domingo, 5 de enero de 2014

Enero-Febrero 2014



Erwin Gonzalez exposición Generación XXI PDVSA la Estancia Sala 2


Erwin Gonzalez Blog oficial

 

Mi vida en el fondo del mar. hierro forjado. 38 x 23 x 21 cm. 2005



 Primera Retrospectiva a GEGO en Francia



París rinde homenaje por primera vez a la escultora venezolana Gego, a partir del 14 de febrero, donde la Maison de l'Amérique Latine le dedica su primera retrospectiva en Francia.
En París podrán verse 41 piezas, 39 de ellas cedidas por la Colección Mercantil de Caracas, institución coorganizadora de la muestra, y seis obras de la serie "Chorros", cedidas por Bárbara y Tomas Gunz
París reunirá ahora un conjunto representativo de las grandes etapas de su trabajo, desde sus dibujos y grabados a sus obras tridimensionales, caracterizadas por la utilización singular y poética del espacio y la línea, que sitúan al espectador en el centro de una experiencia física y sensorial

El descubrimiento europeo de la escultora venezolana Gego, considerada como una de las más grandes figuras latinoamericanas del arte del siglo XX, llegará a París a partir del 14 de febrero, donde la Maison de l'Amérique Latine le dedica su primera retrospectiva en Francia.
Prosigue así la revelación del trabajo tan sutil y delicado como inclasificable de esta artista de origen alemán, a quien el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) dedicó la primera gran antológica en Europa en 2006.

París reunirá ahora un conjunto representativo de las grandes etapas de su trabajo, desde sus dibujos y grabados a sus obras tridimensionales, caracterizadas por la utilización singular y poética del espacio y la línea, que sitúan al espectador en el centro de una experiencia física y sensorial.

Hasta el próximo 14 de mayo, distribuidas en nueve salas, podrán verse 41 obras, algunas de sus emblemáticas "Reticuláreas", estructuras etéreas y laberínticas de hilos de hierro suspendidas en el espacio, de sus "Troncos", "Cuerdas", "Chorros" y "Esferas", y también de sus "dibujos sin papel" y sus posteriores "Tejeduras".

Gego (1912-1994), cuya actividad más sólida empieza en los años 60, "estaba bajo la influencia del neoplasticismo" y se distanció radicalmente de la obra cinética, explicó a Efe la comisaria de la muestra, Tahia Rivero.

Su obra, añadió, es todavía poco conocida en Europa, "porque comenzó tarde" a desarrollar su carrera y porque en un principio fue "poco divulgada por su entorno", ya que, a diferencia de muchos artistas conocidos, "no sentía la necesidad del éxodo, sino que, al contrario, quería vivir en Venezuela".

Justamente, agregó, sus herederos "están haciendo hoy día un excelente trabajo, pues, mientras ella vivía, hacía muy pocas exposiciones fuera".

Hasta principios de los años 50, la artista fundó y regentó un taller de diseño y creación de lámparas, y en 1952 conoció a quien sería su segundo compañero, Gerd Leufert, quien le animó a lanzarse a una prolífica actividad artística.

A finales de la década, esa nueva actividad desembocó en sus primeras esculturas y le llevó también a la enseñanza.

Ya entonces, a diferencia de otras grandes figuras del arte latinoamericano, Gego, seudónimo formado con la contracción de las cuatro primeras letras de su nombre y apellido, Gertrud Goldschmit, conocía muy bien Europa por haber nacido en Hamburgo (Alemania).

La artista había emigrado a Venezuela a los 27 años, en 1939, al año siguiente de haber obtenido su diploma de Arquitectura e Ingeniería en la Universidad de Stuttgart, y cuatro años después de que el régimen nazi le retirase su nacionalidad.

"Se fue obligada prácticamente por su familia y ayudada con patrocinio de la comunidad judía", explicó la comisaria.

Primero viajó a Londres, pero, al no lograr obtener permiso de residencia en el Reino Unido, siguió su camino hacia Caracas.

"Su llegada a Venezuela fue casual; se fue para allá sin saber la lengua, por ser el único sitio donde tenia algo seguro", indicó Rivero.

En París podrán verse 41 piezas, 39 de ellas cedidas por la Colección Mercantil de Caracas, institución coorganizadora de la muestra, y seis obras de la serie "Chorros", cedidas por Bárbara y Tomas Gunz, hijos del primer marido de la escultora, precisó.

La exhibición fue montada por primera vez en 2012, cuando la Fundación Gego invitó a varias organizaciones a participar en el centenario de su nacimiento, y "solo ha sido vista hasta ahora en Caracas", resaltó Rivero. 


 Domingo 9 de febrero, 11 am

Exposición "Alegría" de Ramón Maldonado, Galería Trazos 



 Ramón de Jesús Maldonado se forjó a sí mismo en esto de las artes plásticas. Agradece que un día, siendo adolescente, se fue la energía eléctrica mientras veía televisión. Pero, al mismo tiempo se le encendió una luz al encontrar los libros de arte en la biblioteca de su casa en Trujillo. A partir de ese momento, no ha dejado de investigar hasta definir un estilo único en su plástica, alegre, colorida y brillante, inspirada en las fiestas criollas tradicionales.
Con una obra presente en tres continentes, se ha convertido en un reconocido artista internacional del Arte Naif Tropical Contemporáneo, también llamado arte ingenuo o popular.
Maldonado es el ganador del Premio Único de Arte Popular otorgado por la Galería de Arte Trazos, con motivo de la V Bienal de Escultura. El jurado conformado por el crítico de Arte Perán Erminy, y los maestros de la Escultura Max Pedemonte y Noemí Márquez otorgaron el premio por su obra "Ganó mi gallo", inspirada en una de las viejas tradiciones folklóricas y festivas de los pueblos latinoamericanos y caribeños, "representada con el uso de técnica pulcra y virtuosamente atractiva".
El domingo nueve de febrero, a las 11 de la mañana, será inaugurada la exposición "Alegría" para mostrar ésta y otras 20 obras. Y, si hay un tema que se aprecia en su obra, es la alegría. "Siempre he querido pintar cosas lindas, alegres" resume. "De joven me inspiré en los grandes, Picasso, Rembrand, Monet, Dalí. Era la época en que llegaban las noticias de Vietnan, y yo quería cambiar esa visión del mundo que me llegaba".
Maldonado afirma "No es secreto que en Venezuela estamos en un des confort emocional fuerte por el mal entendimiento de los venezolanos, los de un bando y del otro. He tenido la suerte de que mi obra gusta a todos porque todos quieren tener obras que representen la alegría en sus casas".
En la exposición individual en la Galería Trazos el público podrá ver los personajes de Las Locainas, que narran la fiesta de Los Zaragozas, celebrando el día de los santos inocentes. Las representaciones de las festividades de La Burriquita, El Guarandol… El Carite, el personaje de San Pedro en la Fiesta de Guatire, entre otras.
Dirección de la Galería Trazos: Centro Lido, Nivel Miranda, local M−17, Av. Francisco de Miranda, Urbanización El Rosal, Municipio, Chacao, Caracas.

www.galeriadeartetrazos.blogspot.com

 

El Anexo/ Arte Contemporáneo
Inaugura el domingo 9 de febrero la muestra de videos "Editorial IV" con videos de : Iván Candeo, Emilio José Narciso, Marco Montiel-Soto, Suwon Lee, Jaime Castro.

Yoima Varela moldea la fragilidad de un sentimiento

La diseñadora inaugura mañana "De todo corazón" en la galería Art3.

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La creadora venezolana expone una muestra de esculturas e instalaciones (Nicola Rocco)

JESSICA MORÓN |  EL UNIVERSAL
sábado 8 de febrero de 2014  09:30 AM
Para Yoima Varela (1980) el amor no es color de rosa. Sus corazones se revisten de alambres, alfileres, flores artificiales, retazos de tela y hasta santos. Quizás, porque amar en estos tiempos se ha vuelto un acto de fe. "Aquel que se ha enamorado, lo sabe. Aunque la desilusión y el desencanto no son parte del amor de pareja nada más. También se experimentan entre familia y con la amistad", comenta la diseñadora venezolana que inaugura mañana la muestra De todo corazón en la galería Art3 de Las Mercedes.

Una instalación, doce esculturas y tres robots, más que un sentimiento, evocan una sensación. "Me aprovecho de la forma y la trabajo en distintos materiales. Combino texturas chocantes y colores alegres para suscitar impresiones", explica la creadora de 33 corazones.


La instalación agrupa en la pared más de una veintena de esa figura curva, en pequeño formato. Corazones envueltos en flores, forrados en tela y encaje, atravesados con alfileres y cubiertos con alambre, integran la exposición.


En la serie Cóncavos, esculturas de gran formato representan el icono del amor en fibra de vidrio, plástico y madera. Tres piezas que retratan la fragilidad, dureza y debilidad que provoca el acto de amar.


Los morochos -una obra compuesta por dos robots, uno de acrílico y otro de hierro- le proporcionan amparo y luz a un sentimiento. "Son máquinas a base de circuitos que se encienden. Les coloco un corazón dentro para humanizarlos. Por más vanguardista y avanzada que sea la tecnología, no hay un aparato que sustituya los afectos", dice Varela.

La artista visual confiesa que los corazones todavía no se han convertido en una obsesión. No descarta que la figura que la ha acompañado desde sus inicios pueda emigrar en algún momento. "O tal vez mutar, mi deseo es crear".


jmoron@eluniversal.com

La urbe hipotética de Medina


La muestra "Futuro Pasado Presente" 

inaugura mañana en Carmen Araujo Arte.

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El creador venezolano construye una Caracas ficticia sobre fórmica y cerámica (Georgina Svieykowsky)

JESSICA MORÓN |  EL UNIVERSAL
sábado 8 de febrero de 2014  09:24 AM
Referentes arquitectónicos al borde del colapso. Edificios, construcciones y monumentos entregados al descalabro. Un paisaje a punto de sucumbir, anhela subsistir ante los embates del tiempo y el espacio.

Daniel Medina (Caracas, 1978) recurre a elementos urbanos para esbozar un panorama fantástico. El artista visual yuxtapone imágenes de un pasaje cotidiano y las proyecta en un futuro inmediato. "Cuando pensamos en Caracas siempre imaginamos el retrato de una urbe a futuro, pero cuando la recordamos en el presente quisiéramos volver al pasado", dice el creador venezolano que inaugura mañana la muestra FuturoPasadoPresente en la galería Carmen Araujo Arte, ubicada en la Hacienda La Trinidad.


La exposición contempla 'fotografías' de una metrópoli donde los puntos cardinales no están distantes. Un lugar geográfico donde el este y el oeste se fusionan y hasta se comunican en un mismo terreno. En sala, una serie de grabados sitúa el Obelisco de Altamira frente a la parroquia 23 de Enero, el Helicoide junto al Hotel Humboldt y La estatua de la libertad resguarda la cárcel de Tocuyito. "Porque las ideas mutan a través del tiempo. Las necesidades que propiciaron la construcción de nuestros monumentos vienen de un deseo utópico. Hay obras que más bien surgieron por capricho del Estado", comenta el también pintor egresado del antiguo Instituto de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón.


Siete monumentos plasmados sobre papel de algodón (mediano formato) y dos sobre fórmica (gran formato), intentan perpetuar el recuerdo de una urbanidad impoluta en la memoria. "Utilizo la técnica del grabado en un intento por simular el hecho de tatuar o imprimir algo en tinta indeleble, para que no se consuma en el tiempo y quede condenado al olvido", explica el escultor que cursó también estudios en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas.


"Los trabajos de Daniel Medina terminan acusando a través del juego, la realidad en la que vivimos. En una ciudad que (re) construimos imaginariamente para negar el caos", reseña Ricardo Sarco Lira en el catálogo de la muestra.


El creador construye una Caracas idealizada sobre fórmica y cerámica. Medina evoca el carácter no perecedero del material sobre el cual esboza su boceto de ciudad. "Este es mi paisaje ficticio, repleto de posibilidades. Con espacio para reconstruir y desconfigurar", concluye.


jmoron@eluniversal.com

El próximo domingo 16 de febrero, a las 11.00 a.m., el Museo de Arte Popular de Petare Bárbaro Rivas siente satisfacción y orgullo en iniciar las celebraciones de sus 30 años de labor ininterrumpida y del 393 aniversario del Pueblo de Petare con la exposición Petare - De Civitate Dei de Miguel von Dangel. En 30 obras inéditas, cuya inspiración está basada en el texto homónimo de San Agustín (La ciudad de Dios), el artista, que ha permanecido fiel a su concepción trascendente del arte, honra al pueblo con el que ha estado vinculado por más de sesenta años. Igualmente la muestra presenta algunos libros de la Serie Desesperanto. La inauguración contará con la participación del coro de cámara Entrevoces, dirigido por el profesor Francisco Zapata, que interpretará piezas del renacimiento y populares. Miguel von Dangel (Bayreuth, Alemania, 1946), ha vivido desde 1950 en Petare, residiendo actualmente en su casa-taller del barrio El Dorado. Premio Nacional de Artes Plásticas en 1991 y Premio de la exposición "Eco-Art", Río de Janeiro en 1992, su obra ha participado en la Bienal de Sao Paulo, Brasil, en 1983 y en la Bienal de Venecia, Italia, en 1994 con la obra monumental La Batalla de San Romano. Entre sus exposiciones individuales resaltan: Sociedad Maraury, Petare, 1965; Galería Espiral, 1966; Galería 22, 1969; Galería El Ave que Llovía, 1972; Galería Félix, 1982; Sala Mendoza, 1982; Galería Sotavento, 1986; Galería Artisnativa, 1987, 1988; Centro Armitano Arte, Caracas, 1989; MACCSI, 1990; Museo de Arte Contemporáneo Mario Abreu, Maracay, estado Aragua, 1993; Exposición Antológica 1963-1993, GAN, 1994. La exposición Petare - De Civitate Dei de Miguel Von Dangel permanecerá abierta al público del 16 de febrero al 04 de mayo. Horarios: Lunes a viernes de 9.30 a.m. a 12.00 m. y 1.30 a 5.00 p.m. / Sábados y domingos de 10.00 a.m. a 4 p.m. Para visitas guiadas y talleres, contactar a la Unidad de Educación del Museo de Petare por el 0212-8801608. Síguenos por nuestras redes: Facebook: Museo de Petare Bárbaro Rivas; Twitter:@museodepetare Blog: www.fundalamas.wordpress.com; Correo-E: museopetare@gmail.com



Experimentos ajenos con color

Jaime Gili inaugura "Droits de succesion" 

 Oficina #1. Los Galpones

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El creador venezolano, residenciado en Londres, 
le da otra lectura a "lo acabado" (Oswer Díaz)
 
JESSICA MORÓN |  EL UNIVERSAL

viernes 31 de enero de 2014  07:55 AM
Jaime Gili (Caracas, 1972) solía dormir junto a una gran mesa de dibujo. Además de compartir cuarto con su hermano, el mobiliario artístico de su padre ocupaba parte de la habitación en la que su progenitor, pintó un imaginario ajeno. "Mi papá nunca tuvo mucho dinero para comprar obras, así que las copiaba. Tenía una sensibilidad artística pero le faltaba el empuje de un pintor; él era diseñador. Recuerdo que con un rapidrograf se sentaba a reproducir la obra de Mondrian", comenta el artista visual que optó por experimentar en carne propia eso que cualquiera tildaría de "usurpar".

En la muestra Droits de succession que inaugura el domingo en la galería Oficina #1, el creador se apropia de la obra de Carlos Cruz-Diez, Marcel Floris, Max Bill y Morellet "en tono conversacional. Detesto escuchar eso de 'Jaime Gili interviene piezas de otros artistas'... Esta es mi manera de dialogar con algunos de los que ya no están. Se trata de experimentar, es necesario probar ideas, pero más importante es poder escoger bien o retractarse a tiempo", dice el creador que trabajó sobre 11 serigrafías y una intervención. Las piezas originales datan de los años 70, cuando negoció con una galería alemana para adquirir pruebas de estado y los restos de un viejo stock con obras de artistas venezolanos y extranjeros, quizás condenadas a algún rincón.


"El plan, si es que lo hay, es trabajar sobre estas obras gráficas 'acabadas'. Tiene que ver con la idea de cómo me enfrento a un espacio en ocasiones para completarlo, para continuar trabajándolo. No sé si está bien o mal, no sé realmente qué pasa, estoy en búsqueda de reacciones... Habrá quien lo considere abominable, otro pudiera valorarlo más y aferrarse a la necedad de tener dos obras en una", comenta el también interventor del espacio urbano.


¿Alguna vez pensó en trabajar sobre la obra de su papá?, se le pregunta. "Jamás me atreví a tocar sus copias. Él hubiese dicho que era una falta de respeto", responde Gili.


El pintor incorpora su trazo en acrílicos, lápices y wash a la obra geométrica. "A las de Floris quise darles tonos fluorescentes, su obra es muy plana y neutra. Había un grosor en las serigrafías de Morellet y una cierta cosa con el papel que me motivó a dibujarla con lápiz", explica.


"Tengo que sentirme cómodo, no quiero pensar que es una intromisión. El Cruz-Diez, por ejemplo, me intimidó. Pero no deja de resultar provechoso, es curioso, porque haciendo todo esto acabe aprendiendo de todos estos artistas y su forma de trabajar, por ahí fue un buen experimento", afirma.


Gili creció viendo dos reproducciones exactas de las Constelaciones de Miró, colgadas en la entrada de su casa y reproducidas por su papá, un diseñador con alma de pintor. El mismo que jamás se atrevió a mostrar al mundo esa ingenua y bienintencionada usurpación.


El artista no reniega de esa herencia. Sus ansias las desahoga en lienzos ajenos. "Los buenos apostadores persisten en su juego hasta que creen conocer todos los secretos(...). Cuando contemplo el trabajo de Jaime Gili lo imagino volando como Peter Pan, dejando un rastro fulgurante que nadie puede encerrar o atrapar", concluye Federico Vega, autor del texto en sala.


Teresa Mulet hurga en las palabras para discenir sobre la violencia

Durante dos meses se expondrá el trabajo de Mulet en la ONG | FOTO LEONARDO NOGUERA
Durante dos meses se expondrá el trabajo de Mulet en la ONG | FOTO LEONARDO NOGUERA

La diseñadora considera que el lenguaje perdió su poder y se quedó mudo ante las cifras rojas que enlutan al país

Teresa Mulet hizo un nuevo paréntesis en su producción artística como diseñadora e investigadora de la tipografía, para hablar a través de su obra sobre la situación del país. Hace dos años alzó la voz contra la criminalidad en Cada-ver-es. Cada-vez-más y ahora, saturada por los altos índices de violencia, vuelve a gritar en Tipo inútil, en la Organización Nelson Garrido.
La artista usó la figura del oxímoron (dos términos de significados opuestos en una misma estructura sintáctica) para hacer una metáfora de la nación, que para ella es una sociedad llena de contradicciones en la que pareciera no haber conexión entre la realidad y el lenguaje.   
Una de las piezas principales de la exhibición, elaborada en lona, está integrada por los vocablos “Palabra” y “Silente”, sobre la cual se superponen otras como “Asamblea” y “Parlamento”, que se pierden entre las capas de tela. La intención es recrear una imposibilidad, la duplicación de la paradoja.
“En las palabras escondemos dolor o indiferencia. La denominé Palabra silente y para evidenciar todo su contexto la relacioné con otras formas: discurso silente, manifestación silente, rumor silente, prensa silente, escuela silente, familia silente. Cuando esto pasa, como en Venezuela, entonces el instante es eterno y el silencio ruidoso”, expresa Mulet.
La exponente además creó un alfabeto, Doble-Desdoble, formado a través de letras superpuestas que reiteran las palabras duales que afirman y niegan como “entrar saliendo”. “Es un abecedario inútil, pero quizá nos permita comunicarnos de otra manera porque al parecer tenemos la capacidad de hablar, pero no lo hacemos”, señala.
Una segunda parte de la exhibición está integrada por obras elaboradas con números, pero no son dígitos cualesquiera. Son las cifras que compartió el Informe del Observatorio Venezolano de Violencia sobre las muertes ocurridas en 2013.
“En una enorme hoja están impresos los números desde el 1 hasta el 24.763 (que fue el total de fallecidos). Las palabras pareciera que perdieron su poder y quedaron mudas, y las cifras llevan la voz, pero no las entendemos. Intento hurgar en la materia, para ver si desde este lugar podemos evidenciar el sinsentido de observar cómo las carrozas fúnebres pasan frente a nosotros y no hacemos nada, solo nos apartamos. Creo que nos falta comprender que lo que ocurre depende de cada uno de nosotros y no solo de los líderes. Ellos distraen las responsabilidades personales y las dejan suspendidas en un lenguaje demagógico que solo da falsas esperanzas”, asegura la diseñadora, que también expone otras obras críticas como las vocales y consonantes del Himno Nacional esparcidas en el piso. “Ellas reclaman y evidencian que estamos cansados de la espera inactiva”, agrega. 

Teresa Mulet. Tipo inútil
Organización Nelson Garrido. Avenida María Teresa Toro, residencias Carmencita, Los Rosales

 

 

Carlos Medina escultor en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia - Maczul

Hasta Marzo 2014 

Para darle continuidad a la celebración por su 15º aniversario, el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (Maczul) recibe en su Sala 4 la muestra expositiva Esencial, la evolución de la escultura sin bases hacia el muro o el espacio a través de instalaciones únicas, una propuesta del artista venezolano Carlos Medina.
Esencial reúne dibujos, esculturas e instalaciones de este creador barquisimetano, obras que nos sumergen en un mundo de principios razonados y de extrema precisión, un mundo donde el más remoto azar o la más mínima improvisación no tienen lugar. En las obras de Medina, la materia prima es fundamental y la ejecución de las piezas es impecable.
Esta muestra expositiva, que se estará exhibiendo hasta mediados de marzo de 2014, es una invitación a descubrir formas esenciales y a ser testigos de la subjetividad intrínseca contenida en el rigor geométrico.

Lugar: Sala 4 del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia.

Carlos Medina Escultor - Instalación Gotas
Carlos Medina Escultor - Instalación Gotas
Fotografía Gladys Calzadilla.



En su camino hacia las formas abstractas esenciales, Carlos Medina va haciendo cada vez más suya esa zona ambigua entre razón y libertad, donde el buen arte se mueve holgadamente.


María Elena Ramos.



Carlos Medina - Neutrinos
Carlos Medina - Neutrinos


Carlos Medina - Esencial, Fugas, en el Maczul
Carlos Medina - Esencial, Fugas, en el Maczul

Las modernas geometrías más que sistemas de medición son actualmente consideradas como formas de la lógica, tal vez eso invita al artista a la cuadratura del círculo que no puede sorprender cuando la ciencia habla hoy de un cosmo de membranas y un mundo de sistemas de diez u once dimensiones.  



Soto
Carlos Medina - Esencial, Fugas, en el Maczul
Carlos Medina - Esencial, Fugas, en el Maczul

Carlos Medina, gotas (móviles) instalación en varas de acero inoxidable y nylon.
Carlos Medina, gotas (móviles) instalación en varas de acero inoxidable y nylon.





La piedra, el hierro, el mármol, el granito, el acero, el papel, compañeros de vida y arte de Carlos Medina, le han abierto caminos desde sus primeros días como escultor.

La transformación formal y conceptual de una forma geométrica, podría definir la trayectoria de un artista como Carlos Medina. Siendo esta transformación la base de sus planteamientos estéticos, las series escultóricas que trabaja están inscritas en una nueva manera de plantearse la tridimensionalidad (…)


Carlos Medina superficie blanca en el Maczul
Carlos Medina superficie blanca en el Maczul

Carlos Medina gotas en el Maczul
Carlos Medina gotas en el Maczul



La curiosidad investigativa y necesidad reflexiva de Medina le ha conducido a crear técnicas fuera de lo convencional y a dominar materiales no convencionales (…)

Medina advierte su trabajo escultórico, como realizaciones siempre preconceptuadas y luego materializadas en la línea que va de lo material a lo esencial.

Se refiere entonces a “lo esencial” al Minimalismo puro que explica el proceso plástico de los últimos años, con propiedades físicas y estéticas definidas por lo formal y lo conceptual.

Es decir que material, técnica e idea conforman un planteamiento unitario; que en función de sus exigencias le conduzcan al logro de un resultado de altísima calidad estética y estructural.

Fragmentos de texto “De lo Material a lo Esencial” , por Bélgica Rodríguez, Caracas 2013.
 

Clausura de la Exposición 

GEGO sobre papel, el trazo transparente.

Museo de la Estampa y el Diseño "Carlos Cruz Diez" Sala 1A, 

Domingo 26 de enero, 11 am,



 Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez
Avenida Bolívar entre Calle Sur 11 y Este 8. Paseo Vargas, Caracas.
Central 0212-571.24.01 Fax 0212-572.14.76
F. museoedccd T. @museocruzdiez

 

 Exposición Colectiva ENTRE LÍNEAS



Artista Invitados:

Ben Abounassif
Álvaro Fernández
Flix
Augusto Marcano
Alberto Riera

Horario: Martes a Sábado de 11am a 6pm
            Domingos de 11am a 4pm

Centro de Arte Los Galpones, Galpón 12, 8va. Transversal con Avenida Ávila y Calle Ávila B, Urbanización Los Chorros - Caracas.

 

El adorador de la imagen de Lucía Pizzani y

Pares mínimos. Collages de Rafael Castillo Zapata.

Sala Mendoza , domingo 26 de enero, de 11 am a 3 pm.

La Fundación Sala Mendoza tiene el placer de invitarlos a la inauguración de las exposiciones que estrenan el 2014. 

En la sala principal inaugura El adorador de la imagen de Lucía Pizzani, muestra individual de esta joven artista ganadora de la más reciente edición del Premio Mendoza (2012). En esta ocasión, Pizzani exhibe el resultado del trabajo desarrollado durante la residencia en el Centro de producción e investigaciones en artes visuales Hangar, ubicado en Barcelona, España.




A su vez, en el espacio de Librería, se presenta Pares mínimos. Collages de Rafael Castillo Zapata. La muestra es una oportunidad de apreciar el manejo del lenguaje plástico por parte de este reconocido escritor venezolano, quien mediante el collage como técnica, demuestra una pulcra cualidad en la composición a través de la sobriedad del color y de las formas duales. 




Finalmente, en los espacios de Mezzanina y del Centro Documental se inicia la conmemoración de los 20 años de este centro de investigación con una selección de carteles y catálogos que forman parte de la historia de la Sala Mendoza y de su tradición editorial.

Será un gran placer para el equipo de la Sala Mendoza compartir con ustedes estos proyectos expositivos. Los esperamos el domingo 26 de enero, de 11:00 am a 3:00 pm.


Individuales y nuevos espacios marcan la agenda del año 2014

La Sala TAC celebrará el centenario de nacimiento de Gerd Leufert | Foto Archivo

La Sala TAC celebrará el centenario de nacimiento de Gerd Leufert | Foto Archivo

A pesar de que las salas abrirán sus puertas en enero, febrero será el mes de las inauguraciones 



Después de unos días de descanso por las vacaciones navideñas, la mayoría de las galerías y salas expositivas de la ciudad reanudarán las actividades la próxima semana. Muchas son las expectativas porque, a pesar de que cumplieron sus metas en 2013, el balance no fue tan positivo como en anteriores años.
En 2014, los artistas se enfrentan, entre otras cosas, a la falta o difícil adquisición de materiales para desarrollar sus producciones artísticas. Asimismo, a la dificultad de los centros de exposición para conseguir pinturas para las paredes o marcos para las obras.
A pesar de las dificultades el calendario ya está armado y principalmente está integrado por individuales. Odalys Galería de Arte mantendrá hasta el 26 de enero la exposición del artista alemán Uli Westphal, Human Nature. El 9 de febrero ofrecerán el montaje de Los ocultos, con tres artistas españoles: Antón Lamazares, Antón Patiño y Menchú Lamas. Durante el año presentarán fotografías de Carlos Eduardo Puche y las obras de la italiana Irina Novarese. En la sede de España, exhibirán las Columnas policromadas de Mateo Manaure y en junio ofrecerán una exposición del guitarrista de The Rolling Stones, Ronnie Wood, y el artista venezolano Abdul Vas. La inauguración contará con la presencia de los integrantes de la mítica banda.
El próximo mes la Sala TAC montará una exposición fotográfica de Alfredo Armas Alfonzo, curada por su hijo Ricardo Armas. El centro también tiene programada una muestra con ocasión del centenario de nacimiento de Gerd Leufert y otra de Nedo, pionero del diseño gráfico venezolano.
Carmen Araujo Arte comienza sus actividades en 2014 con una individual de Daniel Medina, que será inaugurada el 9 de febrero. GBG Arts ofrecerá una exposición de Harry Abend con textos de Federica Palomero y otra de Ricardo Benaím.
El Ateneo de Caracas organiza para febrero una muestra de Ricardo Jiménez. También el próximo mes, Oficina #1, en el Centro de Arte Los Galpones, inaugurará una exhibición de Jaime Gili. En 2014 presentarán también una colectiva de piezas intervenidas sobre obra gráfica de artistas como Carlos Cruz-Diez.
En marzo, La Caja del Centro Cultural Chacao hará un montaje con obras de Oscar Molinari y Gabriela Gamboa. La galería Okyo tendrá individuales de Yosman Botero y de Claudio Gallina.
El miércoles reanudan sus actividades tanto la galería Freites como D’ Museo. La primera ofrecerá en febrero una exhibición del artista estadounidense Robert Indiana, mientras que la segunda tiene dentro de sus planes las exposiciones de Reymond Romero, Nayarí Castillo, Alirio Rodríguez, Juan Toro y Edgar Sánchez.
El circuito de exposiciones también contará con un nuevo centro: la galería La Cuadra será ahora Espacio Monitor y se mudará al Centro de Arte Los Galpones. La curaduría estará a cargo de Miguel Miguel García y estará ubicada en la antigua sede de Periférico Caracas. El 16 de febrero será la muestra inaugural de Víctor Lucena. Le seguirá el mexicano José Dávila y el uruguayo Marco Maggi.
Art Tepuy amplió sus espacios: ahora tendrá un segundo piso. La reinauguración será en febrero con una exposición colectiva curada por Lorena González. 

En el extranjero
En España, el año 2014 estará dedicado a celebrar el cuarto centenario de la muerte del Greco. El Museo del Prado ofrecerá dos exposiciones del pintor: El Greco y la pintura moderna y La biblioteca del Greco. En Toledo, ciudad donde nació, también habrá varias exhibiciones. En Nueva York se impondrá el arte contemporáneo con propuestas de creadores como Jeff Koons. En París, el Pompidou mostrará una retrospectiva del fotógrafo Henri Cartier-Bresson y también exhibirá obras de Marcel Duchamp. The National Gallery en Londres expondrá Rembrandt, los años finales, mientras que la Tate Modern tendrá creaciones de Matisse.

Exposición SINGAMIA de Daniela Quilici

HASTA EL 30 DE ENERO
en el colegio Francia de Caracas 
de 12 a 4 pm

Venezuela en la Feria de Cartagena

Del 9 al 12 de enero, 15 galerías participan en la versión "boutique" de la Feria

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ArtCartagena se realizará en el hotel Bóvedas de Santa Clara. Contará con la participación de 15 galerías latinoamericanas provenientes de seis países. Por Venezuela participará D Museo con obras de los artistas Ángel Marcano, Francisco Pereira, Pancho Quilici, Reymond Romero, Jesús Soto y Édgar Sánchez


MARÍA GABRIELA MÉNDEZ |  ESPECIAL / EL UNIVERSAL

lunes 6 de enero de 2014  12:00 AM
Bogotá.- Enmarcada en una ciudad de ensueño, el próximo nueve de enero abre sus puertas ArtCartagena, la primera versión de una feria de arte en pequeño formato que contará con la participación de quince galerías, entre ellas la venezolana D'Museo.

Andrea Walker, quien hizo posible ArtBo y la convirtió, luego de ocho años como su directora, en una de las más importantes de Latinoamérica, fue la cabeza detrás de la idea de hacer de Cartagena un punto de encuentro para artistas, galeristas y coleccionistas nacionales e internacionales.

"Desde que me retiré, sentía que los coleccionistas de arte que venían a Bogotá estarían muy interesados en también visitar Cartagena como centro histórico y turístico. Lo que más me motivó fue brindar plataformas diferentes que pudieran replicarse en otras regiones del país", cuenta Walker, quien ve un gran potencial artístico fuera de Bogotá.

Lo más novedoso de esta feria "boutique" es que se realizará en un hotel, el Bóvedas de Santa Clara, específicamente en sus 15 suites dúplex, donde el galerista puede usar la habitación del piso superior y exponer en la parte de abajo sin tener que hacer doble gasto. Así se hace viable económicamente no solo para la organización sino también para el galerista.

"Quisimos demostrar que se pueden hacer cosas innovadoras pensando muy bien cómo hacer viable este tipo de proyectos. Por eso surge la idea de hacerlo en un hotel, y en Cartagena porque es un centro turístico que congrega a un público nacional e internacional y que podía reunir, como punto geográfico, toda la expresión del Caribe", anota Walker, quien además considera ventajosas las condiciones de seguridad y conservación de las obras que ofrece el hotel.

Para seleccionar las galerías, el comité organizador, conformado por un selecto grupo de personas de larga trayectoria en el arte y la cultura de Colombia como curadores, coleccionistas, directores de museos, hizo una convocatoria pública nacional e internacional que tuvo muy buena acogida. Unas 30 galerías se postularon para los 15 puestos disponibles.

De un total de 15 galerías, de las cuales cinco son colombianas y el resto de Costa Rica, México, Estados Unidos, España, Argentina, se encuentra D'Museo, la galería venezolana que desde 1990 promueve a grandes maestros de la pintura venezolana de finales del siglo XIX y del siglo XX, así como a artistas plásticos de nuevas generaciones. Zoraida Irazábal, Ana Josefina Vicentini y Nicomedes Febres, sus directores, han sido además los fundadores y organizadores de la Feria Iberoamericana de Arte FIA, desde su primera edición, en 1992.

Para ArtCartagena, seleccionaron seis de sus artistas: Ángel Marcano, con dibujos tridimensionales hechos de alambre; al escultor Francisco Pereira y sus representaciones de bestias míticas; a Pancho Quilici con sus dibujos-pintura-escultura que muestran mundos interiores; a Reymond Romero y sus exploraciones del color a través de elementos textiles; y los maestros consagrados Édgar Sánchez y Jesús Soto.

En la feria no hay un foco o tema particular, sino que más bien dejaron en manos de las galerías la propuesta y la selección de obras. Así, se encontrará una gama variada entre artistas consolidados y emergentes del arte contemporáneo y moderno. Además de la venta y exposición, hay una programación turística y académica con una exposición de seis artistas de la Costa y dos conversatorios: el proceso creativo y el coleccionismo.

Walker tiene expectativas positivas sobre la acogida que tendrá y espera que sea la primera de muchas ediciones en las que la feria pueda crecer y consolidarse: "Queremos ir creciendo en la medida en que el público y la ciudad vayan respondiendo para ir poco a poco pero de manera sólida. Lo que más nos interesa es demostrarle a la región que se pueden hacer cosas si uno es lo suficientemente creativo y hace viable estos proyectos. Los recursos económicos son indispensables, pero lo que se necesita es ser innovador, creativo, y tener un buen equipo", recalca.

Su nombre fue gancho infalible para la convocatoria: "Aunque sea una primera versión y muy pequeña, no es mi primera feria porque ya una hay experiencia adquirida que le suma al proyecto", dice Walker. La experiencia de ArtBo le dio las alas y el conocimiento para poder organizar otro tipo de ferias en regiones diferentes. "Uno conoce las variables que debe tener un proyecto para que sea exitoso, no es solamente colgar unos cuadros en un espacio, es atraer el coleccionismo para que vengan buenas galerías y traer buenas galerías para que venga el coleccionismo, es un círculo que hay que manejar; darle oportunidad a la región en cuanto a artistas y proyectos que se puedan gestar alrededor".

La feria se une así a una gran oferta cultural que ofrece durante el año Cartagena: el Festival de Música, el Hay Festival, el Festival de Cine, la Bienal de arte. Con esta última se pone, definitivamente a la ciudad en la mira de las artes plásticas.

FATA MORGANA  “Cada quien hizo lo que le dio la gana”  en Galería 39

Carlos Anzola, Jose Antonio Fernández, J.J. Moros y Carlos Quintana
-Todo es un espejismo porque nada nunca es lo que parece-
Hasta Enero de 2014

11am a 4pm.

Fata Morgana es una forma de espejismo natural que ha retado la imaginación de viajeros y navegantes a lo largo de los siglos.

En la mitología artúrica, Morgana era un hada de aspecto cambiante, hechicera y discípula del mago Merlín, lo que  explicaría algunos mitos, como la  isla flotante de Avalon o el barco fantasma “The Flying Dutchman” ( El Holandés Errante).

Estos cuatro artistas venezolanos contemporáneos, de reconocida  trayectoria, desarrollan individualmente sus lenguajes, propuestas y visiones del arte, principalmente en el ámbito tridimensional, a partir de fundamentos conceptuales personales, técnicas,  materiales y formatos muy diversos.

CARLOS ANZOLA

“Con un eje netamente recolector, el 100% de la materia prima utilizada en estas piezas proviene del encontrar. Filtrados por su condición visual de deterioro, se establece un diálogo franco entre este inventario de objetos."



JOSE ANTONIO FERNANDEZ REYNA

GEOMETRIA EMPIRICA

Del proyecto PENTAGONAL, se desprende una línea de investigación: el pentágono regular, de la cual surge lo que llamo geometría empírica y los dos temas centrales de esta muestra: icosaedro / tetraedro.



JJ MOROS

Estoy preparando un conjunto diverso, unas piezas recientes y otras con algún tiempo.

… un esquinero que pasó un tiempo en el taller, con un juego de medias lunas y líneas.

… un par de cuadrados de arista, son pareja porque las muescas o intervenciones están hechas con la idea de que se interrelacionen, no sólo con las del propio cuadrado, sino también con las del otro.

 La  más reciente, es un conjunto de tres piezas circulares con un relieve central sobre el que se desarrollan intervenciones variadas y  profundas que se asocian a lo interno y en el conjunto

Por último, una rueda grande, con un tamaño que se impone con diversas intervenciones.



CARLOSQINTANA

ZUTKABUFF

Instalación de un grupo de mis ranchos más recientes, que apareció de manera espontánea con ejemplos de  tecnología ferroviaria de origen marciana; además de otras piezas que parecieran inconexas, y que sin embargo no lo son.

 

Levedad / Densidad - Jonidel Mendoza, Paul Parella y Paulo Castro exponen en el Centro de Artes Integradas

Paulo Castro. Tensopintura 2013
Paulo Castro. Tensopintura 2013
Tres artistas venezolanos cuyas propuestas divergen entre sí y que esperan propiciar en el espectador una experiencia sensorial que trasciende lo visual, comparten sus visiones y creaciones artísticas en la muestra Levedad / Densidad que podrá visitarse hasta el 12 de enero en la sala William Werner del Centro de Artes Integradas, CAI, en Terrazas del Ávila.
En todas las piezas que conforman la propuesta de Jonidel Mendoza, Paul Parella y Paulo Castro, se pueden percibir principios opuestos que la curadora pone a dialogar en esta exhibición, como Levedad / densidad, transparencia / opacidad, desplazamiento / fijación, tensión / fluidez y materialidad / inmaterialidad. Si uno de estos artistas encarna algunos de estos conceptos, es probable que otro trabaje su contrario y esto se verá en sala como una experiencia museográfica en la que lo leve y lo denso conviven.
“Así como existe en arte una escala de valores que se refiere al paso gradual de la luz a la sombra y viceversa, en Levedad / Densidad se producen gradaciones similares cuando apreciamos los principios duales que nos han motivado exponer las obras de estos tres artistas”, dice Susana Benko, curadora, investigadora de arte y museólogo miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA-Capítulo Venezuela).
Paul Parrella. Anotaciones sobre el cielo. Intervención del espacio CAI
Paul Parrella. Anotaciones sobre el cielo. Intervención del espacio CAI
Según la curadora, “No cabe duda que se da una experiencia sensorial múltiple cuando captamos la esencia del alma humana a través de las obras transparentes, casi evanescentes, de Jonidel Mendoza; o cuando Paul Parrella desafía la escala llevando un trozo de cielo, en medio de su transitoriedad y condición efímera. Y nos queda la experiencia con la materia, pura y densa, y a la vez tan sutil de sus armonías cromáticas cuando Paulo Castro incita a la activación de nuestra pasión por la belleza”.
Para Benko, queda en el espectador establecer el último lazo comunicante para que sea él quien sensorialmente propicie el diálogo entre las obras de estos tres artistas. “Además de las dualidades mencionadas, se producen otras lecturas transversales que derivan de la relación entre figuración/abstracción, conceptos a primera vista básicos pero que en algunas de estas obras adquieren cierto grado de complejidad según las búsquedas de estos artistas”, afirma.
Lo evidente o lo velado, lo literal o lo sugerido, es lo que hace que esta exposición se vuelva atractiva a los ojos del espectador y a su entendimiento, encontrando paradojas interesantes que demuestran que no todo lo que se define y se ve como certero realmente lo es. Las dualidades se redimensionan significativamente.
Jonidel Mendoza. Intercepciones del Reflejo II
Jonidel Mendoza. Intercepciones del Reflejo II
Trina Itriago de Vallenilla, directora ejecutiva y secretaria permanente del Centro de Artes Integradas afirma que para el CAI es primordial apoyar y difundir el arte nacional e internacional en todas sus expresiones y corrientes. “Nuestro compromiso es seguir trabajando para que pronto podamos contar con todas las instalaciones educativas que encierra nuestro proyecto: El Complejo Educativo-Cultural Centro de Artes Integradas. Agradecemos a los artistas que se unen a nuestro proyecto de promoción de las artes, a La Oriental de Seguros por apoyarnos y acompañarnos en esta muestra y al personal del Centro de Artes Integradas y Montaña Creativa”. 
Los creadores de Levedad / Densidad
Jonidel Mendoza. El ser humano está presente en su obra. Un artista figurativo, con formación académica y un excelente dibujante cuyo proceso creativo ha ido a la inversa: fue despojándose de la materialidad del soporte, del pigmento y del color, para crear a partir del vacío. La línea y el punto son su principal herramienta y son las que sustentan materialmente su trabajo. El espacio es su soporte y se convierte en el cuerpo y alma de sus figuras. Éstas no llegan a corporizarse. Son presencias que conmueven precisamente por su ausencia. Jonidel juega equilibradamente con la levedad y densidad de sus recursos.
Paul Parrella. Su trabajo se sustenta en una paradoja. Ello se debe a que vemos una obra abstracta e informal (que muchos catalogarían de tachista y gestual) pero que difiere radicalmente de los procedimientos de los tachistas y gestualistas. Contrario a aquellos, Paul no se centra en la representación informal de la materia ni en el dinamismo del gesto, al menos en esta serie en particular, sino en la transcripción literal de las formas de las nubes que visualiza a través de la ventana de su taller. En otras palabras, su obra deriva de una meticulosa observación de la naturaleza. Primero sucedió con sus Anotaciones sobre el agua (2005), después sobre la luz (2007) y ahora es sobre el cielo, en particular, las nubes.
Paulo Castro. La propuesta más abstracta de esta exposición la desarrolla este artista: cuatro piezas cuya composición, basada en planos de color, es asimétrica e irregular. Todas concebidas como una sola obra, quedando entrelazadas secuencialmente a través de las formas, de los mismos planos de color como a través de las telas sintéticas estiradas que se mimetizan con el fondo al tener ellas el mismo color. El resultado, sin embargo, es variable y se debe a la cantidad de elementos tenso-pictóricos empleados así como a su direccionalidad que hace que cada módulo presente una composición diferente. Es precisamente la tela sintética dispuesta dinámicamente y en tensión la que define formal y conceptualmente la obra de Paulo Castro. Por ello se llaman: Tensopinturas.
Levedad /Densidad podrá visitarse hasta el 12 de enero en la Sala William Werner,  Centro de Artes Integradas, Universidad Metropolitana.

El Centro de Artes Integradas (CAI), es una asociación civil sin fines de lucro constituida en 1979, que nació de la inquietud de integrar todas las disciplinas artísticas: música, danza, teatro y artes plásticas, en un centro educacional y cultural del más alto nivel que permita al sector privado una intervención directa en el desarrollo de las artes. Es un proyecto de educación integral, donde el alumno se acerca y conoce las diferentes expresiones artísticas como un todo, sin seccionarlas. La idea final comprende la convivencia de un Colegio, un Conservatorio de Música, Salas de Teatro, Galerías, Escuela de Artes Plásticas, Escuela de Teatro, Escuela de Danza, Escuela de Fotografía, Escuela de Cine, una Zona Rental y un Centro de Investigación y Estudios. www.centrodeartesintegradas.org / Twitter @CentroArtesInt / Facebook.
Jonidel Mendoza, Paul Parella y Paulo Castro
Levedad / Densidad
Hasta el 12 de enero de 2014
Centro de Artes Integradas
Sala William Werner
UNIMET, 2da entrada izq. Terrazas del Ávila
Caracas, Venezuela
Horario: de lunes a viernes, 9:30 a.m. a 4:30 p.m.
Fuente: PressRelease Comunicación Corporativa

 Mariposario: Esculturas en cerámica y obras en papel de Lucía Pizzani

Lucía Pizzani mostrará su primera exposición individual en Oficina #1
Lucía Pizzani - Mariposario

A partir del jueves 5 de diciembre la artista venezolana Lucía Pizzani mostrará su primera exposición individual en Oficina #1. Bajo el título de Mariposario. Pizzani, residenciada en Londres, traerá al país su más reciente producción que comprende dos series: una de esculturas en cerámica y otra de trabajos sobre papel.
Pizzani, quien recibiera este año el Primer Premio en la XII edición del Premio Eugenio Mendoza y el Premio a la Artista Emergente otorgado por la Asociación Internacional de Críticos de Arte AICA-Venezuela, acaba de participar, representada por Oficina #1, con un solo project en la feria Pinta NY en la sección de videos curada por Octavio Zaya.
Para la muestra Mariposario se ha contado con la colaboración de la crítico de arte y curadora Lorena Muñoz-Alonso, quien estuvo a cargo del texto curatorial. Para Muñoz-Alonzo esta muestra se inscribe dentro del proceso investigativo que ha venido desarrollando Pizzani en sus últimos trabajos, en el que las ideas de transformación y cambio han sido una constante, por lo que estas nociones cobran una particular relevancia para entender su acercamiento al cuerpo, su trabajo con formas orgánicas y su cuestionamiento del acto creativo.
Entre los antecedentes para llegar a Mariposario se encuentran proyectos recientes como Orchis (2011) o La Desconocida del Sena y otras Ofelias (2012), que condujeron a Pizzani hasta una novela de Richard Le Gallienne que narra como la obsesión del protagonista por una máscara mortuoria con la efigie de su amada desencadena un trágico final, representado por la mariposa nocturna Acherontia atropos, que es conocida por sus marcas blancas con forma de calavera humana.
“A raíz de esta imagen, siniestra y romántica, Pizzani empezó a trabajar con la figura de la mariposa. Este tipo de insecto es particularmente significativo a nivel simbólico ya que en su corto ciclo de vida –a veces de tan solo un día de duración– se transforma de oruga a mariposa y, una vez cumplida su función reproductiva, muere. Su impactante metamorfosis, de viscoso gusano a una de la especies más bellas y vistosas de la naturaleza, encarna a la perfección la idea de ‘devenir’, un concepto clave en el pensamiento de Deleuze, que define la idea de movimiento en estado puro”, afirma Muñoz-Alonso.
Mariposario está compuesta de dos series: Capullos (2013) y Lepidópteros (2013). La primera la integran un grupo de cerámicas de gres esmaltadas estéticamente fascinantes e inquietantes. “Las cerámicas han sido moldeadas en una enorme variedad de tipos de crisálidas. Así, el proceso de oruga a mariposa queda congelado de manera indefinida justo antes de su eclosión, los insectos para siempre suspendidos en este estado de devenir” explica la curadora. La serie Lepidópteros (2013) la conforman un conjunto de dibujos elaborados con una técnica de impresión manual desarrollada por Pizzani, en la que, a través de una transferencia de tintas y agua, invita a explorar un inventario de rastros y huellas.
Como refiere Muñoz-Alonso “Los dibujos resultantes parecen mariposas, sin duda, pero la tinta aguada les dota de una apariencia fantasmagórica, como si lo que viéramos en la galería no fueran sino las marcas que estos insectos han dejado en el papel, batiendo sus alas impregnadas de tinta durante unos segundos antes de volver a desaparecer. (…) Lo que resulta interesante de estos dibujos, además de sus variadas implicaciones, es su vacuidad, que ofrece al espectador la ocasión de proyectar sus propios paisajes mentales, como si de los famosos test de Rorschach se tratara”.
Lucía Pizzani (Caracas 1975) vive y trabaja en Londres. Es licenciada en Comunicación Social, mención Audiovisual de la Universidad Católica Andrés Bello, Certificate in Conservation Biology CERC en Columbia University (NY) y Master en Fine Arts del Chelsea College of Arts and Design de Londres. Dentro de sus muestras individuales se pueden nombrar Vessel y Orchis (Fernando Zubillaga Galería, Centro de Arte Los Galpones. Caracas, 2009 y 2011, respectivamente), Retratos Ausentes-Absent Portraits (La Carniceria, Caracas y Signature Art Gallery, Miami, 2007), y Vestigios (Sala Mendoza, -La Librería-, Caracas, 2003), entre otras. Ha participado en exposiciones colectivas en países como Venezuela, Colombia, Estados Unidos, Reino Unido, España y Nueva Zelanda. Entre estas muestras se pueden mencionar el XII Premio Eugenio Mendoza (Sala Mendoza. Caracas, 2013), Masquarade: be another (Stephen Lawrence Gallery. Londres, 2013), II Taller de Curaduría Experimental (Periférico Caracas. Caracas, 2012), Transgression (Beers.Lambert Contemporary. Londres, 2011), Bienal Internacional de Arte Contemporáneo ULA (Universidad de Los Andes. Mérida, 2010), MOLAA Collects Photo-Based Art, (Museum Of Latin American Art. Los Angeles, 2009), III Queens Museum Biennale (Queens Museum. New York, 2006), Identidades (Galería El Museo. Bogota, 2006), The Drop (Exit Art. New York, 2006), y Naturalezas Abiertas, Salon Exxon Mobil (Galería de Arte Nacional. Caracas, 2003).
Entre los reconocimientos a su trabajo se cuentan el XII Premio Eugenio Mendoza (Sala Mendoza. Caracas, 2013), el Premio a la Artista Emergente otorgado por el AICA Capítulo Venezuela, (Asociación Internacional de Críticos de Arte, Caracas, 2013), el Segundo Premio en el IX Salón CANTV de Jóvenes Artistas FIA (Centro Cultural Corp Banca. Caracas, 2006). Su obra está representada en la Colección Banco Mercantil, el Museum Of Latin American Art (MOLAA) y la Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC), entre otras.
Lorena Muñoz-Alonso es una crítica de arte y curadora independiente española residenciada en Londres. Publica sus textos periódicamente en Art-Agenda, Kaleidoscope, Frieze, This is Tomorrow, The White Review, AD o Celeste, así como en numerosos catálogos, incluyendo el de la exposición The Last Newspaper del New Museum de Nueva York. Ha trabajado en el departmento curatorial de la Barbican Art Gallery, Pilar Corrias Gallery y Frieze Art Fair.
Mariposario
Lucía Pizzan
 

Hasta el 26 de enero de 2014
Oficina #1
Galpón 9. Centro de Arte Los Galpones 29-11.
Av. Avila con 8va Transversal Los Chorros.
Caracas, Distrito Federal 1071, Venezuela
oficina1.com
Martes a viernes de 2 a 6 pm. Sábados y domingos de 11 am a 4 pm.
Teléfono: +58 (0)212-2835010
Prensa Oficina #1

 

xposición individual de Hendrik Hidalgo

APOLOGÍA IMAGINARIA 

Museo de Arte Afroamericano

 

LA FÁBULA DE LO MÍSTICO



El Museo de Arte Afroamericano abre sus puertas una vez más con regocijo  al artista plástico Hendrik Hidalgo, cuyo monólogo teatral sobre la vida y obra de  la pintora mexicana Frida Kahlo dejó una huella imborrable en estos espacios  culturales.  

En esta oportunidad Hidalgo presenta una importante muestra que surge de la  síntesis, la inteligencia, la creatividad y la experimentación, en una conjunción de  alto nivel profesional que recarga esta exposición de una estética muy personal  y el mestizaje de creencias tan característicos de la cultura latinoamericana.

La magia técnica y conceptual le ha permitido conseguir por medio de los materiales interpretaciones religiosas con múltiples posibilidades. En sus investigaciones se remonta a una memoria ancestral y transmite  claramente el vínculo y la oposición entre lo sagrado y lo profano, rememora  figuras arquetipales para construir ese mundo emotivo y místico que nos envuelve  pero que también nos inquieta en su ficción y realidad. De esta manera, a través  del sincretismo realiza un extenso estudio analítico del fenómeno religioso en  el plano cotidiano, tanto en piezas bidimensionales como en tridimensionales y corporales. Sus pinturas, esculturas y ensamblajes invitan al espectador a una  reflexión sobre los rituales, lo simbólico, mitológico y enigmático, para con ellos edificar un mundo de lo imaginario. 
 

En el Caribe encontramos otros artistas que han recurrido a lo mágico –  religioso para expresarse, es el caso de los cubanos José Bedia, Juan Francisco  Elso y Ana Mendieta. También Charo Oquet de la República Dominicana, Eduard  Duval Carrie de Haití; y en Venezuela Luis Alberto Hernández, Mario Abreu,  Marta Cabrujas y Miguel Von Dangel, entre otros. Estas referencias resultan  fundamentales para ubicar la obra de Hendrik en el contexto plástico nacional  e internacional. En su labor están presentes la naturaleza, lo humano y los  arquetipos religiosos: observamos en sus obras las figuras de José Gregorio  Hernández, el Divino Niño de Colombia y la Virgen acompañados de iconografía simbólica proveniente de las grandes religiones del cercano y lejano oriente, India  China y África, dialogando de una manera tal que no pierden su fuerza expresiva  ni su contenido mítico. De allí que el trabajo de Hidalgo se coloque a la altura de los más destacados artistas contemporáneos en su imaginario colectivo, el cual  refleja nuestro anhelo de espiritualidad y comprensión del mundo que nos rodea  bajo la perspectiva de lo sagrado.

Nelson Sánchez Chapellín

La década TAC 2003 - 2013. Diez años, un legado

Una exposición que reúne piezas de más de 30 artistas que han expuesto a lo largo de estos 10 años de actividad de la Sala TAC completamente a la venta.

Exposición aniversario
Diez años, un legado de la Sala TAC

Desde aquella agitada semana inaugural de junio del año 2003 han transcurrido diez años, una década de intensidades en todos los sentidos pues la Sala TAC ha vestido sus paredes con 67 exposiciones que han dado pie a más de 50 publicaciones, decenas de eventos especiales y, lo más expresivo, que ha sido visitada por 400.000 personas. Esta envidiable cifra está relacionada con las posibilidades que el característico horario del Trasnocho facilita, ya que la gente que acude al centro comercial, a los cines y teatros, a los restaurantes y chocolatería, también hace el paseo por las exposiciones.
Paisajes de Adrián Pujol, esculturas de Pedro Fermín, pinturas de Patricia Van Dalen, joyas de Lourdes Silva, cerámicas de Noemí Márquez, esmaltes de Lamis Feldman, Collage de Ángel Hurtado y Augusto Lange, óleos de Luisa Palacios, Víctor Millán, Paul Klose, Víctor Valera, piezas de arte colonial, ensamblajes de Vicente Antonorsi e Isabel Cisneros, textiles de María Eugenia Dávila y Eduardo Portillo, serigrafías de John Lange, Marcel Floris, Jacobo Borges, Nedo y otros y un múltiple de Cruz-Diez, todas ellas a la venta para el público y una escultura de Cornelis Zitman será objeto de subasta durante el tiempo de permanencia de la muestra.
La tarea de desplegar las 60 obras que integran la muestra en los espacios de la sala TAC ha recaído sobre Rafael Santana. No ha sido fácil por la diversidad de obra que reúne esta colectiva de artistas, pero que en su recorrido el público podrá recordar muchas de las exposiciones que se han presentado en los espacios de la Sala TAC. El criterio para la convocatoria fue dejar para una futura edición los trabajos de fotografía y artesanía, pues el espacio representaba la principal limitación.
Con motivo de este aniversario se hace necesario valorar a través de una publicación que no sea solamente gozo de contemplar lo culminado sino herramienta para investigadores atentos al acontecer de las artes plásticas en nuestra ciudad. Se procura dejar evidencia impresa de la huella de los diez años de actividad de la Sala TAC desde su fundación en el mes de junio de 2003 hasta el mes de junio del año que corre. Este testimonio recoge una reseña detallada de cada exposición con imágenes de los montajes. También se documenta cada una de las publicaciones que la Sala TAC editara durante estos diez años.
En la sección de índices de esta publicación, se destacan especialmente a los autores de textos y los diseñadores gráficos pues ha sido anhelo obligado de la Sala TAC dejar huella de su actividad a través de sus catálogos. Por ello, esta década también celebra que se haya podido mantener una actividad editorial importante.
El diseño de esta importante publicación estuvo a cargo de Aixa Díaz, quien también realizó la selección de imágenes que ilustran la publicación, Lourdes Blanco, investigadora, fungió como editora, mientras que Rosa Elda Fernández , Gerente de Sala TAC fue la Coordinadora General de la publicación.
Hasta el 31 de enero de 2014
Miércoles a sábados 10:00 am a 9:00 pm
Martes, domingos y feriados 1:00 pm a 9:00 pm
Sala TAC
C.C. Paseo Las Mercedes, Nivel Trasnocho
Las Mercedes, Caracas. T. 993-2957
www.trasnochocultural.com
Prensa Trasnocho Cultural
  
(Re)presentaciones. Fotografía Contemporánea Latinoamericana en el Centro Cultural Chacao
Espejo del Colectivo Galería Experiencia (Brasil) - (Re)presentaciones
Espejo del Colectivo Galería Experiencia (Brasil)

La Oficina Cultural de la Embajada en Venezuela trae por primera vez a Venezuela a PhotoEspaña, importante evento internacional de fotografía, con esta exposición que podrá verse en el Centro Cultural Chacao y que coincidirá además con un visionado de porfolios en el CiEF
El próximo martes 03 de diciembre a las 7 pm, será inaugurada en La Caja del Centro Cultural Chacao la exposición (Re)presentaciones. Fotografía Latinoamericana Contemporánea, bajo la curaduría de Ana Berruguete. La muestra reúne el trabajo de 14 fotógrafos contemporáneos procedentes de Latinoamérica y pudo verse antes en Madrid, donde formó parte de la programación oficial del festival internacional de fotografía PhotoEspaña’13.
(Re)presentaciones está enmarcada dentro de los eventos que organiza la Oficina Cultural de la Embajada de España en Venezuela, en alianza con la AECID, el Centro Cultural Chacao y el Centro de Estudios Fotográficos-CiEF, con motivo de la visita por primera vez a Venezuela de PhotoEspaña, de la cual también se ha previsto un visionado de porfolios Trasatlántica, en el que participarán 21 fotógrafos previamente seleccionados y que tendrá lugar los días 4 y 5 de diciembre en el CiEF.

La serpiente líquida de Nicolas Janowski (Argentina) - (Re)presentaciones
La serpiente líquida de Nicolas Janowski (Argentina)

Los 14 fotógrafos que conforman (Re)presentaciones proceden a su vez de los Visionados de Porfolios de la edición de Trasatlántica de 2012, celebrados en Costa Rica y México. Por primera vez, con motivo de la exposición en el Centro Cultural Chacao, un visionado de Trasatlántica visitará otra ciudad y otro país que no sean Madrid y España, fuera del contexto del festival de celebración anual PhotoEspaña.
Entre los fotógrafos y series que integran la (Re)presentaciones figuran: Los olvidados de Fabián Hernández (Costa Rica), Desvestidas de Luis Arturo Aguirre (México), La casita de turrón de Roberto Tondopó (México), Los matrimonios viejos no se dan los buenos días de Irama Gómez (Venezuela), La serpiente líquida de Nicolas Janowski (Argentina), La tercera frontera de Leslie Searles (Perú), Espacios de Control de Eduardo Jiménez (México), Una y otra erupción de Ilana Lichtenstein (Brasil), 4 13 de Juan Carlos López Morales (México), Tratado visual sobre el vacío de Aglae Cortés (México), El caballo de dos cabezas de Mariela Sancari (Argentina), Tránsito de Humberto Ríos (México), Paisajes para el fin de la existencia de Xtabay Zhanik Alderete (México), y Espejo del Colectivo Galería Experiencia (Brasil).
La casita de turrón de Roberto Tondopó (México) - (Re)presentaciones
La casita de turrón de Roberto 
Tondopó (México)
Según señala en el texto de presentación la curadora de la muestra, Ana Berruguete, las series seleccionadas atañen tanto a la representación, como al medio, en un ejercicio de interpretación de la imagen que desvela otros significados. “Proponen relatos que hacen referencia a situaciones o estados intermedios entre algo pasado y algo nuevo, entre lo visible y lo sugerido, lo evidente y lo intuido”.
A su juicio, la diversidad de sus lenguajes e intereses rompe con cualquier intento de mostrar un grupo homogéneo bajo el epígrafe de «fotografía latinoamericana», sino que por el contrario, las propuestas presentadas pretenden subrayar la pluralidad de estilos y estéticas, —en sus más variadas formas—, y mostrar una de las tantas posibles miradas.
En tal sentido, Ana Berruguete señala en el texto que “Fabián Hernández devuelve la identidad pasada a un grupo de hombres por medio de su vestimenta y de su pose, mientras que Luis Arturo Aguirre presenta a mujeres que, al desnudarse, muestran toda su ambigüedad de género. Otros fotógrafos como Humberto Ríos Rodríguez, Mariela Sancari o Xtabay Zhanik Alderete componen fábulas metafóricas acerca del concepto de la muerte, alejadas de los tópicos. Roberto Tondopó explora vivencias autobiográficas a través de la infancia y pubertad de sus sobrinos, mientras que Irama Gómez construye un relato sobre la vejez. Ilana Lichtenstein y Juan Carlos López Morales muestran proyectos que están a medio camino entre la realidad y la ficción, lo evidente y lo sugerido. Aglae Cortés se recrea en las representaciones del vacío para construir paisajes entre lo abstracto y lo figurativo, y Eduardo Jiménez reivindica los comedores de las fábricas mejicanas como espacios de poder y de control”.
Por su parte, el colectivo Galería Experiência muestra imágenes que nacen del texto; Nicolás Janowski hace un retrato de la Amazonía como un paisaje en continua transformación provocada por el devenir de la propia naturaleza y la presencia del hombre; y por último, Leslie Searles ha compartido su tiempo con personas que esperan su próximo destino en un espacio intermedio, la tercera frontera, según escribe la curadora.

Fotografía

Sin título. De la serie Los matrimonios viejos 
no se dan los buenos días, 2010-2012, ©Irama Gómez

El público podrá visitar esta exposición de PhotoEspaña 2013, del 03 de diciembre al 16 de febrero de 2014, en la sala 1 de La Caja del Centro Cultural Chacao, ubicado en la Avenida Tamanaco de El Rosal. El horario es de martes a sábado de 12:00 p.m. a 8:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.
Mayor información puede ser solicitada por las páginas web: www.culturaesve.org.ve / www.centroculturalchacao.com / www.culturachacao.org / www.ciefve.com o a través de las cuentas de Twitter: @culturachacao y @CculturalChacao Facebook: Centro Cultural Chacao y La Radio del Centro Cultural Chacao
(Re)Presentaciones
Hasta el 16 de febrero de 2014
Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco, El Rosal
Caracas, Venezuela

Prensa: Zoraida Depablos

Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa en el Centro Cultural Chacao

A partir del 3 de diciembre

Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa

El artista venezolano Carlos Zerpa presenta su nueva propuesta creativa, a través de una muestra que será inaugurada el próximo martes 03 de diciembre a las 7:00 de la noche, en la Sala 2 de La Caja del Centro Cultural Chacao, en El Rosal, donde permanecerá en exhibición hasta el 16 de febrero de 2014.
Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa es el título de esta exposición, que bajo la curaduría de Lorena González, refleja la inestabilidad, el agobio y la violencia de nuestros días, mediante el conceptualismo objetual de Zerpa, el cual, manejado con maestría y buena lid en sus composiciones, supera “las liviandades de una vanguardia que resuena sus flecos en las esquinas insonoras del ligero presente cultural que atravesamos”, según escribe en el texto de presentación la curadora de la muestra.
A juicio de Lorena González, la obra del artista Carlos Zerpa “es un cúmulo de despliegues y trayectorias que siempre se han desplazado fuera de sí para convertirse en un paradigma de lo visual: una apuesta por traducir las variables de un afuera en conmoción constante, a través de acciones que entorchan con saludable ironía las inconstancias de un mundo atroz y servil”.

Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa

En esta ocasión, reproduce un arquetipo dantesco del cotidiano nacional, donde los personajes –al igual que nosotros- viven en un desapego que crece y multiplica sus capacidades de anulación para reproducir un torrente de desconfianza eterna; una reinversión inmediata de las formas y una pérdida total de los referentes, según explica González. “En la sala de exposiciones estallan sus alarmas el Sr. Conejo -quien parece huir de la hecatombe trepado en una altísima escalera-, la Anaconda Amazónica que da vueltas sobre sí misma a través de más de once mil discos de vinilo, el Sr. Trastorno vigilante y custodio del desastre, el Taxi Caracas en un nuevo entierro con botellas de Jack Daniel y los Caimanes/Leviatanes quienes han sido sujetados con cadenas para que no ataquen”, afirma.

Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa
Con una amplia carrera artística de más de cuatro décadas, Carlos Zerpa es un artista de medios no convencionales, cuya obra ha transitado por diferentes campos y medios de las artes visuales, como son la fotografía, pintura, escultura, ensamblaje, videoarte y performance. Ha realizado exposiciones en museos, salas y galerías de Venezuela, Colombia, Estados Unidos, España, Brasil, México, Japón, Australia, Italia, Ecuador, y Francia, entre otros países, además su obra forma parte de importantes colecciones del país, como las de la Galería de Arte Nacional, Museo de Bellas Artes, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Museo de Arte Moderno de Mérida, y Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez; así como también, de las colecciones del Bronx Museum (Nueva York, USA), Museo de Las Américas (Washington, USA), Museo de Arte Moderno de San Diego (California, USA), Pinacoteca Giulio Rodino (Nápoles, Italia), Museo de Arte Contemporáneo de Cali (Colombia), Museo de Arte Moderno de Bogotá (Colombia), Museo de Arte Contemporáneo MARCO (Monterrey, México), y Museo de Arte Moderno de Monterrey (México).

El público podrá apreciar la más reciente propuesta de este artista, a través de la muestra Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa, que se presentará del 03 de diciembre de este año al 16 de febrero de 2014, en la Sala 2 del Centro Cultural Chacao, ubicado en la Avenida Tamanaco de El Rosal, en horario de martes a sábado de 12:00 p.m. a 8:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.

Mayor información puede ser solicitada por las páginas web: www.centroculturalchacao.com y www.culturachacao.org o a través de las cuentas de Twitter: @culturachacao y @CculturalChacao Facebook: Centro Cultural Chacao y La Radio del Centro Cultural Chacao.
Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa
Hasta el 16 de febrero de 2014
Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco, El Rosal
Caracas, Venezuela
Prensa: Zoraida Depablos

Javier León celebra el Aula Magna de la UCV en sus pinturas y fotografías

Aula Magna© Javier León - Aula Magna UCV
El artista Javier León, nos ofrece una exposición en la que reúne un conjunto de pinturas, fotografías, grabados y video, que tienen como tema central el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela, serie en la que ha venido trabajando desde 2012 y en la que continua realizando nuevos planteamientos.
En esta oportunidad coinciden esta muestra con la celebración del 60 aniversario de la fundación de la zona cultural de la Ciudad Universitaria de Caracas, por tal motivo el viernes 29 de noviembre del presente año a las 12:30 del mediodía, se estará inaugurando la exposición Javier León Aula Magna poniendo una vez mas de relieve la importancia de este monumento arquitectónico realizado por el Arq. Carlos Raúl Villanueva y que sigue siendo el mejor ejemplo en el país de la mejor integración de la arquitectura y el arte, gracias al trabajo en conjunto que el arquitecto realizó con el artista Alexander Calder con la obra Stabile, Nubes o Platillos como suelen ser llamados estos elementos escultóricos los cuáles además de su contundente armonía estética cumplen una función acústica para el espacio que integran, los cuales son tomados por Javier León como significante de este proyecto de modernidad.
© Javier León - Aula Magna UCV
Como comenta el arquitecto e historiador Freddy Carreño al referirse a esta serie de obras: Se trata ahora de una revisión crítica de momentos o discursos emblemáticos de la plástica con la finalidad de re-encontrar en el análisis formal las claves que dan sentido a ese proceso creativo. Desde este espacio de reflexión se inserta el trabajo reciente de Javier León, un artista que se identifica con la noción del arte como discurso conceptual, sin embargo, aun afianzado en la idea no abandona el valor de lo pictórico, precisamente por su importancia como transmisor de mensajes. Ese enfoque del hacer del artista se centra en el tiempo heroico de la modernidad nacional, plena de realizaciones y resultados de importancia histórica.
Este espacio de reflexión que abre el artista por medio de sus obras es oportuno cuando se celebran 60 años de la inauguración de este espacio, además de ser mostrada en la Galería Universitaria de Arte que se encuentra a escasos metros de la original Aula Magna, es un ejercicio de acercamiento y de lejanía de enfrentar una interpretación que deja ver la posibilidad que pareciera infinita de descubrir nuevos espacios y nuevos acercamientos desde los cuales puede ser observada e imaginada esta sala de conciertos y sus Nubes.
© Javier León - Aula Magna UCV
Esta muestra cuenta con la curaduría de Marisela Chivico, quien comenta: La modernidad, viene a ser en esta oportunidad el marco que envuelve el cuerpo de obras, que traen a la memoria un ejemplo de ese momento convertido en ansiado anhelo, esta apropiación se da por medio de un despliegue de interpretaciones que nos traducen en su propia significación lo inefable de este proyecto inconcluso.
Esta exposición será inaugurada el viernes 29 de noviembre a las 12:30 del mediodía y estará abierta al público hasta el 28 de febrero de 2014 en el horario de lunes a viernes de 10:00 am a 4:00 pm.
Javier León
Aula Magna
Hasta el 28 de febrero de 2014
Curadora: Marisela Chivico
Galería Universitaria de Arte
Plaza cubierta, Universidad Central de Venezuela
Caracas
Telf.: 0212 605 20 25
Email: galeriaucv@gmail.com
Fuente: Marisela Chivico

Campo Ciego. Federico Ovalles-Ar revisa los imperativos de la modernidad en el MAC


Invitación de la exposición 'Campo Ciego. Federico Ovalles-Ar'
Asiste a la Sala 7 del Museo de Arte Contemporáneo (Caracas) para experimentar la espacialidad informal propuesta por el artista Federico Ovalles-Ar.
La curadora, Albeley Rodríguez, apunta “Las obras de este creador interpelan las políticas aplicadas a lo urbano así como las lógicas de disciplinamiento social, al tiempo que develan la capacidad creadora de quienes tienen que resolver su vida cotidianamente con los elementos que tienen a la mano. La muestra se llama campo ciego tomando como eje la categoría llamada así por el pionero de las tesis sobre el espacio como producción social, Henri Lefebvre, a través de la cual el teórico buscó explicar aquellos espacios que han sido anulados de los patrones formales de la sociedad urbana pero, aun así brotan funcionando desde la contradicción, la incertidumbre y la provisionalidad de la ciudad no pensada”.
El público podrá identificar distintos procesos experimentados por la ciudad de Caracas a través de un video-collage hecho por Ovalles-Ar tomando fragmentos de filmes venezolanos desde los 50 hasta finales de los 90; asimismo se encontrará con obras de sitio-específico en los que las lógicas museísticas y sus estéticas tradicionales son puestas en revisión capciosa al transformar tabiques en propuestas contingentes y usar sus materiales en planteamientos constructivos opuestos al cubo blanco, controlado y en orden. En la exposición Campo Ciego. Federico Ovalles-Ar los imperativos de la modernidad y sus mitos de perfección son puestos en entredicho desde otras vistas la ciudad y desde un museo abierto a los desafíos impulsados por el arte contemporáneo al mostrar lo que late dentro de nuestra propia ceguera.
La apertura estará acompañada por la música de Dj Torkins y un brindis. Todos están invitados a disfrutar mientras repiensan sus esquemas.
Entrada libre.
Federico Ovalles-Ar
Campo Ciego. Federico Ovalles-Ar
Hasta el 17 de febrero de 2014
Inauguración: viernes 1° de noviembre, hora: 5:00 – 7:00 pm
Museo de Arte Contemporáneo 
Sala 7
Parque Central, Caracas
Fuente: Albeley Rodríguez

 Grabado Argentino Actual

Los comienzos del grabado en Argentina se remiten al siglo XVII con la introducción en el Río de    La    Plata  de  la imprenta por parte de los jesuitas en las misiones del Paraguay,  quienes imprimieron unos de los primeros incunables en Sudamérica, basándose en copias de  imágenes y textos de origen europeo.
Con su expulsión, la imprenta fue trasladada una parte a  Buenos Aires y  otra a Córdoba, decayendo su producción para emerger nuevamente en el siglo XVIII pero sin la calidad y cantidad de décadas pasadas.    A   partir   de 1810,  llegan al país profesionales con inclinaciones artísticas llamados "los Artistas Viajeros" que documentaron de manera singular las costumbres y paisajes de las Provincias Unidas.

A fines del siglo XIX se afianza la litografía como técnica aplicada para la impresión de periódicos con acento sobre lo social-político. También cabe destacar el inicio de los primeros centros de formación de bellas artes llamado " la Sociedad de Estímulo de Bellas Artes" que en 1905 va a tomar el nombre de "Academia Nacional de Bellas Artes".

A partir del siglo XX la República Argentina atraviesa nuevamente replanteos socio-políticos, en algunos casos impulsados por las corrientes inmigratorias internas y externas que de alguna manera influirán en el pensamiento de numerosos artistas, por ejemplo los denominados "Artistas del Pueblo" que vieron en el grabado una posibilidad de difundir sus  ideas. .

En la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad, el arte impreso tomará nuevos rumbos, no solamente por el aporte de nuevas técnicas sino por las propuestas de los artistas grabadores, dedicados tanto a las  técnicas clásicas de grabado como a las innovaciones aportadas por el arte digital.  (Investigación de  Alberto Arjona,  grabador   argentino, y ex librista).


Hasta el 15 de febrero de 2013
Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez
Calle Sur 11 con calle 8, Parque Vargas


Pop Art y Figuración Estados Unidos–Venezuela Centro Cultural B.O.D.
Robert Indiana - Pop Arte y Figuración - Exposición en el Centro Cultural B.O.D. Corp Banca
Robert Indiana
El Centro Cultural B.O.D. inaugura el miércoles 2 de octubre su nueva exposición, Pop Art y Figuración; una muestra, que presenta a los artistas más representativos del Pop Art y la figuración, de Venezuela y Estados Unidos. Bajo la curaduría de María Luz Cárdenas, se hace un recorrido por la segunda mitad del siglo XX para reconstruir la historia de este momento y de esta forma de cultura a través de sus obras, creadores y seguidores.
Más de 50 piezas serán exhibidas gracias a la colaboración de grandes coleccionistas del país y del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas; donde figuran nombres como los de Marcel Duchamp, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, y Larry Rivers, precursores del Pop Art. De igual manera, podrán apreciarse obras de Andy Warhol, Robert Indiana, Tom Wesselman, Red Grooms y Jim Dine, reconocidas figuras del Pop norteamericano.


 José Antonio Dávila Pasajeros, 1974 Colección privada
José Antonio Dávila Pasajeros, 1974. Colección privada
En Venezuela, el desarrollo del Pop Art guarda relación con una extraordinaria capacidad del venezolano para construir imaginarios, iconos, ídolos, señala la curadora. “En una especie de reconocimiento y adoración por las imágenes, por los objetos rituales o mitos fabricados por nosotros mismos; en la permanente construcción de universos simbólicos y mitologías cotidianas; habita una fuente determinante para tender puentes entre ese imaginario y el orden social”. De allí, que entre los participantes activos e iniciadores del movimiento en el país se encuentren Marisol y Rolando Peña, presentes en la exposición junto a otros grandes maestros como: Nelson Moctezuma, Campos Biscardi, José Antonio Dávila, Luis Domínguez Salazar, Margot Römer y Pedro León Zapata.
Por su parte, entre los exponentes de la Figuración, veremos a George Segal, uno de los exponentes más claros de esta nueva versión del realismo. John Clem Clarke que asigna otro giro al Pop y a la Figuración; y Jacobo Borges, un artista integral y una presencia destacada en la pintura venezolana contemporánea.
En el recorrido propuesto en esta exposición por los movimientos figurativos y el Pop Art, se planteó como espacio final, la presentación de propuestas contemporáneas que continúan abriendo caminos en la comprensión de lo real. Dos artistas, el norteamericano Donald Sultan y nuevamente el venezolano Jacobo Borges, construyen nuevos modelos iconográficos para la representación de la naturaleza, ejemplos que también podrán apreciarse en la muestra.


Luis Domínguez Salazar American Holy Family I, 1970. Colección Carmen de Domínguez
Luis Domínguez Salazar American Holy Family I, 1970. 
Colección Carmen de Domínguez
La exhibición puede visitarse de martes a domingo de 10:00 a.m. a 5:00 p.m., en la Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D.
Pop Art y Figuración
B.O.D.-Corp Banca
Torre B.O.D.-Corp Banca - Urb. La Castellana. Caracas.
www.corpbanca.com.ve
Prensa: Fadella Lares Velásquez. B.O.D.-Corp Banca