lunes, 8 de febrero de 2016

Enero-Febrero 2016




1era Muestra Colectiva Avap 2016

MirArte Actual, el espíritu de una época 2.0


Inaugura el sábado 13 de febrero de 2016, a las 11:30 am en la sede de la AVAP en Caracas


Alfa 39259214 Jorge Estrada Belice Técnica Mixta MirArte Actual AVAP
Alfa 39259214 Jorge Estrada Belice Técnica Mixta 
Maestro Homenajeado en la Exposición MirArte Actual en la AVAP Caracas


La Asociación Venezolana de Artistas Plásticos sede Caracas, abre su programación 2016 de eventos relacionados con la difusión de las obras de talento venezolano en las artes visuales. En esta ocasión se realiza una muestra colectiva de nombre MirArte Actual, el espíritu de una época 2.0, cuya curadora es la licenciada Gladys Calzadilla. 



La curadora comenta: Cuando se plantea en el título de la exposición la palabra espíritu se representa la energía que nos mueve, la palabra época detiene el tiempo en este momento año 2016, siglo XXI, en Venezuela; al presentar el código 2.0 se refiere al comienzo de la interacción en las redes sociales ahora en su versión 4.0. la cual aprende de sus hábitos de navegación y toma decisiones por usted.  Y su mimesis con las relaciones, desde los sentidos, entre seres vivos y la toma de decisiones por la propia experiencia y conocimiento.


En la actualidad se cuestiona la necesidad de crear objetos, de representar virtualmente, de generar un concepto, de realizar una acción quedando sólo el registro de los que le observan, tal vez fusionar todo, o hablar desde la ausencia. 


Caos, fragmentos, garabatos nada inocentes,  transformar lo desechado en algo admirable, volver al origen desde el mito, la división del territorio, la acumulación de códigos, lo decorativo. Tal vez un collages de vertientes de las vanguardias del siglo XX, ¿confusión o transición?


Algunos referentes del pensamiento humano como Bernard Stiegler, Martin Heidegger, Theodor W. Adorno, Immanuel Kant, Carlos Marx nos cuestionan aún. En un esfuerzo de sujeción se traduce en reproductibilidad, objetualización, producción simbólica insertada en el sistema mnemotécnico apoyando la industria y la doctrina, obra como objeto de mercado, crítica que se automatiza para hacer crítica o razón sobrepujada para su destrucción, nominando panfleto la denuncia o lo que es axioma de eventos que afectan al humano y evidencian emociones. En una visión: Preservar el lugar para la reflexión y el sentimiento o evadir y adaptarse.


El maestro homenajeado es Jorge Estrada su obra hibridación entre técnicas de impresión actuales con la fusión del dibujo, la fotografía y el retoque fotográfico, nos plantea como temática la violencia de la imagen y el discurso. Es especialista en Artes Gráficas egresado de la Escuela de Artes Plásticas “Cristóbal Rojas” de la cual posteriormente fue docente. Ha recibido los siguientes reconocimientos Premio TAGA y Mención del CONAC, en la II Bienal de Dibujo y Grabado Latinoamericano, Caracas, Venezuela, 1984. Seis Dibujantes Contemporáneos de Venezuela, Galería de las Misiones, 1989, New York, U.S.A. Nuevos Nombres en el Grabado, 1980, Bogotá, Colombia. Artistas Hispanoamericanos, 1975. Su obra es parte de la colección de museos nacionales.


El establecer nuevos paradigmas requiere de una acentuada observación, de extraer algo que le inquieta, explorar y detectar en la historia algún vínculo, el pensar en posibilidades futuras, captando escenarios actuales, desde una reflexiva revisión del impacto de estos acontecimientos en el mundo interior del artista, su conexión, aporte al gremio, a los espectadores y su huella en el sistema. Planteamos ¿dónde estamos? y ¿para dónde vamos en las artes? Problematizar un gremio en pro de hurgar lo que se requiere comunicar en este tiempo.


En esta muestra colectiva pueden observar obras que evidencian las inquietudes y motivaciones que plantean dieciocho (18) artistas y su visión del arte actual. Los artistas participantes son:  Jorge Estrada, John Fraser, Esther Perozo, Romel Avendaño, Roberto Núñez, Patricia Benfele, Nelson Darío Ramos , Belkis Duque, Aaron León, Gladys Calzadilla, Enrico Armas, Amarillo Piña, Dulce Fonseka, Ernesto Padilla, Lenore Delgado, Douglas Hernández, Rubén López y María Elena Álvarez.



Evento: Inauguración de la Muestra Colectiva MirArte Actual, espíritu de una época 2.0

Fecha: El sábado 13 de febrero de 2016

Hora: 11:30 am

Lugar: en la sede de la AVAP en Caracas

Dirección: Calle Armando Reverón, Quinta AVAP, La Campiña, Caracas.

#AvapCaracas, #MirArteActual, #GladysCalzadilla, #ArteActualVenezolano.

Exposición Individual 

"Metáforas del Espacio" 

del artista PEDRO SOSA FRANCO

14 de febrero inauguración 



Un recorrido por su experiencia escultórica a través del tiempo y una pequeña muestra de su obra bidimensional más reciente.
Fecha: Domingo 14 de febrero de 2016
Hora: 11 am a 4 pm.
Lugar: Galería La Ventana Artkao
Centro de Arte Los Galpones, G 10.




Jacobo Borges


En la Galería Freites desde el 21 de febrero podrán disfrutar de la exposición Jacobo Borges, un recorrido por las obras más representativas de sus últimos treinta años de producción artística. Una visión amplia y profunda de los temas que marcaron la inspiración del maestro Borges en estas tres décadas de creación: el tiempo, la memoria, el viaje, el espacio y el agua, que se exhibirán en todas las salas de la Galería Freites ubicada en la Avenida Orinoco, entre Jalisco y Monterrey, Las Mercedes.

"Redes Cromáticas", el mural de Emilio Narciso

La obra podrá ser visitada por los usuarios de Banesco.

El mural "Redes Cromáticas" del artista Emilio Narciso. PB Banesco
El mural "Redes Cromáticas" del artista Emilio Narciso. PB Banesco

El mural "Redes Cromáticas" del artista Emilio Narciso será inaugurado el próximo miércoles 10 de febrero, en la torre Banesco 2, ubicada en El Rosal. 

Exposición Individual 

Variaciones de un Imaginario POP

del artista Hendrik Hidalgo


Variaciones de un Imaginario POP del artista Hendrik Hidalgo Alianza Francesa
Variaciones de un Imaginario POP del artista Hendrik Hidalgo Alianza Francesa
La Alianza Francesa de Caracas inicia su programación cultural del 2016 con la exposición Variaciones de un Imaginario POP, a cargo del artista Hendrik Hidalgo. La inauguración está prevista para la noche del jueves 4 de febrero, en la sede de la institución ubicada en Chacaíto.
Con esta muestra, Hendrik Hidalgo se apropia de la tradición folclórica de la muñequería de trapo con el fin de representar personajes icónicos de la cultura moderna, en un estudio del color y las texturas de las telas.
Llaman especialmente la atención las muñecas inspiradas en Frida Kahlo, cuyos vestidos y accesorios intentan recrear el estilo y vestimenta tradicional que solía usar la pintora mexicana para ocultar sus pesares físicos y enfatizar su particular belleza.
También hay una serie de personajes cargados de humor, crítica social y cultura contemporánea, como es el caso de Miss Chocozuela 2015 y la Muñeca Negra.
Quienes quieran conocer esta interesante propuesta artística pueden visitar la sede de la Alianza Francesa ubicada en la planta baja del Centro Solano, en la Avenida Francisco Solano con tercera Avenida de Las Delicias, urbanización Chacaíto.

El artista

Hendrik Hidalgo es oriundo de Los Teques, estado Miranda. Inició su formación orientado al dibujo artístico y el dibujo publicitario en el Instituto Francisco de Goya, amplió sus conocimientos en la Escuela de Arte de la Universidad Central de Venezuela, y obtuvo la licenciatura en Artes Plásticas, en la Universidad Nacional Experimental de las Artes, de donde egresó Cum Laude en la mención Pintura.
En el año 2007, Hidalgo se destacó como autor del performance ”La Procesión del Santo Niño del Elefante,” presentado en diversos espacios, entre ellos la Galería de Arte Nacional. También es autor del montaje Teatral “Árbol de la Esperanza”, inspirado en la vida y la obra de Frida Kahlo.

lunes, 2 de noviembre de 2015

Noviembre-Diciembre 2015


El Centro de Arte Daniel Suárez reúne a grandes artistas venezolanos


El Centro de Arte Daniel Suárez reúne a grandes artistas venezolanos
Se podrán apreciar piezas de arte de la talla de Edgar Guinand, Carlos Cruz Diez, Narciso Debourg, Julio Le Parc, Gisseline Amiuny,  entre otros 

Las obras de reconocidos pintores y escultores venezolanos, conforman la exposición “Colectiva”, que ubicada en el Centro de Arte Daniel Suárez, donde podrá ser visitada hasta el 28 de febrero de 2016.

Formatos de pequeña, mediana y gran escala son parte de esta muestra, en la que se reúnen piezas bidimensionales y tridimesionales de 22 creadores, entre los que se incluyen siete Premios Nacionales, quienes con nuevas obras muestran sus estudios recientes en torno a la geometría y el color.

Adicionalmente, artistas como Julio Pacheco Rivas, Ángel Hernández, Juvenal Ravelo, José Campos Biscardi, Lía Bermúdez, Octavio Herrera, Ernest Petras, Daniel Suárez y Pedro Briceño, exhibirán nuevas obras realizadas especialmente para esta exposición en el Centro de Arte Daniel Suárez, cuidando la auténtica y mejor propuesta artística con la rigurosa realización y el acabado perfecto que le caracteriza a este taller.

De igual forma podrán apreciarse piezas de artistas de la talla de Edgar Guinand, Carlos Cruz Diez, Narciso Debourg, Julio Le Parc, Gisseline Amiuny, Santiago Pol, Cristina Ghetti, Enric Ansesa, Edgar Negret, Heddy Durán, Reinaldo Crespo, Rafael Martínez y Víctor Valera.

Cabe destacar que esta exposición formará parte de la 7ma Cita Internacional de la Escultura Contemporánea, New Year’s Brunch ‘16, que es una cita internacional diseñada para celebrar y promover la escultura contemporánea, en la que unos 28.000,00 artistas y 100 Galerías de arte de Europa y Latinoamérica, acogerán el evento a ser realizado el 24 de enero de 2016, el cual se trasmitirá vía Skype a todo el mundo desde la página http://www.sculpture-network.org/es

La exposición “Colectiva” podrá ser visitada desde el próximo domingo 29 de noviembre hasta el 28 de febrero de 2016, en el Centro de Arte Daniel Suárez, ubicado en la avenida El Ávila con calle San Miguel, quinta Veneyork, urbanización Alta Florida. El horario de exposición es de lunes a domingo de 10:00 am a 4:00 pm. La entrada es libre.

Exposición colectiva de artistas gráficos en el TAGA

 


 El evento se desarrollará este domingo 29 de noviembre de 11:00 am a 4:00 pm | Foto: Cortesía de Terra Gráfica
El evento es organizado por Terra Gráfica, un grupo autofinanciado de estructura nómada con distintas representaciones en el país.

 

El próximo domingo se llevará a cabo en el Taller de Artistas Gráficos Asociados (TAGA) una muestra colectiva con la finalidad de dar a conocer el trabajo realizado de las distintas residencias que promueven las artes gráficas.
El evento es organizado por Terra Gráfica, un grupo autofinanciado de estructura nómada con distintas representaciones en el país.
En la muestra participarán Terra Insular, Terra Corporal, Terra Mistral, Terra Tena y otras convocatorias que han organizado en el marco de talleres de grabado.
La exhibición contará con la musicalización de Julio César III Venegas y se desarrollará este 29 de noviembre de 11:00 am a 4:00 pm en el TAGA, ubicado en la  quinta El Taller entre la avenida El Cortijo y avenida América en la urbanización Los Rosales.



Enail: terragrafica1@gmail.com


Presentación Terra Gráfica

Domingo 29 de Noviembre a las 11:00 am

Desde hace un año y tres meses se conformó Terra Gráfica como una  iniciativa independiente, que busca incentivar a artistas a que retomen o se inicien  en las artes gráficas, llevando a cabo proyectos como Residencias artísticas y Proyectos de corta duración.
Artistas trabajando en Residencia Artística Gráfica Terra Insular Con el propósito de la producción de obras gráficas, logrando incentivar  a  artistas a que retomen o se inicien en las artes gráficas, para ello se plantea la  participación de distintos artistas en cada experiencia y la visita a distintos lugares,  para producir o generar un trabajo de campo con producción a posteriori.

PREMIO OMAR CARREÑO AVAP

galardonados los artistas Jorge Pizzani (Pintura), Gaudi Esté (Escultura), Eugenio Espinoza (Arte Conceptual), Nan González (Multimedia), Bernardo Mazzei (Diseño Industrial) y Martin Schoffel (Artista Joven). Asimismo, se realizará un reconocimiento post mortem a la Maestra Luisa Richter, quien en vida desarrolló una importante carrera artística en el país. El jurado del Premio Omar Carreño, en su tercera edición,María Luz Cárdenas, Marta De La Vega, Bélgica Rodríguez, Abigail Varela, y Humberto Cazorla.

Galardonados los artistas Jorge Pizzani (Pintura), Gaudi Esté (Escultura), Eugenio Espinoza (Arte Conceptual), Nan González (Multimedia), Bernardo Mazzei (Diseño Industrial) y Martin Schoffel (Artista Joven). Asimismo, se realizará un reconocimiento post mortem a la Maestra Luisa Richter, quien en vida desarrolló una importante carrera artística en el país. El jurado del Premio Omar Carreño, en su tercera edición,María Luz Cárdenas, Marta De La Vega, Bélgica Rodríguez, Abigail Varela, y Humberto Cazorla.

En la Galería Freites la entrega de la tercera edición del Premio en Artes Plásticas Omar Carreño, que otorga el Colegio de Arquitectos de Venezuela en alianza con la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos y la Asociación Internacional de Críticos de Arte, en reconocimiento a la trayectoria del artista en diferentes categorías.

En esta ocasión serán galardonados los artistas Jorge Pizzani (Pintura), Gaudi Esté (Escultura), Eugenio Espinoza (Arte Conceptual), Nan González (Multimedia), Bernardo Mazzei (Diseño Industrial) y Martin Schoffel (Artista Joven). Asimismo, se realizará un reconocimiento post mortem a la Maestra Luisa Richter, quien en vida desarrolló una importante carrera artística en el país.

El jurado del Premio Omar Carreño, en su tercera edición, estuvo conformado por María Luz Cárdenas, Marta De La Vega, Bélgica Rodríguez, Abigail Varela, y Humberto Cazorla.

Exposición ¡COCHINO! Arte más allá del Chicharrón 

Desde el 15 de Noviembre hasta el 14 de Diciembre 

en el Museo de Arte Afroamericano de Caracas

#cochinoartemasalladelchicharron 

 Más de 200 artistas participando



Gladys Calzadilla #CochinoArteMásAlládelChicharrón
Gladys Calzadilla

Jesús Tarkin Briceño #CochinoArteMásAlládelChicharrón
Jesús Tarkin Briceño





Carlos Jairany

 


La Exposición ¡Cochino! Arte más allá del Chicharrón forma parte del proyecto cultural, social y educativo "Responsabilidad <-> Reproducción <-> Respeto", emanado por la Fundación Armocultura dirigido a incentivar el sentido crítico respecto al embarazo y la sexualidad en adolescentes en Venezuela, uno de los países más afectados en América Latina y el mundo.

 


Históricamente en la cultura Occidental, el Cochino ha sido sinónimo de glotonería, vagabundería e incluso de suciedad. Esto último se debe a su hábito de revolcarse en el lodo o barro pero, contrario a ser una actividad sucia, para el cochino es parte de su higiene ya que le ayuda a eliminar parásitos y posibles infecciones que se alojan en su piel; desmontando así la asociación de los adjetivos calificativos "cochino / cerdo / chancho / guarro / marrano" con la supuesta anti-higiene del animal, cuando realmente es un animal que prefiere estar limpio pero su naturaleza lo hace llenarse de lodo para lo antes expuesto o para mantenerse frescos -ya que no tiene glándulas sudoríparas-.

En la cultura Oriental el cochino también ha sido objeto de ataques y muchos más fuertes. El Judaísmo y el Islamismo en sus códigos de alimentación y prácticas permitidas (Cashrut para los Judíos y Halal para los musulmanes) prohíben el consumo de cerdo y el contacto con su cadáver por ser un animal impuro

La Exposición ¡Cochino! Arte más allá del Chicharrón quiere crear otra imagen sobre este animal y rescatar lo que verdaderamente es: un animal bastante inteligente, fácil de ser domesticado, capaz de reconocer si le pones un nombre, un animal que prefiere la limpieza, es curioso y lo que más de una persona envidia del cerdo: es capaz de tener un orgasmo de hasta media hora y eyacular en grandísimas cantidades. ¡Cochino! Arte más allá del Chicharrón, es una exposición colectiva de arte que asume el tema del cerdo como símbolo de prejuicio moral y sexual.


De allí que hemos decidido tomar el icono vacío (o vaciado) de un cochino de bizcocho cerámico para ser intervenido por 100 artistas venezolanos y algunos artistas internacionales y preñarlo en un sentido estético, como una metáfora de los matices y variaciones con las que ocurre el desarrollo de la sexualidad en adolescentes y que, en ese sentido, debería ser abordado y entendido por la sociedad al hablar del tema. Estas obras realizadas serán expuestas y puestas en venta desde el 15 de Noviembre hasta el 14 de Diciembre en el Museo de Arte Afroamericano de CaracasEn ese lapso, pretendemos involucrar organizaciones, empresas y personas interesadas en patrocinar, promover y colaborar con el proyecto "Responsabilidad <-> Reproducción <-> Respeto"

Un porcentaje del valor de la ventas de las obras será adjudicado al artista y otro porcentaje será invertido en los Talleres de Iniciación a la Realización Audiovisual que se llevará a cabo en varios lugares de Venezuela; en el cual adolescentes entre 14 y 19 años tendrán la oportunidad de realizar de 5 a 15 cortos sobre embarazo adolescente, sexualidad e Identidad de Género. 

Fabiola Gámez Exposición "Amüchi El rebaño del Inframundo" Museo de Arte Afroamericano

 
Fabiola Gamez Ceramista Venezolana y su hija Kya
Fabiola Gamez Ceramista Venezolana y su hija Kya


Kia
Trabajos de Kya


El Museo de Arte Afroamericano tiene el orgullo de abrir sus espacios a la extraordinaria joven escultora venezolana, Fabiola Gámez, quien inaugurará la exposición "Amüchi El rebaño del inframundo", en la cual se conjugan elementos de la tradición oral venezolana, la herencia de las culturas negra y aborigen, hábilmente fusionadas con técnicas orientales y occidentales. No nos queda duda ninguna, de que esta joven artista se une al selecto grupo de grandes escultoras venezolanas, Martha Cabrujas, Belén Parada y Nohemí Márquez. 
Museo de Arte Afroamericano: Avenida Occidente final avenida Los Préceres, San Bernardino.
Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla
Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano

Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla
Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano

Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla
Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla

Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla
Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla

Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla
Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla

Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla
Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla

Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla
Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla

 

Fotografía Gladys Calzadilla.




La muestra estará hasta el 10 de enero

Cubo 7 presenta Portafolio Mexicano de Paul Strand


Este espacio despliega la segunda edición de este reconocido trabajo del artista, uno  de los fundadores de la fotografía documental moderna Hasta el mes de enero Cubo 7 – Espacio Fotográfico tendrá en sus espacios la  exposición Portafolio Mexicano. 

Paul Strand Cubo 7 Hacienda La Trinidad


Paul Strand, la cual reúne las 20 imágenes  pertenecientes a la segunda edición (1967) de este trabajo del fotógrafo y cineasta  estadounidense, uno de los fundadores de la fotografía documental moderna, quien en  su interés por crear un discurso directo de contenido social recorrió los pueblos de  México entre 1932 y 1934.  Con su cámara de gran formato, Strand viajó durante dos años por las comunidades  rurales  de Puebla, Oaxaca, Michoacán y Toluca. Al artista lo que le interesaba era  retratar a la gente sin poses ni efectos. Al respecto, la curadora y crítico de arte  Sagrario Berti sostiene que el arte moderno y el registro documental se entrecruzan en  las representaciones visuales del fotógrafo, ya que Strand socava la tendencia  pictorialista de aquel momento al materializar sus propuestas documentales mediante  un conocimiento exhaustivo de herramientas y técnicas estrictamente fotográficas.  
Paul Strand Cubo 7 Hacienda La Trinidad


“Crea formas de representación inéditas para la época e inaugura en la historia de la  disciplina un sistema de composiciones abstractas y geométricas cuya temática es afín  al estilo de Cézanne, Picasso o Matisse”. Berti explica que Paul Strand eligió imágenes de personas en calles, plazas o umbrales  en un letargo cotidiano de atávica espera, así como arquitectura eclesiástica y civil.  “Incluyó también iconografía religiosa colonial de cristos y vírgenes que expresan  padecimiento en gestos similares a los de los habitantes fotografiados”.  Nacido en Nueva York, en 1890, Paul Strand se inició en la fotografía de la mano del  fotógrafo social y sociólogo Lewis Hine, quien lo vinculó a Alfred Stieglitz, director de la  Galería 291 y editor de la revista Camera Work, publicación que contribuyó al  reconocimiento de la fotografía como arte y a la difusión de las últimas tendencias del  pictorialismo. Es por ello que los primeros trabajos de Strand exploraban elementos de  la pintura a través de imágenes de luz difusa y sutilmente desenfocadas. 

Paul Strand Cubo 7 Hacienda La Trinidad

Más tarde,  abordó la “fotografía directa” en la que creaba un retrato social –sin manipulaciones ni  efectos– que se oponía al refinado retrato de estudio.  En relación con la muestra, Berti asegura: “Oportunidad inédita para que el espectador  pueda apreciar no solo la exquisita calidad y cualidad de la impresión en fotogravure  –técnica de estampado casi obsoleta hoy en día–, sino también las propuestas del  fotógrafo modernista por excelencia, quien bajo una fuerte motivación social manifiesta  en sus representaciones un constante deseo por revelar la dignidad de las personas,  sin importar, parafraseándolo, «que la vida misma las haya destruido»”. La exposición Portafolio Mexicano. Paul Strand permanecerá abierta al público hasta el  10 de enero de 2016 en los espacios de Cubo 7 – Espacio Fotográfico (Secadero 7),  ubicado en Hacienda La Trinidad – Parque Cultural, calle Rafael Rangel Sur,

Urbanización Sorokaima, Caracas.

Para mayor información puede visitar la página web

www.cubo7.com, o consultar las redes sociales Twitter e Instagram @cubo_7 y

Facebook: Cubo Siete Espacio Fotográfico. Horario de visita: martes a sábado de 11:00

am a 6:00 pm y los domingos de 11:00 am a 4:00 pm.


IX Colectiva de Artes Plásticas 2015

UNA-Biblioteca Central UCV

hasta el 11 de diciembre

 

Biblioteca Central de la UCV

Hendrik Hidalgo Mejías Mi Yo Frida

en SEPIA Galería


Hendrik Hidalgo Mejías Mi Yo Frida en Sepia Galería


Inauguración Jueves 5 de noviembre a las 5 pm Hendrik Hidalgo Mejías en SEPIA Galería, nivel C2 del CCCT Centro Comercial Ciudad Tamanaco.





Las Máculas Ortogonales de Cipriano Martínez

Llegan a Beatriz Gil Galería

Las Máculas Ortogonales de Cipriano Martínez
BEATRIZ GIL Galería, ubicada en la Calle California con Calle Jalisco, en Las Mercedes


La más reciente propuesta del artista venezolano Cipriano Martínez será exhibida en BEATRIZ GIL Galería, a través de la muestra individual “Máculas Ortogonales”, que será inaugurada el domingo 8 de noviembre a las 11:00 a.m., y permanecerá abierta al público hasta finales de enero de 2016, con el apoyo de la Clínica Santiago de León en el marco de la celebración de su 57° aniversario.

Con la curaduría de Lorena González, esta muestra reúne un conjunto de obras en las que el artista plasma su visión de la ciudad de Caracas –fuente de inspiración a lo largo de sus casi 20 años de trayectoria artística- por medio de estructuras de retículas subyacentes que van de lo abstracto a lo representativo, donde las brillantes geometrías pueden sustituir los cambios constantes en ambientes y sistemas que son la esencia de cómo sigue en movimiento la ciudad, según se afirma en uno de los textos de presentación de la exhibición.

Residenciado en Londres desde hace una década, Cipriano Martínez trae para “Máculas Ortogonales” una amplia variedad de formatos donde se conjugan la pintura y el trabajo impreso sobre papel. Según él mismo indica en conversación con la curadora de la exhibición, la retícula, constante en gran parte de su obra como estrategia para organizar el espacio, “aparece ahora en algunos casos totalmente desarticulada, a modo de malla, y en otros se ha transformado en triangulaciones que convergen a manera de planos yuxtapuestos. La referencia de lo urbano se ha ido disipando, quedando entonces el tejido intrínseco que conforma el paisaje”.

Al referirse a su obra actual, Cipriano asegura que existe una dualidad en el uso de las escalas, y la otrora referencia exterior podría estar quedando supeditada a la subjetividad propia de los procesos de percepción. “En muchas de las pinturas más recientes viene apareciendo un interés creciente por la imagen como tal así como por el proceso de obtención de estas imágenes”.

Asimismo, considera que en estos tiempos donde la imagen visual ocupa un lugar preponderante, es imposible trabajar en las artes visuales sin la tentación de asomarse por esa ventana que representa cualquier pantalla de los tan diversos dispositivos electrónicos que existen.

“La computadora y todas las posibilidades que ella ofrece son de algún modo una herramienta más, al igual que los instrumentos y los materiales propios del oficio de pintar. Esto no significa que para mí la tecnología digital se convierta en un fin último, lo que me propongo es producir una pintura desde allí, pero haciendo uso de materiales con una fuerte tradición o carga histórica, como lo es el óleo, el cual me sirve como contraposición a la naturaleza de las imágenes que de alguna forma dan cuenta del paisaje digital de nuestros tiempos”, afirma.

Con una sólida formación que abarca los títulos de Ingeniero Civil de la UCV y Licenciado en Artes del antiguo IUESAPAR, además de un Master in Art en el Chelsea College of Arts & Desing de Londres (del que posteriormente se convirtió en investigador asociado), Cipriano Martínez ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Venezuela, y otros países como Inglaterra, Estados Unidos y España; además su obra se encuentra representada en Colecciones institucionales como la Colección Mercantil, la Colección Banesco, la Galería de Arte Nacional, el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas y la Mark Rothko Foundation en Latvia, así como en importantes colecciones privadas en Latinoamérica, Estados Unidos y Europa.

El artista desarrolla parte de su obra con técnicas graficas a partir de una reflexión personalizada del paisaje como lugar de la representación, donde las cartografías del inconsciente y los fragmentos obsesivos de la cultura digital-global se traducen en abstracciones inéditas cargadas de nuevos significados. Actualmente se encuentra preparando junto a la destacada diseñadora Christine Vanderhurd, un proyecto de nueve tapices que bajo el nombre Woven Cities, será presentado a finales de este año en la ciudad de Londres.

El público podrá apreciar la más reciente producción artística de Cipriano Martínez en la exposición Máculas Ortogonales, que se estará presentando del 8 de noviembre al 31 de enero de 2016, en los espacios de BEATRIZ GIL Galería, ubicada en la Calle California con Calle Jalisco, en Las Mercedes; en horario de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.

Jesús Matheus Neoglifos

Sala TAC Paseo Las Mercedes


Artista Venezolano residenciado en Boston, ha hecho carrera en las artes gráficas, su tendencia hacia la abstracción geométrica y las formas puras son formas perfectas para transmitir todo tipo de ideas, desde políticas hasta filosóficas según plantea el artista. La abstracción geométrica es entonces el punto de partida para indagar en los nuevos estados del ser social frente a las complejas variables del mundo latinoamericano.


Jesús Matheu Rojo Barroco 2011-13 | Óleo sobre tela | 45,8x45,8 cm. Beatriz Gil Galería



Exposición 6 en el 116

La Galeria de Arte Florida

Inauguracion domingo 08 de noviembre del 2015 a las 11 a.m.


 

116 es más que el título de esta exposición. Es el estudio que comparten Eduardo Azuaje y Alexander Martínez, y es, además, el lugar de amenas conversaciones sobre arte al que asisten Alí González, Juan González Bolívar, José Rivas y Luis Rocca Brito. Esta vez decidieron cambiar de ámbito y prefirieron sostener un diálogo pictórico aquí, en la Galería de Arte Florida.
La idea de hacer esta muestra parte de la valoración que cada uno de estos seis artistas da a la pintura como medio expresivo válido en el contexto del arte contemporáneo. Es una muestra conceptual y estilísticamente diversa, palpable en las diferencias de estilo como en la manera de encarar temas como son la representación del paisaje, natural o urbano; la acepción política de la pintura mediante el símbolo y la expresión; la representación de mundos ficcionales; la re-significación y potenciación de imágenes provenientes del consumo popular. Todo ello engloba, asimismo, una reflexión particular sobre problemas formales propios de la pintura, tales como el uso de la perspectiva, el manejo del color, los cambios texturales, el tratamiento espacial, sea en la figuración o en la abstracción.
116 es, entonces, la suma de seis expresiones fascinantes, densas y heterogéneas. Es a su vez otro lugar de encuentro propicio para la contemplación.
Susana Benco

Keyser Siso El Cielo No es el Límite 

en la Galería Espacios


  Keyser Siso El Cielo No es el Límite   en la Galería Espacios  Curaduría Susana Benco



El orden social que deja una impronta en Keyser Siso. Desde una realidad plena de historias dispersas, en un paisaje donde la mancha genera una caligrafía que atrapa al espectador, representando personajes tomados de la realidad, colocados en espacios de levedad en un dibujo constante, generando historias más allá del formato. 

Gladys Calzadilla.

 
Angeles caidos de las Aguitas Keyser Siso
Angeles caidos de las Aguitas Keyser Siso

El Cielo no es el límite Keyser Siso
El Cielo no es el límite Keyser Siso


Los escondrijos no son suficientes Keyser Siso
Los escondrijos no son suficientes Keyser Siso

Nada hizo presagiar que se extinguirian los edificios Keyser Siso
Nada hizo presagiar que se extinguirian los edificios Keyser Siso

Nada hizo presagiar que se extinguirian los edificios Keyser Siso
Nada hizo presagiar que se extinguirian los edificios Keyser Siso



Sala Espacios en el sótano de The Hotel ubicado en la calle Mohedano, urbanización El Rosal, Chacao, Caracas, Venezuela



"EL ARTE DE ESCRIBIR SOBRE ARTE,

ARTISTAS VENEZOLANOS BAJO LA MIRADA DE BÉLGICA RODRÍGUEZ"

Fundación Provincial

Hasta el 1 de diciembre 2015





“El crítico se educa intelectualmente con el conocimiento, pero especialmente, así como el músico educa su oído, el crítico de arte debe educar su ojo”, Bélgica Rodríguez.

Ha escrito más de 2.000 textos para catálogos, columnas, revistas culturales y prensa. Además de 60 libros escritos sobre artistas nacionales e internacionales.

Libros escritos por Bélgica Rodríguez fotografía Irma Araujo.

La importancia de la crítica reside en que construye la historia del arte, “la crítica es la actualidad del acontecer cultural, es la historia del presente. Si alguien va a estudiar a Alirio Palacios, tendrá que recurrir a la crítica de su tiempo”, Bélgica Rodríguez.



La crítica de arte ha sido el medio a través del cual la investigadora ha expresado su pasión por las artes visuales. Como un gran exponente del género, Rodríguez identifica tres elementos fundamentales de la crítica de arte como estructura formal.

“El primer elemento es la investigación basada en el estudio de una obra y el acontecer que la rodea como producción artística”, explica. El segundo elemento está vinculado a los procesos de interpretación, “la crítica es creación, en el sentido en que uno elabora conceptos a partir de lo que mira, de lo que investiga y a partir de lo que el artista le dice a uno”.

Finalmente, Rodríguez concluye con el tercer elemento, el autobiográfico: porque “todo lo que sale de uno tiene una parte autobiográfica. Siempre la visión de quien escriba está presente, puede estar en el subterráneo o puede estar muy clara. Yo soy una lectora profunda de la poesía, y siempre comienzo un texto, describiendo poéticamente, un aspecto del artista, de su comportamiento, o de su obra. Y ahí está mi subjetividad”, expresó Rodríguez.
Cincuenta años de labor en una muestra cuya curaduría la lleva a cabo Mariela Provenzali concibió desde hace cuatro años este homenaje a una de las figuras claves en el estudio de la historia del arte en Venezuela.
Esta muestra hace un merecido reconocimiento a su importante trabajo como historiadora e investigadora en artes visuales venezolanas, por haber logrado reunir un conjunto de 18 libros sobre movimientos y artistas venezolanos (y otros 40 sobre arte latinoamericano), acompañados por 42 obras de artistas de diferentes tendencias y épocas, estudiados por ella en estas publicaciones.

Libros escritos por Bélgica Rodríguez fotografía Irma Araujo.

Las obras ilustran a los libros
La curadora Provenzali presenta un juego donde se exploran las relaciones reciprocas entre el libro como soporte de la obra, y esta como soporte del libro.
El conjunto de la exposición está formado por obras de Carlos Cruz Diez, Jesús Soto, Vallenilla Centeno, Lía Bermúdez, Colette Delozanne, Alirio Palacios, entre otras, reunidas en un largo y arduo proceso de selección y contacto con galeristas y coleccionistas llevado a cabo por Provenzali durante dos años.

La exposición también cuenta con una emotiva cronología de la homenajeada, que hace un recorrido desde su casamiento, primeros estudios, viajes, trabajos, hasta culminar con una fotografía actual de la escritora con su esposo, quien la ha acompañado en todos los momentos de su carrera.
Bélgica Rodrígez es licenciada en Letras por la UCV. Obtuvo un máster en Artes en en la Universidad de Londres. Doctorada en Historia del Arte por la Universidad La Sorbona, París (Francia). Fue directora de la Galería de Arte Nacional, del Conac y de la dirección de Artes Visuales de Fundarte. Dirigió el Museo de Arte de las Américas de la Organización de los Estados Americanos (OEA) en Washington. Ha sido profesora de arte latinoamericano y ha ofrecido gran cantidad de seminarios y foros a escala nacional e internacional. Curadora de numerosas exposiciones de arte venezolano, latinoamericano y centroamericano. A sus 74 años continúa la labor divulgativa del arte nacional.

La muestra estará abierta al público hasta el próximo 1 de diciembre en la sala de exposiciones de la Fundación BBVA Provincial, ubicada en la avenida Eugenio Mendoza principal de La Castellana en Caracas, en horario de lunes a viernes de 10:00 am a 3:30 pm y domingos de 11:00 am a 3:00 pm.



Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 

Alianza Francesa de Venezuela Chacaíto 



Artistas participantes Esso Alvárez, José Caldas, Reinaldo Crespo, Yolanda Duque, Luis Lovera, Hernán “Chino” Piña, Julián Sánchez y Simón Villanueva. 

Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 Fotografía Gladys Calzadilla

Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 Fotografía Gladys Calzadilla
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Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 Fotografía Gladys Calzadilla

Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 Fotografía Gladys Calzadilla

Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 Fotografía Gladys Calzadilla

Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 Fotografía Gladys Calzadilla

Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 Fotografía Gladys Calzadilla

Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 Fotografía Gladys Calzadilla

Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 Fotografía Gladys Calzadilla

Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 Fotografía Gladys Calzadilla

Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 Fotografía Gladys Calzadilla
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Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 Fotografía Gladys Calzadilla
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Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 Fotografía Gladys Calzadilla
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Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 Fotografía Gladys Calzadilla

Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015 Fotografía Gladys Calzadilla


"Caleidoscopio Florido" Enrico Armas

Enrico Armas Caleidoscopio Florido http://www.enricoarmas.com/

 Texto de Lic. Félix Hernández. Crítico, Curador, Historiador, Lic. Artes.

“Quería incendiar la Ecole des Beaux-Arts con mis cobaltos y mis bermellones…quería expresar mis sentimientos sin que me inquietara cómo había sido la pintura antes de mí…La vida y yo, yo y la vida: eso es lo único que importa” Vlaminck “

…El esfuerzo necesario para poder desprenderse o liberarse exige cierto tipo de coraje; y ese coraje le es indispensable al artista que debe ver todas las cosas como si las viera por vez primera. Hay que saber ver la vida como cuando se era niño. Y la pérdida de esta posibilidad impide la expresión de manera original, es decir, personal. 

Para dar un ejemplo, pienso que nada le es más difícil a un verdadero pintor que pintar una rosa, porque para pintarla hay que olvidar primero todas las rosas pintadas…” Matisse Los intentos por definir la obra de Enrico Amas como una producción plástica ecléctica, proclive a la ruptura con la noción de estilo, y esto último por el hecho de no estar limitada por las técnicas, los lenguajes o géneros que él manipula de manera libre, es sólo con mucho válida a partir del instante en que su conciencia asume ser partícipe de un momento histórico crítico ante los métodos de una enseñanza académica en decadencia, propia del contexto cultural de las artes plásticas venezolanas de mediados de los años setenta y principios de los ochenta. 

En ese sentido, Enrico forma parte de la generación que cuestiona la validez del arte, en una situación de crisis en la que pronto asumirá las artes gráficas, la escultura, estampa y por último la pintura, en el contexto internacional del surgimiento de la llamada “pintura-pintura” o de “vuelta de la pintura”, tras el agotamiento de los conceptualismos, neorrealismos, objetualismos y todo el universo reconocido como arte experimental propio de los años sesenta y setenta, movimientos que fueron sustituidos a través de la impronta de críticos y curadores, los cuales fueron identificando un universo plástico que terminó por ser designado como transvanguardia. 

No obstante, Armas ha manifestado su desinterés por los presupuestos de estos conceptos estilísticos, valga decir pintura-pintura y transvanguardia, aduciendo que su acercamiento a la pintura misma fue ocurriendo más como necesidad expresiva, debido a los costos y complicaciones del trabajo propio de la gráfica, la estampa y la escultura, que por los condicionantes de aquellos presupuestos. Si bien, las nombradas técnicas de expresión, como telón de fondo de su producción primera en la técnica pictórica, representan procedimientos que se asocian en un momento a determinados temas y motivos, que luego se completan en este último género; al final la atención del artífice apostaría por la plasticidad y expresividad del color, en el que estos contenidos van desdibujándose tras el gesto íntimo del acto mismo de pintar. 
Enrico Armas Caleidoscopio Florido http://www.enricoarmas.com/

Este panorama histórico explicaría la adopción actual de una manera o estilo que ya de pleno viene reflejando sus trabajos desde principios de los noventa y que se extiende con vitalidad hasta el momento. Con ello, motivos como la figura emblemática del caballo, los signos lingüísticos, las botellas y los árboles configuran la adopción de un universo icónico personal que pronto rebasa el ámbito de la representación misma, para ir al encuentro de la pura manifestación pictórica en sí y para sí. Ante lo expresado, las flores que en efecto hoy aparecen como pretexto de la pintura actual de Armas se presentan como un difuso dato objetivo de una materialidad que da paso al interés del creador por expresarla desde el puro gesto, la mancha y el color; apartándose de la idea del contenido formal descriptivo, al inscribirla como un último dato que se resiste a desligarse totalmente de cualquier referente figurativo, para abrir paso o derivar en los límites de la abstracción poética, lo informal o la voluntad expresionista. Entonces, el espacio imaginario que representa Armas incluye como motivo el tema universal de las flores y su constante asociación con múltiples actos rituales e íntimos de la cotidianidad, como la pintura misma, que a través de la impronta del artista perpetúa estas florescencias sustrayéndolas de su condición efímera. En este sentido, el creador no repara o elude el concepto de “vanitas”; más le interesa entonces la sensualidad, emotividad y las sensibilidades que despierta o a que están asociada la flor: “…flores que nos entregan sus colores, nos dan alegría, nos consuelan, nos acompañan, flores para el amor, el recuerdo.

Enrico Armas Caleidoscopio Florido http://www.enricoarmas.com/
Enrico Armas Caleidoscopio Florido http://www.enricoarmas.com/

De este modo, se asocian a estas flores de siempre, algunos signos trazados por un pincel que dibuja formas reconocibles de nuestro cosmos. El dibujo hecho signo subsiste así como vestigio en la superficie del cuadro retrotrayéndonos, a su vez, a otras etapas creadoras del artista y a la iconografía que ha venido sembrando en el tiempo: representaciones de hojas, círculos, equis, el caballo, entre otros elementos que componen un universo sígnico que contextualiza el motivo central: “… flores para el nacimiento, el matrimonio, velorios, enamoramientos, flores para perfumar espacios, hogares, flores para perfumar la vida…”
No obstante, la manera en que está abordado el tema y el uso de determinados elementos de expresión visual, hacen de las piezas del artífice, trabajos más centrados en las posibilidades expresivas del color que en la necesidad de representación formal del motivo, liberando así a la pintura de cualquier función naturalista, descriptiva, positivista u objetiva. Es así que, las flores de Armas aparecen disueltas en la materialidad del color para abrir paso a una impronta en los límites de la abstracción.
En razón de lo comentado, la carga matérica, gestualidad y la fuerza expresiva misma del trazo constituyen en sí valores simbólicos que aluden a la espontaneidad, a la libertad creativa, a la subjetividad, a la voluntad del artista enraizadas en su psiquismo; todo ello como aspectos que se han ido forjando en su universo plástico y que han hecho que la pintura se vaya definiendo así misma como el verdadero motivo de sus actos: espacio vibrante, furia colorística, hedonismo del color, espacialidad, alegres timbres, climas cromáticos, el dato icónico-sígnico-orgánico como hecho sensible; en fin, gestos, manchas, color y líneas que crean una atmósfera envolvente, sensual y explosiva, como el vértigo que produce observar por un caleidoscopio hasta ser arrebatado en un mar agitado de color.
Este contexto, que como se habría dicho de su trabajo entronca en las fronteras de lo informal, lo expresionista o lo abstracto poético, alude también, por qué no, a las lecciones de los primeros fauvistas, cuya eficacia expresiva se asienta en la sensibilidad hacia el color y la materia, desde la yuxtaposición y superposición de manchas generosas definidas por colores vivos y calientes sobre todo, que se entremezclan con otros, más bien fríos, hasta producir diversos tipos de transparencias y veladuras. Cromatismo generoso, a veces agresivo, explosivo y sensual, espontáneo o contenido con el que crea su universo vegetal, pensado desde la idea de naturaleza muerta; motivo este que puebla la memoria y el psiquismo del autor en su condición de huella en el alma: “…flores perpetuas, para la eternidad, que dan placer".

Félix Hernández


Bienal del Sur



Pueblos en resistencia

Caracas – Venezuela 2015





Caracas sede de la I Bienal del Sur entre noviembre de 2015 y febrero de 2016 que convoca a 138 artistas de 40 países.



En los espacios del Museo de Bellas se encuentran las exhibiciones, talleres, simposios, encuentros y conferencias que girarán en torno al acontecer de las artes visuales de los pueblos en resistencia. Durante cuatro meses.










¿Por qué el Sur?

Es un Sur político, que más allá del sur geográfico agrupa a los pueblos que luchan por su emancipación. Estos pueblos del sur político del mundo necesitan construir espacios comunes, momentos de encuentro donde compartir sus sueños y sus luchas, sus necesidades y anhelos. Los pueblos se unen cuando se conocen, y comparten las propuestas y el trabajo plástico visual, facilita la construcción de redes de trabajo, de intercambio político, cultural y la creación de frentes comunes de lucha. Es fundamental la comprensión de que la estética y los contenidos simbólicos herramientas fundamentales para los tiempos actuales. Para establecer una hegemonía semiótica y estética es necesario construir espacios de confrontación y de encuentro.



Bienal del Sur. Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.





En honor a Palestina

La Bienal del Sur, Pueblos en Resistencia en sus exhibiciones tendrán como enfoque expresiones críticas hacia la hegemonía imperialista y de firme rechazo a sus políticas bélicas y de abierta injerencia. Es por ello que la primera edición de esta bienal será dedicada al aguerrido pueblo palestino, que ha sido ejemplo de resistencia contra la ocupación israelí.

Bienal del Sur. Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

Bienal del Sur. Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

Bienal del Sur. Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

Bienal del Sur. Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

Bienal del Sur. Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

Bienal del Sur. Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

Bienal del Sur. Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

Bienal del Sur. Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

Bienal del Sur. Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

Bienal del Sur. Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

Bienal del Sur. Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

Bienal del Sur. Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.

Bienal del Sur. Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.


Países invitados
América central y el Caribe: Cuba, Costa Rica, El Salvador, Granada, Guatemala, Haití, Honduras, Jamaica, México, Nicaragua, Panamá, Puerto Rico, República Dominicana y Trinidad y Tobago.
América del Sur: Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador,Guyana, Paraguay, Perú, Surinam, Uruguay y Venezuela.
Europa: Grecia.
África: Angola, Argelia, Egipto, Gambia y Nigeria.
Asia: China, India, Líbano, Palestina, Rusia, Siria y Vietnam.

Equipo Curatorial
El equipo curatorial encargado de seleccionar los proyectos estará conformado por especialistas en artes y artistas de reconocida trayectoria.
- Dayalis González Perdomo (Cuba)
- Angela Barbour (Brasil)
- Edwin Chacón Ferrer (Venezuela)
- Clemente Martínez Mirena (Venezuela)
- Janette Rodríguez Herrera (Venezuela)
- Oscar Sotillo Meneses (Venezuela)
- Morella Jurado Capecchi (Venezuela)