación informativa creadora de clichés, para dar paso a la
libertad interpretativa”. Con este trabajo el espectador es remitido a
contemplar sensorialmente el valor simbólico de las imágenes que posee
del firmamento, e incluso, del imaginario visual existente sobre el
espacio exterior.
Celeste
persuasión. Instalación vítrea de Cecil Valera -cuya curaduría
pertenece a Félix Hernández- se mantendrá, al igual que las demás
muestras que inauguran este fin de semana, hasta finales de enero del
próximo año y es otra iniciativa del Gobierno Bolivariano, llevada a
cabo a través del Ministerio del Poder Popular para la Cultura. (Fin / FMN. T / Ana Dos Santos)
Galería de Arte Ascaso es un placer invitarlos a la inauguración de la exposición
ESCULTURA ESCULTORES
el domingo 28 de octubre de 2012, a las 11:00 am
Artistas Participantes:
Alexis Mujica, Alirio Palacios, Belén Parada, Carlos Medina, Colette Delozanne, Cornelis Zitman, Daniel Suárez, Edgar Guinand, Felipe Herrera, Francisco Narváez, Harry Abend, Humberto Cazorla, Humberto Salas, Irma Parra, J. J. Moros, James Mathison, Javier Level, Jesús Soto, Jorge Salas, Jorge Zerep, Jorge Seguí, Lía Bermúdez, Luis Millé, María Cristina Arria, Milton Becerra, Noemí Márquez, Oswaldo Vigas, Pedro Barreto, Pedro Briceño, Rafael Barrios, Rafael Martínez, Reina Herrera, Rolando Peña, Sydia Reyes, Vicente Antonorsi, Víctor Valera, Yuye De Lima.
Tres generaciones de artistas que escogieron la escultura como medio de expresión estarán presentes con sus obras en las tres salas, convirtiendo la muestra en un verdadero recorrido de la escultura en Venezuela. Participan en ella treinta y siete creadores cada uno se presenta con dos obras, desde los grandes maestros hasta jóvenes consolidados.
Rueda de Prensa con la curadora Bélgica Rodríguez y los Artistas seleccionados para la exposión colectiva ESCULTURA ESCULTORES
Fotografía Gladys Calzadilla
La exposición Escultura Escultores, bajo la
curaduría de Bélgica Rodríguez, es de carácter antológico desde el punto de
vista de generación, la mayoría de los artistas están activos. Partimos del
maestro Narváez que es el que abre la modernidad de la escultura en Venezuela,
se divide la exposición en tres generaciones, se incluyen aquellos artistas que
han practicado la escultura desde siempre, o aquellos que son pintores para los
que la escultura ha sido parte importante de su trabajo creador. La exposición
parte de la década de los 40's con Narváez, pasa por los 50's con los maestros
Cornelis Zitman y Víctor Valera, Maria Cristina Arria, Oswaldo Vigas, Yuye de Lima que a
mediados de los 70's comienza a trabajar la escultura. Luego en el segundo piso
se encuentran un grupo de escultores de mediados de los 60's nuevas visiones
que aparecen liderizados por la geometría como el maestro Pedro Briceño, Lina,
Rolando Peña y luego está otra generación de los 80's algunos son figurativos
pero la mayoría son geométricos, abstractos y presentan valores conceptuales de
la escultura como Javier Level.
Se le ha querido dar un lugar especial a la
escultura en cerámica, en los 70's un grupo de mujeres paso de la cerámica
utilitaria a la escultura entre ellas Colette Delozanne una de las pioneras, Belén,
Noemí. Lo considero un hecho inédito la cerámica escultórica que no se ha
repetido fue un aporte fundamental en la historia contemporánea de Venezuela.
El último grupo representado por mujeres
fuertes, mujeres del hierro y del cemento como Sydia Reyes.
El nombre de la exposición surge de un
libro que hace Juan Calzadilla y Pedro Briceño que se llamó Escultura
Escultores, dedicado a la Escultura.
Esta exposición se convierte en este
momento en un aire fresco, bello, donde se plantea toda una historia que hemos
trajinado los que estamos involucrados en esta exposición.
Acotó Bélgica Rodríguez “La Escultura es un
medio difícil el tratamiento del material, el trabajo el movimiento escultórico
en Venezuela es uno de los más fuertes de Latinoamérica”.
En el ciclo de preguntas...
Margarita Narváez, hija de Francisco
Narváez maneja la Fundación Francisco Narváez, agradezco este espacio porque
aún Francisco Narváez tiene un discurso claro contemporáneo, que aporta a los
jóvenes.
Cornelius Zitman - yo elaboro muñecos que
conviven conmigo en casa y me recuerdan mi tierra, cuando salgo a la calle soy
un "Musiu". Ellos son como un circo visitan distintas tierras.
Javier Level - yo he asistido al taller del
maestro Zitman y podemos observar que son esculturas con vida, se puede tocar
para mi es el ideal de lo que debe ser una escultura en el espacio.
Yo (Zitman) participe en la Bienal de Sao Paulo y los colocaron allí y a la gente
le encantaban, lo tocaban pasaban a verlos.
(Level) creo que siempre el maestro se ha
divertido con lo que hace y eso es lo importante en la vida.
En cuanto a mí obra, acota Javier Level,
son dos piezas distintas, la temática de la serie de los bustos son los transgénicos,
todas esas hibridaciones que están haciendo de genética, investigaciones que
se están realizando entorno al hombre y los animales, clonaciones entre ellos para
los avances de la ciencia, cosa que me parece terrible. Es el busto entonces un
“homenaje a lo que estamos haciendo los humanos por la ciencia” por eso es un
collage entre humano-niño y animales de diversos tipos es lo que planteo en
esta pieza; la más pequeña es una serie llamada reliquias es un pequeño pedazo
de hueso metido entre un objeto, retomo esta técnica y la reproduzco en estas
piezas.
Exposición Colectiva Escultura Escultores
Bajo la curaduría de Bélgica Rodríguez
Inauguración domingo 28 de octubre de 2012,
a las 11 am
Hasta Enero 2013
Lugar Galería de Arte Ascaso, cale Orinoco
entre Monterrey y Mucuchies, Las Mercedes.
Información: www.ascasogallery.com
Información: www.ascasogallery.com
Este año Hatillarte es “ARTE A 360°”
HATILLARTE EVENTO DIFUSOR DEL QUEHACER PLÁSTICO DEL PAÍS.
 |
| Para visualizar mejor el mapa puede descargarlo a su computadora. |
Llegando a su cuarta edición la organización HATILLARTE integra en su
propuesta anual la presencia de los Museos en esta gran fiesta del arte.
La Galería de Arte Nacional - GAN, el Museo de Petare Bárbaro Rivas y el
Museo Arturo Michelena han aceptado la invitación y el reto que significa la
exposición extramuros. Estos museos nos brindaran una mirada de sus preciadas
colecciones y hablaran de lo que están haciendo cada uno desde sus espacios.
“Consideramos fundamental que las instituciones museísticas se integren a eventos como estos con sus
visiones y se acerquen a la comunidad, con lenguaje sencillo y de manera
directa. Los museos son eslabón
importante en el devenir de la artes en cualquier país del mundo, son los
centros donde se investiga, resguarda y difunde el patrimonio artístico y cultural”, comentan Inés Espinal y Nicola Bianchi, organizadores
del evento.
Cada uno de ellos expondrán en la calles del pueblo y el día domingo 4 en
tertulias con los visitantes nos hablaran de sus propuestas.
Cada año el objetivo de Hatillarte
ha sido integrar a todos en esta gran fiesta del arte. Primero las galerías y
los vecinos, luego los niños de la comunidad hatillana por medio de la escuela municipal Juan Manuel
Gajigal, que este año con el apoyo de PLASTILINARTE nos ofrecerán su propuesta “El Hatillo en
Plastilina”, luego los conversatorios y
talleres de arte, con la idea de generar espacios de reflexión y discusión y este año la participación de los museos.
Estarán las Galerías como cada año, con su
constante esfuerzo para promover y divulgar el arte y con el firme propósito de
hacer de El Hatillo un importante centro cultural en el país. Así mismo habrá
espacio para los artesanos locales, herederos de una sabiduría ancestral
conjugada con su peculiar visión del Arte.
Este
maravilloso circuito se hará acompañar de un muy importante cartel de artistas
plásticos que harán brillar las calles con sus piezas. Gaudí Esté, Colette Delozanne, Alirio
Palacios, Onofre Frías, Oswaldo Vigas, Fabiola Sequera, Dora Gabay, Las
Tejedoras del Hatillo, FE (Luis Bonilla), Andrea Ho Posani, Jason
Galarraga, entre muchos no menos
importantes en el área del arte urbano. Disfrutaremos además de la exposición
de los trabajos realizados por los dibujantes urbanos, en el proyecto “Caracas
en 12 puntos”, coordinado y dirigido por Ricardo Benaim y Mitchele Vidal
No se quedarán por fuera la música, la danza y el teatro de calle que nos
harán mucho más grata esta fiesta.
Los
restaurantes nos darán la oportunidad de extasiarnos con sus propuestas gastronómicas, promoviendo
platos con nombre y pensamiento
artístico que se estrenarán esa noche para el deleite de los 5 sentidos de cada
espectador y para cada bolsillo.
Todo
este movimiento clausurará el día domingo a las 6pm con un hermoso concierto
ofrecido por la Orquesta Sinfónica Juvenil de Chacao, que de manera gratuita se
presentará en el Anfiteatro El Hatillo
Por
todo esto, este año HATILLARTE es “Arte a 360°”
Contacto:
Inés Espinal
Cel. 0414 1193033
Nicola Bianchi
Cel. 0414 3310969
Email: hatillarte@gmail.com
Dibujos y grabados eróticos de Oswaldo Vigas exponen en Estudio Arte 8
La relación entre los personajes de la Mitología Griega y estas
obras del Maestro Vigas no son coincidencia. Su interés por lo ancestral
y el patrón arcaico del arquetipo sexual-universal se reflejan en cada
escena de sus obras a mostrar.
En la exposición Los Eróticos de Oswaldo Vigas, a
inaugurar el domingo 28 de Octubre a partir de las 11am, en Estudio Arte
8, se descubre una parte íntima del artista plástico, su acercamiento
hacia la sexualidad humana en sus dibujos y grabados nunca antes
expuestos.
La mujer siempre ha sido retratada en los cuadros del Maestro, su
figura predilecta, el eje central que lo impulsa a pintar su obra más
conocida: “Las Brujas”. En esta ocasión, su musa se convierte en un
objeto sexual, en un cuerpo que satisface pasiones y fantasías
desbocadas.
Bocas y narices fálicas; personajes mitológicos relacionados con la
sexualidad y el placer; tríos eróticos; orgías; y, posiciones atrevidas
se manifiestan en sus obras a exponer por primera vez.
“La Carretilla”, “A lo Bestia”, y “Hermes Bifálico con una Bacante”
son algunos de los títulos que revelan la picardía y pasión desenfrenada
que acontece en los grabados y dibujos eróticos de Oswaldo Vigas.
Los títulos y algunas imágenes de sus obras evocan a las pinturas
rupestres de danzas fálicas, estatuas de genitales, vulvas y penes
grabados en piedras que se realizaban en la Antigüedad.
La relación entre los personajes de la Mitología Griega y estas
obras del Maestro Vigas no son coincidencia. Su interés por lo ancestral
y el patrón arcaico del arquetipo sexual-universal se reflejan en cada
escena de sus obras a mostrar.
Treinta y siete escenarios de aventuras amorosas fueron seleccionadas
por el curador Eduardo Planchart, la artista María Fernanda Lairet y la
Directora de Estudio Arte 8, Mariela Lairet. Los dibujos eróticos de
donde derivan parte de los grabados a exhibir, pertenecen al año 1995,
cuando Vigas estaba en Avignon, Francia. Luego otra parte de este grupo
de obras pertenecen al año 1963, durante su estadía en Paris, Francia,
las cuales fueron grabadas en 1998, en las cuales se respira igualmente
ese lenguaje sensual en un tono que apenas insinúa los trabajos
posteriores sobre el mismo tema.
Inauguración: 28 de octubre de 2012
Mariela Lairet
Directora de Estudio Arte 8
Directora de Estudio Arte 8
Curaduría
Eduardo Planchart
María Fernanda Lairet
Mariela Lairet
Eduardo Planchart
María Fernanda Lairet
Mariela Lairet
Estudio Arte 8
Av. Orinoco, Edif. ElKano, Piso 2. Ofic. 5 (0201)
Las Mercedes. Caracas 1060. Venezuela.
Telf. +58 212 991.30.50
www.estudioarte8.com
Av. Orinoco, Edif. ElKano, Piso 2. Ofic. 5 (0201)
Las Mercedes. Caracas 1060. Venezuela.
Telf. +58 212 991.30.50
www.estudioarte8.com
Lo erótico en Oswaldo Vigas
“La función primordial del arte: descubrir y develar aspectos inéditos del alma y del ser humano.” Oswaldo Vigas, 2002
Lo erótico deseo palpitante, por el que la vida se abre camino a la
expansión cósmica. Como lo hiciera el universo cuando broto el Big
Bang originario. Estos grabados nacidos del surco sobre placas
metálicas entintada plenas de cuerpos anhelantes, ansiosos por
acariciarse, poseerse, excitarse...Creados por la fantasía del
artista que muta líneas nerviosas, brotados en la intimidad de
espontáneos bocetos entre conversaciones, descansos y ensoñaciones.
Provocaron pudor y risas entre quienes los apreciaron por primera vez,
no es casual esta reacción, pues lo sexual y su deseo expresado en Eros
están vinculados a la carcajada y la levedad del Ser. Estos aguafuertes
materializan la figuración expresionista de la obra de Oswaldo Vigas,
donde lo inorgánico crea una geometría impregnada de pulsares
orgánicos. Huye de lo obvio, de la belleza clásica, y cercana al
modernismo, al arte bruto y al neo-expresionismo contemporáneo.
Esta serie de grabados eróticos se inició en Aviñón en 1995, quizás
sus bocetos podrían tener relación con las lecturas del artista ese
año, sobre los papas que huyeron de Roma a Aviñón por luchas por el
poder, entre ellos no había abismos morales, ambos negaban la esencia
del cristianismo, por la afición a la riqueza, lo cortesano y los
escándalos sexuales que los rodeó. ¿Qué conexión podría tener esto
con la sorpresiva serie erótica? Podrían estos grabados ser una
respuesta estética a la silenciada lubricidad que caracteriza al
papado y a los antipapas de los siglos XIII y XIV.
Desnudeces anhelantes, deseosas, liberadas del tiempo y de la culpa
sexual propia del cristianismo. Estos personajes están liberados del
pecado edénico, al ser expulsados del paraíso por asumir una
sexualidad consciente y gozosa. Herencia que aún pesa sobre la
civilización occidental. Sentido que también se evidencia en Gilgamesh,
el monarca de la ciudad amurallada de Uruk, en su compañero y
alter-ego Enkidu cuando vivía como uno más del bosque, del cual es
expulsado al sentir la seducción y belleza de la sacerdotisa del
templo que envía Gilgamesh para humanizarlo.
“La sacerdotisa descubrió sus senos, su cuerpo, /y Enkidu
acercóse y poseyó su belleza. /Sin vergüenza la mujer aceptó su ardor;
/quitóse el vestido y sobre ella él descansó. /Mostró así al salvaje el
trato de una mujer, /cuando su amor entra en ella…Y después que se hubo
saciado de sus encantos decidió salir en busca de sus bestias salvajes.
Pero al verlo las gacelas huyeron, se apartaban de su cuerpo”
(Poema de Gilgamesh, Tablilla I, Columna IV, 2.750 a.C.).
(Poema de Gilgamesh, Tablilla I, Columna IV, 2.750 a.C.).
Cada una de estas obras gráficas están impregnadas de un sentido
lúdico, y del imaginario del artista y de la mitología griega, por la
desbocada y desprejuiciada sexualidad de sus deidades, que llegaron en
sus mitos al extremo de transformarse en animales como ocurre con Zeus
quien para poseer a Leda se hace cisne, y como toro seduce a Europa, y
a Dánae encerrada en una torre por su padre accede convertido en lluvia
de oro... Sera el deseo y el dominio de Eros omnipresente entre estos
dioses y por tanto en la civilización griega.
De ahí el mito de Afrodita y Ares, atrapados por una red invisible
al darle rienda suelta a su pasión sexual, creada por el cojo Hefestos
y que al mostrar a los dioses la infidelidad de su hermosa esposa,
para sorpresa del mítico herrero, los dioses en lugar de avergonzarse,
se divirtieron de la situación. Esta es la reacción que provoca al
espectador esta serie erótico, que nos libera de lo reprimido y nos
lena de gozo sensual y erótico.
Dr. Eduardo Planchart Licea.
Línea Crítica 2: Desplazamientos cromáticos - Colectiva en Artepuy
La Galería Artepuy -vinculada al circuito de las artes en Las Mercedes-, expondrá durante el mes de octubre y noviembre la segunda edición de la colectiva Línea Crítica: Desplazamientos cromáticos.
La exposición colectiva se inaugura el jueves 4 de octubre a las 7:30 de la noche. Los artistas participantes son: Crixo Aponte, Milton Becerra, Violette Bule, Isabel Cisneros, Jaime Gili, Pepe López, Jesús Matheus, Reymond Romero y Rafael Rosas. La muestra está compuesta por fotografías, dibujos, collages, pinturas, ensamblajes y un tapiz.
Por segundo año consecutivo, la galería Artepuy y la curadora Lorena González, han llevado un proceso de investigación sobre lo que esta pasando en el ámbito de las artes plásticas, con artistas de diversas generaciones que viven actualmente fuera y dentro de nuestro país.
En esta ocasión, Lorena González, comenta: “En esta segunda edición, es el color nuestro tema central de trabajo. La herencia cromática que no solo consolidó importantes núcleos de acción en los ritmos vertiginosos de un movimiento abstracto cuyas derivaciones se desprendieron hacia la práctica geométrica, la reflexión lírica o la obra mural de corte constructivista, también encontró en el cinetismo y muy especialmente en la obra de Carlos Cruz Diez, una sistematización de frecuencias que respondían al ordenamiento de inquietudes filosóficas donde el color se desprendió del formato para levantarse en el espacio expositivo y así consolidar una situación lumínica transitiva que se generará desde la confrontación con la experiencia vivencial del espectador”.
Situaciones extrañas, improvistas y confusas, han sucedido en las artes visuales de la inestable Venezuela de los últimos tiempos. En los territorios ampliados que han generado tantos cambios para la cultura en nuestro país, uno de ellos ha sido la labor alterna que desde sus posibilidades algunas galerías y espacios independientes de la ciudad de Caracas han propiciado, brindando un lugar posible a manifestaciones y acontecimientos de la producción artística más reciente.
Con este espíritu la Galería Artepuy decidió asumir el proyecto Línea Crítica como un proceso de investigación en el cual una vez al año se estudiarán algunos aspectos de la producción actual de artistas de diversas generaciones, en especial desde los componentes derivados de una nueva lectura de la tradición geométrica que las transformaciones y demandas de un contexto complejo han ido desplazando hacia otras inquietudes. Un trayecto que descendió desde la utopía moderna y el enclave constructivista hacia las exigencias críticas de una realidad contradictoria que tenía y tiene aún mucho que decir. La ruina política, las variables del cuerpo social, las metáforas de lo fragmentario, el caos urbano, la intimidad desajustada, los vacíos del populismo, las paradojas del afuera y el detritus silencioso de un progreso aparente, son algunas de las poéticas que han consolidado nuevos paradigmas en armazones que desde las marcas formales de una historia visual anterior también perfilan y reconstruyen otras agudezas e inquietudes sumergidas en las reflexiones, necesidades y abismos de su propio presente.
En esta segunda edición es el color nuestro tema central de trabajo. La herencia cromática que no solo consolidó importantes núcleos de acción en los ritmos vertiginosos de un movimiento abstracto cuyas derivaciones se desprendieron hacia la práctica geométrica, la reflexión lírica o la obra mural de corte constructivista, también encontró en el cinetismo y muy especialmente en la obra de Carlos Cruz Diez, una sistematización de frecuencias que respondían al ordenamiento de inquietudes filosóficas donde el color se liberó de las ataduras del formato para levantarse en el espacio expositivo y así consolidar una situación lumínica transitiva que se generara desde la confrontación in situ con la experiencia vivencial del espectador.
A este ejercicio contemporáneo de tratamiento del color le han sucedido una gran cantidad de nuevas prácticas. En la segunda edición de la muestra Línea crítica, hemos querido apuntar ciertos datos sobre algunos desplazamientos cromáticos usados por varios creadores actuales para potenciar y poner en evidencia sus reflexiones e intercambios frente a las alteraciones y problemáticas del entorno social, político, económico y cultural que les rodea.
Las desviaciones cromáticas y los contrasentidos del ejercicio formal del color puro se ven alterados por las tachaduras, superposiciones, veladuras y repentinos desprendimientos en la obra exhibida por Jesús Matheus, quien cabalga a contrapunto con la fusión urbano metafórica que reconstruye cartografías olvidadas en los trayectos pictóricos de los papeles de Pepe López y los telares matizados de Milton Becerra, estructuras donde se invocan nuevos actos de fe plenos de míticas horizontalidades.
Sumergido en la delicadeza significativa de los recursos y la fuerza del gesto para posicionar otras especulaciones visuales, los deslizamientos del joven Crixo Aponte se levantan desde el trazo del marcador hacia la evocación nostálgica de una geometría sensible. En el caso de Viollet Bule es la fotografía la zona de encuentro entre los testimonios solitarios del afuera y los engranajes que los matices del abandono urbano manifiestan en el día a día, y que son revelados por la captura crítica de una imagen que guarda secretas vinculaciones con las realidades tal vez prósperas que le precedieron.
Este mismo espíritu repunta en los collage e intervenciones de Rafael Rosas que bajo el nombre de Proyeciones ideales y Proyectos desesperados, confrontan una traslación de los símbolos e íconos del poder y el progreso que consolidaron todo un imaginario moderno a mediados del siglo XX, develando en un juego irónico de cortes, supresiones y vacíos los salpullidos que aún sobreviven en los resbalosos vericuetos de una identidad latinoamericana. Para Reymond Romero el color es una línea que desde la obra textil abarca una multiplicidad de circunstancias donde la tradición es deshilvanada y revisitada en cuerpos de trabajo que abrasan desde recomposiciones volumétricas de la serialización cromática hasta inquietantes incisiones del organismo social, los estereotipos sexuales y las diatribas hegemónico/subalterno desplegadas sobre blancas telas de bordado.
Finalmente la obra de Isabel Cisneros y Jaime Gili introducen desde los símbolos de la iconografía popular nuevas metáforas cromáticas de la abstracción cinética y abstracto geométrica: Cisneros, desde los destellos tridimensionales de objetos de consumo con los que reelabora grandes tejidos y engranajes de una vibrante y mordaz poética popular. Jaime Gili, desde un ejercicio pictórico con el color que respondiendo a los caminos de la impronta social que la abstracción ha insertado en la transitoriedad de la estructura urbana de nuestras ciudades, ha revitalizado desde hace varios años la fuerza cromática de esas marcas y de los imaginarios desarrollados en torno a ellas, para convertirse en uno de los mejores exponentes internacionales de nuestra pintura contemporánea.
Lorena González
Línea Crítica 2 Desplazamientos cromáticos permanecerá en las salas de la Galería Artepuy hasta el domingo 11 de noviembre del 2012, en la urbanización Las Mercedes, calle California con calle Jalisco y en horario expositivo de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 3:00 a 7:00 p.m.; sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 3:00 p.m.
Línea Crítica 2 Desplazamientos cromáticos
Del 4 de octubre al 11 de noviembre de 2012
Galería Artepuy
Calle California con calle Jalisco, Las Mercedes
De lunes a viernes de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 3:00 a 7:00 p.m
Sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m. Domingos de 11:00 a.m. a 3:00 p.m.
Teléfonos: (212) 993 0974, (0414) 129 47 81
www.artepuy.com.ve
Prensa Galería Artepuy
Materia Estética - Antológica de José María Cruxent en la Sala TAC
La Sala TAC presenta 'Materia Estética', exposición concebida para rememorar la obra de José María Cruxent Roura
(España 1911 – Venezuela 2005), cuyas investigaciones y descubrimientos
lo acreditan internacionalmente como “el hombre que devolvió a América
su memoria arqueológica”, también se quiere rendir un sentido homenaje
al artista que formara parte del grupo vanguardista El Techo de la Ballena,
legitimando el uso de materiales no convencionales en cada una de sus
obras, rompiendo así con el discurso pictórico predominante de los años
sesenta.
La Sala TAC en conjunto con Ruth Auerbach, curadora de esta muestra y quien realizó la selección de las obras que la conforman, incluyendo los objetos de uso personal de J.M. Cruxent, presentan esta exposición para el disfrute del público visitante del Trasnocho Cultural.
Acompaña a esta exposición un hermoso catálogo diseñado por Aixa Díaz donde se compilan algunos textos que describieron en diferentes momentos el trabajo de Cruxent desde la perspectiva humanista de Miguel Arroyo y de manera crítica por el señor Frank Popper, así como una selección de imágenes de piezas que se podrán observar en la exposición, algunas de ellas a la venta. De igual manera el visitante podrá obtener el libro El Espíritu de la Materia, editado por el Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas IVIC, quienes colaboraron con la producción de esta exposición cediendo parte de las imágenes contenidas en el catálogo. Como recurso enriquecedor a la muestra se presenta el documental Mundos de un pintor, el cual ganara el Premio Especial del Jurado de la Bienal de Venecia en 1962.
Desde el jueves 18 de octubre hasta el domingo 25 de noviembre en la Sala TAC del Trasnocho Cultural, en el sótano del Centro Comercial Paseo Las Mercedes, tendrá la oportunidad de visitar y recordar al arqueólogo, al científico y al artista plástico orgullo de Venezuela: J.M. Cruxent.
José María Cruxent
Materia Estética
Del 18 de octubre al 25 de noviembre de 2012
Horarios:
Martes a sábados 10:00 am a 9:00 pm
Domingos y feriados 1:00 pm a 9:00 pm
Sala TAC
Trasnocho Cultural
CC Paseo Las Mercedes, Nivel Trasnocho, Caracas
T. 9932957
Prensa Trasnocho Cultural
La Sala TAC en conjunto con Ruth Auerbach, curadora de esta muestra y quien realizó la selección de las obras que la conforman, incluyendo los objetos de uso personal de J.M. Cruxent, presentan esta exposición para el disfrute del público visitante del Trasnocho Cultural.
Acompaña a esta exposición un hermoso catálogo diseñado por Aixa Díaz donde se compilan algunos textos que describieron en diferentes momentos el trabajo de Cruxent desde la perspectiva humanista de Miguel Arroyo y de manera crítica por el señor Frank Popper, así como una selección de imágenes de piezas que se podrán observar en la exposición, algunas de ellas a la venta. De igual manera el visitante podrá obtener el libro El Espíritu de la Materia, editado por el Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas IVIC, quienes colaboraron con la producción de esta exposición cediendo parte de las imágenes contenidas en el catálogo. Como recurso enriquecedor a la muestra se presenta el documental Mundos de un pintor, el cual ganara el Premio Especial del Jurado de la Bienal de Venecia en 1962.
Desde el jueves 18 de octubre hasta el domingo 25 de noviembre en la Sala TAC del Trasnocho Cultural, en el sótano del Centro Comercial Paseo Las Mercedes, tendrá la oportunidad de visitar y recordar al arqueólogo, al científico y al artista plástico orgullo de Venezuela: J.M. Cruxent.
José María Cruxent
Materia Estética
Del 18 de octubre al 25 de noviembre de 2012
Horarios:
Martes a sábados 10:00 am a 9:00 pm
Domingos y feriados 1:00 pm a 9:00 pm
Sala TAC
Trasnocho Cultural
CC Paseo Las Mercedes, Nivel Trasnocho, Caracas
T. 9932957
Prensa Trasnocho Cultural
Con la colectiva ‘El Quinquenio, El Anexo celebra su quinto aniversario en La Caja del CCCH
Hasta el 18 de noviembre
Una exposición colectiva que explora los primeros cinco años del trabajo curatorial desarrollado desde El Anexo Arte Contemporáneo, será inaugurada con el título El Quinquenio, el viernes 19 de octubre a las 7:00 p.m., en La Caja del Centro Cultural Chacao, en El Rosal, donde permanecerá en exhibición hasta el 18 de noviembre.Concebida a partir de una invitación realizada por Cultura Chacao a El Anexo, tomando en cuenta uno de los objetivos de La Caja como es el de propiciar diversos escenarios de intercambio cultural y colaborar con la historiografía de las artes visuales venezolanas, El Quinquenio reúne el trabajo de 21 artistas como: Ángela Bonadies, Argelia Bravo, Claudio Perna, Conrado Pittari, David Palacios, Deborah Castillo, Diego Barboza, Domingo De Lucia, Esso Álvarez, Gabriela Olivo de Alba, Gustavo Marcano, Iván Amaya, Iván Candeo, Juan Carlos Rodríguez, Juan José Olavarría, Luis Romero, Lisa Blackmore, Muu Blanco, Suwon Lee, Teresa Mulet y Yuri Liscano.
Tipologías Residuales I - Lisa Blackmore
El género; la violencia; el territorio y el paisaje; la memoria, el archivo y el documento; los media; las relaciones de poder; la política y la representación; son algunos de los tópicos que se abordan en esta colectiva, en la que las obras exhibidas “despliegan el resumen de un quinquenio de poéticas y políticas de creación, una crónica construida de pequeños relatos visuales cuya transparencia devela algo más que la suma de las partes”, señala la dupla Suazo-Zavarce.
David Palacios
Mayor información puede ser solicitada por la página web: www.culturachacao.org, a través de las cuentas de twitter: @culturachacao, @CculturalChacao y @TeatroChacao. Facebook: Centro Cultural Chacao
El Quinquenio
Del 19 de octubre al 18 de noviembre de 2012
La Caja Espacio de Investigación Visual
Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco, El Rosal, Caracas, Venezuela
Prensa: Zoraida Depablos
El Imperio Contrataca
Honys Torres
Hasta el
14 de Noviembre
Honys Torres es una Caraqueña que cambio la informática y el derecho
por las artes visuales. En el año 2000 se residencia en Alemania y
decide dedicarse a tiempo completo a la pintura, inspirada en los
museos y galerías europeas, así como por el arte urbano. Su obra se
encuentra enmarcada en el Género Neo POP y se evidencia en ella su visón
pluricultural influenciada por su vida en Venezuela y su tiempo en
Europa.
A su regreso en Venezuela se residencia en Puerto Píritu,
Estado Anzoátegui lugar desde dónde desarrolla su obra y no es sino
hasta el 2008 que comienza a mostrar su trabajo en salones nacionales de
arte y exposiciones colectivas, con una gran receptividad que la han
hecho merecedora de distinciones especiales y honorificas.
A
primera vista, la obra de la artista parece algo conocido. Pero al
adentrarse en ella, dejando que nuestra mirada nos guíe por los
detalles, se mueva en función de los contrastes de colores y sigua el
viento que la artista plasma en su obra, nos damos cuenta de la
profundidad en el concepto y de la ironía de su trabajo.
En su
discurso plástico utiliza elementos iconográficos, colores brillantes y
mates, cálidos y fríos, los cuales se oponen y se unen, tramos que se
leen en transparencia en obras de gran formato que crean una estética
propia de la artista. La técnica irreprochable facilita la lectura
caótica (en apariencia), llevándonos de un mundo a otro, de un
continente a otro, en un mundo globalizado, donde las referencias se
funden y son colectivas, donde el arte se transforma en un objeto
transcendente.
Mucha gente busca en el arte lo que quiere ver, y
ve a veces lo que no le gusta saber. Ustedes, espectadores, tienen que
imaginar lo que quieren ver; por mi parte veo una obra que denuncia el
espectador, que nos denuncia. Somos el producto, tal como esta obra, de
los tiempos en los cuales vivimos. Producto de la mundialización,
satanizando y honrando a Ronald McDonald, venerando la paz interior de
Buda, idolatrando imágenes, rezando en la iglesia y siendo grandes
consumistas.
Somos hechos, construidos, con contrastes. Contrastes políticos. Contrastes religiosos. Contrastes de colores.
Su
labor artística no solo se centra en la creación sino también en la
trasmisión de sus conocimientos a las nuevas generaciones a través de la
Fundación Arte para Crecer institución sin fines de lucro que apoya a
artistas emergentes y nuevos talentos.
Jérémy Fabre Curador
La Artista Visual Honys Torres mostrará su primera exposición
individual bajo la curaduría de Jeremy Fabre y Pilar Gispert Directora
del MUSAN, contentiva de Diecisiete obras de gran formato entre cuadros,
esculturas, intervenciones e instalaciones, muestra con el título “El
Imperio Contrataca” que será inaugurada en Domingo 14 de Octubre a las
11:00 am, en el Museo Anzoátegui, ubicado en la en la Calle Juncal, Nº
3-45 (Frente a la Plaza Boyacá), Barcelona y podrá ser visitada hasta el
14 de Noviembre.
Su obra se encuentra enmarcada en el género Neo Pop, utiliza la ironía y el humor como parte de su discurso plástico, así como la crítica y la retorica en sus temas y personajes, algunas veces anárquica y trasgresora. Colores contrastantes y tramados caracteriza su obra.
Los visitantes reconocerán muchos personajes de nuestro gentilicio entrelazados con personajes anglosajones, iconografías de marcas contemporáneas, tecnología, creencias religiosas, debates políticos y un sin fin de detalles que no están colocados al azar, que por el contrario tienen una connotación y aun cuando les parezca divertido esconde una gran carga conceptual e intelectual que los llevara a reflexionar sobre los temas planteados.
La artista desde hace cinco años ha representado al Estado Anzoátegui en diversos salones nacionales de arte siendo reconocida con menciones especiales y honorificas.
Esta artista emergente residenciada en Puerto Píritu comparte su tiempo entre la creación de sus obras de arte y la trasmisión de sus conocimientos a niños y adolescentes a través de la Fundación Arte para Crecer organización sin fines de lucro la cual preside.
“Hacer una exposición individual no es posible sin el apoyo de muchas personas e instituciones, a todas ellas les agradezco por creer en mi trabajo y por acompañarme en este camino. Lo mejor que puede pasar es que se diviertan, debatan, confronten y hasta no les guste, pero lo peor es que no sientan ni frio ni calor, a todo eso se expone un artista cuando hace una exposición, pero lo importante es hacer lo que te gusta y disfrutar de la experiencia de poder expresar lo que piensas a través de tu obra”
Museo Anzoátegui, ubicado en la en la Calle Juncal, Nº 3-45 (Frente a la Plaza Boyacá), Barcelona y podrá ser visitada hasta el 14 de Noviembre.
Su obra se encuentra enmarcada en el género Neo Pop, utiliza la ironía y el humor como parte de su discurso plástico, así como la crítica y la retorica en sus temas y personajes, algunas veces anárquica y trasgresora. Colores contrastantes y tramados caracteriza su obra.
Los visitantes reconocerán muchos personajes de nuestro gentilicio entrelazados con personajes anglosajones, iconografías de marcas contemporáneas, tecnología, creencias religiosas, debates políticos y un sin fin de detalles que no están colocados al azar, que por el contrario tienen una connotación y aun cuando les parezca divertido esconde una gran carga conceptual e intelectual que los llevara a reflexionar sobre los temas planteados.
La artista desde hace cinco años ha representado al Estado Anzoátegui en diversos salones nacionales de arte siendo reconocida con menciones especiales y honorificas.
Esta artista emergente residenciada en Puerto Píritu comparte su tiempo entre la creación de sus obras de arte y la trasmisión de sus conocimientos a niños y adolescentes a través de la Fundación Arte para Crecer organización sin fines de lucro la cual preside.
“Hacer una exposición individual no es posible sin el apoyo de muchas personas e instituciones, a todas ellas les agradezco por creer en mi trabajo y por acompañarme en este camino. Lo mejor que puede pasar es que se diviertan, debatan, confronten y hasta no les guste, pero lo peor es que no sientan ni frio ni calor, a todo eso se expone un artista cuando hace una exposición, pero lo importante es hacer lo que te gusta y disfrutar de la experiencia de poder expresar lo que piensas a través de tu obra”
Museo Anzoátegui, ubicado en la en la Calle Juncal, Nº 3-45 (Frente a la Plaza Boyacá), Barcelona y podrá ser visitada hasta el 14 de Noviembre.
Boggio, fotógrafo postimpresionista - Museo de Bellas Artes
Emilio Boggio
Muchos aspectos de la obra de Emilio Boggio son
todavía desconocidos, no sólo en Venezuela, su país natal, sino en
Francia donde desarrolló la mayor parte de su vida artística, la cual
estuvo enmarcada en un momento de grandes transformaciones sociales,
económicas y culturales, a la par de los movimientos pictóricos de
vanguardia más notables que surgieron en el país europeo durante la
última década del siglo XIX y principios del XX.
Boggio, fotógrafo postimpresionista,
exposición que se presenta en el Museo de Bellas Artes de Caracas,
comprende la identificación, estudio y análisis de los materiales
fotografiados encontrados tanto en la colección del Museo de Caracas
como los recolectados en la casa taller de Auvers-sur-Oise en Francia, a
partir de los cuales se determinaron elementos estilísticos y estéticos
que ayudaron a corroborar la autenticidad de las piezas.
La exhibición cuenta con 17 fotografías originales, tomadas y
procesadas por el propio Emilio Boggio, así como reproducciones
contemporáneas hechas a partir de los negativos y materiales
fotográficos asociados con su trabajo, incluyendo fotografías
estereográficas y placas a color autocromo, tomadas entre 1885 y 1919.
Los temas varían desde el paisaje, estudios de la naturaleza,
retratos y autorretratos, correspondientes al periodo postimpresionista
en la carrera artística del fotógrafo.
Valga la oportunidad para rendir justicia y celebrar no solamente la
magnificente obra pictórica de este insigne y ejemplar artista
venezolano de dimensión universal, sino la originalidad y cualidades
sublimes de su obra fotográfica, digna de ser reconocida de manera
absoluta como una de las obras más emblemáticas de la historia de la
fotografía venezolana, latinoamericana y mundial.
La exposición Boggio, fotógrafo postimpresionista podrá visitarse hasta el 15 de
diciembre de 2012, en la Sala 10 del Museo de Bellas Artes.
Boggio, fotógrafo postimpresionista
Hasta el 15 de diciembre de 2012
Hasta el 15 de diciembre de 2012
Museo de Bellas Artes
Plaza Morelos, Caracas, Venezuela
Con información de prensa de la Fundación Centro Nacional de Fotografía Plaza Morelos, Caracas, Venezuela
Antropometrías Indelebles. Instalación de Alberto Asprino en la Fundación D.O.P.
El artista e investigador de las artes visuales Alberto Asprino
mostrará una gran instalación fotográfica con más de 120 fotografías en
variados formatos y un video-arte, todos partiendo de un registro
urbano y serial con las manchas y figuras que sobre el papel marca la
tinta azul añil en un acto de votación, muestra que bajo el título de
“Antropometrías Indelebles” se inaugurará el domingo 30 de septiembre, a
las 11:30 a.m., en la Fundación D.O.P, ubicada en la Av. Principal de
Las Mercedes.
Esta serie, testimonio del inconsciente, es parte de una temática de impronta urbana que el artista marabino viene desarrollando, junto a sus collages y piezas escultóricas en madera, en los últimos 12 años.
Manchas, huellas irregulares, gestos de un acto colectivo que han sido pacientemente recogidas y seleccionadas por el artista para expresar una intencionalidad en cada gesto individual.
“Clásicamente la línea recta en la pintura es sinónimo del ejercicio
de la racionalidad, mientras la mancha es expresión de la emoción y a
partir de esos conceptos se ha construido todo el edificio teórico del
arte del siglo XX. Sin embargo, todos los artistas expresionistas, si
nos limitamos a la abstracción, desde Pollock hasta Masson, han
reiterado los gestos y colores en sus obras, de manera que ellas pueden
ser reconocidas e identificadas por cualquier observador atento. Lo que
demuestra, que siempre hay un grado de racionalidad o intencionalidad en
las obras que pretenden reconocerse como testimonio del subconsciente”,
comenta Nicomedes Febres en uno de los textos del catálogo que
acompaña la muestra.
Esta serie registra desde la fotografía y la memoria un accionar humano, íntimo y personal que se desborda en las papeleras y que el artista las ha recogido para elevarlas a la categoría de obra de arte.
“Alberto Asprino nos muestra palpablemente lo sacro de nuestra individualidad, lo intransferible de nuestra huella y nuestro gesto, pero simultáneamente al elevar esos papeles a la categoría de obra de arte cuestiona la relación de causalidad entre la obra de la pintura abstracta conceptualmente expresionista y el producto final de dicha relación. Además el artista es un producto de su tiempo, un tiempo hiperpolitizado y esta obra es también una obra política, pero de política con P mayúscula, pues acentúa el valor individual de cada ser, independientemente de su inclinación, de manera que la obra sacraliza a la democracia como sistema político, y las elecciones como fórmulas de resolver cualquier disenso social acudiendo a la voluntad de las mayorías, pero preservando el derecho inalienable de cada ser humano, que no puede ser pisoteado por la decisión general”.
Alberto Asprino conceptualiza un proceso urbano al revisar y
reactualizar despojos y desechos, cuando anteviene cajas y objetos
inservibles para transformarlos en una creación artística, obras que,
para Nicomedes Febres, tienen en común el hecho de transmitir la
sensación de ser dolorosamente humanas, profundamente íntimas y
personales.
Este artista marabino, arquitecto de formación inició su carrera artística en 1975, participando en diversas exposiciones a tanto a nivel nacional como internacional. Con 16 exposiciones individuales y ganador del premio Arturo Michelena en el 2003, su creación artística la comparte con una importante actividad como promotor, curador, museógrafo y asesor de diversas instrucciones culturales de importancia en nuestro país.
La muestra “Antropometrías Indelebles” se estará presentando del 30 de septiembre hasta el 18 de noviembre de 2012 en las Salas 2, 3 y Espacio Metamórfico de la Fundación D.O.P. en su sede de Caracas, ubicadas en el nivel Planta Baja de la Torre D.O.P. - Multicentro Las Mercedes, Av. Principal Las Mercedes. La muestra puede ser visitada en los siguientes horarios, válidos también para visitar otras exhibiciones y/o actividades que se llevan a cabo en la institución: martes y miércoles de 2:30 a 6:00 p.m, jueves a sábado de 2:30 a 7:00 p.m. y los domingos de 11:30 a.m. a 5:00 p.m. Lunes cerrado. Entrada libre.
Alberto Asprino
Antropometrías Indelebles
Del 30 de septiembre al 18 de noviembre de 2012
Fundación D.O.P.
Avenida Principal de las Mercedes, Torre D.O.P.
Multicentro Las Mercedes (entre calles Monterrey y Mucuchíes), Caracas.
Teléfonos: +58-212-3260226 / +58-212-3260227
Tel-Fax: +58-212-9939590
www.fundaciondop.org
www.dopfoundation.org
Fuente: Prensa Fundación D.O.P.
Esta serie, testimonio del inconsciente, es parte de una temática de impronta urbana que el artista marabino viene desarrollando, junto a sus collages y piezas escultóricas en madera, en los últimos 12 años.
Manchas, huellas irregulares, gestos de un acto colectivo que han sido pacientemente recogidas y seleccionadas por el artista para expresar una intencionalidad en cada gesto individual.
Esta serie registra desde la fotografía y la memoria un accionar humano, íntimo y personal que se desborda en las papeleras y que el artista las ha recogido para elevarlas a la categoría de obra de arte.
“Alberto Asprino nos muestra palpablemente lo sacro de nuestra individualidad, lo intransferible de nuestra huella y nuestro gesto, pero simultáneamente al elevar esos papeles a la categoría de obra de arte cuestiona la relación de causalidad entre la obra de la pintura abstracta conceptualmente expresionista y el producto final de dicha relación. Además el artista es un producto de su tiempo, un tiempo hiperpolitizado y esta obra es también una obra política, pero de política con P mayúscula, pues acentúa el valor individual de cada ser, independientemente de su inclinación, de manera que la obra sacraliza a la democracia como sistema político, y las elecciones como fórmulas de resolver cualquier disenso social acudiendo a la voluntad de las mayorías, pero preservando el derecho inalienable de cada ser humano, que no puede ser pisoteado por la decisión general”.
Este artista marabino, arquitecto de formación inició su carrera artística en 1975, participando en diversas exposiciones a tanto a nivel nacional como internacional. Con 16 exposiciones individuales y ganador del premio Arturo Michelena en el 2003, su creación artística la comparte con una importante actividad como promotor, curador, museógrafo y asesor de diversas instrucciones culturales de importancia en nuestro país.
La muestra “Antropometrías Indelebles” se estará presentando del 30 de septiembre hasta el 18 de noviembre de 2012 en las Salas 2, 3 y Espacio Metamórfico de la Fundación D.O.P. en su sede de Caracas, ubicadas en el nivel Planta Baja de la Torre D.O.P. - Multicentro Las Mercedes, Av. Principal Las Mercedes. La muestra puede ser visitada en los siguientes horarios, válidos también para visitar otras exhibiciones y/o actividades que se llevan a cabo en la institución: martes y miércoles de 2:30 a 6:00 p.m, jueves a sábado de 2:30 a 7:00 p.m. y los domingos de 11:30 a.m. a 5:00 p.m. Lunes cerrado. Entrada libre.
Alberto Asprino
Antropometrías Indelebles
Del 30 de septiembre al 18 de noviembre de 2012
Fundación D.O.P.
Avenida Principal de las Mercedes, Torre D.O.P.
Multicentro Las Mercedes (entre calles Monterrey y Mucuchíes), Caracas.
Teléfonos: +58-212-3260226 / +58-212-3260227
Tel-Fax: +58-212-9939590
www.fundaciondop.org
www.dopfoundation.org
Fuente: Prensa Fundación D.O.P.
Sala Mendoza presenta Contaminados.
Quince artistas de diferentes generaciones indagan en la mezcla e hibridez de lenguajes en el arte actual en el proyecto expositivo que se presenta en la Sala Mendoza, a partir del domingo 2 de septiembre a las 11:00 de la mañana, bajo la curaduría de María Elena Ramos
Bajo la curaduría de María Elena Ramos, con museografía de Rafael Santana y Maitena De Elguezábal, esta muestra colectiva indaga en la mezcla e hibridez de lenguajes y “ahonda en los conceptos de un arte ‘impuro’ frente al arte ‘puro’ de los antiguos géneros, superando la ‘pureza’ que exigía una disciplina artística única y especializada para cada obra. Lo contaminado es aquí lo contrario de lo impoluto, es lo que ha incorporado y aceptado la interrelación de lo distinto, el contagio incluso, la transmisión, los cruzamientos e injertos entre muy diferentes procesos y discursos. Así, pureza e impureza, lenguaje específico vs conexión de lenguajes, mestizajes y cruzamientos serán ideas centrales en este proyecto”, explica Ramos.
Magdalena Fernández, Corina Briceño, Mariana Rondón, Anita Pantin, Terry Smith, Javier León, Andrés Michelena, Enay Ferrer, Julio Pacheco, Luis Molina-Pantin, Pedro Morales, Miguel Von Dangel, Alfredo Ramírez, Misael Carpio y Kruskheylim Jhamaly son los creadores que integran el proyecto expositivo. Estos quince artistas representan diversas generaciones, desde reconocidos maestros, jóvenes con obra ya divulgada en Venezuela y el exterior, así como otros muy nóveles, desconocidos y aún en su proceso de tesis en la Universidad de las Artes.
Pese a las diferencias de los participantes, a través de sus obras se evidencia ese sincretismo al que alude Ramos: el pintor o el escultor que hacen uso del video, la valla urbana, la fotografía, la computadora, Twitter y otras redes sociales, valiéndose de diversos formatos y soportes. “No se trata ya de que un mismo creador pueda realizar sus obras en distintos momentos con muy diversos lenguajes, sino más bien de que, en una misma propuesta visual, un artista logre fusionar y hacer simultáneos muy distintos medios. Es precisamente gracias a tal mezcla —vivaz y actuante— como una obra de esta naturaleza puede llegar a existir”.
Si bien Contaminado puede ser lo que trasciende sus límites, también es lo que recibe en sí diversidades ajenas. Más allá de la hibridación del lenguaje, el proyecto muestra cruzamientos temáticos, espaciales, de temporalidades convertidas en simultáneas, de referencias visuales de artistas de otras épocas que son incorporados a las obras, de lo figurativo y lo abstracto interpenetrándose; es por ello que muchas de las obras que lo integran pueden revisarse como afines al concepto de “obra abierta”.
“Así en estos procesos contaminantes puede darse tanto un acercamiento espacial que quisiera anular todo límite como, en otros momentos, el alejamiento de unas formas desde las otras, con una —menos o más consciente— distancia crítica. La curaduría hace ver que son muchas las posibilidades del acto contaminante: recreación, generación y degeneración, revelación y puesta de relieve, integración y síntesis, multiplicación, simultaneidad, fragmentación, extrañamiento”, dice María Elena Ramos.
Contaminados responde al concepto de muestras colectivas temáticas, orientadas hacia la profundización en aspectos específicos del arte contemporáneo. Inaugura el domingo 2 de septiembre y permanecerá abierta hasta el 15 de diciembre de 2012, con horario de visita de martes a viernes, de 8:30 am a 4:30 pm, sábados 8:30 a 3:00 pm y domingos, de 11:00 am a 3:00 pm. Además, habrá una programación de eventos especiales, como charlas abiertas al público, encuentros con la comunidad universitaria, actividades virtuales, literarias y musicales, todo en correspondencia con el espíritu híbrido del proyecto.
A 55 años de su apertura, la Sala Mendoza continúa su trabajo de promoción del arte y la cultura contemporánea. El período actual plantea además otras perspectivas, alineadas con la tendencia de nuestro tiempo que involucra Espacios Expositivos con Universidades. Al estar integrada al campus de la Universidad Metropolitana, hoy la Sala Mendoza tiene la oportunidad de proponer exitosos proyectos y experiencias que dinamizan el vínculo entre la creación y el conocimiento.
Contaminados
Inauguración: Domingo, 2 de septiembre de 2012 – 11:00AM
Clausura: Domingo 15 de diciembre de 2012
Lugar: Sala Mendoza, Edificio Eugenio Mendoza Goiticoa, Plaza del Rectorado, Universidad Metropolitana, Terrazas del Ávila, Caracas
Colores de mi tierra. Acuarelas de Eglée Manzo en La Guayaba Verde
La muestra “Colores de mi tierra”, de la acuarelista Eglée Manzo, abrirá el sábado 15 de septiembre de 2012, a las 4 pm y permanecerá en los espacios de La Guayaba Verde durante dos meses. Manzo, diseñadora de profesión, se define a sí misma como una artista plástico a quien no le gustan las clasificaciones y siente su obra libre, sincera y llena de originalidad. Esta exposición estará compuesta por 22 obras donde predominan los bodegones con algunos trazos incompletos característicos del pincel de la artista, quien así les imprime su sello único.
Eglée comenta que se inspira en la obra de Cezanne, quien para ella fue un maestro de esta pintura, “él marcó una diferencia, él construía sus lienzos con elementos más cotidianos…pintaba las frutas que tenía a la mano”. Entonces con esa idea en mente Manzo, trabaja desde hace 15 años en una serie denominada “Frutos de mi tierra”. Esa propuesta sigue la misma línea de los bodegones pero está dedicada a las frutas y follajes criollos, además de hacer algunas referencias a la fauna local.
Sus diferentes trabajos le han permitido participar en eventos nacionales e internaciones. Ha estado presente en la Bienal Internacional de México en siete ocasiones y sus pinturas han estado expuestas en diferentes galerías del mundo tales como: el Museo del Canal Interoceánico (Ciudad de Panamá), la Pinacoteca Municipal de San Pablo (Brasil), el Museo Nacional de la Acuarela (Ciudad de México), el Museo Municipal de Arte de Cuenca (Ecuador), el Museo de Arte Moderno (Ciudad de Guatemala) y el Colegio Universitario de Cártago (Costa Rica). En el ámbito nacional su obra ha estado presente en el Museo de Arte Contemporáneo “Mario Abreu” (Maracay), la Casa Amarilla (Caracas) y El Café del Ateneo (Caracas), entre otros. Además, a lo largo de su carrera ha logrado dos menciones honoríficas, una en Barcelona (España) y otra en Buenos Aires (Argentina).
Para Manzo, compartir su arte en un espacio como La Guayaba Verde trae consigo el placer de que los comensales disfruten de la obra en un ambiente ameno que sólo una mesa servida puede ofrecer. Estos espacios alternativos para el arte abren un abanico de posibilidades para el disfrute de los sentidos e invitan a quedarse, y especialmente a regresar, opina.
Acércate este sábado 15 de septiembre a partir de las 4 pm a la inauguración de esta nueva exposición. Allí podrás disfrutar de la presencia amena de esta talentosa artista venezolana, además de disfrutar los deliciosos abrebocas que el chef Eduardo Castañeda preparará especialmente para la ocasión.
Eglée Manzo
Colores de mi Tierra
Del 15 de septiembre al 15 de noviembre de 2012
La Guayaba Verde
Av. Rómulo Gallegos, Edif. Pascal, Local 2, PB. Santa Eduvigis
(212) 285.92.45 / 0416.606.92.23
Prensa: Esther Marcano Producciones
Makom: Fotografías, Grabados y Litografías de Lihie Talmor - Galería Gsiete
Cerca de cincuenta obras entre fotografías, litografías y grabados, conforman la nueva exposición de la artista venezolana-israelí Lihie Talmor, que bajo el título “Makom" será inaugurada el próximo domingo 23 de septiembre a las 11:00 a.m., en la Galería G Siete del Centro de Arte Los Galpones, donde podrá ser visitada hasta el domingo, 4 de noviembre.
Paisajes de la región Ladakh, situada al norte de la India, protagonizan esta muestra a través de la cual la artista descubre y reproduce algunos sitios específicos y otros libremente imaginados; y reconoce ámbitos perdurables de la historia y de sus símbolos, según explica la curadora María Elena Ramos en el texto del catálogo.
En “Makom" –palabra que significa lugar en hebreo- Lihie Talmor plasma “regiones que se figuraba de niña como escenarios bíblicos, reuniendo así el instante del descubrimiento de lo real-presente con fantasías entrañables de la infancia, pero convocando además universos míticos solo aproximados por los libros, relatos de culturas ancestrales, historias sagradas. Integra así sus percepciones individuales con la memoria colectiva, miembro al fin de una comunidad –de una humanidad- más vasta”, escribe María Elena Ramos.
La muestra evoca los recuerdos de esta artista nacida en 1944 en Tel Aviv (Israel), cuya infancia y juventud estuvieron inmersas en un país con espacio geográfico hostil con la significación que siempre tuvo para su pueblo el tener lugar, y en el afán persistente por levantar una de las más estables culturas del tiempo (con una tradición oral y escrita, con una imborrable historia de costumbres y legados que acompañan al judío en cualquier diáspora, en cualquier re-asentamiento).
Según explica la curadora María Elena Ramos, “Esta exposición muestra las ilaciones entre el lugar natural, la toma fotográfica, la elaboración de la matriz –una plancha de metal o una lámina litográfica- y, finalmente, la estampa que ha quedado como rastro sobre un papel (…) Aquí vemos que en el pase del modo fotográfico al de lo gráfico, las distintas instancias del paisaje pueden convertirse en grados, gradaciones: lo volumétrico se vuelve alígero; los caminos se concentran en incisiones lineales; lo descriptivo deviene en narrativo o, más libre aún, en expresivo; lo cierto de la fotografía puede transformarse en dudoso en la estampa, pero también las equívocas escalas o formas de lo fotográfico pueden convertirse en nuevas certezas de la realidad grabada”.
Con más de tres décadas de trayectoria artística, Lihie Talmor ha realizado exposiciones colectivas e individuales en museos y galerías de Venezuela, Israel, Colombia, Estados Unidos e Italia, además ha participado en salones y bienales nacionales e internacionales, donde ha recibido numerosos reconocimientos. Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas en Venezuela, Estados Unidos, España, Cuba, Puerto Rico, México, Japón e Israel.
El público podrá ver el más reciente trabajo de esta artista, así como algunos grabados de dos series anteriores, en la Galería G Siete, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.
Lihie Talmor
Makom
Del 23 de septiembre al 4 de noviembre de 2012
Galería Gsiete
Centro de Arte Los Galpones
Av. Avila con 8va transversal, Los Chorros, Caracas, Venezuela
Tel: 58 212 524 6661
Prensa: Marisela Montes
La Resituación de lo Natural. Fotografías y pinturas de Roberto Murguey
El jueves 18 de octubre a las 7:00 pm, en la galería Espacio Alternativo del Centro de Artes Omar Carreño en La Asunción, Roberto Murguey, inaugura su más reciente exposición titulada “La Resituación de lo Natural”. La muestra incluye 11 fotografías y 5 pinturas a través de las cuales Murguey quiere llevar un mensaje muy claro al público.
“Estamos matando la naturaleza y es hora de tomar conciencia, como artista creo que puedo sensibilizar a la gente a través de mi obra. Debemos replantearnos ya la forma de relacionarnos con el ambiente, no podemos seguir así, sobre todo en la isla”, dijo Murguey.
Desde niño, este inquieto paraguanero con sangre y raíces
margariteñas se sintió movido por una creatividad que se desbordaba que
sigue siendo parte fundamental de su vida. Para él es una sensibilidad
que todos tenemos y nos diferencia de los animales. “Los artistas la
pulimos, la vamos tallando, ese es nuestro trabajo, es nuestra manera
de comunicarnos”.
No le gusta que lo etiqueten como pintor, fotógrafo o escultor, “Soy una artista. Artista es todo aquel que logra un equilibrio con todo lo que lo rodea, quiero un mundo mejor, más sensible en el que todos tengamos oportunidades”.
“Siempre me gustó la fotografía, hoy en día la tecnología nos brinda muchas oportunidades y alternativas y eso me encanta. Me encantan los colores, veo la vida en colores nunca en blanco y negro, quizás porque vivo en el trópico y aquí los colores son muy brillantes, amo la naturaleza, las flores, todo está hecho por el mejor artista que es Dios”.
Murguey piensa más en la imagen que en la fotografía en sí. “Me gusta
la imagen eso que te llega, lo que te mueve el alma, es la posibilidad
de meterte en esa flor, en ese mundo vegetal”, señala. “La Resituación
de lo Natural” es la forma que tiene Roberto Murguey de mostrarnos su
visión de la naturaleza y plantearnos una nueva forma de relacionarnos
con ella, de amarla, de cuidarla.
La muestra permanecerá exhibida en la Galería Espacio Alternativo del Centro de Artes Omar Carreño hasta el 1 de noviembre, gracias al apoyo de la gobernación del estado Nueva Esparta a través del Centro de Artes Omar Carreño y el Iacene.
Roberto Murguey
La Resituación de lo Natural
Del 18 de octubre al 1 de noviembre de 2012
Centro de Artes Omar Carreño
La Asunción, frente a la Plaza Bolívar, al lado del Museo Nueva Cádiz
Isla de Margarita, Nueva Esparta, Venezuela
Tel: 02957727150
Todas las inquietudes
colgantesartes@gmail.com. El correo electrónico de información y contacto.
“Estamos matando la naturaleza y es hora de tomar conciencia, como artista creo que puedo sensibilizar a la gente a través de mi obra. Debemos replantearnos ya la forma de relacionarnos con el ambiente, no podemos seguir así, sobre todo en la isla”, dijo Murguey.
No le gusta que lo etiqueten como pintor, fotógrafo o escultor, “Soy una artista. Artista es todo aquel que logra un equilibrio con todo lo que lo rodea, quiero un mundo mejor, más sensible en el que todos tengamos oportunidades”.
“Siempre me gustó la fotografía, hoy en día la tecnología nos brinda muchas oportunidades y alternativas y eso me encanta. Me encantan los colores, veo la vida en colores nunca en blanco y negro, quizás porque vivo en el trópico y aquí los colores son muy brillantes, amo la naturaleza, las flores, todo está hecho por el mejor artista que es Dios”.
La muestra permanecerá exhibida en la Galería Espacio Alternativo del Centro de Artes Omar Carreño hasta el 1 de noviembre, gracias al apoyo de la gobernación del estado Nueva Esparta a través del Centro de Artes Omar Carreño y el Iacene.
Roberto Murguey
La Resituación de lo Natural
Del 18 de octubre al 1 de noviembre de 2012
Centro de Artes Omar Carreño
La Asunción, frente a la Plaza Bolívar, al lado del Museo Nueva Cádiz
Isla de Margarita, Nueva Esparta, Venezuela
Tel: 02957727150
Exposición Colectiva Colgantes
Extendida hasta el 18 de noviembre de 2012
I Festival de Arte contemporáneo Colgantes
Flor de Venezuela, Barquisimeto.
Hasta el 18 de noviembre 2012 en las instalaciones de la Flor de Venezuela, ícono de la ciudad de Barquisimeto ubicado en la Avenida Venezuela con Avenida Bracamonte.
Colgantes, I Festival de
Arte contemporáneo a realizarse el 21 de Septiembre de 2012, en La flor de
Venezuela de Barquisimeto, Estado Lara. Este festival busca crear un nuevo
amanecer en el arte del estado, siendo que este epicentro de un movimiento en
las artes que pide a gritos desarrollarse. Los protagonistas serán artistas
emergentes que concentran la investigación plástica que se expresa en sus
obras, en dar una muestra sensorial al público asistente.
El proyecto trata de
innovar a nivel de curaduría y presentación, en la diversidad de propuestas
artísticas, que rompan con la rutina de las exposiciones habituales en el
Estado Lara. (Progreso artístico a través de artistas emergentes).
La importancia de la Flor
de Venezuela, además de ser una infraestructura realizada por un arquitecto
famoso nacional y regional como fruto vivas. Tiene una complejidad atractiva
para darle al festival una calidad de desafío museográfico y de curaduría, por
el hecho de no tener paredes y ser circular, esto generará un desempeño
creativo del artista adaptarse al espacio y no el espacio a la obra.
Colgantes, es un festival
que busca innovar en conceptualización, así como también pretende la
experimentación logrando que por medio de las distintas disciplinas artísticas
se muestre una adaptación del artista al lugar, creando de esta manera nuevas
problemáticas museográficas y rompiendo así con el paradigma de una muestra de
arte.
Excelentes las propuestas
que fueron recibidas. Casi nada rechazamos. (Muy diversas que marcan la
contemporaneidad vivida) solo debían cumplir con el hecho de ser suspendidas,
por las características explicadas anteriormente este festival tiene la
particularidad de ser receptor de las obras para convertirse en una vitrina
regional de las artes, y un referente a nivel nacional. Seremos juzgados por el
espectador, no por la organización de Colgantes. Nosotros como organización
seremos los que disponemos de los espacios.
La curaduría la asumen
tres personas que tienen trayectoria en las artes plásticas. Al Vanegas,
Curador de la Flor de Venezuela y el Ateneo de Cabudare. Maria Fabiana Zapata,
profesora de la UCLA especialista en arte en escultura experimental, además con
una trayectoria dentro de las artes plásticas. Giovanni Di Rosa, artista emergente y Director del
colectivo Protoarte.
Este proyecto es gracias
a: Al Vanegas, Maria
Fabiana Zapata,colectivos: Proto Arte. Dospardedos. Sociedad OCTOS.
Transcendencia Grupo Actoral. Banda Rancho e Pavia.
Inaugura el 21 de Septiembre
2012 a las 7 p.m. en las instalaciones de la Flor de Venezuela, icono de la
ciudad de Barquisimeto ubicado en la Avenida Venezuela con Avenida Bracamonte.
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