miércoles, 16 de julio de 2014

Julio-Agosto 2014


Obsolescencia programada | Luis Poleo

inauguración: domingo: 27 de julio, 2014 – 11:00 am

clausura: domingo, 24 de agosto, 2014 – 4:00 pm

Imágenes integradas 2
 
Carmen Araujo Arte®

Urbanización Sorokaima, calle Rafael Rangel sur,

Secadero 2, Hacienda La Trinidad Parque Cultural

Caracas, Venezuela

+58 212 419 82 63 / +58 414 121 07 87

info@carmenaraujoarte.com

www.carmenaraujoarte.com

horarios

martes a sábado: 10:00 am a 06:00 pm

domingos: 11:00 am a 04:00 pm

feriados: 11:00 am a 4:00 pm

Museo de la Estampa y el Diseño

"Carlos Cruz Diez"

 

 

Fundación Museos Nacionales
Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez
Avenida Bolívar entre Calle Sur 11 y Este 8. Paseo Vargas, Caracas.
Central 0212-571.24.01 Fax 0212-572.14.76

F. museoedccd T. @museocruzdiez

Abilio Padrón

El discurso de la imagen

 Museo de la Estampa y el Diseño "Carlos Cruz Diez" - MEDI

Sala 2A

Av. Bolívar entre calle Sur 11 y Este 8, Paseo Vargas, Caracas

 

Exposición Caracas: espacialidad virtual

de Marianela Pérez

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Lugar: Secadero Uno, Hacienda la Trinidad Parque Cultural.
Dirección: Urbanización Sorokaima, Calle Rafael Rangel Sur, Secadero Uno. La Trinidad. Fecha Inauguración: Domingo 20 de Julio de 2014.
Hora: Desde las 11 am.

Exposición Individual Registro No Visto 

del artista Jonathan Lara.


Lugar: Galería Parenthesis.
Dirección: Centro de Arte Los Galpones - Galpón 12, 8va. Transversal con Avenida Ávila y Calle Ávila B, Urbanización Los Chorros - Caracas.

Fecha Inauguración: Domingo 20 de Julio de 2014.
Hora: Desde las 11 am.
Horario: Martes a Sábado de 11am a 6pm. y Domingos de 11am a 4pm.


Fundación Celarg inaugura exposición

Llano recio” con fotografías de Joaquín Cortés

El jueves 17 de julio de 2014 a las 7:00 p.m.

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El Ministerio del Poder Popular para la Cultura, a través de la Fundación Celarg y el Centro Nacional de Cinematografía, invitan a la inauguración de la exposición fotográfica Llano recio, de Joaquín Cortés, el jueves 17 de julio de 2014, a las 7:00 p.m., en el Museo Rómulo Gallegos de la Fundación Celarg, con entrada libre.



La exposición con motivo a la celebración del 40 Aniversario de la Casa de Rómulo Gallegos, exhibirá cuarenta imágenes del fotógrafo y cineasta Joaquín Cortés, realizadas entre 1997 y 2001 en la sabana venezolana. El acto inaugural contará con la participación de la agrupación Sexteto Mucinética.



Joaquín Cortés es fotógrafo y cineasta venezolano nacido en España en 1938, dedicado a la fotografía desde 1962. Ha escrito guiones y dirigido documentales y largometrajes. Obtuvo el Premio Nacional de Cultura mención fotografía en los años 2008 y 2010.



Las fotografías provenientes del llano venezolano “se relacionan profundamente con las novelas más importantes de Rómulo Gallegos, como Doña Bárbara y Cantaclaro, esas que recorren las sabanas, sus pobladores y sus leyendas”. Así lo dio a conocer, Pedro Sanz, coordinador de artes visuales de la Fundación Celarg.



El montaje estará a la disposición del público hasta abril del 2015. La muestra fotográfica contó con la colaboración de la Fundación Cinemateca Nacional para su realización.



Sexteto Mucinética en concierto

La exposición contará con la participación de la agrupación Sexteto Mucinética, conformado por ejecutantes de dilatada trayectoria en el campo musical académico y tradicional de Venezuela desde el 2012. En el 2013 Sexteto Mucinetica recibió la Orden Cultural del Reino Manga du Wagadou-Ghana, debido a sus aportes culturales. La agrupación que destaca los instrumentos más representativos de la tradición musical venezolana está integrada por Antonio Mayorca, violín; Pedro Andrés Pérez, guitarra; Javier Arvelo, cuatro; Raúl Aquiles Delgado, violoncelo; Javier Montilla, flauta y Xavier Perri, bajo.

En el marco de la ruta de los Museos.

Escenarios de Jesús Guerrero 

en el MAC Sala 7
Viernes 18
Hora 5:30 pm

Trans-Género, Trans-Génico

en el MAC Sala 7
Viernes 18
Hora 6:00 pm
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Clausura de la Exposición Inventario de Dulce Gómez
Curaduría Sandra Pinardi
Conversación con Luis Salazar, Luis Arroyo
Sábado 19 de julio a las 11:30 am

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viernes, 9 de mayo de 2014

Mayo-junio 2014

 

La muestra "Formas vitales"de Valerie Brathwaite

inaugura el domingo 22 de junio en Oficina #1.

 La artista expone por primera vez una serie de dibujos hechos por ella en los años 70


"Al material no lo condiciona la forma, es la forma al material", advierte Valerie Brathwaite (Trinidad, 1940). La artista visual moldea en concreto, yeso y acrílico suertes de ondas de mar. Su obra está emparentada con la naturaleza, que ella contempla, para recrear en 10 esculturas de pequeño formato los pétalos de una flor o el volumen de una montaña. "No hay un cuestionamiento tan directo e intelectual. Admiro el paisaje porque en él están mis miedos. Representarlo es una manera de vencerlo. Yo no sé nadar por ejemplo", detalla la creadora que inaugura el domingo Formas vitales.

La galería Oficina #1 en el Centro de Arte Los Galpones, reúne parte de su obra reciente junto con una serie de dibujos de los años 70. "Siempre soñé con exponerlos. Nunca antes los había mostrado porque en esa época nadie los habría entendido. En su momento, solo los vio Gego y le resultaron maravillosos. Después de casi 40 años me daba nostalgia verlos en mi taller, pensando que ellos son el origen de mi trabajo", apunta la creadora que cursó estudios de Arte en Francia, Inglaterra, Suecia y Venezuela.

Seis dibujos abstractos en mediano formato, elaborados en tinta china y a color, constituyen una especie de boceto. Sobre papel, Brathwaite pinta un cúmulo de líneas curvas que en un futuro cercano tomarán forma en un material compacto. "Para un escultor todo arranca en el dibujo. Es el espacio donde se proyectan las ideas que más adelante adquieren cuerpo. Los míos en particular, más que un ensayo, son una aproximación a lo que vendrá. A veces siento que existe una dualidad en la que los dibujos se transforman en esculturas o viceversa", comenta. Su obra escultórica emerge del plano hacia el relieve. La artista superpone formas abstracto-geométricas en ascenso. Desde 2011 trabaja con huesos. "Siempre estoy pensando en formas", explica.

Brathwaite trabaja con las imágenes que se dibujan en el espacio. Su obra rememora la forma de las nubes o el cauce de un río; el contorno de un cerro o las curvas del viento. "Lo que se advierte es un juego -un poner a prueba- que no escapa de la curiosidad que impulsa a la artista a generar vínculos y puntos de unión entre lo bidimensional y lo tridimensional, a partir del color, las formas y la intersección de líneas", concluye la investigadora de su obra Analy Trejo.

Inauguración: Reflexiones sobre la mirada y la memoria

Inauguración: Reflexiones sobre la mirada y la memoria

Centro Cultural Chacao
Inauguración: Reflexiones sobre la mirada y la memoria
Domingo 8 de Junio
11:00 am
La Caja 1 y 2
Estacionamiento en el CC Lido
Entrada Libre
Se inaugurarán dos exposiciones individuales: Indagaciones sobre la visión oblicua, de Lourdes Peñaranda, y Aparataje visual, de Carlos Anzola.

Estas individuales, bajo la curaduría de la joven investigadora Marisela Chivico, muestran el trabajo reciente de estos dos reconocidos artistas. Lourdes Peñaranda, en una acuciosa labor de investigación visual, presenta un proyecto en el que problematiza el acto de mirar, a través de fotografías que develan la oblicuidad de la visión, demostrando que todo acto de observación es siempre sesgado y parcial.

Por medio de las topografías fotográficas que construye, Peñaranda invita a reflexionar sobre la forma tradicional de ver el mundo, exponiendo así los hallazgos fortuitos que hay en las situaciones ordinarias que a veces son obviadas por la mirada.

Por su parte, Carlos Anzola presenta una exhaustiva labor de recolección de referencias sobre el pasado reciente del mundo tecnológico; por medio de pinturas, ensamblajes y collages. Este artista demuestra su interés por propiciar una reflexión sobre nuestro paso por el mundo a través de imágenes de aparatos obsoletos que detonan referencias estéticas, personales y sociales, funcionando así como fragmentos de la vida humana que permiten rescatar la memoria de épocas pasadas, retratadas en la obsolescencia del mundo tecnológico.

La obra de Lourdes Peñaranda, Indagaciones sobre la visión oblicua, podrá ser vista en los espacios de la Sala 1, mientras que Aparataje visual, de Carlos Anzola, se presentará en la Sala 2. El horario de visitas de la exposición es de martes a viernes de 11:00 am a 8:00 pm, y sábados y domingos de 11:00 am a 5:00 pm.


Cine Europeo

Cine Europeo - Pasa una Peli 
3 y 17 deJunio
7:00 pm
Sala Experimental
Estacionamiento en el CC Lido
Entrada Libre


La sala experimental del Centro Cultural de Chacao será escenario para compartir buen cine de la mano de PasaUnaPeli (PUP). Se proyectarán dos películas que dieron de qué hablar en los principales festivales de cine del mundo, como Cannes y César.
La sala experimental del Centro Cultural de Chacao será escenario para compartir buen cine de la mano de PasaUnaPeli (PUP). Se proyectarán dos películas que dieron de qué hablar en los principales festivales de cine del mundo, como Cannes y César
Miele
3 de Junio
Año: 2013
País: Italia
Director: Valeria Golino
Duración: 96 min
Irene tiene es una mujer normal que vive sola y tiene sus aventuras ocasionales. Hace tres años que decidió dedicar su vida a ayudar a las personas que lo necesitaban, aliviando sus sufrimientos en las situaciones más críticas. "Miel" es su sobrenombre. Pero llega un día en que ella ha de enfrentarse al "mal de Grimaldi".
2013: Festival de Cannes: Sección oficial (Un Certain Regard)
2013: Premios del Cine Europeo: Nominada al Premio Discovery
Holy Motors
17 de Junio
Año: 2012
País: Francia
Director: Leos Carax
Guion: Leos Carax
Duración: 115 min
Un día en la vida de un hombre con múltiples personalidades: asesino, mendigo, ejecutivo, monstruo y padre de familia. El protagonista encarna personajes diversos como si se tratase de una película dentro de una película.
2012: Premios César: 9 nominaciones, incluyendo Mejor película
2012: Festival de Cannes: Sección oficial de largometrajes
2012: Festival de Sitges: Mejor película, director y Méliès d’Argent (mejor film europeo)
2012: Festival de Chicago: Mejor película, actor (Lavant) y fotografía
2012: Críticos de Los Angeles: Mejor película extranjera. 2º puesto en mejor actor
2012: Asociación de Críticos de Chicago. 2 Nominaciones 

El minimalismo geométrico de Pedro Tagliafico

"Anyone" inaugura mañana en el galpón G6 de la galería Oficina #1.

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viernes 9 de mayo de 2014  07:52 AM
Pedro Tagliafico (Caracas, 1944) inaugura mañana en el galpón G6 (anexo a la galería Oficina #1) la muestra Anyone. La exposición reúne 16 obras en papel de pequeño y mediano formato, elaboradas por el artista en la década del 70, durante su estancia en Europa.

Antes de comenzar el recorrido que ilustra su ruptura con el color para adentrarse en una gama de blancos, negros y grises, el creador venezolano aclara: "La muestra no es una retrospectiva sino una relectura de mi trabajo en los 70. Me interesa que las nuevas generaciones tengan idea de lo que se hizo en esa época", dice.


En sala se agrupan una serie de obras Sin título, elaboradas a partir de materiales nobles y orgánicos. Trípticos y dípticos construidos a partir de bastidores de madera cubiertos con tela (lana de vidrio, cola de conejo, gasa y lino). En cada pieza, el tramo final deja entrever el rastro de un hilo que cuelga. En otras, queda una transparencia, un desgaste o el residuo de una partícula. Quizás una alegoría al ciclo de la vida, que comienza y termina.


"Creo en la belleza de las cosas pequeñas, por eso prefiero trabajar en formatos de menor tamaño. Me gusta la sencillez y la luminosidad. Para mí no es el impacto de las grandes formas lo que importa, sino el contenido", apunta el creador egresado de la Escuela de Artes Cristóbal Rojas.


Sobre papel, retoma el uso de la retícula que rellena con grafito. Con óleo, se permite un trazo de pinceladas libres. "Sin involucrar la conciencia, todo lo hace la mano", comenta el artista residenciado en Bogotá que pronto exhibirá una versión ampliada de su retícula en la galería Alonso Garcés de Colombia.


En octubre, Tagliafico visitará la galería Henrique Faria Fine Art en Nueva York, donde tendrá una exposición con sus piezas más emblemáticas. "Las obras de Pedro Tagliafico reunidas en esta exposición dibujan a su vez el mejor retrato de los intereses de buena parte del arte contemporáneo venezolano de los años setenta: la persistencia de la cuadrícula, la paulatina desaparición del color en pos del protagonismo de la materia como concepto y como motivo y, finalmente, la inserción de las estrategias del minimalismo y el arte povera", concluye Carlos Palacios en el texto de la muestra.


Exposiciones, música, performances y apertura de un nuevo Café para conmemorar el Día Nacional del Artista Plástico

Homenaje a Oswaldo Vigas y confluencia de visiones de Cepeda, Huerta y Quintana en la GAN


En el marco de la celebración del Día Nacional del Artista Plástico, el sábado 10 de mayo a partir de las 11:00 am, el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, a través de la Fundación Museos

Nacionales, rinde un merecido homenaje en la Galería de Arte Nacional al maestro Oswaldo Vigas. Polifacético artista, pionero y protagonista de la historia del arte del siglo XX en Venezuela y Latinoamérica, quien falleció recientemente de forma inesperada, dejando un legado fundamental en la plástica contemporánea.

De igual manera, este espacio para la paz y el encuentro cultural, ofrecerá un panorama del trabajo más actual de los creadores Énder Cepeda, Saúl Huerta y Óscar Quintana con una muestra en la cual confluyen sus visiones de mundo y la preocupación por contextos de carácter antropológico.

La inauguración de ambas exposiciones estará acompañada por la presentación musical del saxofonista Francisco Issa y un concierto de salsa de la orquesta dirigida por Gonzalo Martínez. Así mismo, la programación para celebrar el Día Nacional del Artista Plástico, contará con el performance “Corre que llegaron…” de la artista Carolina Campos, la realización del encuentro denominado

“Pachakucha Gráfico” a cargo de artistas de la Fundación Trazos Urbanos, la lectura dramatizada: “Apuntes sobre la luz y la locura” del Centro Nacional de Teatro y la apertura de un nuevo punto de encuentro, el Café GAN.

El legado del maestro latinoamericano

La Fundación Museos Nacionales en alianza con la Fundación Oswaldo Vigas, darán apertura en la GAN a la exposición “Homenaje a Oswaldo Vigas, 1923 – 2014”, una importante compilación de su obra en la que se podrán apreciar las distintas etapas y transformaciones que experimentó su lenguaje, enriquecida con testimonios plásticos y documentos que lo revelan como uno de los pintores venezolanos más prodigiosos y fructíferos del siglo XX.

Av. México, entre las estaciones Bellas Artes y Parque Carabobo del Metro de Caracas, diagonal a Puente Orión. La Candelaria, Caracas, Venezuela

Teléfonos: (0058-212) 3397507.



 

 La obra de Oswaldo Vigas caracterizada por la presencia de lo real maravilloso, el surrealismo, el mito ancestral, la sátira, lo poético y lo sensual, buscó definir tanto la realidad venezolana como latinoamericana, mediante un lenguaje que transita entre el realismo expresionista y el abstraccionismo lírico, manteniendo el eje central de su proceso creador, el hombre.

Esta muestra antológica que estará presente en la Sala 2, permitirá entrar en contacto con la magnitud de la obra del maestro latinoamericano, con su propuesta libre de construcción o deconstrucción de la figura y con su trazo rígido y preciso, mientras observamos cómo los colores vibrantes (cálidos, fríos, o su fusión) se integran de manera armoniosa para saturar de vitalidad o sutileza a cada pintura, escultura o dibujo.

 

Cepeda-Huerta-Quintana

 


La conmemoración del Día Nacional del Artista Plástico traerá al museo del arte venezolano, la propuesta expositiva “Reinvención y confluencias. Cepeda-Huerta-Quintana”, la cual busca ofrecer un panorama del trabajo artístico más actual de los notables creadores Énder Cepeda, Saúl Huerta y Óscar Quintana desde dos vertientes que los reúnen y permiten la confrontación de sus proyectos.

El carácter experimental y la actitud investigativa del grupo se traduce en la renovación de los discursos de estos artistas sin perder la esencia expresiva que caracteriza los lenguajes propios de cada uno de ellos. De esta forma se plantea en el nivel dos de la Galería de Arte Nacional una nueva lectura mediante la cual podemos apreciar una reinvención de sus obras en la que la confluencia directa o indirecta en el discurso plástico, el poder del signo y del símbolo, y el universo de metáforas que de ellas se desprenden, conducen al espectador a establecer un vínculo con lo onírico, con nuestra identidad latinoamericana, con lo mágico-religioso, con nuestras formas culturales ancestrales, con el universo del inconsciente colectivo, con la relación tiempo, modo y espacio, con lo esencial y primigenio, y con lo orgánico y abstracto. Así, entre procedimientos técnicos y principios estéticos disímiles se ponen en escena posibles interpretaciones que permiten una visión de conjunto.

Av. México, entre las estaciones Bellas Artes y Parque Carabobo del Metro de Caracas, diagonal a Puente Orión. La Candelaria, Caracas, Venezuela

Teléfonos: (0058-212) 3397507.

La cita para conmemorar el Día Nacional del Artista Plástico es en la Galería de Arte Nacional, este sábado 10 de mayo, a las 11:00 am. Un día que hace referencia a un capítulo excepcional dentro de la historia de las artes plásticas en Venezuela, al ser una efeméride trascendente establecida por decreto presidencial el mismo día de la fecha de nacimiento del maestro Armando Reverón (1889-1954).

Galería de Arte Nacional

Julio Peña

@twitergan


En el Celarg viernes 9 de mayo, 7 pm, Sala RG.



 En el Museo de Arte Contemporáneo, Viernes 9 de mayo, 5 pm.





Marcos Montiel-Soto construye 

un atlas de memorias y recuerdos

"Salí a comer coco" es la muestra del artista marabino en Carmen Araujo Arte.


viernes 9 de mayo de 2014  07:54 AM
Marcos Montiel-Soto colecciona memorias. Recuerdos propios y ajenos atrapados entre fotografías, postales, objetos y sonidos con los que el artista visual egresado de la Escuela de Fotografía Julio Vengoechea, reconstruye una ruta sensible. Una suerte de atlas personal para recopilar extractos de la realidad.

La galería Carmen Araujo Arte exhibe la muestra Salí a comer coco, donde confluyen tres instalaciones del creador marabino. La primera, Strudel between contradiction y confusion, reúne sobre un tablero ovalado notas e imágenes. "Esta pieza emerge como una especie de relato. Hay fotos de mis bisabuelos, de la comunidad yanomami y monumentos alemanes como la Puerta de Brandenburgo acompañados por seis cornetas que narran el recorrido en varios idiomas", explica el artista visual que insiste en revivir el pasado en el presente.


Dos videos y una serie fotográfica le sirven para documentar su traslación. En pantalla, la obra El tiempo pasa muestra una máquina de escribir que transcribe frases improvisadas. "Todo puede ser usado en tu contra", es uno de los enunciados escritos sobre una cinta de papel, "porque las historias se sobreescriben. y los recuerdos se solapan", expresa.


El artista visual que cursó una maestría en arte sonoro en la Universität der Künste de Berlín, expone fotografías de sus pensamientos transcritos al papel. En Escribiendo en medio de la noche el espectador se topa con frases sueltas e ideas al azar: "El tiempo pasa volando/ Todos mis intentos por escapar me llevan al mismo lugar".


"La obra de Soto-Montiel es una representación emocional que describe un itinerario de ida y vuelta, en el que no sabremos nunca si el viajero va o regresa a su destino", escribe la curadora de la muestra Ruth Auerbach.


El creador continuará con su peregrinaje. Además de artista se rehusa a abandonar su condición de turista, nómada y explorador.


@jessicamoron

Carteles por la Paz en el Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz Diez_MEDI















Leonardo Nieves construye urbes con puntadas de hilo

La muestra "Piezas de Archivo" está en Oficina #1 en Los Galpones

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El creador venezolano utiliza hilo y aguja para construir sus mapas de ciudad 
OSWER DÍAZ MIRELES
 

lunes 5 de mayo de 2014  12:00 AM
Con retazos de tela Leonardo Nieves (Caracas, 1977) construye una cartografía de país. Sus edificios y estructuras urbanas emergen sobre papel de algodón como una geometría pespuntada. Con hilo y aguja, zurce de forma impoluta los mapas de una ciudad, en ocasiones caótica.

"Yo crecí junto a una máquina de coser. Mi tía era costurera y en mi familia las mujeres se preparaban para este oficio. De pequeño me gustaba jugar con sus implementos, así que todo acaba siendo un trabajo autobiográfico", comenta el creador, egresado del Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón, quien expone la muestra Piezas de archivo en la galería Oficina #1, que albergaa 22 obras de mediano y gran formato emparentadas con el dibujo.


Una rodaja le sirve al artista para recrear el tríptico Caligramas. "Este es un instrumento compuesto por un mango que sostiene una rueda (similar a un cortador de pizza). Las costureras lo utilizan para copiar un patrón. En mi caso, uso la herramienta para trazar líneas horizontales sobre papel. La intención es retratar el paisaje desde la ventana de un carro. Quise representar esa sensación de movimiento percibiendo el panorama como cúmulo de rectas", explica el miembro asociado al Taller de Artistas Gráficos Asociados Luisa Palacios (TAGA).


A partir de hilo y aguja, acompañados de una técnica gráfica como el frottage o el fondeado, elabora la obra Piezas de archivo. Nieves corta formas abstractas y geométricas sobre tela y las cose al papel. Lo que asemeja una suerte de patrones agrupados en filas que son introducidos en una máquina para darle color. "Aquí obtengo un monotipo; una especie de huella delineada por un hilo que me sirve de protector, porque las costuras no absorben el color. Esta es mi manera de hacer una estructura imborrable", dice.


Su trabajo es minucioso. Las formas de Nieves se tornan sutiles y tímidas. Al tiempo evolucionan. Se aglomeran y crean tensión. "Mi obra se vuelve emotiva. Desde el silencio surgen también esas figuras atormentadas; esa necesidad de llenar espacios vacíos", cuenta el creador de la obra Cartografías imaginarias. Del techo de la galería penden estas especies de mapas donde las calles, edificios y casas, de nuevo, se dibujan con hilo, ya no cosidos con precisión sino dejados al descuido, sueltos y desatendidos, como algunas estructuras urbanas del país, tal vez.


El artista es además un transeúnte. "Mi obra se vale de las formas que encuentro en la ciudad. Recorro Caracas y recolecto materiales de desecho para reconstruirla", concluye.

domingo, 23 de marzo de 2014

Marzo-Abril 2014

The Great Utopia Individual de Luis Salazar

En La Hacienda La Trinidad en alianza con Carmen Araujo Arte

Casa Vieja de la Hacienda 

Domingo 13 de Abril de 2014, 11 am

 

La obra reciente de Luis Salazar reflexiona sobre la situación actual del arte contemporáneo, trabajando desde los contrastes, dualidades y contradicciones del medio. Las analogías mercado/supermercado, gusto/pensamiento colectivo, estética/antiestética, son la base de su cuerpo de obras, todas signadas con un aire de desfachatez, pero también por una cierta reinvindicación de los materiales innobles repuestos mecánicos, retazos de revista, materiales de fabricación industrial.



lo político

exposición colectiva | luis arroyo, camilo barboza, eduardo gil, yucef merhi, luis poleo, gerardo rosales y armando ruiz

 


clausura: domingo, 27 de abril de 2014 – 4:00 pm

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carmen araujo Arte® urbanización sorokaima, calle rafael rangel sur
secadero 2, hacienda la trinidad parque culturalcaracas, venezuela-

info@carmenaraujoarte.comwww.carmenaraujoarte.com
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horarios
martes a sábado: 10:00 am a 06:00 pm
domingos: 11:00 am a 04:00 pm
feriados: 11:00 am a 4:00 pm

Conferencia

El collage como paradigma del arte moderno

Rafael Castillo Zapata

 

En el marco de la exposición "Pares mínimos" nos complace invitarlos al ciclo de conferencias "La exigencia fragmentaria. El collage como paradigma del arte moderno" a cargo del reconocido escritor Rafael Castillo Zapata. En esta oportunidad, Castillo Zapata brindará una reflexión sobre el collage y su relación con los diversos contextos históricos y sociales, indagando a su vez en la versatilidad y relevancia de esta técnica en las artes plásticas. 

La invitación es para el próximo sábado 26 de abril y para el sábado 3 de mayo, de 11:00 am a 1:00 pm. Para reservar cupo y obtener mayor información, pueden contactarnos por los teléfonos: 0212 243 55 86/ 242 75 60 o pueden escribirnos a esta dirección fundacionsalamendoza@gmail.com

 

Conversatorio

Interpretaciones de la Colección Celarg 3”


El jueves 24 de abril de 2014, se realizará otro conversatorio con participación de los artistas plásticos Manuel Eduardo González, José Ignacio Beiner y Susana Arwas, también en el Museo Rómulo Gallegos a las 5:00 p.m.

Finalmente, el viernes 25 de abril de 2014 se realizará una visita guiada para el público y el personal de la Fundación Celarg con participantes del montaje en la Sala RG, a partir de las 11:00 a.m. En el recorrido intervendrán los artistas plásticos Linda Philips, Claudia Jaimes, Horacio Pietri y Ángel Bello.

En estas actividades, enmarcadas en la programación de la Cátedra Claudio Perna del Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos, los ponentes comentarán los argumentos y experiencias resultantes de producir una obra a partir de la referencia de una pieza de la Colección de la Fundación Celarg.

La exposición “Interpretaciones, Colección Celarg 3” puede ser visitada en Sala RG. La propuesta expositiva presenta interpretaciones de obras que forman parte del patrimonio artístico de la Fundación Celarg, desarrolladas por diecisiete artistas plásticos. Estará disponible para disfrute del público en general en horario de martes a domingo de 2:00 p.m. a 8:00 p.m., hasta el domingo 27 de abril.

El grupo de artistas participantes en el montaje está conformado por Susana Arwas, Francisco Bassim, José Ignacio Beiner, Ángel Bello, Rodrigo Benavides, Prada Colón, José Luis Flores, Jhonny Fung, Néstor García, Manuel González, Félix Hernández, Claudia Jaimes, Franklin Perozo, Linda Phillips, Horacio Pietri, Maciá Pintó y Natalia Rondón. Ellas y ellos interpretan obras de Antonio Caro, María Ezcurra, José de Jesús Dávila, Paul Del Río, José de Jesús Dávila Balza, Alfredo Maraver, Mario Abreu, Asdrúbal Colmenárez, Marcelo Brodsky, Luis Guevara Moreno, Manuel Quintana Castillo, Sigfredo Chacón, Manuel Loes, Víctor Hugo Irazábal, Franco Contreras y Juan Calzadilla.




Diversas miradas a la Colección Celarg

Roberto Hernández Montoya, presidente de la Fundación Celarg, refirió que se trata de la tercera etapa de montajes museográficos que se han realizado desde 2011 para promover el disfrute por parte del público de obras que forman parte de la colección de obras de arte de la Fundación Celarg.

La primera, titulada Colección Celarg, Arte, Patrimonio, Proyección, fue realizada en diciembre de 2011, y concebida por el profesor Zacarías García, un artista que ha dedicado años de su vida a la docencia y a la investigación de las artes visuales. El montaje agrupó obras representativas de los diferentes momentos y movimientos de la historia del arte en nuestro país, identificando dos tiempos fundamentales en la producción artística. Estos son, por una parte, el tiempo de creación, el taller y el hacer de las obras; el pensamiento y la acción del artista. Por otra parte, el tiempo de relación e inserción de la obra en su sociedad. De estos comportamientos cobra especial importancia, en palabras de Zacarías García, “la reflexión en torno a la colección como destino final de las obras de arte”.

La segunda exposición tuvo lugar en diciembre de 2012 y la curaduría estuvo a cargo de Zuleyva Vivas, investigadora, crítica de arte y quien fuera en una oportunidad coordinadora de artes visuales de la Fundación Celarg. De los criterios utilizados por Vivas para presentar su propuesta, se destaca la demarcación conceptual referida a los diferentes relatos que narran la historia de la colección y las diferentes circunstancias que han permitido incrementarla.

Ella comentó que en una etapa de vida institucional los criterios de adquisición de obras consideraban parámetros o paradigmas que reproducían lo acontecido en las metrópolis. A su vez, denunció el hecho de que se promovía a artistas que copiaban lenguajes y estilos de moda. Vivas, utilizó el instrumento de la crítica y la denuncia como recurso para escribir un nuevo capítulo de la historia de nuestro patrimonio.

En la tercera muestra, el centro de atención son obras de arte de la colección Celarg. Sin embargo, han cambiado algunos criterios para su convocatoria, acentuando esta vez el aspecto didáctico y dando importancia a la política de organizar muestras con participación de colectivos de artistas, en vez de figuras individuales. Se brinda continuidad al estudio de la colección, con miras a estimular el interés del patrimonio artístico tanto para el personal de la Fundación Celarg como el público en general.

La tercera etapa museológica cuenta ahora con curaduría del arquitecto Pedro Sanz, quien orientó la exposición, para que cada artista invitado escogiera una pieza de la colección y desarrollara un planteamiento plástico a partir de ella. Esta propuesta invita al público visitante a producir sus propias interpretaciones (FIN/Cristóbal J. Alva R.).

 

Arte: Ver, Sentir e Imaginar Más Allá de la Mirada

La Obra de la Semana

Cuatro por mes... 

La exposición La Obra de la Semana, es el resultado de un programa educativo curado por Eudys Gamboa y el equipo del Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz Diez, MEDI; es una experiencia de educación a partir de la selección de obras emblemáticas de la Colección que custodia el MEDI.



Se realizarán actividades de facilitación junto a los visitantes, que participan observando cada obra desde el análisis plástico y la reflexión teórica y vivencia personal con una mirada sensible, didáctica y pedagógica. Por esta razón no se realiza una selección temática, el criterio único es calidad tanto artística como técnica de cada obra que se comporta como un fragmento de dicha Colección.

Se le da una relevante importancia a las técnicas tradicionales de grabado e impresión, la xilografía, linografía, aguafuerte, aguatinta, aguadulce, litografía, serigrafía; sin dejar de lado los avances en las artes actuales con la gráfica digital y la mixtura de técnicas varias.

Reconocemos en esta muestra un diálogo visual participativo que nos permite hacer correspondencia entre artistas visuales nacionales e internacionales que reafirman el perfil de la Institución y su compromiso con la difusión del patrimonio en su custodia a la comunidad.

Material Coleccionable que Describe las Obras de la Semana
En esta primera exposición ubicada en la Sala 1 del Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz Diez, MEDI, la muestra cuenta con la participación de obras de los artistas: Alirio Palacios, Auguste Herbin, Carolina Otero, Carlos Riera, Felipe Ehrenberg, Genevieve Claisse, Gertrudis Goldsmith-GEGO, Gerd Leufert, Jesús Morales, Jean Arp, Jesús Soto, Josef Albers, Juvenal Ravelo, Karl Gerstner, Luis Chacón, Luis Guevara Moreno, Luisa Ritchter, María Gabriela Trejo, Mercedes Pardo, Nedo Mion Ferrario, Oswaldo Subero, Piet Mondrian, Sigfredo Chacón, Victor Vasarely, Zacarías García.

Al finalizar el recorrido por la sala y establecer relación con una obra o con un grupo de obras desde su vivencia personal, deje su aporte en una encuesta ubicada al lado de la puerta, la finalidad recoger su impresión sobre este proceso de investigación y sus intereses para hacerle copartícipe de este programa educativo.


Edgar González Fotografía Leonardo Noguera
El museo como medio de transformación social; este espacio está dedicado a repensar a resignificar ese concepto clásico de museo que ahora nosotros lo estamos llevando a uno más cercano a nuestra realidad, a nuestros entornos cercanos y sobre todo, pensar en las comunidades. Esos espacios museísticos con sus perfiles bien definidos puedan aportar ese concepto de memoria y patrimonio para sensibilizar a nuestros públicos

Edgar González, Presidente de la Fundación Museos Nacionales.

TALLER CON EL MAESTRO ARGENTINO OSVALDO JALIL en el MEDI

A partir del lunes 24 de marzo.

En el marco de la Muestra Grabado Argentino Actual. Ex-Libris, Estampas e Ilustraciones, la Sección Cultural de la Embajada Argentina, tiene previsto, para los días finales de marzo, la realización de un Taller de Construcción de Herramientas de Grabado, a cargo del maestro grabador argentino Osvaldo Jalil, con la colaboración del Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz Diez.


Nos visita desde Buenos Aires para dictar un Taller sobre Heramientas del Grabado en UNEARTE y el MEDI.

Nació en en Buenos Aires el 15 de Marzo de 1950.
Cursó estudios con Demetrio Urruchúa y Juan Lópes Taetzel. En MEEBA (Mutualidad de estudiantes y egresados de Bellas Artes) con Carlos González. Grabado con Carlos Demestre.
Litografia con José Contino en el Taller Experimental de Gráfica de La Habana. Ejerce la docencia en su taller desde el año 1982.
Participó en 82 muestras colectivas en el país extranjero, lleva realizada 14 muestras individuales desde 1981.
Participó en 65 salones internacionales con selección de jurado. Entre ellos: XIV Premio Internazionale Biella per l'Incisione Biella, Italia - V Bienal Internacional de Grabado Caixa Ourense, Orense, España - 1st World Small Printings and Exlibris Works Exhibition Beijing, P.R. China - 3rd Malasia Annual Exhibition of Internacional Contemporary Prints, Kuala Lumpur, Malasia. - 4 Triennale Mondiale D'estamps Petit Format, Chamaliére, Auvergne, Francia - Xylon 13 Internationale Triennale, Suiza, entre otros.
En su país particpó en 73 salones nacionales obteniendo, entre otras, las siguientes distinciones: 2º Premio en el Salón Nacional de Grabado y Dibujo, 1998. 1º Premio Fráfica Experimental, Salón Nacional 1995. 2º Premio V Salón Benito Quinquela Martín, 2º Premio Salón Municipal Manuel Belgrano 1994, Premio "Cata Mortola de Bianchi" en el Salón Nacional de Grabado. Preside Xylon Argentina. Edita Grafa, 70 años; 5 + 1 Arte revista de arte. Vive y trabaja en Buenos Aires. 

Eva Farji  Osvaldo Jalil
http://www.boladenieve.org.ar/artista/917/jalil-osvaldo

La invitación es para conocer y apreciar la Muestra Grabado argentino actual. Ex-Libris, Estampas e Ilustraciones, en el Museo de la Estampa, ubicado en la avenida Bolívar, Calle Sur 11 con Calle 8, Paseo Vargas, estación del metro Parque Carabobo o Nuevo Circo. Para más información consulte: www.mccd.fmn.gob.ve, o siga la cuenta Twitter: @medicruzdiez. (212) 571.24.01, 572.14.76 Horario de visita: Lunes a Viernes, 9am-5pm; Sábado y Domingo, 10am-5pm

" Carreteras Nocturnas" de Ricardo Jiménez

en La Sala del Ateneo de Caracas

http://i2.wp.com/ciefve.com/site/wp-content/uploads/2014/03/rj.jpg?resize=230%2C300

Lucía Pizzani en la Sala Mendoza. "El adorador de la imagen" 



Fotografía Ricardo Jiménez


Comprende material audiovisual, textil, fotografía, entre otras piezas. La exposición estará abierta hasta el 4 de mayo .


La delicadeza del collage se puede disfrutar en nuestro espacio de Librería con la muestra "Pares Mínimos" de Rafael Castillo Zapata. Este reconocido escritor, nos presenta una selección de sus piezas realizadas en esta técnica del papel, la cual se acompaña con algunas de sus publicaciones literarias. Te invitamos a visitar esta muestra que estará abierta hasta el 4 de mayo.

Miradas desfragmentadas

Fotografías de Félix León

 
En medio del mal humor producido por las espinas que cotidianamente nos hieren, y la hostilidad generada por su toque incesante, como cito Leonardo Padrón; quiero invitarles a que me acompañen en esta pequeña muestra Fotográfica.
Son momentos duros y difíciles, pero donde mi trabajo apuesta por aquel país que se fue quedando no se donde, y otrora estuvo siempre lleno de enriquecedoras horas que hacían crecer nuestro espíritu.
Así, espero poner mi pequeño grano de arena como aporte a esta campaña porque volvamos a contar con una Venezuela sin heridas, pero por encima de todo sin hostilidad.
Hasta el 27 de Abril de 2014
Calle California, Residencias Sonora, Local PB-1, Las Mercedes.
Martes a Viernes de 11 am a 6 pm.
Sábados y Domingos de 11 am a 4 pm.
www.tresy3.com

Exposición "El color que vendrá" 

de Reymond Romero en D'Museo Los Galpones

Hasta el 20 de abril


El relato es movimiento hacia un punto, no sólo desconocido, ignorado, extraño, sino concebido de tal manera que no parece poseer, de antemano y fuera de este movimiento, realidad alguna (…) pero, no obstante, sólo el relato y el movimiento imprevisible del relato proporcionan el espacio donde el punto se vuelve real, poderoso y atrayente.
Maurice Blanchot


Una de las preocupaciones más genuinas que ha tenido el arte venezolano a través de distintos lapsos de su historiografía, ha sido la intención particular de entretejer los síntomas del entorno local con las inquietudes que al ritmo de los tiempos se agitaban en el pensamiento foráneo. De este  modo, en ciertos momentos cruciales de nuestra historia visual la vanguardia encontró el enlace justo, el momento adecuado, la síntesis perfecta para amalgamar todas las resonancias que cabalgaban al unísono y cuya unión propició engranajes inéditos, metáforas particulares donde las referencias se convirtieron en imagen propia.
A los creadores posteriores a las generaciones que llevaron adelante este cometido, les ha tocado dialogar no sólo con las geodesias visuales de otras latitudes, sino también con los asentamientos que nuestros propios referentes consolidaron en la columna vertebral del arte venezolano; caminos recorridos en la segunda mitad del siglo XX que han despuntado desde entonces hasta nuestros días en varias líneas de acción, prefigurando un panorama activo donde forma y concepto se alternan y debaten, unidos por la amplitud  del mundo global y seguidos de cerca por la exigencia que la visibilidad mediática le otorga a las propuestas e inquietudes de las nuevas generaciones.

Reymond Romero obtuvo en el año 2003, la Licenciatura en Artes Plásticas del Instituto Universitario de Estudios Superiores Armando Reverón. Desde entonces ha construido con disciplina un amplio cuerpo de trabajo concentrado en la pesquisa del color como trama y estrategia principal de elaboración, trayectoria que le ha hecho merecedor de varios premios y reconocimientos institucionales. Sin embargo hay que apuntar que no ha sido precisamente la bidimensionalidad de la pintura el campo más visitado por este artista;  en su lugar, lo pictórico se desplaza para transformarse en un puente hacia otros estados de la materia donde la trama, los componentes y las diversas combinaciones de los elementos reconstruyen campos cromáticos que elevan y disponen sus volúmenes y siluetas en el espacio museográfico. El medio para Romero no es la simulación química con la que el óleo o el acrílico despliegan una aproximación probable a lo habitual; en su caso, el proceso sucede a la inversa, cambio de dirección en el que los puntos cruciales del acontecimiento se encuentran anclados en los materiales propios de lo real, testigos reinventados para una escena diversa, texturas manipuladas que trascienden su circunstancia y penetran en los territorios de la otredad.

Cuando se visita el taller del artista, una fuerte impresión sacude la mirada del que allí entra: miles de carretes de hilo de distintos colores abundan en todos los ángulos del lugar, mientras las series y los objetos ya realizados esperan, se mueven entre los proyectos que aún respiran en el área, miran a distancia y con serenidad el nuevo norte, advierten la conclusión, el desvío esencial que los llevará a habitar la vibración oculta de inusuales dimensiones. El hilo está por todas partes, es el factor principal a través de la cual Romero se ha empeñado en llevar a término una superficie desconocida del color: campos sensoriales que más que remitir a un problema formal, parecen ubicarse en el encuentro incierto que los demanda, reflexiones silentes que aunque rozan relaciones directas con la abstracción lírica, el action-painting o el cinetismo; en realidad se levantan como estructuras inoculadas por las historias suspensas de un relato latente. Al color Reymond lo hilvana, le da un pasado y un futuro, lo vuelve presencia y ausencia, profundidad, inicio y desaparición. Ya sea desde las formas geométricas, la serialidad de un patrón, la alternancia de la figura o las poéticas del caos, en cada pieza este creador nos confronta con la fibra de una narración potencial, conclusión venidera de un algo que más allá del color, aún está por verse.

Lorena González I.

D'Museo
Desde: 16/03/14 al 20/04/14

Horario: Martes a sábado de 11 am a 6 pm y domingos de 11 am a 4 pm


D'Museo
8va Transversal con Av. Ávila, Los Chorros
Caracas 1060
+58 212 2840943 / 2840177 / 2869241

Primer libro sobre la obra 

del artista contemporáneo venezolano 

Roberto Obregón

a cargo de Ariel Jiménez. 






Sala Mendoza contamos con una exposición de piezas que forman parte del legado documental de este gran artista venezolano y que se exponen por primera vez. Los invitamos a visitar esta importante muestra desde este martes 25, de 8:30 a 5:00 pm hasta el domingo 30 de marzo de 11:00 a 3:00 pm. Así mismo, el libro está a la venta en nuestra Librería. ¡Los esperamos! Centro Documental Sala Mendoza Patricia Velasco Barbieri
Sala Mendoza, Universidad Metropolitana.

Muestra Colectiva de Artistas Venezolanos en The Arts Arena Gallery

A Venezuelan Suite

 

Se presenta en Dellray Beach en la Galería The Ars Arena Gallery una muestra con artistas cuya temática es el color que se hace evidente en las obras de los artistas participantes.
Artistas de trayectoria en Venezuela, que hacen uso de técnicas y medios de expresión diversos, se puede disfrutar de los vitrales de Raiza Carreño, las pinturas de Isa García y Onofre Frías, Eliane Serrier von Watchter, León Guiner y las gráficas de Miguel von Wachter.



Raiza Carreño presenta personajes que atraviesan puertas, cargados de vida propia, con gran riqueza cromática y la traslucidez del vidrio, utilizando como vehículo la antigua técnica del vitral, obra que se consolida desde su espíritu creador y dedicación constante.



Onofre Fría según la curadora Bélgica Rodríguez ...un sistema constructivo sirve de base a un trabajo pictórico prácticamente gestual. Pero, precisamente, lo que a Onofre Frías le interesa es construir la superficie de la tela a partir de varios procesos, no en el sentido histórico-plástico de una tendencia. Un proceso es la preparación meticulosa de la tela como primer soporte, a este le cubre con una seda que en el transcurso de la realización le permite lograr transparencias y blancos inusitados. Sobre esta doble superficie, canvas y seda, trabaja las imágenes desde adentro hacia fuera, proyectando el esplendor del color, rojos, verdes, amarillos, azules, en matices infinitos. La seda queda entrelazada a las formas y en los espacios donde ella queda libre de pigmento, se crea una atmósfera plásticamente activa a partir de su grano imperceptible.
        

León Guiner artista autodidacta ecoplástico, la temática Los Caballos de mi Infancia. utiliza materiales de desecho metálicos, cabillas, recortes de láminas, engranajes, piezas de motor, entre otras y los transforma.






The Arts Arena Gallery

777 E Atlantic Ave Suite B3
Delray Beach FL 33484
Phone 561-274-7005

Manager@TheArtsARenaGallery.com

Daniel Henríquez: “La fotografía ha sido más que todo una compañera”

La foto premiada, que fue tomada en Bruselas, se titula <i>3 Gamins Jouent au Foot</i> | Cortesía Daniel Henríquez
La foto premiada, que fue tomada en Bruselas, se titula 3 Gamins Jouent au Foot | Cortesía Daniel Henríquez

Triunfó en la categoría de Venezuela y en mayo verá su imagen en una exhibición en Londres
Era domingo en Bruselas. Eran pocos los que caminaban por las calles. De repente, tres niños con un balón de fútbol. Solo eso. Y Daniel Henríquez, que andaba por allí con su cámara en el hombro, decidió capturarlos en una fotografía. “Así, como hice con otros paisajes que vi”, dice por teléfono desde el otro lado de la barricada en que se ha convertido la ciudad.
La imagen –que tituló 3 Gamins Jouent au Foot– le valió al caraqueño de 28 años de edad un reconocimiento internacional. Fue el ganador del Sony World Photography Award 2014 en la categoría de Venezuela. Además de una cámara, un lente y un flash, el resultado le dio la oportunidad de que su imagen sea exhibida en Londres, junto con las de los otros ganadores. “Espero poder conocer a los grandes fotógrafos. No es nada más ver mi foto, sino otras tantas increíbles”, señala con alegría.
Henríquez estudió en el Colegio Emil Friedman y después se graduó como ingeniero de producción en la Universidad Simón Bolívar. Pero el arte siempre lo ha acompañado, en especial la música: es hijo de George Henríquez, integrante de Aditus. “Yo también hice melodías, pero desde hace 7 años empecé con la fotografía. Como ingeniero estudioso y cabeza cuadrada comencé con la parte teórica. Me metí en el taller de Roberto Mata, donde tuve muy buenos profesores que me brindaron la inquietud de buscar”, relata.
No sabe si definirse como paisajista o documentalista, porque le gustan ambos objetivos de la imagen. Recuerda que solía tomar muchas fotografías en sus viajes por Venezuela, cuando todavía se podía acampar en playas y montañas. Afirma que su principal influencia son los fotógrafos clásicos. “Esos que en su momento hacían cosas diferentes. Me pasa lo mismo en la música: soy amante del jazz, el blues, del rock de los setenta. Me gustan mucho las cosas tradicionales”.
A pesar de que a veces hace fotografías por trabajo, retratar es principalmente una satisfacción personal. Está residenciado en Colombia, donde labora en una empresa que comercializa rines y cauchos. “Tuve que irme por la falta de oportunidades en Venezuela. Vengo al país cada vez que quiero visitar a mi familia, ver a mi gente. La fotografía fue en su momento curiosidad y ha sido más que todo una compañera”.

Jesús Hernández, censurado

La muestra "Capital sin nombre" en la galería Oficina #1.

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El artista cubano esta vez no reflexiona sobre la violencia (Oswer Díaz/ Kenny Márquez)




sábado 22 de marzo de 2014  09:30 AM
Jesús Hernández Hernández (1983), mejor conocido como "Güero"-el apodo se lo dieron en el colegio-nació en Cuba. Desde hace tres años vive y trabaja en Venezuela. Dejó la isla para casarse con una venezolana y juntos se instalaron en Maracay.

Su unión no la signa un anillo de compromiso. Ambos optaron por llevar un tatuaje que refuerce el vínculo: Ella con la bandera de Cuba en su mano izquierda y él con la de Venezuela en su mano derecha. "Fue una especie de tributo a nosotros... significó asumir y aceptar la realidad del otro", comenta el creador, que trasladó no sólo su responsabilidad de padre y esposo al territorio tricolor. Como artista hace de esta tierra su terruño y en la muestra Capital limitado, que inaugura mañana en Oficina #1, se permite retratar una parte de su cotidianidad.

Ya en 2012, el fotógrafo y performancero egresado de la Academia de Bellas Artes San Alejandro, en La Habana, se había interesado por el tema de la violencia. En las armas no matan recreó un campo de batalla. Al espectador lo puso a caminar entre cascos de balas y lo apuntó con una serie de serigrafías en las que moldeaba entre pólvora esas pistolas usadas para robar y someter a las víctimas en Venezuela.

Su discurso le restaba culpa a las armas como implementos para matar y agredir de forma violenta. Más bien centraba la atención en los individuos y la mente humana detrás de ésta.

Hoy trae a colación la censura. En la serie fotográfica Lecturas difíciles nueve imágenes -a color y mediano formato- retratan publicaciones que circulan en Cuba de forma clandestina. "Quiero dejar constancia de que esa literatura prohibida existe. Aunque sea a escondidas, documenta momentos importantes de resistencia cívica", explica el ganador del Salón Jóvenes con FIA 2.0 (2012).

Un libro, La tercera pata, le sirve al artista como espacio para publicar artículos y manuscritos de los intelectuales en exilio. "Esas voces expulsadas que también forman parte de la historia de Cuba", detalla.

Y la serie calados capitales en lugares de paso completa la muestra. Nueve fotografías impresas en papel moneda, en las que Hzdez-Güero desmonta la iconografía de los billetes de Polonia, Venezuela y Cuba para cuestionar su valor legítimo. "No tengo intenciones de direccionar un discurso, solo quiero presentar un fenómeno. Esta es la realidad que percibo, escojan la reflexión que quieren llevarse a casa", concluye. 


Productora de Cine

Gabriela Rodríguez: "Alfonso Cuarón es un tipo del más allá"

"Me gusta la producción, ese momento de crisis cuando tienes 15 pelotas en el aire y tienes que atajarlas todas", señala la cineasta venezolana.

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La venezolana produjo el corto "Anongaaq" de Jonás Cuarón (Cortesía)


sábado 22 de marzo de 2014  09:28 AM
"Creo que me quedaban 12 dólares en la cuenta cuando me dijeron que me iban a contratar y a pagar en la productora de Alfonso Cuarón. Después de graduarme en Boston, me fui a Nueva York para conseguir trabajo y se me acababa el dinero, estaba a punto de regresarme a Caracas. Casualmente mi mamá estaba camino a Nueva York para visitarme y se encontró con un conocido. Resulta que la novia de él trabajaba en la oficina de Alfonso en Nueva York, estaban buscando a una persona... Y así empecé como pasante sin paga".

"Como al año de estar trabajando con Alfonso nos mudamos a Londres, y rodamos Children of men (Hijos del hombre, 2006). Yo no había estado nunca en una producción de ese calibre; durante los veranos de la Universidad, había trabajado en Venezuela en Prohouse, hice comerciales... pero en Inglaterra tuve que aprender mucho y muy rápido. Por ejemplo, me tocó manejar: el día en que llegué me dijeron: 'Aquí tienes un carro, toma un mapa, tienes que estar en el estudio'. Allí era asistente de Alfonso, así arranqué".


"Luego de Children of men, comenzamos con A boy and his shoe, pero Alfonso quería hacer algo pequeño, más íntimo, y además con la crisis de 2008 el proyecto se cayó. Al año, Alfonso comenzó con Gravedad y eso nos tomó todos los años del mundo. Ahí pasé a ser productora asociada".


"Es difícil explicar qué es una productora asociada: continúo llevando la parte personal de la vida de Alfonso, pero a la vez tengo otras responsabilidades, soy coordinadora y link entre Alfonso y todos sus roles (productor, guionista, editor, director...) con el equipo".


"Sandra Bullock y George Clooney son increíblemente talentosos, divertidos, tienen un gran sentido del humor. ¿Divos? No lo sé, pero sí son bastante buena gente. En Gravedad éramos una producción de 300 ó 400 personas y Sandra se tomó la molestia de aprenderse los nombres de todos".


"Alfonso Cuarón es increíble. Para mí, es un tipo del más allá: excelente jefe y mejor ser humano, con principios bien aferrados a lo correcto, con un sentido del humor brillante. Es excelente persona, buen amigo con los amigos, buen padre. ¿Defectos? Su carácter latinoamericano apasionado, a veces. Impuntualidad, ese sería su máximo defecto. ¡Vértigo! Hasta yo me estoy convirtiendo en impuntual. En Inglaterra nadie lo entiende".


Productora nata


"No me interesa la dirección de cine pero ni un poquito. Me gusta la producción. Ese momento de crisis cuando tienes 15 pelotas en el aire y tienes que atajarlas todas y ver cómo coordinas para que todo funcione. Me gusta ese rompecabezas".


"No gano mucho. Se gana más experiencia, conocimiento y millas de aerolíneas, ¡todas las que quieras! En realidad, hago esto más por placer que por dinero".


"Por ahora sigo con Alfonso, estamos evolucionando. Su próximo proyecto espero producirlo también. Pareciera que Gravedad salió hace años, pero estamos apenas cogiendo mínimo, organizándonos de nuevo".


"Hay momentos en que no tengo vida, no puedo estar en los cumpleaños de mis amigas, no puedo desprenderme de mi teléfono por un segundo, no tengo tiempo para novios. Pero bueno, todo tiene su momento. Ahora tengo espacio para una vida más tranquila. El comer en la casa, por ejemplo, ya se me había olvidado lo que era cocinar, nunca he estado tan aferrada a mi olla como estoy ahorita".


"Es increíblemente difícil ver lo que pasa en Venezuela. Son casi 18 años que tengo fuera del país, pero siento a Venezuela como mi tierra, mis raíces, quien soy. No sólo es una cuestión de país por patriotismo; ese es mi hogar, mis amigas en el extranjero son venezolanas, es una parte que está completamente en mí. Y en este momento no tengo palabras para expresar mi solidaridad, apoyo y admiración por los estudiantes, los jóvenes y toda la gente que toma la calle. ¿Qué desearía para mi país? Libertad".


@argomezc


"Pelo malo" también tuvo buenas críticas en medios españoles

La película venezolana abrió ayer el festival de Touluse

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Mariana Rondón promociona su filme en Francia EFE






sábado 22 de marzo de 2014  12:00 AM
El estreno de Pelo malo en España no pasó inadvertido para la crítica especializada. El largometraje de Mariana Rondón, que está en las salas comerciales del país ibérico, obtuvo comentarios positivos en distintos medios.

El diario La Vanguardia valoró la película como muy buena, con puntaje de 5 de 5. "Con elementos en apariencia tenues, tratados para provocar un progresivo impacto emocional en el espectador, la cineasta Mariana Rondón teje una historia íntima que se expande a un entorno social en ocasiones sobrecogedor", dijo Lluís Bonet Mojica.


La revista digital Cinemanía también alabó la cinta. "Pelo Malo es hermosa, dura y sincera (...). Mariana Rondón nos hiere y también enamora", escribió Serbio Bonilla, que hizo referencia a la existencia del cine venezolano tras el triunfo de Azul y no tan rosa en los Goya.


Fotogramas, en cambió, le dedicó a la película la sección en la que un crítico escribe a favor y otro en contra. "Pelo malo habla de muchas cosas sin alzar la voz entre el incesante ruido", indicó Ricardo Aldarondo, mientras que Desireé de Fez afirmó: "La pena es que Mariana Rondón no profundice más en esos asuntos. se mueve en la superficie de los temas más potentes del relato y se detiene en otros mucho más obvios".


Ahora, Francia


Pelo Malo abrió ayer el festival de Cine latino de Toulouse. En su película, que se alzó en septiembre con el máximo galardón del Festival de San Sebastián, Rondón pinta el retrato de una convulsionada Caracas, entre polarización e intolerancia, pero jamás creyó que este retrato se tornara tan crudamente real.


Venezuela está desde hace cinco semanas inmersa en una ola de protestas que ya suma más de 30 muertos. "Lo que está sucediendo en Venezuela viene a reafirmar lo que dije en mi película", afirmó Rondón en entrevista con la AFP, haciendo alusión a una sociedad herida, en la que, según ella, la mitad de la gente no se siente representada. Para sanar , "necesitamos un diálogo de paz sincero, con garantías de que es un diálogo real y no un simulacro".

 

El carrusel de Sánchez-Vegas

"Arre arre caballito" inaugura el domingo en la galería La Ventana Artkao.

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El creador venezolano retrata a sus 32 caballos de carrusel con pinceladas de óleo (Gabriela Pulido)
JESSICA MORÓN |  EL UNIVERSAL

jueves 20 de marzo de 2014  08:35 AM
Carlos Sánchez-Vegas (Caracas, 1961) atesora de su infancia los paseos por La Carlota y El Paraíso a bordo de una carreta halada por un caballo. De su padre heredó el gusto por los equinos, que compartían durante algunas visitas al Hipódromo de La Rinconada, donde conoció a su corcel Tapahueco.

Aclara el artista, que inaugura el domingo la exposición Arre Arre Caballito en la galería La Ventana Artkao, que la muestra no es un homenaje a ese caballo de carreras, al que recuerda de manera especial, pues se lo obsequiaron tras haberse fracturado su pata en la pista. Sin embargo, en los 32 cuadros de variados formatos que exhibe en sala, se aseguró de pintar a los equinos sin extremidades frágiles. "Con todo respeto, si yo fuera Dios, los corregiría y haría una suerte de híbrido que contenga lo mejor de cada especie. En mi obra me permito ensancharle los tobillos, eso le da más fortaleza para sostener su musculatura y correr con más libertad, como el viento", explica el artista que recrea un arquetipo lúdico: el caballo de carrusel.


"De niño siempre quise pasar a la historia, pero no de forma vanidosa. Nunca quise ser actor ni músico, no quería entrar a un sitio y ser reconocido por todos y que me aplaudieran...Nada más alejado de mí que eso. Yo quería instalarme en el imaginario colectivo. Como artista comprendí que para lograr mi cometido tenía que quedarme con una sola imagen. Esa es la clave para conectarte e instalarte para siempre en el imaginario colectivo", comenta el creador que ha retratado meninas, payasos y catedrales, pero se aferra a los caballos. Pareciera negarse a abandonar el recuerdo de ese animal histórico y noble.


En su obra, lo traza a mano alzada. Con pinceladas imperfectas en óleo y de colores variados (marrón, negro, dorado). En ocasiones lo esboza sobre acrílico y vidrio esmerilado. Por momentos se divierte construyendo su cuerpo a base de papel artesanal, al hacer uso de la técnica del collage. "Trabajo con una geometría sensible", dice cuando quiere referirse a esas líneas irregulares y al trazo libre que se permite al momento de retratar a un mamífero nostálgico.


Al igual que un niño, no juzga. Sánchez-Vegas se toma atribuciones que no hacen daño. En su obra el caballo de feria es la excusa perfecta para incitar al espectador a revivir alguna memoria recóndita de su infancia: La del chico que "cabalgaba" en casa a bordo de una escoba, bajo la piel de un vaquero o quizás un guerrero. La del pequeño que pedía a Santa Claus un pony.


El discípulo de Mercedes Pardo -quien estudió y vivió en su taller de diseño gráfico-, descarta esa imagen del rocín mitológico. "Yo no pinto un caballo de batalla. No me interesa el animal que sirvió para transportar cargas ni su carácter mitológico emparentado con Pegaso. Mi arquetipo de caballo no es esa referencia literaria que fue Rocinante, el caballo de Don Quijote. A mí me interesa el prototipo que tenemos en la cabeza, ese que revive un sentimiento", apunta.


Sánchez-Vegas emana pureza interior. Su sonrisa, todavía, denota un ápice de inocencia. "Todos tenemos un pequeño niño dentro. Unos lo han matado, hay quienes, como yo, nos rehusamos a hacerlo. Precisamente ese caballo de carrusel guarda consigo un carácter ingenuo, ese que debe mantener el arte. Porque una vez que la pieza pierde candidez, ironía y sentido del humor, se convierte en un objeto estético. Por mi parte, al igual que ese público infantil que se desconcierta ante mi obra yo quiero optar por mantenerme joven. No quiero perder mi capacidad de asombro", concluye el artista visual.


jmoron@eluniversal.com

Tres galerías llevan arte venezolano rumbo a Perú

Okyo, Graphicart y Oficina #1 estarán hasta el 23 de marzo en Art Lima

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Pinturas de Paul Parrella en sala (Gustavo Bandres)






jueves 20 de marzo de 2014  09:04 AM
Tres galerías venezolanas lograron vencer la crisis económica del país, al menos por el momento. En 2013, antes de que se desatara la escasez de boletos aéreos, Graphicart, Okyo y Oficina #1 tomaron previsiones y adquirieron, sin dificultades, los pasajes que les permitieron trasladarse ayer a Perú para participar en la segunda edición de la Feria Internacional de Arte ArtLima 2014.

Desde el 19 de marzo y hasta el 23 , la obra de 12 artistas venezolanos y 6 extranjeros estará presente en los espacios de la Escuela Militar de Chorrillos, monumento nacional del país suramericano. "Manteniendo la línea constructivista, regreso a la feria con los creadores que me acompañaron el año pasado y debuto con Rafael Barrios. A la propuesta se incorporan los artistas peruanos Fernando Otero y Cristina Calichón", detalla Magdalena Arria, directora de Graphicart.


En su stand, exhibirá las esculturas de aluminio monocromáticas del venezolano Pedro Fermín, el alfabeto plástico ideado por Nanín García, las cajas de luz de Celin Amiuni, las piezas en blanco y negro de Héctor Ramírez, los móviles de Joaquín Latorraca y obra reciente del maestro Carlos Cruz-Diez. "El maestro del cinetismo se sigue cotizando muy bien, es uno de nuestros artistas que goza de gran aceptación a nivel internacional y todavía uno de los más buscados", afirma Arria.


Okyo acude a la feria con 8 artistas -4 extranjeros y 4 venezolanos-. Las pinturas de Paul Parrella, los bípedos de Francisco Pereira, fotografías del deslave de La Guaira hechas por Karim Borjas e impresiones en tela realizadas por la creadora caraqueña Annette Turrillo, acompañarán piezas de Yosman Botero, Camilo Sanín, Vargas -Suárez Universal y Ania Borzobohaty.


Oficina #1 participa en la sección de videos con 23 de Enero de Iván Candeo, una muestra del paisaje actual en la urbanización caraqueña, cámara en mano y a bordo de un caballo.  

@jessicamoron


Festival de cine Movida Conciencia

El evento proyectará 16 documentales hasta el 30 de marzo

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"Feliz", de Roko Belic, es unos de los títulos de la muestra CORTESÍA






sábado 22 de marzo de 2014  12:00 AM
El festival de cine Movida Conciencia Ya empezará hoy en varias puntos de Caracas. 16 documentales galardonados en el extranjero se proyectarán hasta el 30 de marzo. También habrá conciertos, charlas motivacionales, clases de yoga, biodanza, jornadas de reciclaje y foros.

Algunos títulos de la muestra son La educación prohibida, del argentino German Doin; La Experiencia Humana, producida por los hermanos Azize; Embólsalo, de la directora Suzan Beraza; Descubre tu Don, de Damian Lichtenstein; Feliz, de Roko Belic; y Volver al amor, de la venezolana Sylvia Briceño, entre varios otros.


Entre el 22 y 30 de Marzo, la Plaza Miranda, la Plaza de Los Museos, la Plaza Alfredo Sadel, el Centro de Arte Los Galpones, la Cinemateca Celarg, Chorpus Menti, la Sala Antonieta Colón en el Centro Cultural Parque Central, el Centro Cultural Chacao, la Unefa, la UCAB, Universidad Metropolitana, la UCV, entre otros, son los lugares hasta ahora confirmados para las proyecciones y las actividades complementarias.


Además, la audiencia podrá conocer las conversaciones que Arausi Armand tuvo con los directores de la muestra, en torno a los documentales y otros temas de profundidad, a través de una serie de Micros-documentales realizados por el director Mauricio Fallini. También podrán ser vistos como antesala a la proyección de los documentales y en las redes sociales.


Los trailers de las películas participantes, así como la programación completa de las actividades, salas y horarios de proyección de las cintas están disponibles en la página web de la Organización Conciencia Global: www.somosconcienciaglobal.org.


Para la inauguración se hará un mandala humano con todos los asistentes, en la Plaza de los Museos de Bellas Artes, acompañado de la música de Ilhaam Proyect, dúo francés multi-instrumentalista. A las 3:00 pm, además, la sala de la Cinemateca del Celarg proyectará la película Yo soy, del director Tom Schadyac, realizador de largoemtrajes como Ace Ventura y Liar Liar.


Un total de ocho ejemplares

Iartes lanza serie de cuentos digitales inspirados en la trayectoria de artistas venezolanos

21 marzo 2014


La institución optó por presentar los cuentos impresos y en formato digital para hacer de la lectura una experiencia más atractiva

Hacer del cuento un instrumento a través del cual los niños y niñas de la patria conozcan la historia y legado que artistas venezolanos como Alejandro Otero, César Rengifo, Jesús Soto y Rosa Vegas, entre otros, han aportado a la cultura en el país es es el proyecto que emprende el Instituto de las Artes, de la Imagen y el Espacio (Iartes) con el lanzamiento de ocho cuentos que, a través de la narrativa, llevan a padres e hijos a viajar por la historia de estos artistas, conocer sus creaciones y mirarlos en la cotidianidad.
Los cuentos, un total de ocho ejemplares, se presentan bajo el nombre de Cuentos Maestros del Arte Venezolano. En conversación con la Agencia Venezolana de Noticias, Rosana Gianello, coordinadora de publicaciones del Iartes, explicó que estos cuentos son narrados en sentido biográfico, pues, asegura, es la mejor manera de hacerle saber a los niños quiénes son estos personajes.
Sin embargo, el proyecto cuenta con una novedad: a pesar de que el papel garantiza una experiencia personal y placentera cuando de arte se trata, la institución optó por presentar los cuentos impresos y en formato digital para hacer de la lectura una experiencia más atractiva. Además, los discos traen consigo un código QR, el cual permite ser descargado en teléfonos inteligentes e, incluso, compartido a través de distintas aplicaciones que facilitan la transmisión de datos.
“Sabemos que el arte cuando está impreso en papel es muy bello, que hay una forma de conectarse con el papel a través de lo que está escrito, de lo que está impreso, pero nosotros queremos generar otro tipo de acercamiento con estos productos”, expresó Gianello desde el stand del Iartes ubicado en el Teatro Teresa Carreño, lugar donde se desarrolla la décima edición de la Feria Internacional del Libro Venezuela (Filven 2014).
La serie de cuentos está conformada por textos e ilustraciones llamativas que acompañan la biografía de cada artista. Para lograr lo anterior de manera armoniosa, explicó Luis Duarte, investigador perteneciente al equipo de creadores del proyecto, fue necesario reflexionar acerca de los avances de la tecnología y el acceso que los niños tienen a herramientas como la computadora, los teléfonos celulares y las tabletas.
“Los niños tienen un conjunto de elementos visuales muy marcados por los juegos que siguen, por la tecnología, por el cine. Es una carga visual muy grande. Las nuevas generaciones tienen una visión de mundo que está marcada por lo tecnológico, por ello, decidimos conjugar la escritura, la visión plástica y la tecnología en estos cuentos”, expresó Duarte.
Además, la presentación de los cuentos en formato digital posee tres grandes ventajas: la disminución del uso del papel, el ayudar a la preservación del ambiente y hacer que el producto tenga un mayor alcance.
“Imprimir una serie de libros o juegos de cualquier tipo tiene un costo muy elevado. Si este proyecto fuese en formato impreso, solo llegaríamos a 500 niños”, situación que cambia al ser estos cuentos un producto digital, afirmó el investigador.
Seres comunes
Gianello resaltó cómo los investigadores, ilustradores y escritores que participaron en el proyecto plasmaron la historia de los creadores venezolanos. Durante la entrevista, expresó que cada biografía retrata a los maestros desde lo común, para hacer ver que un artista no es alguien con dones especiales, ni de seres imposibles de igualar.
“Usualmente las personas conocen la obra de un artista plástico, pero no conocen su fisionomía ni su entorno geográfico. Nosotros hemos hecho el esfuerzo de hacer notar esta realidad y hacer visible el rostro del artista. Ya ellos tienen una obra plástica que les hace peso, que los representa pero la gente no sabe cómo son, cómo es Michelena, cómo es Rosa Vegas, como es Alejandro Otero”, explicó la coordinadora de la institución.
La colección Cuentos Maestros del Arte Venezolano podrá adquirirse en la sede en Caracas de la Universidad Nacional Experimental de las Artes (Unearte), así como en la sede del Iartes ubicada en la avenida México, parroquia La Candelaria, frente a la salida de la estación Bellas Artes del Metro de Caracas.
Fuente / AVN

Disparos que arman el rompecabezas del país

"Fotos de primera" sigue en Cubo 7 de la Hacienda La Trinidad.

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La exposición puede ser visitada de martes a domingo de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. (Oswer Díaz)





JESSICA MORÓN |  EL UNIVERSAL

miércoles 19 de marzo de 2014  07:51 AM
Fotos de primera sitúa al espectador en una atmósfera de espanto. El cuerpo se acongoja. Acto seguido, la memoria debate contra una sensación de resistencia y negación; la misma que embarga a diario al venezolano cuando se topa con una imagen de país que lacera el alma.

Un grupo de 27 fotografías, tomadas en 2013 por 13 fotoperiodistas de El Universal, retratan una parte de Venezuela. El territorio tricolor donde conviven la inseguridad, la violencia, la impunidad. La misma tierra que cobija los triunfos de sus hijos.


Nicola Rocco, Fernando Sánchez, Oswer Díaz, Adolfo Acosta, Cruz Sojo, Edsaú Olivares Gabriela Pulido, Georgina Svieykowsky, Gustavo Bandres, Kisaí Mendoza, Venancio Alcázares, Vicente Correale y el ausente Enio Perdomo, muestran retazos de una realidad. Cámara en mano, con humildad, su lente se encarga de perpetuar un hecho que pasará a la historia y servirá como prueba fehaciente a las generaciones futuras.


Un sustento gráfico que esboza el día en que la jueza Afiuni recibió la boleta de excarcelación en su residencia. De rodillas, saboreó luego de dos años su libertad. La tarde en que el hampa le arrebató la vida a Logsand Rodríguez (abogado y víctima de secuestro). No sobrevivió para contarlo, los plagiarios lo asesinaron.


La victoria de Antonio Díaz, cuando el pasado 10 de mayo se convirtió en el campeón mundial de kárate. La noche en que Álex Cabrera, primera base de los Tiburones de La Guaira, rompió récord tras batear el jonrón 21, destronando al catcher Baudilio Díaz de Los Leones del Caracas.


"Son fotos muy honestas. No sólo esbozan la noticia sino que están cargadas de algo más... ¡Impactan! Nos duele reconocer esas cosas que para otros resultan inexplicables, pero que a fin de cuentas transcurren en Venezuela", comenta el fotógrafo Ricardo Jiménez sobre la exposición que permanecerá abierta hasta la primera semana de abril.


Historias -en pequeño formato- se repiten con otros personajes. La esposa del funcionario del Cicpc Wilmer Troya no es la primera venezolana que llora a un ser querido, abatido por un grupo de antisociales. Su rostro encara a millones de viudas en todo el territorio nacional y que lamentan la muerte de un ser amado.


Una protesta de enfermeras que claman por beneficios y un cargo fijo frente al J.M. De Los Ríos encarnan el sentir de otros empleados con una preocupación similar. "Son imágenes duras, pero ese es el país que tenemos", concluye Oswer Díaz, organizador y fotógrafo participante en la muestra.


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