miércoles, 6 de julio de 2016

Julio - Agosto 2016

 

Exposición colectiva Siempre Frida 

Inaugura el 31 de julio en la Galería de Arte Florida


Un total de 53 artistas venezolanas muestran sus interpretaciones plásticas de Frida Kahl

La propuesta realizada bajo la curaduría, museografía y conceptualización de Mirla Soto rinde homenaje a la creadora mexicana a propósito de los 109 años de su nacimiento.

Una exposición colectiva titulada Siempre Frida inaugurará la Galería de Arte Florida conjuntamente con la Asociación de Artistas Mujeres AMOJ, el próximo domingo 31 de julio a las ​11 a.m., como un homenaje a la célebre pintora mexicana Frida Kahlo, a 109 años de su nacimiento.

Esta muestra ofrece la visión de 53 creadoras venezolanas en torno a una de las artistas más importantes de Latinoamérica, a través de una selección de obras en distintas técnicas plásticas entre las que se incluyen pinturas, esculturas, ensamblajes, fotografías, cerámica, orfebrería, dibujo, poesía, canto y teatro, entre otras.

El cartel de artistas que dan forma a este proyecto expositivo está integrado por Aura Moreno (Mayela), Thais Tula Leal, Beatriz Baumgarnert, Linda Morales, Juana Flores, Gloria Meli Blancazo, Raiza Carreño, AVE “Anni Vásquez”, Amarilis Hannot, Beyla Medina, Morella Muñoz-Tebar (España), Frida Varnagy, Beatriz Peñin, Gladys Calzadilla, Maritza Alayón, Federica Morales, Laura Rizzo, Jennina Guzmán, Esmeralda León, Maira Pivernat, Mirian Labarca, Patricia Belfene, Belinda Celta, Silvia Godfrey, Dora Zambrano, Blanca Suarez Botero, Patricia Pérez-Raudez, Mirla Soto, Mariela Noguera, Sol Ángel Borrero (España), Carolina Senior, Carmen C Seekatz, Jeannette Moretti, Lubeshka Suarez, Zulay Mendoza, Adriana Marín Rosales, Luisana Zubillaga, Dalia Ferreira, Hildemary Vizcaya, Elizabeth Santana Gómez, Nizza Gazzaneo, Carmen Diomira Rodríguez, Odila Servat, Alexandra Masson, Lil Quintero, Carola Karam, Kala Nit, María Valbuena Romero, Edith Ortega, Iranidis Herrera Fermín, Lidia Nester, Anabel Lobo y Yarmila Guaramato.


Cada una de ellas, a partir de la reinterpretación, muestran su visión sobre Frida , según afirma Mercedes Longobardi. “Partiendo de sutiles elementos naturales, pasando por escenas de amor, retratos, fotografías, intervenciones gráficas, objetos interpretativos, esculturas, y una amplísima diversidad, Siempre Frida ofrece una mirada, muy desde nuestro hacer, con el propósito de redimirnos ante el sagrado hecho de crear como una de las acciones más sublimes del ser humano”.


El público podrá apreciar esta muestra del 31 de julio al 20 de agosto en la Galería de Arte Florida, ubicada en ​la Avenida Don Bosco, Quinta Castillete, urbanización La Florida. El horario de exposición es de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 12:00 m. y de 2:30 a 5:00 p.m.; y los sábados de 9:00 a.m. a 12:00 p.m. La entrada es libre.

Este Domingo 31 a las 11 am Inaugura la Exposición Mundos de Gisela Romero en la Caja del Centro Cultural Chacao

  Caracas Utópica Domingo 31 de julio 11:30 am Hacienda La Trinidad PC Casa de Hacienda

 

Exposición Liu Bolin, Happening en Caracas 

en la Galería Freites, hasta el 17 de septiembre de 2016.


 
Liu Bolin, Happening en Caracas en la Galería Freites
Liu Bolin, Happening en Caracas en la Galería Freites


Liu Bolin Muestra al Ciudadano Anónimo entre Productos Venezolanos, La exposición, curada por María Luz Cárdenas con apoyo de Jacobo Borges, se mantendrá abierta al público hasta el 17 de septiembre de 2016.
Liu Bolin utiliza como recurso la mímesis en su  propuesta, con la finalidad de mostrar como el artista es afectado en su individualidad que es absorbido por algo mayor y lo involucra en su estructura. Sin embargo, el proceso creativo y el mundo que le rodea están en constante cambio.
Liu Bolin, Happening en Caracas en la Galería Freites, Fotografía Cortesia Galería Freites



La observación y la pintura le permiten recrear elementos de un espacio físico en el que su cuerpo se mimetiza. 

Es a través del registro fotográfico, expuesto en la Galería Freites que comprendemos su método. Al visitar Venezuela en el año 2013 su temática se basó en realidades locales, estaba vinculado al proyecto the Mask , con la ayuda de voluntarios crea algunos ambientes donde los productos de consumo humano se disponen simulando anaqueles de supermercado, luego se vale de la observación y del maquillaje corporal para fusionar su cuerpo con la imagen, además de integrar a  dicha imagen algunos  voluntarios. Al pasar desapercibido el artista  le da mayor protagonismo a la obra.
Liu Bolin, Happening en Caracas en la Galería Freites, Fotografía Cortesia Galería Freites

En la actualidad elige la harina precocida como un producto básico en la alimentación del venezolano, así como la cerveza por su popularidad lo que lo convierte en ícono de consumo masivo centro del trabajo del artista
En esta ocasión la Galería Freites ha dispuesto en dos de sus salas tanto el proceso de preparación y maquillaje como dos de los escenarios permitiendo incluso que los visitantes se integren a la obra desde la fotografía.

Liu Bolin, Happening en Caracas en la Galería Freites, Fotografía Cortesia Galería Freites

Liu Bolin es un artista, escultor y fotógrafo chino. Obtuvo la Licenciatura en Bellas Artes en la Escuela de Artes de la Universidad de Shandong, y la Maestría en Bellas Artes, en la Academia Central de Bellas Artes de Pekín en 2001.


Exposición Liu Bolin, Happening en Caracas en la Galería Freites.
Un recorrido por las obras finales y el registro de la producción que realizó el artista chino en nuestros espacios en Caracas, en noviembre de 2013.
Una visita en la cual desarrolló una propuesta de mímesis con el entorno, utilizando diferentes fuentes simbólicas venezolanas que van del Salto Ángel a revistas de cómics, una serie de frutas tropicales, hasta las diferentes marcas de Cervezas Polar y la Harina PAN.

Liu Bolin, Happening en Caracas en la Galería Freites, Fotografía Gladys Calzadilla
Liu Bolin, Happening en Caracas en la Galería Freites, Fotografía Gladys Calzadilla

Avenida Orinoco, Las Mercedes. Caracas, Venezuela.



Waniku Donde retumba el agua bajo el lente de Andrea Santolaya

Hasta el 17 de septiembre en la Galería Freites


Waniku  exposición fotográfica de Andrea Santolaya en la Galería Freites, fotografía Gladys Calzadilla
Waniku  exposición fotográfica de Andrea Santolaya en la Galería Freites, fotografía Gladys Calzadilla

Waniku  exposición fotográfica de Andrea Santolaya en la Galería Freites, fotografía Gladys Calzadilla

Waniku  exposición fotográfica de Andrea Santolaya en la Galería Freites, fotografía Gladys Calzadilla
Las mujeres Warao con telas ligeras que danzan sobre sus cuerpos, flotan para admirar el brillo de la luz de Waniku sobre los oscuros cielos. Flotan porque saben que la luna hace ondear las mareas de los ríos del Delta del Orinoco. Así lo han hecho desde que buen brazo cavó un hueco en el cielo para buscar una flecha perdida y descubrió entre las nubes la tierra.
Waniku  exposición fotográfica de Andrea Santolaya, fotografía Cortesia Galería Freites
Waniku  exposición fotográfica de Andrea Santolaya, fotografía Cortesia Galería Freites

Andrea Santolaya se apropia del paisaje y de la imagen de 7 mujeres Warao bajo la luz de Waniku, la autora se implica en cada proyecto que comienza a tal grado que se hace parte.
En la muestra se pueden apreciar 40 imágenes de distintos tamaños, positivadas artesanalmente bajo la supervisión directa de la autora en gelatinobromuro de plata sobre papel baritado virado al selenio o con un doble virado.
Waniku  exposición fotográfica de Andrea Santolaya, fotografía Cortesia Galería Freites
Waniku  exposición fotográfica de Andrea Santolaya, fotografía Cortesia Galería Freites

Andrea Santolaya realiza sus estudios académicos en las ciudades de Madrid, Londres y Nueva York, ha expuesto en Italia, Francia, Venezuela, Estados Unidos y su país de origen España. Su primera exposición individual sobre mujeres boxeadores Around fue en la Galería Marlborough de Madrid como parte del Festival Photoespaña 2011. En 2012 abrió su exposición individual Y cuando abrí los ojos... ya estaban allí en la Galería Freites de Caracas. En 2014 presentó Cartes de visite en el Palau de la Música de Valencia y más recientemente presentó Nation rugby en el Instituto Francés de Madrid.
Es autora del libro del libro Around con La Oficina Ediciones, Manolo Valdés. Esculturas en NY con TF Editores y Manolo Valdés. Jardín Botánico de NY con La Fábrica Ed. Este libro obtuvo el Primer Premio a la mejor publicación de arte 2014 por el Ministerio de Cultura y Deporte de España.
El público tendrá la oportunidad de apreciar la obra de esta joven fotógrafa española, a través de la exposición Waniku. Donde retumba el agua, que se estará presentando del 17 de julio al 17 de septiembre en la Galería Freites, ubicada en la Avenida Orinoco de Las Mercedes. Adicionalmente, el sábado 23 de julio a las 11:00 am, se realizará un conversatorio con la artista, en el cual explicará el proceso de creación detrás de cada una de las fotografías.
El horario de exposición es de lunes a viernes de 9:00 am a 1:00 pm y de 2:00 pm a 5:30 pm, sábados de 10:00 am a 2:00 pm, y domingos de 11:00 am a 2:00 pm. La entrada es libre.

"Puente" de Costanza De Rogatis

Galería TRESy3

"Puente" de Costanza De Rogatis  Inauguración 07 de JULIO a las 7pm. En Galería TRESy3
"Puente" de Costanza De Rogatis Fotografía Cortesía de Galería TRESy3

Costanza De Rogatis presenta un trabajo intimista que juega a transformar las emociones en composiciones visuales a través de la fotografía

 
Atrapadas entre lo abstracto y lo figurativo, las imágenes atraviesan la sala como si trataran de formar versos. Las fotos transpiran emociones, los objetos cobran sentido y traducen aquello que las palabras fallan en describir. Costanza De Rogatis consigue, desde sus fotografías, atravesar el vacío de la inexpresividad.
 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla
 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla

 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla
 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla

 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla
 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla

 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla
 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla

 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla
 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla

Puente, compuesta por 31 imágenes, surgió de la intuición de su autora. De una necesidad muy íntima por asirse de emociones que intentaba identificar. En un deseo por expresar lo imposible, juega con los objetos, la naturaleza y la anatomía femenina para lograr sus fotografías.

 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla
 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla

 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla
 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla

 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla
 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla

“De alguna manera, son emociones no dichas que se superponen como si dialogaran entre ellas y con el espacio, sin perder la esencia que cada una tiene en sí misma –relata De Rogatis–. La fotografía me permite tomar cosas del afuera en las que identifico, reconozco, algo que está presente en mí, que me ayudan a exteriorizar lo que siento en ese momento”.
 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla
 "Puente" de Costanza De Rogatis Galería TRESy3, Fotografía Gladys Calzadilla


En Puente, las imágenes pierden sentido del tiempo y el espacio. Erik Del Bufalo define esta exhibición como “fragmentos de realidad y testimonios de la vida”, que van uniéndose no tanto con una continuidad narrativa pero sí con un sentido completamente emocional. En el texto de sala, Del Bufalo, describe las fotografías como “los vestigios de un mundo como arrojado ante nosotros por un azar incomprensible”.

El trabajo “no se trata de una simple recolección, de una ‘serie’ eventual, contingente. Se trata, en realidad, de un pasaje, de una travesía, pues los objetos fotografiados están solo de tránsito, haciendo escala hacia otra dimensión”, continúa Del Bufalo.

Puente en la Galería TRESy3 y podrá visitarse hasta el 07 de agosto de martes a viernes de 11:00 am a 6:00 pm y sábados y domingos de 11:00 am a 4:00 pm. El local está ubicado en la calle California, Residencias Sonora PB-1, Las Mercedes, Caracas (diagonal a General Import y al lado del California Mall).
Para mayor información sobre la exposición, puedes visitar la página web www.tresy3.com y seguirnos en las redes sociales Twitter e Instagram: @culturatresy3 y Facebook: Cultura TRESy3.

Costanza De Rogatis
(Caracas, 1976) Licenciada en Artes por la Universidad Central de Venezuela. Fotógrafa diplomada en el programa Trienal de la Fondazione Studio Marangoni en Florencia, Italia. Ha realizado curadurías de arte venezolano para instituciones como el Museo Alejandro Otero, el Museo Carlos Cruz-Diez y la Sala Mendoza. Como parte de su formación fotográfica ha participado en diversos workshops con reconocidos fotógrafos como Rineke Dikjstra, Arno Minkkinen, Elina Brotherus, Abelardo Morell, y Anna Fox entre otros. Su trabajo ha sido exhibido en diversas exposiciones colectivas en Venezuela y Europa y publicado en la revista OjodePez y Rearviewmirror Magazine. Actualmente se desempeña como curadora de la Colección de Arte de Fundación Empresas Polar. Paralelamente desarrolla su trabajo fotográfico de modo independiente.

Galería TRESy3 es un centro cultural joven ubicado en Caracas, Venezuela. Es una galería contemporánea que se especializa en la exhibición de fotografía complementándola con charlas y discusiones sobre los trabajos y libros de fotógrafos alrededor del mundo. En febrero 2015, con sólo 2 años de haber abierto sus puertas, la Galería TRESy3 ya ha hospedado más de 12 muestras, entre individuales y colectivas, reuniendo a más de 40 fotógrafos en este corto período de tiempo, haciéndolo un espacio bien conocido por su dedicación y promoción del siempre-creciente movimiento fotográfico en Venezuela.


TRESy3
(0212) 993 -0330/ 0347/ 0127
Twitter: @culturatresy3
Instagram: @culturatresy3
Facebook: Cultura TRESy3
Calle California, Residencias Sonora, PB-1. Las Mercedes, Caracas. 


Tras bastidores 

Reconocimientos del Premio Eugenio Mendoza 2013-2015


Tras bastidores   Reconocimientos del Premio Eugenio Mendoza 2013-2015

Iván Candeo, Emilio J. Narciso y José Vívenes, en la Sala Mendoza, en la Sala Principal y Kelemen Kuatro. Frank, Josefina, Alicia y Beatriz en Librería. 
La cita es este domingo 17 de julio a las 11:00 am. 

En Tras bastidores, bajo la curaduría de Alberto Asprino, se reúnen tres propuestas de los artistas reconocidos en las últimas dos ediciones del Premio Eugenio Mendoza, como una oportunidad para mostrar las líneas de trabajo que actualmente desarrollan: Cine, otra vez de Iván Candeo, Órdenes de luz de Emilio J. Narciso y Basta de falsos héroes de José Vívenes. Estas muestras, además, se congregan desde la referencia del taller como espacio íntimo de creación y de cómo se articula ese topos con los lenguajes e intereses de cada uno de estos creadores.

Por su lado, en Librería, Kelemen Kuatro muestra una amplia selección de piezas en vidrio realizadas por la familia Kelemen, quienes desarrollaron un sostenido trabajo del vidrio que les valió un amplio reconocimiento 
como artistas del fuego desde la década de los setenta.

“De la mano de Vigas”

Exposición inédita del maestro Oswaldo Vigas en los gratos espacios de la Galería de Arte Utopía19, ubicada en el pueblo de El Hatillo.



La muestra reúne obras plasmadas en materiales no convencionales



Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19 en El Hatillo


“De la mano de Vigas” es una muestra compuesta por 35 obras del artista plástico Oswaldo Vigas realizadas sobre soportes no convencionales, que nos acercan al instante creador del maestro y a su necesidad imperante de expresarse, de crear.

Vigas no tenía límites al momento de plasmar su arte, generaba imágenes de manera espontánea, utilizando cualquier recurso que tuviera a su alcance. En esta oportunidad el espectador podrá apreciar obras realizadas a lo largo de su vida utilizando como lienzos servilletas, periódicos, portavasos y hasta tickets de metro.


Sobre este inusual uso de materiales tan diversos por parte del maestro, la investigadora y crítico de arte venezolana Susana Benko asegura que “todo material o soporte al ser intervenido artísticamente se vuelve trascendente al igual que la imagen La necesidad imperante por crear se ve plasmada en las piezas que conforman esta exposición. 



“De la mano de Vigas” recoge obras muy personales que muestran el inagotable imaginario del artista, sin límites de expresión, característicos en su trazo Bélgica Rodríguez, curadora de la itinerante del maestro que recorre el continente, dijo en 2012: “Vigas dibuja con óleo, carboncillo, gouache, tinta, lápiz, o marcador, creyones, grafito, sobre papel reciclado, periódico, tela, cartulina, servilletas de papel, metal, papel vegetal, tickets de metro, portavasos de cartón, en blanco y negro o con color, hasta el punto de que en algunos casos se dificulta dilucidar hasta donde es dibujística y hasta donde es pictórica.” Benko enfatiza en su capacidad creativa indetenible al afirmar: “La necesidad de Oswaldo Vigas de crear no tenía término. Bajo cualquier circunstancia, incluso la más adversa, lo hacía. Los motivos podían ser muchos y diversos. Por una parte, tal vez por una necesidad imperativa de no dejar vacíos en el tiempo y capturar imágenes potencialmente significativas mediante el dibujo. Era una manera de lograr que las ideas de alguna forma se perpetuasen. (…)Todos los dibujos que realizaba con estos soportes no convencionales, y, en cierto modo improvisados, evidencian la importancia que para él tenía el instante”. Vigas es uno de los artistas plásticos venezolanos más reconocidos en el país y en el exterior.




Considerado pionero del arte latinoamericano, se nutre del arte prehispánico al igual que Obregón, Szyszlo, Matta, Tamayo, Lam y Guayasamín. Su obra, realizada entre Francia y Venezuela, es una síntesis original entre las raíces culturales del continente latinoamericano y las corrientes plásticas más actuales de la modernidad. Su trabajo logra abarcar la pintura, la escultura, el grabado, la cerámica y la tapicería. Realizó más de cien exposiciones individuales y está representado en numerosas instituciones y colecciones públicas y privadas de todo el mundo.



La exposición “De la mano de Vigas” se presentará del 18 de junio al 18 de septiembre en la Galería de Arte Utopía 19 ubicada en la calle La Paz con calle Escalona, justo en la plaza Bolívar del Pueblo de El Hatillo.

Los horarios son de miércoles a domingos de 12:00 m a 8:00 pm.



 
Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla
Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla


Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla
Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla


Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla
Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla
Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla
Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla
Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla
Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla
Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla
Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla
Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla

 
Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla
Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla


Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla
Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla


Breve biografía de Oswaldo Vigas

Oswaldo Vigas nace el 4 de agosto de 1923 en Valencia, estado Carabobo, Venezuela, y desde muy joven muestra interés por el arte. En 1942 obtiene su primer reconocimiento con el Premio a la Mejor Ilustración en el Primer Salón de Poemas Ilustrados, Ateneo de Valencia, y un año después gana la Medalla de Honor en el Primer Salón Arturo Michelena, uno de los espacios más importantes de la confrontación artística en el país. En 1945 ingresa en la Facultad de Medicina, Universidad de los Andes, Mérida, estudios que culmina en la Universidad Central de Venezuela, Caracas, en 1951, pero que ejercerá por muy poco tiempo. Para 1949 se incorpora al grupo de artistas e intelectuales que conforman el Taller Libre de Arte de Caracas donde funda, junto con el pintor Alirio Oramas, la revista Taller. En compañía de algunos colegas artistas y amigos del Taller Libre de Arte, visita al pintor Armando Reverón. 
1952 es uno de los años decisivos en su vida. En esta fecha recibe el Premio Nacional de las Artes Plásticas y el Premio John Boulton en el XIII Salón Oficial Anual de Arte Venezolano organizado por el Museo de Bellas Artes de Caracas y obtiene el Premio Arturo Michelena en el X Salón Ateneo de Valencia. Vigas cobra notoriedad después de la exposición Oswaldo Vigas: Retrospectiva 1946-1952 llevada a cabo en el Museo Bellas Artes, muy comentada y discutida en los medios locales debido a la controversia que produce su serie Las brujas. Esta encendida discusión acerca de su trabajo lo convierte en el artista plástico más polémico de ese momento en Venezuela. A finales de ese año se instala en París e ingresa en L’Ecole des Beaux Arts, donde asiste a los talleres de grabado y litografía de Marcel Jaudon y de Stanley William Hayter, además de realizar cursos libres en La Sorbona. Estando en Francia es invitado a participar con cinco murales en el Proyecto de Integración de las Artes que concibe el arquitecto Carlos Raúl Villanueva con motivo de la construcción de la Ciudad Universitaria de Caracas, declarada Patrimonio Cultural de la Humanidad (2000) por la UNESCO. Esto marca un momento muy importante en el arte a nivel nacional, pues en este proyecto intervienen artistas venezolanos e internacionales del renombre de Fernand Léger, Victor Vassarely, Jean Arp, Antoine Pevsner, Baltasar Lobo y Alexander Calder, entre otros. 
Desde 1953 a 1957 concurre a numerosas colectivas a nivel internacional. En 1953 asiste a la II Bienal de São Paulo, Brasil, y en Francia al IX Salon de Mai, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Salon Réalités Nouvelles y Donner à voir. , entre los artistas invitados figuraron: Jean Arp, Chagall, Dayez, Delvaux, Giacometti, Gilioli, Lam, Laurens, Magritte, Manessier, Mathieu, Matisse, Matta, Max Ernst, Riopelle, Schneider, Se sigue presentando en el Salón los años siguientes hasta 1957 donde participa del homenaje a Brancusi en el “XIII Salón de Mai”, junto a Bryen, Leonor Fini, Herbin, Rebeyrolle, Tapies, etc. En 1961 vuelve al “XVII Salón de Mai” esta vez junto a Francis Bacon, Enrico Baj, Capogrossi, Charchoune, Marta Colvin, Agustín Fernández, Sam Francis, Hundertwasser, Ipousteguy, John Levée, André Masson, John Mitchell, Louise Nevelson, Irving Petlin, Pettoruti, Antonio Saura, Tajiri, Tamayo, Mark Tobey, Zañartu, En agosto de 1955 Oswaldo Vigas tiene la oportunidad de conocer a Pablo Picasso en su casa "La Californie" en Cannes, presentado por su amigo el pianista venezolano Humberto Castillo Suárez, muy cercano al Maestro. Junto con un grupo de críticos franceses, en particular Jean-Clarence Lambert, Raoul- Jean Moulin y José Augusto França, y un comité organizador integrado por Agustín Cárdenas, Wifredo Lam y Roberto Matta organiza la primera exposición del Arte Latinoamericano en París en 1962. En esa ciudad bullente de principios de los años 60, epicentro de la movida plástica mundial, convergían en los cafés diferentes artistas latinoamericanos. Se gestaban tertulias en el barrio latino en las que Oswaldo Vigas estrechó relaciones con Wifredo Lam, Roberto Matta, Antonio Berni, Agustín Cárdenas, Fernando de Szyszlo y muchos otros artistas latinoamericanos. Vigas en Latinoamérica En 1964 Vigas regresa a Venezuela con Janine, su esposa, y fija su residencia en la ciudad de Mérida. Al año siguiente es nombrado Director de Cultura de la Universidad de Los Andes y donde continúa produciendo su obra pictórica. En 1956 acude a la Bienal Internacional de Pintura y Grabado Palacio de Bellas Artes, México DF. 
En 1966 participa de la exposición internacional Grabadores latinoamericanos, Montevideo, Uruguay. En 1970 regresa con su familia a Caracas y promueve la creación del grupo de artistas Presencia 70. En 1971 es nombrado Director de la División de Artes del Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes (INCIBA), cargo al que renunciará un año después por desacuerdo con el Presidente del Organismo. En 1975 participa en Veinte pintores latinoamericanos, Galería Siglo XX, Quito, Ecuador, donde comparte entre otros con Fernando de Szyszlo, y en Panorama de la pintura venezolana, 113 obras de los siglos XIX y XX, Casa de Las Américas, La Habana, Cuba. En 1977 muestra Oswaldo Vigas, imagen de una identidad expresiva, Museo de Arte Italiano de Lima, Perú. En 1978 Vigas y Szyszlo exponen de nuevo con motivo del aniversario de la Galería Forum en Lima. 
En 1980 acude a la II Bienal Iberoamericana de Arte, Dibujo y Grabado, Instituto Cultural Pedro Domecq, México. Ese mismo año es invitado por el Taller de Artistas Gráficos Asociados (TAGA) a participar en una colectiva itinerante por Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, Ecuador, México, Nicaragua y Perú. En 1986 es convidado por el Presidente Belisario Betancur, quien reúne a los principales artistas latinoamericanos para la apertura del Museo de Santa Marta. Allí se reencuentra con sus colegas Fernando de Szyszlo, Alejandro Obregón y Oswaldo Viteri. Ese mismo año participa en Pintores contemporáneos, Galería Acquavella, Caracas, y en el Certamen Internacional de Artes Plásticas, Ancón, Perú. En 1992 es invitado al XXVI Premio Internacional de Arte Contemporáneo de Monte Carlo, donde por unanimidad le otorgan el Gran Premio Prince Rainier, que recibe de manos de la princesa Carolina de Mónaco. Repite esta visita en 1995. En 2012 Oswaldo Vigas es elegido como representante de su país natal para el Bicentenario de la Constitución del Tribunal Supremo del Reino de España, al que fueron invitados artistas representantes de todos los países iberoamericanos. Oswaldo Vigas participa en subastas de Grandes Maestros del Arte Latinoamericano celebradas en las famosas casas SOTHEBY´S y CHRISTIE´S de Nueva York, donde se ve un notable incremento en el valor de las obras vendidas. Una demostración más de la fuerte penetración en los mercados internacionales del maestro Vigas. Vigas siguió ejerciendo su actividad plástica sin cesar hasta el día de su muerte, acaecida el 22 de abril de 2014. En la actualidad, la Fundación Oswaldo Vigas, creada en vida del maestro, trabaja en la edición de una publicación antológica que recoge gran parte de su prolífica producción.



Registro de Territorio, de Hayfer Brea


La Caja Centro Cultural Chacao



Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao


Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao

Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao

Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao

Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao

Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao

Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao


Registro de Territorio es un proyecto de Hayfer Brea que nace de la necesidad de avanzar en el estudio y presentación de otras visiones y maneras de plantear el paisaje. Maneras que ya no lo hacen desde la representación de la montaña como eje temático, sino yendo al encuentro con otros elementos naturales en interacción directa con el entorno.
 
Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao

Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao

Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao

Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao

Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao

Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao

Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao

Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao

Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao

Registro de Territorio, de Hayfer Brea La Caja Centro Cultural Chacao


El conjunto de obras que se presenta en esta primera etapa muestra una serie de acciones y registros en el Lago de Valencia y el Lago de Maracaibo. Las primeras fueron ejecutadas en cuatro recorridos diferentes, entre 2011 y 2012, y cubrieron ocho lugares alrededor del Lago de Valencia. Las segundas cubrirán otros seis lugares en el Lago de Maracaibo. El resultado es el trazo de una línea de horizonte, es decir, la parte sumergida, al humedecerse, se impregna de paisaje y esta experiencia deja una huella como consecuencia de esa interacción, registrando una “porción de territorio” mediante la acción performántica.

Pido, Prometo y Pago

Muestra Individual
Fotografía Documental de Jorge Luis Santos 

 Jorge Luis Santos presenta en el MACZUL “Pido, Prometo y Pago”


“Pido, prometo y pago”, es el nombre de la exposición que estará siendo inaugurada el sábado 2 de julio en las instalaciones del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia a las 5 de la tarde en la sala alterna.
La curaduría estará a cargo de Ricardo Jiménez, mientras que el responsable de la museografía será Alberto Asprino.
Es el lente de Jorge Luis Santos el encargado de contar la historia de algunas prácticas religiosas poco difundidas fotográficamente en Venezuela y donde se realizan formas no convencionales de penitencia en la Semana Mayor o Santa del calendario de celebraciones Católicas. De manos atadas, con lágrimas en los ojos y rosarios en el pecho las personas que Santos retrata tienen una promesa que pagar y un milagro por pedir.
El texto de la exposición fue realizado por el fotógrafo argentino Eduardo Segura, quien añade: "Pido, prometo y pago", es un disparo atómico y doloroso al plexo solar, oscuramente trabajado, oscuramente iluminado, oscuramente sentido, añade el fotógrafo argentino.
Santos lleva aproximadamente 8 años desarrollando esta línea de investigación fotográfica, tal investigación fue realizada en cuatro localidades: Villa de Cura – Estado Aragua, Tinaquillo – Estado Cojedes, Chacao – Estado Miranda y el Distrito Capital de Caracas, dando como resultado algo más de 4.000 fotografías, de las cuales se estarán exponiendo 30.
Jorge Luis Santos se inició en la fotografía en 1986. Su trabajo personal se centra en tres (3) pilares fundamentales: la espiritualidad, la naturaleza y la sexualidad. Comenzó su formación formal en 2006 a manos de maestros fotógrafos e instituciones en Caracas. Ha participado en 88 exposiciones colectivas, 56 en Venezuela y 32 internacionales en Argentina, Australia, Chile, Colombia, Cuba, Brasil, Bulgaria, Ecuador, Francia, India, España y Uruguay.
Sus fotos han recibido premios en Venezuela, Brasil, Cuba, Ecuador y Argentina y han sido representadas en instituciones nacionales y extranjeras. Es autor de los libros titulados "Palmero es Fe y Cerro" y "Pedregal, Los Mismos de ayer", ambos están catalogados en la biblioteca del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y biblioteca del MoMa de Nueva York, entre otras importantes instituciones.
La invitación es para el sábado 2 de julio de 2016 a las 5 de la tarde para disfrutar de la exposición “Pido, Prometo y Pago” en la Sala Alterna de ‪#‎NuestroMuseo‬. La entrada es gratuita, contamos con amplio estacionamiento, vigilancia y somos área segura AMI (Atención Médica Inmediata para todos nuestros visitantes).
Si deseas estar siempre al tanto de nuestras actividades síguenos en twitter e Instagram @elmaczul, visita nuestro Facebook: MACZUL Museo o escríbenos a nuestro correo contacto@maczul.org.ve.


Exposición El Arte del Desnudo en Dos Géneros.

Vitrales de Raiza Carreño y Pinturas de Leonel Durán 

Hasta el 20 de Agosto 2016 en la Alianza Francesa, sede de Chacaíto

Fotografía cortesía de Raiza Carreño

El Arte del Desnudo en Dos Géneros Raiza Carreño y Leonel Durán Alianza Francesa de Caracas sede Chacaíto

El desnudo como pretexto para expresarse desde el color y la línea que abren paso a la luz o desde la audacia y libertad de la representación de lo natural. Así Raiza Carreño y Leonel Durán presentan su muestra en la Alianza Francesa de Chacaíto, en Caracas.

Los Vitrales de Raiza Carreño

Raiza Carreño El Arte del Desnudo en Dos Géneros Alianza Francesa de Caracas sede Chacaíto Venezuela
Raiza Carreño El Arte del Desnudo en Dos Géneros Alianza Francesa de Caracas sede Chacaíto, Venezuela.
El arte es creación, invención. la naturaleza nos inspira con su diversidad ambiental, su fauna, las especies vegetales, su maravillosa geografía con aguas de ríos transparentes y la divina fantasía azul del mar bajo otros azules del cielo infinito. Pero es en el ser humano donde se despierta la sensibilidad del artista, quien nace buscando la expresión del arte en todas sus dimensiones. Además del talento propio de mujeres y hombres, es con vocación y estudio como florecen los pintores y los escultores. Un caso por demás interesante es el de Raíza Carreño, formada en la Escuela de Artes Visuales “Cristóbal Rojas” de Caracas, en la mención Artes del Fuego. En su búsqueda diaria basada en el dibujo, esta creadora transcribe modelos de cuerpos masculinos los cuales, según ella, "Tienen características expresivas más evidentes en su anatomía, contrapuestas al cuerpo sutil y sensual de la figura femenina". Sus personajes se fragmentan en armonía de colores cálidos y fríos, los cuales se apoderan de espacios comunes: sillas con diseños imposibles, puertas, muros y formas esféricas. Ninguno de ellos son pintados sobre la tela o la madera, su idea es extraña y, en inusitada audacia se integra a la técnica del vitral, dándole a su "Ángel en la Oscuridad", a su "Nacimiento de Adonis", a su "Persistente Espera", y a su "Creación en dos Tiempos", una manera distinta de hacer arte figurativo, concebido con las transparencias provocadas por la luz natural, los ritmos descriptivos en la anatomía de esos seres cromáticos, sumergidos en una permanente nostalgia. Es allí don-de asoma Raíza Carreño su estilo personal. Casi todos sus personajes desnudos están de espalda. ¿Qué esconden? ¿Prejuicios, timidez, temor? sólo la artista lo sabe, después de traerlos al mundo como partos de su creación artística. Con toda obra joven, casi nunca se sabe cuando un pintor o un escultor alcanzarán la fama o la gloria. Sus cuadros o esculturas, navegaran en las aguas turbulentas del arte, y sólo el tiempo como el mejor juez, dirá cual será su destino, dilucidando si arriba al puerto del reconocimiento con la bandera de la victoria o, si se detendrá en un viejo muelle, anclado en el olvido.



Juvenal Ravelo - Mayo 2016


Desnudos de Leonel Durán 


Leonel Durán El Arte del Desnudo en Dos Géneros Alianza Francesa de Caracas sede Chacaíto, Venezuela.
Leonel Durán El Arte del Desnudo en Dos Géneros Alianza Francesa de Caracas sede Chacaíto, Venezuela.
El desnudo masculino y femenino es pieza capital en la historia del Arte Universal, a través de todos los tiempos fue presencia e imagen indiscutible en las artes visuales de los clásicos, románticos, impresionistas, cubistas, realistas y surrealistas, cada artista expresó a su manera y según su tendencia lo extraordinariamente bello, vital y armónico del cuerpo humano. Los italianos del cuatrocientos le dieron su forma y proporción, su altura cultura y su estatus social. Fue exaltado a la más alta cúspide de la estética y su halo y proyección conquisto todos los talleres, botegas, galerías y museos. Fue analizado, estudiado y expresado el cuerpo en todo su esplendor de belleza por todos los artistas de la humanidad. Al gran público conmovió e impacto fuertemente en momentos históricos la expresión de grandes artistas cuyos conceptos y cánones cambiaron para una nueva manera de ver el arte en evolución. Y hubo sacudimientos muy fuertes. A Miguel Ángel se le censuró y borró sus ignudi poniéndole braguetas a las partes pudendas porque se les consideró  audaces y moralmente inadmisibles.  Courbet soportó críticas terribles por sus desnudos “Vulgares y Realistas”. Manet con su “Olimpia” en el salón de rechazados fue motivo de burlas y risotadas no solamente por su “Realismo Procaz” sino también por la sirviente y el gato negro. Ese desnudo fue hecho con soltura magistral y libertad total causando un gran malestar al público visitante. En el boulevard Montparnase la policía francesa clausuró a media una completa exposición de Modigliani debido a sus pinturas de desnudos “Manieristicamente Obscenos”. Pedro Centeno Vallenilla amaba sus modelos masculinos y femeninos -negros e indios- volviendolos por un lado María Lionza y del otro Dioses del Olimpo, Pedro León Castro pintó hermosísimos desnudos y se hizo un auto-retrato en pelota de pies a cabeza. El escándalo se formó en el Armory Show de Nueva York y no fue por la vulgaridad  del contenido sino fue por la audacia de la forma del famoso “Desnudo Bajando la Escalera” de Marcel Duchamp que en realidad era “Futurista”.  Francisco Narváez en el Museo de Bellas Artes presentó una mulata desnuda de espaldas y mucho público trataba de levantar el cuadro para verla de frente ¡Que Idiotez!

Así fue avanzando el arte libremente hasta llegar a sus últimas consecuencias y a fuerza de sensibilidad creadora hasta el día de Hoy.

 Leonel Durán se nos desnuda y nos muestra con mucha firmeza su fuerza en el concepto de la pintura-pintura superando temas escabrosos y facilismos, así como también provocaciones gratuitas, aparentemente novedosas para llamar la atención. Ha aprendido el oficio de dibujar y pintar - binomio fundamental en la plasticidad de la obra - y aprehendido desde temprano la realidad vital, alcanzando por sus diversos medios expresivos, escultura, vitral, decoración, un puesto importante en el actual y nuevo movimiento Plástico Nacional.

Régulo Pérez  - 18/5/2016

Los Expositores y su Trayectoria: 

Raíza Carreño quien muestra la visión femenina, fue formada en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas de Caracas en la mención Artes del Fuego.

Leonel Durán dibujante, pintor, muralista, vitralista y escultor. 


LO IMPERCEPTIBLE DE CARLOS MEDINA

ARTE ASCASO 

Carlos Medina en la Galería de Arte Ascaso de las Mercedes 

Texto y Fotografías cortesía de Arte Ascaso
 

En la plenitud de su carrera artística, el reconocido escultor Carlos Medina interviene los espacios expositivos de la Galería de Arte Ascaso con una contemporánea propuesta titulada Imperceptible. Y es que hasta allí ha evolucionado su obra…El artista se libera del peso de la materia que tanto trabajó, moldeó y transformó, hasta llegar a las ligeras y simétricas estructuras que ahora flotan, vuelan y se dispersan en el aire, en escrupuloso orden geométrico. 
Lo Esencial de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso Foto Gladys Calzadilla

Luego de su memorable Esencial, Medina nos presenta novedosos planteamientos, mostrando en distintas escalas y materiales, las transparencias y flotabilidad de sus elementos e interpretaciones geométricas. 
Lo Imperceptible de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso

Las composiciones que plantea Medina para esta nueva exposición son sencillas y a la vez, imponentes. Grandes y pulidas armaduras simulan enormes trazos en medio de las sala… Ondas se simulan nubes, picos que semejan cerros; piezas logran definirse al fijar la mirada en imperceptibles hilos de nylon o metal, en varillas ancladas en la pared, obras a través de las cuales plantea poéticamente la esencia de la materia.
Lo Imperceptible de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso
Lo Imperceptible de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso

Entretanto, pequeñas esferas o neutrinos suspendidos en pequeños soportes invitan al espectador a acercarse a la obra, para encontrar en muchas de ellas, un verdadero “microcosmos”.
Lo Imperceptible de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso

El acucioso escultor ha encontrado en las superficies planas y puras, la manera perfecta de proyectar formas, apoyado en la sombra que dibuja a partir de un fino hilo de metal…Es así como Medina “simplifica y llega a la esencia de la forma, de la materia, de la luz, el reflejo y la sombra.”


Lo Imperceptible de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso

Para esta ocasión, el destacado investigador, curador y crítico de arte colombiano Álvaro Medina revela en el texto del catálogo, contundentes relaciones conceptuales en la estética de su tocayo, concluyendo en que “Si las matemáticas nos han revelado aspectos de la materia que jamás podremos ver, Carlos Medina es el poeta visual que expresa algunos fenómenos de la física cuántica que obsesionan a los investigadores de hoy. Trátese de una montaña (el Ávila de Manuel Cabré, toda una tradición), de nubes o de lluvia, Medina ve acumulaciones de partículas o sea que los átomos se han vuelto, para él, lo que las manzanas eran para Cézanne: un pretexto para organizar estructuras cuya significación va más allá de la simple apariencia retinal.

Lo Imperceptible de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso


” En colaboración con el arquitecto y museógrafo Mauricio Alfonzo, Carlos Medina logra distribuir más de treinta abstracciones en sala, ubicándolas armónicamente, recreando así el mundo que le rodea. 
Lo Imperceptible de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso


Las puertas de lo Imperceptible estarán abiertas al público a partir del domingo 29 de mayo a las once de la mañana en la Galería de Arte Ascaso, ubicada en la avenida Orinoco, entre calles Mucuchíes y Monterrey, Las Mercedes. El horario de visita es de lunes a viernes, de 9 a 1pm y de 2 a 6pm. Sábados y domingos de 11am a 3 pm. Los invitamos a disfrutar de esta nueva experiencia!

Expresionismos muestra colectiva en el Centro de Arte Integral

Clausura 16 de Julio 2016

 

Curaduría Susana Benko
Texto y Fotografía Gladys Calzadilla

Grito silencioso, figuras humanas encorvadas agrupadas sin espacio suficiente, trazos vigorosos dibujan deformidad que implora.  Ventanas que esconden historias de una ciudad, prosigue el olor a muerte en rostros recreados con huesos y clavos, figuras humanas en grupos vencidos. Engarbados discursos que no necesitan sonido. Descritos en el trabajo de Rosa Salazar.

Rosa Salazar Expresionismos muestra colectiva en el Centro de Arte Integral  Curaduría Susana Benko, Fotografía Gladys Calzadilla.

Rosa Salazar Expresionismos muestra colectiva en el Centro de Arte Integral
Curaduría Susana Benko, Fotografía Gladys Calzadilla.

Rosa Salazar Expresionismos muestra colectiva en el Centro de Arte Integral  Curaduría Susana Benko, Fotografía Gladys Calzadilla.

Rosa Salazar Expresionismos muestra colectiva en el Centro de Arte Integral
Curaduría Susana Benko, Fotografía Gladys Calzadilla.


Rosa Salazar Expresionismos muestra colectiva en el Centro de Arte Integral  Curaduría Susana Benko, Fotografía Gladys Calzadilla.

Rosa Salazar Expresionismos muestra colectiva en el Centro de Arte Integral
Curaduría Susana Benko, Fotografía Gladys Calzadilla.

Al cruzar el umbral pinceladas densas y coloridas destilan colores intensos. Sensación de hogar de cotidianidad de mesa con abundancia.
Objetos reconocibles, cotidianos y femeninos flotan en una atmósfera descrita en planos de colores vivos, imágenes vibrantes y alegres.

Expresionismos muestra colectiva en el Centro de Arte Integral
Curaduría Susana Benko, Fotografía Gladys Calzadilla.

Rosa Canelón Expresionismos muestra colectiva en el Centro de Arte Integral
Curaduría Susana Benko, Fotografía Gladys Calzadilla. En la foto Rosa Canelón


Sin embargo, al continuar el recorrido sólo dividido por una pared nos reencontramos con rostros deformados, sólidos acompañados de palabras que nos vinculan con el principio de la historia.
Expresionismos muestra colectiva en el Centro de Arte Integral  Curaduría Susana Benko, Fotografía Gladys Calzadilla.

Expresionismos muestra colectiva en el Centro de Arte Integral
Curaduría Susana Benko, Fotografía Gladys Calzadilla.

Hoy 29 de mayo de 2016 en la Sala William Werner del Centro de Artes Integradas se inauguró la muestra “Expresionismos” donde la pintura y la escultura de los artistas venezolanos Eduardo Azuaje, Eduardo Bárcenas, José Caldas, Rosa Canelón, Roberto Notarfrancesco, Jorge Pizzani, Rosa Salazar, Julián Villafañe y José Vívenes dialogan en el discurso curatorial realizado por Susana Benko.

Rosa Salazar describe desde materiales efímeros papel, pabilo, alambre, resina y pigmentos, personajes vencidos, condenados, aglomerados, padeciendo de una delgadez extrema.
Eduardo Azuaje expresa desde la pintura y la escultura su imaginario donde denota seres expuestos a la violencia sin posibilidad de salvación en su serie Bestiario siglo XXI donde recrea cráneos ensamblados con huesos de animales hallados en zonas rurales y basureros del país.
Roberto Notarfrancesco exhibe Solipsi Rai, seres pertenecientes al grupo de Orión guerreros pertenecientes a mundos extraterrestres
Julián Villafañe en pinceladas tupidas y densas representa ventanas de múltiples posibilidades. Historias ocultas en la ciudad, donde en ocasiones se asoma un personaje.
José Vívenes plantea en siete pinturas al óleo en pequeño formato su serie “Basta de falsos héroes” cuestiona la identidad del venezolano en medio de la situación que lo sobrepasa.
Eduardo Bárcenas se expresan desde rostros de gestos desesperanzados denotando desesperación y angustia, que se envuelven en una atmósfera blanca donde las palabras e diversos idiomas se hacen textura.
Jorge Pizzani gestualidad descrita desde el performance en un rostro humano
José Caldas con colores intensos en su lienzo muestra bodegones de gran colorido y pincelada pastosa de título Asómate a mi Nevera
Rosa Canelón desde lo cotidiano y femenino describe con colores planos y vivos “El Alma de las Cosas”.
Esta exposición puede ser visitada en la Sala William Werner del Centro de Artes Integradas hasta el 17 de Julio de 2016

Expresionismos muestra colectiva en el Centro de Arte Integral  Curaduría Susana Benko, Fotografía Gladys Calzadilla.

Expresionismos muestra colectiva en el Centro de Arte Integral
Curaduría Susana Benko, Fotografía Gladys Calzadilla

El Centro de Artes Integradas (CAI) es una asociación civil sin fines de lucro constituida en 1979, que nació de la inquietud de integrar todas las disciplinas artísticas: música, danza, teatro y artes plásticas, en un centro educacional y cultural del más alto nivel que permita al sector privado una intervención directa en el desarrollo de las artes. Es un proyecto de educación integral, donde el alumno se acerca y conoce las diferentes expresiones artísticas como un todo, sin seccionarlas. La idea final comprende la convivencia de un Colegio, un Conservatorio de Música, Salas de Teatro, Galerías, y las Escuelas de Artes Plásticas, Teatro, Danza, Fotografia, Cine y de Dj’s. Además de la Libroteca Amapalabra, una Zona Rental y un Centro de Investigación y Estudios.

“EXPRESIONISMOS” 

Nueve artistas venezolanos: Rosa Canelón, José Caldas, Jorge Pizzani, Julián Villafañe, Rosa Salazar, Roberto Notarfrancesco, Eduardo Bárcenas, José Vívenes, Eduardo Azuaje

Curaduría de Susana Benko

Sala William Werner, Centro de Artes Integradas (CAI)


Caracas --- Mayo 2016 --- (PressRelease) La Asociación Venezolana de Conciertos (AVC), a través del Centro de Artes Integradas (CAI), comprometida en desarrollar las artes y la educación en Venezuela, inaugura el domingo 29 de mayo en su Sala William Werner, la exposición Expresionismos, muestra que reúne la obra de nueve artistas venezolanos: Eduardo Azuaje, Eduardo Bárcenas, José Caldas, Rosa Canelón, Roberto Notarfrancesco, Jorge Pizzani, Rosa Salazar, Julián Villafañe y José Vívenes.

Bajo la curaduría de Susana Benko, investigadora de arte, crítico, curadora y miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte-Capítulo Venezuela, Expresionismos presenta ‘el otro lado’ de la tradición plástica en Venezuela opuesta a la abstracción geométrica y al cinetismo, movimientos que perduran desde los años cincuenta.

“Existen muchas razones para explicar el origen de las diversas tendencias expresionistas en la historia del arte. Las motivaciones son diversas y pueden tener carácter colectivo o individual. Cada artista expresa un cúmulo de emociones y sentimientos que denotan, en su arrojo, su manera particular de enfocar, interpretar o reinventar imágenes de la realidad o de su imaginación”, explica la curadora.

Los expresionistas han resistido a los embates del geometrismo y al arte conceptual, defendiendo el oficio de la pintura, el gesto y la emoción. Tras el informalismo y el realismo mágico, varios artistas de los ’60 asumieron la libertad de acción en su pintura: pincelada gestual y espontánea, superficies muy texturizadas y una figura humana deformada para expresar su inhumanidad en obras político-sociales muy críticas. La pintura no tenía que ser bella, lo importante era la denuncia o la expresión pura. En los ‘80 predominó la figuración y la abstracción de la expresión sobre la racionalidad. Se saturaba la tela, con imágenes vertiginosas, o se exasperaba el color, la materia, e incluso los soportes.

Los expresionismos siguen manifestándose con vigencia, los contenidos que las imágenes suscitan tienen enorme importancia. Y es lo que sucede en esta exposición en la que nueve pintores y escultores venezolanos, con estilos y opciones temáticas particulares, funcionan con emotividad y asumen la figuración para comunicar aspectos esenciales de su humanidad. Sus obras demarcan el arrebato armónico del color que la cotidianidad suscita y la visión descarnada o ‘movediza’ de la condición humana. Ambos polos son maneras de interpretar la vida o de encarnar la muerte. 

Juan Carlos Martínez (retrato de Rosa Canelón)

Archivo Susana Benko (retrato de José Caldas)


Rosa Canelón y José Caldas representan la primera opción. Pintan lo cotidiano y familiar, el hogar y los objetos vital y festivamente. Se expresan por el color. Canelón muestra el alma de las cosas, a través de objetos y el entorno íntimo del hogar con armónicas combinaciones cromáticas, en colores primarios y complementarios, vibrantes y de fuerte impacto visual. Caldas, desestabiliza el ordenamiento espacial trabajando con fuertes contrastes de colores primarios. El resultado: obras dinámicas, explosivas, que funden figura y fondo en un estallido cromático incontrolable.  

Cristian Dumont (retrato de Jorge Pizzani)

Katherine Chacón (retrato de Julián Villafañe)

La segunda línea conceptual de la exposición se vuelca en torno a la presencia de la figura humana. Para Jorge Pizzani ésta es la razón de ser de la pintura que asume con arrojo, desparpajo y pasión. Representa tipos humanos, rodeados de un hálito particular. Los muestra según sus roles performáticos, cuya interioridad se expresa mediante un gestualismo veloz. Julián Villafañe, va más bien a la inversa: representa personajes a menor escala integrados a un espacio segmentado en recuadros, diferenciados por colores, tramas y texturas, haciendo de la materia y el color su lenguaje expresivo, insertando a sus personajes en determinados contextos próximos a la abstracción informal. 

Darwin García (retrato de Rosa Salazar)

En escultura, Rosa Salazar crea personajes espigados, delgados, que conforman grupos ‘familiares’, razón por la que cada uno varía de altura según la edad. Dos elementos exacerban la fuerte expresividad de sus piezas: la sensación de precariedad, debido a la extrema delgadez de los personajes como los materiales utilizados: papeles atados con pabilo y alambre, tratados con resina y pigmentos, que acentúan esta sensación de pobreza. El resultado asombra por la desgarrada visión, casi fantasmal, de su condición humana. 

Michelle Brito (retrato de Roberto Notarfrancesco)
Reinaldo Crespo (retrato de Eduardo Bárcenas)

José Vívenes (autorretrato)

Las cabezas tienen interés particular en la iconografía expresionista en las obras de Pizzani, Villafañe, Bárcenas, Notarfrancesco, Vívenes y Azuaje. Si bien sus pinturas expresan fehacientemente aspectos relacionados con la condición humana, Roberto Notarfrancesco muestra cabezas de los llamados Solipsi Rai, seres pertenecientes al grupo de Orión, de apariencia similar a la humana. Cuatro cabezas guerreras, que sugieren la contextura física de estos seres extraterrestres. Eduardo Bárcenas, invisibiliza la angustia y el grito contenidos a través de un gestualismo de atmósferas blancas para realizar rostros macizos, sólidos, de cuya piel se delata una acumulación de palabras o ideas. Contenidos diversos, en diferentes idiomas, que se integran bajo la piel pictóricamente. En este proceso, de carácter más psicológico y antropológico, se distingue el monocromatismo así como la fuerte expresividad de estos rostros. 
Renato Donzelli (retrato de Eduardo Azuaje)

La tensión política en el país agudiza el sentido crítico y cuestionador en la pintura de José Vívenes. La figura humana, su gestualidad, las veladuras, los ocultamientos de rostros o exacerbación de sus rasgos fisionómicos aluden directamente al drama del venezolano. El mal social transforma al hombre en un individuo con carencias, aislado, torturado o destruido. Eduardo Azuaje tampoco se sustrae de esta percepción de la realidad. Sus pinturas aluden con furia a personajes responsables de la violencia, la injusticia y el descalabro del país. Las cabezas hechas con huesos de diversos animales sugieren, en medio de este tejido, a rostros humanos. Hablan de muerte. Atrás quedó el arte como objeto de contemplación para ahora centrarse en una obra crítica y cuestionadora. Es la expresión de la rabia, el desgarramiento y las diversas caras del horror.

Expresionismos resume las diversas posturas que este grupo de artistas asume con respecto a la naturaleza de su oficio. El arte es expresión y, en estos casos, es comunicación. La emocionalidad que impulsa a cada artista a crear es una experiencia personal que arropa en su vorágine también a los demás. Es una forma de develar de verdades y, definitivamente, es también un acto de re-conocimiento.

EXPRESIONISMOS. Lugar: Sala William Werner, Centro de Artes Integradas (CAI). Entrada izquierda Univ. Metropolitana. Terrazas del Ávila. Inauguración: Domingo, 29 de mayo de 2016. Horario: 12:00 m. a 3:30 p.m. 


Catálogo versión PDF: 
Papel Literario, El Nacional. 29-05-2016: 

Julio Pacheco Rivas, El Color del Cristal

Centro Cultural BOD


Julio Pacheco Rivas, El Color del Cristal, Centro Cultural BOD

En el marco de la celebración del 25 aniversario del Centro Cultural B.O.D., el artista abre las puertas de su primera individual en la Sala de Exposiciones del recinto. Neoglifos, relieves y animaciones conforman la muestra que suma un total de 25 piezas. 

En la inauguración se devela la obra Lo que está a la vista, un mural de alto contraste, de 4.45m de alto x 5.80m de ancho, una intervención que le tomó al artista seis días de elaboración. Conceptualmente, el proyecto está inspirado en la transparencia. La curaduría es de Susana Benko 50 años de trayectoria respaldan el trabajo de Julio Pacheco Rivas (Caracas, 25 de julio de 1953), quien ha desarrollado proyectos plásticos y escultóricos en torno al tema del espacio y la perspectiva. En esta oportunidad, el artista abre las puertas de su primera individual en la Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D.: El color del cristal. 

Conceptualmente, la muestra está inspirada en la transparencia y los objetos en transición. La exposición se inaugura en el marco del 25 aniversario del Centro Cultural B.O.D. “Era un anhelo desde hace tiempo que yo tenía el presentar mi trabajo acá en la Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D”, comenta el artista. “La situación de los museos en este país está difícil y esta muestra, justamente, tiene una escala museística. De manera que me parece importante haber conseguido este apoyo. 

Julio Pacheco Rivas, El Color del Cristal, Centro Cultural BOD

Julio Pacheco Rivas, El Color del Cristal, Centro Cultural BOD

Siempre es un reto presentar una obra que no es necesariamente comercial sino donde lo importante son los planteamientos, que en una galería es difícil de concebir. Por ello, estos espacios dan esa posibilidad de volarse los sesos, de darle rienda suelta a la creatividad. Quería presentar un proyecto a gran escala. Creo que la muestra es variada, no es una repetición de una cosa, es el mismo lenguaje dialogado con diferentes aproximaciones”. 

Los Neoglifos dan inicio al recorrido de El color del cristal. En palabras del autor: “Se trata de un conjunto de obras que proponen al público darles una lectura como si se tratara de ideogramas. Estos neoglifos plantean esas cosas que están en tránsito, porque pueden ser interpretados de una manera o de otra, según el hemisferio del cerebro que los capte. Son isometrías, imágenes silueteadas y uno no sabe qué está adelante y qué atrás. De modo que el cerebro se encarga de codificarlos. Un día puedes verlos de una forma y al día siguiente de otra. Esto en concordancia con el título de la muestra”, prosigue el autor. Los Relieves, igualmente, responden a la propuesta conceptual de El color del cristal con focos que señalan ubicaciones específicas dentro de cada obra. “Hay unos de estructura simples: figura sobre fondo, y otros que tienen una suerte de puntos focales, específicamente rectángulos de MDF (fibra de madera) y semejan una transparencia que en realidad no existe; es decir, está representada por cuerpos opacos que juegan el rol de cristales”, explica Pacheco Rivas. 

Se suman a la muestra formas derivadas de los relieves, de contextura más gruesa y que no están sobre un soporte sino directamente sobre las paredes de la Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D. Completan el recorrido las Animaciones, instalaciones en video fungiendo de leit motiv de la exhibición. “En esta exposición vuelvo al color, porque había estado trabajando prácticamente en blanco y negro, pero siempre con el leit motive de mi obra que es la representación, de los espacios y la evidencia de la misma. Yo hago un trabajo a través de la perspectiva para crear esa sensación de profundidad espacial”, agrega. El plato fuerte de la muestra se titula Lo que está a la vista, un mural de 4.45 metros de alto por 5.80 de ancho. “Esta intervención va acompañada por marginalias: grafitos en la pared, dibujos a lápiz casi invisibles que representan los apuntes de la obra. 

Se trata de un mural de alto contraste con un lenguaje más fotográfico que plástico. Se da en él una exageración de las sombras y de la luz. No hay líneas sino encuentros entre luces y sombras que producen la ilusión de que existe ese espacio”. La curaduría de la muestra es de Susana Benko, con quien el artista destaca haber realizado un buen trabajo en equipo. “Generalmente cuando uno tiene un proyecto por delante se producen esas pequeñas revoluciones, que estando uno en sus rutinas de artista no se dan tan de una manera tan evidente. Este montaje nos tomó 10 días completarlo. 

Ha sido un trabajo en equipo bonito y ha habido una buena química entre la curadora y el equipo de la Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D. 

Coordenadas Exposición: El color del cristal Artista: Julio Pacheco Rivas Lugar: Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D. Horario: De martes a jueves, de 11:00am a 5:00pm. Viernes: de 11:00am a 8:00pm. Sábados y domingos, de 11:00am a 6:00pm. Para entrevistas favor contactar a: Pablo Blanco. Asuntos Públicos B.O.D. (0426) 511 14 66. (0212) 952 93 55 y (0212) 953 78 10 pabloblanco3@gmail.com