sábado, 30 de abril de 2016

Mayo-Junio 2016


LO IMPERCEPTIBLE DE CARLOS MEDINA

ARTE ASCASO Inaugura el domingo 29 de Mayo de 2016

Texto y Fotografías cortesía de Arte Ascaso
 

En la plenitud de su carrera artística, el reconocido escultor Carlos Medina interviene los espacios expositivos de la Galería de Arte Ascaso con una contemporánea propuesta titulada Imperceptible. Y es que hasta allí ha evolucionado su obra…El artista se libera del peso de la materia que tanto trabajó, moldeó y transformó, hasta llegar a las ligeras y simétricas estructuras que ahora flotan, vuelan y se dispersan en el aire, en escrupuloso orden geométrico. 
Lo Esencial de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso Foto Gladys Calzadilla

Luego de su memorable Esencial, Medina nos presenta novedosos planteamientos, mostrando en distintas escalas y materiales, las transparencias y flotabilidad de sus elementos e interpretaciones geométricas. 
Lo Imperceptible de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso

Las composiciones que plantea Medina para esta nueva exposición son sencillas y a la vez, imponentes. Grandes y pulidas armaduras simulan enormes trazos en medio de las sala… Ondas se simulan nubes, picos que semejan cerros; piezas logran definirse al fijar la mirada en imperceptibles hilos de nylon o metal, en varillas ancladas en la pared, obras a través de las cuales plantea poéticamente la esencia de la materia.
Lo Imperceptible de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso
Lo Imperceptible de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso

Entretanto, pequeñas esferas o neutrinos suspendidos en pequeños soportes invitan al espectador a acercarse a la obra, para encontrar en muchas de ellas, un verdadero “microcosmos”.
Lo Imperceptible de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso

El acucioso escultor ha encontrado en las superficies planas y puras, la manera perfecta de proyectar formas, apoyado en la sombra que dibuja a partir de un fino hilo de metal…Es así como Medina “simplifica y llega a la esencia de la forma, de la materia, de la luz, el reflejo y la sombra.”


Lo Imperceptible de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso

Para esta ocasión, el destacado investigador, curador y crítico de arte colombiano Álvaro Medina revela en el texto del catálogo, contundentes relaciones conceptuales en la estética de su tocayo, concluyendo en que “Si las matemáticas nos han revelado aspectos de la materia que jamás podremos ver, Carlos Medina es el poeta visual que expresa algunos fenómenos de la física cuántica que obsesionan a los investigadores de hoy. Trátese de una montaña (el Ávila de Manuel Cabré, toda una tradición), de nubes o de lluvia, Medina ve acumulaciones de partículas o sea que los átomos se han vuelto, para él, lo que las manzanas eran para Cézanne: un pretexto para organizar estructuras cuya significación va más allá de la simple apariencia retinal.

Lo Imperceptible de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso


” En colaboración con el arquitecto y museógrafo Mauricio Alfonzo, Carlos Medina logra distribuir más de treinta abstracciones en sala, ubicándolas armónicamente, recreando así el mundo que le rodea. 
Lo Imperceptible de Carlos Medina en Galería de Arte Ascaso


Las puertas de lo Imperceptible estarán abiertas al público a partir del domingo 29 de mayo a las once de la mañana en la Galería de Arte Ascaso, ubicada en la avenida Orinoco, entre calles Mucuchíes y Monterrey, Las Mercedes. El horario de visita es de lunes a viernes, de 9 a 1pm y de 2 a 6pm. Sábados y domingos de 11am a 3 pm. Los invitamos a disfrutar de esta nueva experiencia!



INSTALACIÓN, VIDEO Y FOTOGRAFÍA



EN TORNO A PIEZAS POÉTICAS 

DE VERÓNICA JAFFE





Una particular muestra que gira en torno a la traducción que realizara la escritora Verónica Jaffé sobre los poemas escritos hace 200 años por el alemán Friedrich Hölderlin, será inaugurada bajo el título de Ríos, mares, patrias y poesías, este domingo 29 de mayo a las 11:00 am en la Galería Beatriz Gil, con un conjunto de fotografías y video de Ángela Bonadies y una instalación in situ de la artista visual Magdalena  Fernández.



“Toda traducción es traslado de imágenes y de metáforas, y las metáforas construyen la poesía. La poesía moderna traduce a los antiguos héroes y dioses a ríos y mares y montañas, a paisajes de palabras, y estas adquieren sus fugaces, sus cambiantes sentidos como metáforas”, revela la autora, a la vez que explica que en la exposición se verán como cuadros poéticos, mapas que en su  lenguaje y caligrafía dibujan fragmentos de un espacio lleno de palabras y sentidos.



En tal sentido, Magdalena Fernández y Ángela Bonadies trabajan dos lecturas o ‘traducciones' desde sus respectivos lenguajes con el material de los poemas y las versiones en texto e imagen de Verónica Jaffe. Magdalena Fernández realizará una instalación en la que cuenta con el apoyo Enrique Moreno. Por su parte, Ángela Bonadies se servirá de la fotografía y el video para crear imágenes que delinean el hecho poético.



Verónica Jaffé (Caracas, 1957) ya ha estrechado los vínculos entre la literatura y la plástica, con experiencias desarrolladas en el Instituto Latinoamericano vienés y en las galerías de Los Galpones y Secadero con  poemas presentados como ‘traducciones’ visuales.

Estudió Letras en Caracas y literatura alemana en Múnich, fue docente en la Universidad Simón Bolívar, en la Universidad Central de Venezuela e investigadora invitada en las universidades de Indiana, Bloomington, IN, EEUU, y de Viena, Austria, así como editora de diversas revistas y editoriales en nuestro país. Ha publicado algunos ensayos sobre literatura venezolana (El relato imposible. Análisis recepcional de la cuentística venezolana entre 1970-1980) e historia y teoría de la traducción literaria (Metáforas y traducción o traducción como metáfora. Algunas metáforas de la teoría de la traducción literaria, en 2004), además de los poemarios El arte de la pérdida El largo viaje a casa, La versión de Ismena (2000), así como traducciones de poemas de Gottfried Benn y Else Lasker-Schüler.

Durante la inauguración de la muestra se presentará el libro de esta autora, editado por Sandra Caula, con diseño de Aixa Díaz e introducción de Luis Miguel Isava, en un evento que contará con palabras de la profesora María Fernanda Palacios.

La exposición Ríos, mares, patrias y poesías con textos de Verónica Jaffé, fotografías y video de Ángela Bonadies e instalación de Magdalena Fernández, se estará presentando desde el 29 de mayo hasta el 10 de julio, en los espacios de BEATRIZ GIL Galería, ubicada en la Calle California con Calle Jalisco, en Las Mercedes; en horario de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.

Inaugura la exposición colectiva de arte 

BIOENERGIZARTE 

Eduard Diaz, Gloria Loya, Carolina Lezama, Kira Peña, VestAndPage, Ivan Romero, Sutra Corporal, Jorge Estrada, Gustavo León, María Busing, Melissa Peñaloza, Francis Fermín.

Domingo 29 de mayo 11 am

en el Museo Alejandro Otero, La Rinconada.




Cuando un grupo de artistas que además son practicantes de disciplinas integradoras de espíritu, mente y cuerpo se juntan para darle forma a una propuesta expositiva el resultado no es, no puede ser, una muestra cerrada puramente subjetiva sino necesariamente un evento energético. Bioenergizante es eso: un evento energético que pretende iniciar un proceso transformador en el público a la manera casi de una participación chamánica.

 La conciencia de la dinámica de los cuatro elementos tradicionales, trabajados en distintos medios desde una orientación trans- personal, o pre-personal, impacta al espectador más allá de lo intelectual o lo estético y a través de un principio de resonancia psíquica moviliza los elementos del individuo, en todo su espectro. En ese sentido, la muestra quiere ser una experiencia alquímica, una alquimia constructiva que re- ordena nuestros elementos y su relación y correspondencia con la tierra y el cosmos.

Bioenergizante se une a una corriente artística mundial donde la comprensión holística propia de las culturas tradicionales sale al encuentro de las intuiciones científicas más contemporáneas nacidas de la física cuántica y la epigenética, devolviéndole a la obra de arte una sacralidad y una relevancia ontológica que había perdido.


Talleres: Reiki Usui Tibetano Niveles I y II (Ingrid Ruiz), Tejido y Reciclaje (Melissa Peñaloza), Chi Kung y Agnihotra – Herramientas Internas (Gustavo León), Practicas de Qi Gong (María Busing), Yoga para Niños (Patricia Laguzzi).


“EXPRESIONISMOS” 

Nueve artistas venezolanos: Rosa Canelón, José Caldas, Jorge Pizzani, Julián Villafañe, Rosa Salazar, Roberto Notarfrancesco, Eduardo Bárcenas, José Vívenes, Eduardo Azuaje

Curaduría de Susana Benko

Sala William Werner, Centro de Artes Integradas (CAI)

Inaugura el Domingo 29 a las 11 am
Horario: 11:00 am. a 3:30 p.m.  

Caracas --- Mayo 2016 --- (PressRelease) La Asociación Venezolana de Conciertos (AVC), a través del Centro de Artes Integradas (CAI), comprometida en desarrollar las artes y la educación en Venezuela, inaugura el domingo 29 de mayo en su Sala William Werner, la exposición Expresionismos, muestra que reúne la obra de nueve artistas venezolanos: Eduardo Azuaje, Eduardo Bárcenas, José Caldas, Rosa Canelón, Roberto Notarfrancesco, Jorge Pizzani, Rosa Salazar, Julián Villafañe y José Vívenes.

Bajo la curaduría de Susana Benko, investigadora de arte, crítico, curadora y miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte-Capítulo Venezuela, Expresionismos presenta ‘el otro lado’ de la tradición plástica en Venezuela opuesta a la abstracción geométrica y al cinetismo, movimientos que perduran desde los años cincuenta.

“Existen muchas razones para explicar el origen de las diversas tendencias expresionistas en la historia del arte. Las motivaciones son diversas y pueden tener carácter colectivo o individual. Cada artista expresa un cúmulo de emociones y sentimientos que denotan, en su arrojo, su manera particular de enfocar, interpretar o reinventar imágenes de la realidad o de su imaginación”, explica la curadora.

Los expresionistas han resistido a los embates del geometrismo y al arte conceptual, defendiendo el oficio de la pintura, el gesto y la emoción. Tras el informalismo y el realismo mágico, varios artistas de los ’60 asumieron la libertad de acción en su pintura: pincelada gestual y espontánea, superficies muy texturizadas y una figura humana deformada para expresar su inhumanidad en obras político-sociales muy críticas. La pintura no tenía que ser bella, lo importante era la denuncia o la expresión pura. En los ‘80 predominó la figuración y la abstracción de la expresión sobre la racionalidad. Se saturaba la tela, con imágenes vertiginosas, o se exasperaba el color, la materia, e incluso los soportes.

Los expresionismos siguen manifestándose con vigencia, los contenidos que las imágenes suscitan tienen enorme importancia. Y es lo que sucede en esta exposición en la que nueve pintores y escultores venezolanos, con estilos y opciones temáticas particulares, funcionan con emotividad y asumen la figuración para comunicar aspectos esenciales de su humanidad. Sus obras demarcan el arrebato armónico del color que la cotidianidad suscita y la visión descarnada o ‘movediza’ de la condición humana. Ambos polos son maneras de interpretar la vida o de encarnar la muerte. 

Juan Carlos Martínez (retrato de Rosa Canelón)

Archivo Susana Benko (retrato de José Caldas)

Rosa Canelón y José Caldas representan la primera opción. Pintan lo cotidiano y familiar, el hogar y los objetos vital y festivamente. Se expresan por el color. Canelón muestra el alma de las cosas, a través de objetos y el entorno íntimo del hogar con armónicas combinaciones cromáticas, en colores primarios y complementarios, vibrantes y de fuerte impacto visual. Caldas, desestabiliza el ordenamiento espacial trabajando con fuertes contrastes de colores primarios. El resultado: obras dinámicas, explosivas, que funden figura y fondo en un estallido cromático incontrolable.  

Cristian Dumont (retrato de Jorge Pizzani)

Katherine Chacón (retrato de Julián Villafañe)

La segunda línea conceptual de la exposición se vuelca en torno a la presencia de la figura humana. Para Jorge Pizzani ésta es la razón de ser de la pintura que asume con arrojo, desparpajo y pasión. Representa tipos humanos, rodeados de un hálito particular. Los muestra según sus roles performáticos, cuya interioridad se expresa mediante un gestualismo veloz. Julián Villafañe, va más bien a la inversa: representa personajes a menor escala integrados a un espacio segmentado en recuadros, diferenciados por colores, tramas y texturas, haciendo de la materia y el color su lenguaje expresivo, insertando a sus personajes en determinados contextos próximos a la abstracción informal. 

Darwin García (retrato de Rosa Salazar)

En escultura, Rosa Salazar crea personajes espigados, delgados, que conforman grupos ‘familiares’, razón por la que cada uno varía de altura según la edad. Dos elementos exacerban la fuerte expresividad de sus piezas: la sensación de precariedad, debido a la extrema delgadez de los personajes como los materiales utilizados: papeles atados con pabilo y alambre, tratados con resina y pigmentos, que acentúan esta sensación de pobreza. El resultado asombra por la desgarrada visión, casi fantasmal, de su condición humana. 

Michelle Brito (retrato de Roberto Notarfrancesco)
Reinaldo Crespo (retrato de Eduardo Bárcenas)

José Vívenes (autorretrato)

Las cabezas tienen interés particular en la iconografía expresionista en las obras de Pizzani, Villafañe, Bárcenas, Notarfrancesco, Vívenes y Azuaje. Si bien sus pinturas expresan fehacientemente aspectos relacionados con la condición humana, Roberto Notarfrancesco muestra cabezas de los llamados Solipsi Rai, seres pertenecientes al grupo de Orión, de apariencia similar a la humana. Cuatro cabezas guerreras, que sugieren la contextura física de estos seres extraterrestres. Eduardo Bárcenas, invisibiliza la angustia y el grito contenidos a través de un gestualismo de atmósferas blancas para realizar rostros macizos, sólidos, de cuya piel se delata una acumulación de palabras o ideas. Contenidos diversos, en diferentes idiomas, que se integran bajo la piel pictóricamente. En este proceso, de carácter más psicológico y antropológico, se distingue el monocromatismo así como la fuerte expresividad de estos rostros. 
Renato Donzelli (retrato de Eduardo Azuaje)

La tensión política en el país agudiza el sentido crítico y cuestionador en la pintura de José Vívenes. La figura humana, su gestualidad, las veladuras, los ocultamientos de rostros o exacerbación de sus rasgos fisionómicos aluden directamente al drama del venezolano. El mal social transforma al hombre en un individuo con carencias, aislado, torturado o destruido. Eduardo Azuaje tampoco se sustrae de esta percepción de la realidad. Sus pinturas aluden con furia a personajes responsables de la violencia, la injusticia y el descalabro del país. Las cabezas hechas con huesos de diversos animales sugieren, en medio de este tejido, a rostros humanos. Hablan de muerte. Atrás quedó el arte como objeto de contemplación para ahora centrarse en una obra crítica y cuestionadora. Es la expresión de la rabia, el desgarramiento y las diversas caras del horror.

Expresionismos resume las diversas posturas que este grupo de artistas asume con respecto a la naturaleza de su oficio. El arte es expresión y, en estos casos, es comunicación. La emocionalidad que impulsa a cada artista a crear es una experiencia personal que arropa en su vorágine también a los demás. Es una forma de develar de verdades y, definitivamente, es también un acto de re-conocimiento.

EXPRESIONISMOS. Lugar: Sala William Werner, Centro de Artes Integradas (CAI). Entrada izquierda Univ. Metropolitana. Terrazas del Ávila. Inauguración: Domingo, 29 de mayo de 2016. Horario: 12:00 m. a 3:30 p.m. 

 

Julio Pacheco Rivas, El Color del Cristal

Centro Cultural BOD


Julio Pacheco Rivas, El Color del Cristal, Centro Cultural BOD

En el marco de la celebración del 25 aniversario del Centro Cultural B.O.D., el artista abre las puertas de su primera individual en la Sala de Exposiciones del recinto. Neoglifos, relieves y animaciones conforman la muestra que suma un total de 25 piezas. 

En la inauguración se devela la obra Lo que está a la vista, un mural de alto contraste, de 4.45m de alto x 5.80m de ancho, una intervención que le tomó al artista seis días de elaboración. Conceptualmente, el proyecto está inspirado en la transparencia. La curaduría es de Susana Benko 50 años de trayectoria respaldan el trabajo de Julio Pacheco Rivas (Caracas, 25 de julio de 1953), quien ha desarrollado proyectos plásticos y escultóricos en torno al tema del espacio y la perspectiva. En esta oportunidad, el artista abre las puertas de su primera individual en la Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D.: El color del cristal. 

Conceptualmente, la muestra está inspirada en la transparencia y los objetos en transición. La exposición se inaugura en el marco del 25 aniversario del Centro Cultural B.O.D. “Era un anhelo desde hace tiempo que yo tenía el presentar mi trabajo acá en la Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D”, comenta el artista. “La situación de los museos en este país está difícil y esta muestra, justamente, tiene una escala museística. De manera que me parece importante haber conseguido este apoyo. 

Julio Pacheco Rivas, El Color del Cristal, Centro Cultural BOD

Julio Pacheco Rivas, El Color del Cristal, Centro Cultural BOD

Siempre es un reto presentar una obra que no es necesariamente comercial sino donde lo importante son los planteamientos, que en una galería es difícil de concebir. Por ello, estos espacios dan esa posibilidad de volarse los sesos, de darle rienda suelta a la creatividad. Quería presentar un proyecto a gran escala. Creo que la muestra es variada, no es una repetición de una cosa, es el mismo lenguaje dialogado con diferentes aproximaciones”. 

Los Neoglifos dan inicio al recorrido de El color del cristal. En palabras del autor: “Se trata de un conjunto de obras que proponen al público darles una lectura como si se tratara de ideogramas. Estos neoglifos plantean esas cosas que están en tránsito, porque pueden ser interpretados de una manera o de otra, según el hemisferio del cerebro que los capte. Son isometrías, imágenes silueteadas y uno no sabe qué está adelante y qué atrás. De modo que el cerebro se encarga de codificarlos. Un día puedes verlos de una forma y al día siguiente de otra. Esto en concordancia con el título de la muestra”, prosigue el autor. Los Relieves, igualmente, responden a la propuesta conceptual de El color del cristal con focos que señalan ubicaciones específicas dentro de cada obra. “Hay unos de estructura simples: figura sobre fondo, y otros que tienen una suerte de puntos focales, específicamente rectángulos de MDF (fibra de madera) y semejan una transparencia que en realidad no existe; es decir, está representada por cuerpos opacos que juegan el rol de cristales”, explica Pacheco Rivas. 

Se suman a la muestra formas derivadas de los relieves, de contextura más gruesa y que no están sobre un soporte sino directamente sobre las paredes de la Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D. Completan el recorrido las Animaciones, instalaciones en video fungiendo de leit motiv de la exhibición. “En esta exposición vuelvo al color, porque había estado trabajando prácticamente en blanco y negro, pero siempre con el leit motive de mi obra que es la representación, de los espacios y la evidencia de la misma. Yo hago un trabajo a través de la perspectiva para crear esa sensación de profundidad espacial”, agrega. El plato fuerte de la muestra se titula Lo que está a la vista, un mural de 4.45 metros de alto por 5.80 de ancho. “Esta intervención va acompañada por marginalias: grafitos en la pared, dibujos a lápiz casi invisibles que representan los apuntes de la obra. 

Se trata de un mural de alto contraste con un lenguaje más fotográfico que plástico. Se da en él una exageración de las sombras y de la luz. No hay líneas sino encuentros entre luces y sombras que producen la ilusión de que existe ese espacio”. La curaduría de la muestra es de Susana Benko, con quien el artista destaca haber realizado un buen trabajo en equipo. “Generalmente cuando uno tiene un proyecto por delante se producen esas pequeñas revoluciones, que estando uno en sus rutinas de artista no se dan tan de una manera tan evidente. Este montaje nos tomó 10 días completarlo. 

Ha sido un trabajo en equipo bonito y ha habido una buena química entre la curadora y el equipo de la Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D. 

Coordenadas Exposición: El color del cristal Artista: Julio Pacheco Rivas Lugar: Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D. Horario: De martes a jueves, de 11:00am a 5:00pm. Viernes: de 11:00am a 8:00pm. Sábados y domingos, de 11:00am a 6:00pm. Para entrevistas favor contactar a: Pablo Blanco. Asuntos Públicos B.O.D. (0426) 511 14 66. (0212) 952 93 55 y (0212) 953 78 10 pabloblanco3@gmail.com

 

La Cultura del Café 

Exposición de Miguel Triviño y Francisco Marín

Galería de Arte Florida


Hasta al 9 de julio

Texto y Fotografía Gladys Calzadilla


La Cultura del Café, obras de los artistas Miguel Triviño y Francisco Marín Galería de Arte Florida
 
Un objeto se convierte en excusa, se abstrae y humaniza, generando bodegones y paisajes, plenos de significantes que denotan ciudad.
Las cafeteras del artista venezolano Miguel Triviño son protagonistas de un discurso cuyo lenguaje se alimenta tanto del dibujo, como de la pintura donde la línea posee fuerza y se hace presente desde pinceladas que definen en su recorrido la forma, traduciéndose en ocasiones en caligrafía.


Obra de Miguel Triviñoexposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla
Obra de Miguel Triviño exposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla
Metáforas visuales donde la cotidianidad se manifiesta alrededor del ritual del cafecito necesario para aliviar el trajín de la ciudad. Carretillas con termos y la voz del vendedor anunciando ¡café! La greca, el colador, el cafetín con sus manteles estampados, la mesa del hogar con tasitas y aroma a café recién colado, las colas, el caos e incluso en los velorios el café es parte de esta tradición y. todo ello se siente en su trabajo visual. 

Obra de Miguel Triviñoexposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla
Obra de Miguel Triviño exposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla
Obra de Miguel Triviñoexposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla
Obra de Miguel Triviño exposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla

La situación actual no escapa de esta representación en su obra Tu Compañía con grecas vestidas y numeradas, significando las restricciones para adquirir el producto.
Obra de Miguel Triviñoexposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla
Obra de Miguel Triviño exposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla
 En cuanto a sus esculturas son construidas desde piezas planas de hierro que se ordenan en un espacio tridimensional, representando la greca traducida desde el imaginario del autor, personificada y elaborada con placas de hierro recortadas y soldadas, jugando entre espacios llenos de texturas diversas y vacíos que construyen dibujos desde la sombra proyectada.


 Obra de Miguel Triviñoexposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla

El otro protagonista del Binomio Café es Francisco Marín para quién el tomar está aromática bebida es un acto de celebración, por lo tanto se ocupa de representar a quién consume el café. He allí la influencia del entorno del que parte su obra, que es la publicidad en su trabajo como ilustrador.

Obra de Miguel Triviñoexposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla
Obra de Miguel Triviñoexposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla

Apropiándose de las Meninas de Velázquez, reproduciendo constantemente el contorno de dicha figura, varia el fondo valiéndose del collages con partes de ticket y empaques, añadiendo veladuras o descontextualizando elementos que convierte en soporte de la obra como carátulas de discos de colección. 


Obra de Francisco Marín exposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla

Pueden visitar la muestra hasta el 9 de Julio de 2016, en la Galería de Arte Florida, ubicada en la Avenida Don Bosco, Qta. Castillete, urbanización La Florida. El horario de exposición es de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 12:00 m. y de 2:30 a 5:00 p.m.; y los sábados de 9:00 a.m. a 12:00 p.m. La entrada es libre.



“Binomio-Café” es el título de la exposición en la Galería de Arte Florida, en la cual los artistas venezolanos Miguel Triviño y Francisco Marín exhiben un conjunto de obras que giran en torno a la cultura del café.
Miguel Triviño posee más de diez años de trayectoria artística, y ha exhibido su obra en diversos museos y galerías de Venezuela, así como también en Estados Unidos y Japón. Se encuentra representado en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas; Museo de Arte Moderno de Tokio, en Japón; y otras instituciones nacionales e internacionales.
Para esta exposición, presenta una selección de piezas que reflejan su versatilidad en el dibujo, la pintura y la escultura, en cuyo proceso creativo maneja formas que se adentran en la neurolingüística y utiliza más allá de lo formal, signos, claves, confesiones y murmullos, según afirma en el catálogo de la muestra el crítico Carlos Maldonado-Bourgoin (miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte AICA, Capítulo Venezuela).
A juicio de Maldonado, el artista maneja el sentido del bodegón, la horizontalidad del paisaje, y lo transfigura en otra cosa; “cita la cafeína y sugiere una pintura de alcoba; expresa a través de cafeteras, grecas, asas, coladores, pequeñas historias familiares y colectivas; cuenta del trajín de la ciudad sin representarlo. Simboliza la carretilla que porta el aromático café en termos para la venta en las colas diarias de ida al trabajo y de vuelta a casa, el cafecito en el negocio o servido en la modesta mesa familiar. Se sirve de grafías, de tipos y de grecas representadas en dibujos ejecutados con gran destreza”.
De igual forma asegura que Triviño cita precedentes artísticos pero no los copia, como es el caso de la serie las Cafeteras de Alejandro Otero y del magistral lienzo Las Meninas de Diego Velásquez.
Francisco Marín, por su parte, abarca el espacio social y psicológico alrededor del ritual del tomar café y de sentarse en torno a una mesa en actitud de celebración, sin ocuparse del objeto vinculado al producto.
Tal y como lo señala el crítico Carlos Maldonado, Francisco Marín produce en su trabajo más reciente y apoyado en la investigación, su propia serie de Las Meninas, con algo de Warhol, pero más sutil y sugerente antes que impactante. “Al cambiar forma y fondo a la misma figura, Francisco Marín remueve y suscita presencias y estados emocionales. Todo por medio de transparencias, veladuras, texturas, el empleo del collages y la escogencia de soportes plásticos cargados de significación como carátulas de discos de colección”.
Salido del mundo de la ilustración y de la publicidad, Francisco Marín se inició en las artes plásticas hace dos décadas y desde entonces ha expuesto su trabajo de manera individual y colectiva en diversas galerías y museos del país. Entre los reconocimientos que ha recibido figuran Mención especial con la obra “Paraíso”, Gente de Petróleo PDVSA; Mención especial con la obra “En Venezuela hay de todo”, Colectiva de Dibujo y Pintura Faber-Castell Venezuela, Galería de Arte Nacional de Caracas, entre otros.
El público tendrá la oportunidad de apreciar la obra de estos dos artistas en la exposición “Binomio-Café” que se estará exhibiendo del 22 de mayo al 9 de julio.

Exposición Fotográfica “De lo divino a lo profano”

En Fundación Celarg a partir del sábado 21 de mayo de 2016


 
(Prensa Celarg, 16/5/2016). La exposición "De lo divino a lo profano" que se inaugurará en la Sala NG de la Fundación Celarg, el sábado 21 de mayo de 2016, a partir de las 4:00 p.m., mostrará una selección fotográfica de trece participantes egresados de los cursos de “Introducción en la construcción de la imagen fotográfica digital y sus ámbitos semióticos”, facilitados por el profesor Pedro Mujica, durante el año 2015.



Se trata de una muestra de fotografías de formato 8x10 presentadas por trece participantes que culminaron exitosamente los procesos formativos emprendidos el año pasado, en compañía del profesor Pedro Mujica, quien sostiene que “la exposición tiene como objetivo mostrar el logro de los objetivos del taller y la diversidad de visiones fotográficas y humanas de sus participantes. Abarca diferentes tópicos que van desde lo religioso, culturas diversas, temas urbanos, cáncer y sexualidad, entre otros”.



Añade el facilitador que “igualmente resaltamos que esta exposición servirá para mostrar además resultados tangibles del esfuerzo que llevó a cabo la Fundación Celarg al abrir sus espacios para la formación de nuevos talentos y una nueva visión fotográfica humanista”.



Por su parte, Carolina Riobueno, participante del taller comenta sobre el título que dieron a la exposición lo siguiente: “Lo sagrado y lo profano forman un binomio antagónico en las profundidades del corazón humano, en la naturaleza falible, relativa y condicionada de nuestro ser. Podemos considerar lo humano circunstancialmente antitético de lo divino desde nuestro génesis. Hay algo que ata, amarra, atrae lo humano hacia lo divino y eso es lo sagrado, que se convierte en un puente entre la divinidad y la humanidad. Y así lo profano se presenta como antítesis necesaria de lo sagrado”.

 Muestra Individual Frágil del Maestro

 Víctor Hugo Irazábal

Sala Magis de Arte Contemporáneo de la Universidad Católica Andrés Bello_UCAB

Inaugura HOY 12/05/16 a las 11 am

Equilibrio, potente y sutil, de la naturaleza
Texto curatorial de Valdivieso, la muestra de Víctor Hugo Irazábal se impone como “un ecosistema plástico hecho in situ”, donde “la naturaleza y el ser humano se deben, sin remedio, una al otro”.

La fértil fragilidad de Víctor Hugo Irazábal

@mariagfernandez

mas información

 

Exposición “Color en tres” de las artistas Elizabeth Cemborain, Marylee Coll y Lourdes Peñaranda

Curaduría de Susana Benko

Hasta el Domingo, 12 de Junio de 2016.

La Caja 2 del CCCH-Centro Cultural Chacao

Texto y fotografía Gladys Calzadilla



La imagen de la acumulación de guacales vacíos con colores patrios de la artista Lourdes Peñaranda recibe al visitante de la muestra en la sala. En otro espacio de la sala ubicamos el mural elaborado con cintas de colores diversos por la artista Marylee Coll, que se relaciona con tejidos ancestrales. Al continuar el recorrido la artista Elizabeth Cemborain presenta una pantalla con imágenes en movimiento tomadas en la calle principal de Santa Lucía, en Maracaibo, estado Zulia, en Venezuela. Esta imagen en su metamorfosis se difumina y pixela, para finalmente convertirse en barras de colores que varían constantemente en su composición y en la ubicación del color, que se hace físico. 
En sala la integración armónica del color en interacción con espacios para ser transitados desde la instalación permite al visitante disfrutar de las propuestas de estas tres artistas: Elizabeth Cemborain, Marylee Coll y Lourdes Peñaranda. 
El hilo conductor de estas propuestas, planteado por la curadora de la muestra Susana Benko es el color que suscita emociones apoyando contenidos de significación social.
Esta exposición “Color en Tres” deja en el espectador un proceso reflexivo, con respecto a las posibilidades que brinda el arte actual como espacio de expresión. 
 
Exposición “Color en tres” en la foto obras de Marylee Coll "Colorama"
y Lourdes Peñaranda Venezuela sin título, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía 1 y 2, y Lourdes Peñaranda Venezuela sin título, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía 1 y 2,
y Lourdes Peñaranda Venezuela sin título, Fotografía Gladys Calzadilla



En esta ocasión Elizabeth Cemborain con Santa Lucia transforma las imágenes captadas en video, en el recorrido en la calle principal del barrio de Santa Lucía. En otras de naturaleza imprecisa, para posteriormente hacer uso de composiciones geométricas en movimiento. Esta propuesta se traduce en instalación en el momento que involucra la gráfica en paneles impresos con tinta ecosolvente que describen una composición abstracta geométrica. 
Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía, Fotografía Gladys Calzadilla


Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía, 

Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía, 

Fotografía Gladys Calzadilla
Marylee Coll dispone cintas de colores diversos de nylon y realiza de forma ritualista su disposición sobre el soporte, en este caso un muro, rememorando los tejidos indígenas al hacer tramas cruzadas en parte de la composición en la obra Colorama .
 
Exposición “Color en tres” en la imagen obra Colorama de Marylee Coll, Fotografía Gladys Calzadilla
Exposición “Color en tres” en la imagen fragmento de la obra Colorama de Marylee Coll,
Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición “Color en tres” en la imagen obra Colorama de Marylee Coll, Fotografía Gladys Calzadilla
Exposición “Color en tres” en la imagen obra "Colorama" de Marylee Coll,
Fotografía Gladys Calzadilla
Para Lourdes Peñaranda la observación del entorno en el recorrido por espacios cotidianos y las posibilidades que brinda el tomar objetos cuya función es disponer en su interior alimentos y colocarlos en sala con significado simbólico, acumulado, vacío y descontextualizado relacionado con el hecho social. Esta propuesta define una posición clara frente a la situación socio-económica actual.
Exposición “Color en tres” en la foto fragmento de la obra de
Lourdes Peñaranda Venezuela sin título, Fotografía Gladys Calzadilla

Exposición “Color en tres” de las artistas Elizabeth Cemborain, Marylee Coll   y Lourdes Peñaranda, Fotografía Gladys Calzadilla
Exposición “Color en tres” en la foto obras de Marylee Coll "Colorama"
y Lourdes Peñaranda Venezuela sin título, Fotografía Gladys Calzadilla

“Color en tres” se presenta en paralelo con la exposición “Efímeras”, la más reciente investigación del maestro Carlos Cruz-Diez, ubicada en La Caja 1 del CCCH. Así que con la visita de una exposición, es posible acercarse a la otra.
Pueden visitar hasta el 5 de junio en La Caja 2 del CCCH, ubicado en la avenida Tamanaco de El Rosal. Los horarios son de martes a sábado de 1:00 a 7:00 pm y domingos de 11:00 am a 5:00 pm. Hay estacionamiento en el Centro Lido y en el Centro Galipán.
Información sobre la trayectoria de las artistas presentadas en esta Exposición:
Elizabeth Cemborain
Caracas (1959). Artista visual y arquitecto (UCV, 1982); Arte Puro (Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas, 1994); Taller de Dirección de Arte y Comunicación Visual I (Metacarpo Producciones, Gran Cine, 2009). Desde 1994 ha realizado varias muestras individuales en Caracas y Maracaibo, y ha expuesto en numerosas muestras colectivas. Ha sido merecedora de varias distinciones en arquitectura (Sofía, Bulgaria, 1987 y 1988) y fotografía (Caracas, 2006). Sus últimas muestras individuales las realizó en GBG Arts, Caracas (2011) y en Viloria Blanco Galería, Maracaibo (2015).
Marylee Coll
Caracas (1957). Arte en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas, Caracas, (1985); en Students Art League, Nueva York, (1986); y en la Accademia di Belli Arti di Brera, Milano, (1988). Ha realizado importantes muestras individuales en Venezuela y Colombia. Ha participado en varias exposiciones colectivas con importantes reconocimientos como el Premio Harinjs Liepins, 58 Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia (2000). Sus más recientes exposiciones individuales fueron Plástica, Galería La Cuadra, Caracas (2009) e Inanimados, El Anexo | Arte Contemporáneo, Caracas (2013).
Lourdes Peñaranda
Maracaibo (1964). Artista visual y arquitecto (LUZ, 1990); Magister en Arquitectura del Paisaje (Rhode Island School of Design, USA, 1993);  Magister y Doctora en Arquitectura, 1999 y 2011 respectivamente (Universidad Politécnica de Cataluña). Ha realizado numerosas muestras individuales y participado en diversas colectivas nacionales e internacionales. Participó en el programa del Global Institute en la 7th Gwangju Biennale en Korea. Recibió la Orden al Mérito Artístico (LUZ) y el Premio del Público Picglaze Photo Contest 2013, Madrid. Participó en el Art Incubator (Singapore, 2014). Actualmente es Presidenta del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia.
Carlos Cruz Diez
Artista franco-venezolano, Carlos Cruz-Diez (Caracas, 1923) vive y trabaja en París desde 1960. Es uno de los protagonistas más relevantes del arte óptico y cinético, corriente artística que reivindica “la toma de conciencia de la inestabilidad de lo real”. Sus investigaciones lo revelan como uno de los pensadores del color del siglo XX.
El discurso plástico de Carlos Cruz-Diez gravita alrededor del fenómeno cromático concebido como una realidad autónoma que evoluciona en el espacio y en el tiempo, sin ayuda de la forma ni del soporte, en un presente continuo.
Las obras de Carlos Cruz-Diez se encuentran en prestigiosas colecciones permanentes como las del:
Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York
Tate Modern, Londres
Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris
Centre Pompidou, París
Museum of Fine Arts, Houston
Wallraf-Richartz Museum, Colonia
En mis obras, el color aparece y desaparece en el transcurso del diálogo que se genera con el espacio y el tiempo real. Simultáneamente, aparece de forma incuestionable el hecho de que la información adquirida, así como los conocimientos memorizados en el transcurso de nuestra experiencia vital, no son, probablemente, ciertos… al menos parcialmente.
Es posible, además, que gracias al color, abordado a través de una “visión elemental” desprovista de significaciones preestablecidas, podamos despertar otros mecanismos de aprehensiones sensibles más sutiles y complejos que los impuestos por el condicionamiento cultural y la información masiva de las sociedades contemporáneas
Carlos Cruz-Diez en Reflexión sobre el color, Madrid: Fundación Juan March, 2009 [ed. or. 1989] http://www.cruz-diez.com/es/biografia/









Pido, Prometo y Pago

Muestra Individual
Fotografía Documental de Jorge Luis Santos

Galería Tresy3 de Las Mercedes.

Texto Gladys Calzadilla

Charla sobre el Proceso de Creación de Pido, Prometo y Pago   Fotografías Gladys Calzadilla
Charla sobre el Proceso de Creación de Pido, Prometo y Pago 
Fotografía Gladys Calzadilla


Charla sobre el Proceso de Creación de Pido, Prometo y Pago   Fotografías Gladys Calzadilla
Charla sobre el Proceso de Creación de Pido, Prometo y Pago 
Fotografía Gladys Calzadilla

"no se puede fotografiar lo que uno no es". Jorge Luis Santos

Jorge Luis Santos exhibe documentos gráficos de las tradiciones vinculadas con penitencias que se imponen los protagonistas de las imágenes para expiar culpas, solicitar perdón o agradecer milagros. 
Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos

Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos

Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos

El dolor, la penitencia, la devoción, la fe, la alegría, gestos dibujados con luz en blanco y negro entre 2009 y 2016 con ojo de experto. Un trabajo de investigación revelado en 4.000 fotografías captadas en localidades como: Villa de Cura, estado Aragua; Tinaquillo, estado Cojedes; Chacao, estado Miranda y Caracas, Distrito Capital. Permite hacer la propuesta, no sólo para esta exposición, sino a futuro la publicación de un tercer libro cuyo nombre coincide con la muestra Pido, Prometo y Pago.

Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos

Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos
Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos

Dedica la muestra a Luis Brito, cuenta que la idea de la serie surgió luego de ver el trabajo de un colega brasileño sobre “Los penitentes”. En Caracas, el fotógrafo captó el fervor de las procesiones de Semana Santa. En el interior de Venezuela reconoce otras formas de penitencia. 
Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos

“Conseguí grupos de hombres y mujeres que se arrastran por horas sobre el asfalto de las calles, bajo un sol inclemente, descalzos y atados de manos”.
La museografía realizada por el artista, arquitecto y curador Alberto Asprino crea in situ una dinámica grandilocuente, que describe claramente el discurso planteado y sensibiliza al espectador.
El fotógrafo argentino Eduardo Segura afirma sobre esta serie que "es un disparo atómico y doloroso al plexo solar, oscuramente trabajado, oscuramente iluminado, oscuramente sentido".

Jorge Luis Santos enfoca su investigación en la penitencia y la fe descrita por medio de la fotografía documental, cuya temática se vincula con tradiciones populares relacionadas con la conmemoración de fiestas cristianas.
Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos http://www.jorgesantos.com.ve/
Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos
En relación a su trayectoria ha realizado Jorge Luis Santos, fotógrafo venezolano, ha realizado18 exposiciones nacionales, 4 internacionales y ha participado en 101 exposiciones colectivas.

Galería Tresy3, Las Mercedes. Muestra Pido, Prometo y Pago   de Jorge Luis Santos  Fotografía Gladys Calzadilla
Galería Tresy3, Las Mercedes. Muestra Pido, Prometo y Pago 
de Jorge Luis Santos
Fotografía Gladys Calzadilla

Jorge Luis Santos García, muestra en la Galería Tresy3 de Las Mercedes la serie Pido, prometo y pago, integrada por 30 imágenes en blanco y negro tomadas en los últimos siete años. Unas fotos corresponden a Chacao; otras a Santa Teresa (en Caracas); unas más, a Tinaquillo (estado Cojedes) y algunas a Villa de Cura (Aragua), representación sentida de la relación humana con la devoción.

  

Relatos Cómplices de Liliana Porter y Ana Tiscornia

BEATRIZ GIL galería

jueves 19 de mayo a partir de las 4:00 pm. a un encuentro con Ruth Auerbach

Clausura domingo 22 de mayo a partir de las 11:00 am.

En el marco de la semana de cierre de la muestra Relatos Cómplices de Liliana Porter y Ana Tiscornia, los invitamos a nuestra galería este jueves 19 de mayo a partir de las 4:00 pm. a un encuentro con Ruth Auerbach, curadora de la exposición, con quien tendrán la oportunidad de charlar sobre el interesante trabajo de las artistas expuestas. De igual manera los invitamos al cierre de la misma que se realizará el día domingo 22 de mayo a partir de las 11:00 am.

 

Propuestas artísticas de Liliana Porter y Ana Tiscornia

dialogan en BEATRIZ GIL galería





Una exposición en la que conviven las obras de dos importantes artistas contemporáneas – Liliana Porter (Argentina) y Ana Tiscornia (Uruguay) – será inaugurada bajo el título “Relatos cómplices”, el domingo 3 de abril a las 11:00 a.m. en la galería Beatriz Gil, bajo la curaduría de Ruth Auerbach.



La muestra, que permanecerá en exhibición hasta el domingo 15 de mayo, ofrece la oportunidad de apreciar en nuestro país la obra individual inédita de estas creadoras de gran proyección internacional, residenciadas en Nueva York, así como un conjunto de trabajos desarrollados por ellas a cuatro manos.

Después de largo tiempo, Venezuela recibe nuevamente a Liliana Porter quien, desde 1969, expusiera su obra en los espacios del Museo de Bellas Artes de Caracas; Ana Tiscornia tenemos el placer de recibirla por vez primera en nuestro país.



La selección individual de Lilana Porter la conforman una serie de ingeniosas y singulares obras –entre pinturas y dibujos, fotografías e instalaciones de objetos tridimensionales– en las que la artista “se apropia de un repertorio de objetos e imágenes provenientes tanto de la cultura popular como de la historia del arte, para configurar un universo personal de fragmentos y de memorias que, a la vez, enuncian el desarrollo de las ideas que le urge expresar”, según señala la curadora Ruth Auerbach en el texto que acompaña la muestra.



“Mediante su agudo sentido del humor y el manejo de una sofisticada ironía  especula en esa otra verdad,  en esa presencia o apariencia inquietante de sus objetos, más cercana a la ficción, a la poesía y a lo absurdo. Asimismo, en la construcción del espacio representado, las figuras idealizadas de juguetes y  personajes que colecciona y clasifica por géneros, operan como actores sustitutos de lo real, creando así un sentido distorsionado de la identidad que subraya, implícitamente, lo vulnerable de la condición humana”, escribe Auerbach.



Por su parte, Ana Tiscornia “apela al vocabulario de la arquitectura y al rigor de su formación intelectual para avanzar una reflexión crítica sobre la problemática incierta del espacio habitado y las profundas contradicciones surgidas entre la voluntad de construir y el despropósito de la destrucción”, según explica la curadora.



Fundamentada en  el uso de una geometría rigurosa y flexible a la vez, que se desarrolla a partir de la manipulación e intervención de diversos materiales, Ana presenta en su propuesta individual, una singular serie de estructuras que recrean una arquitectura que no es tal, “un diseño que se materializa mediante el ensamblaje de tiras de cartón y el collage de diversos elementos desechados (…) como recurso formal que opera en la deconstrucción y progresiva  reinvención de los espacios habitables, percibidos como entidades metafóricas”.



Complicidad a cuatro manos



La exposición “Relatos cómplices” incluye además un conjunto de obras realizadas a cuatro manos por Liliana Porter y Ana Tiscornia, donde dialogan los discursos de cada una de las creadoras, en un proceso de colaboración desarrollado desde el taller que comparten y el arte público creado en asociación. “Un trabajo en el cual la conciencia del impulso colaborativo  plantea otras interrogantes y aporta inéditos relatos, dando paso a otra narrativa independiente”, afirma Ruth Auerbach.



En estas obras, las pequeñas figuras y juguetes de expresivos rasgos que identifican la propuesta de Liliana, intervienen con su mínima presencia las frágiles estructuras o destrucciones de Ana, en una yuxtaposición de ideas que se complementan o se contradicen. De acuerdo a la curadora, el espacio de representación de Ana, proveniente del lenguaje arquitectónico, se presenta aquí como un espacio real y específico interrumpido por el advenimiento de la catástrofe, mientras que el de Liliana señala un entorno amplio y etéreo en el cual las figuras se aíslan y descontextualizan. “El espacio se revierte en un escenario si se quiere ficcional, en el que las figuras nuevamente requieren de un argumento dramático para narrar una nueva historia”.



Con una amplia y reconocida trayectoria, Liliana Porter (Buenos Aires, 1941) ha expuesto individualmente en el Museum of Modern Art (MOMA) de Nueva York, en los Museos de Bellas Artes de Caracas y Santiago de Chile, en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá, en el Museo Nacional de Artes Plásticas de Montevideo, en el Bronx Museum for the Arts de New York, Museo de Bellas Artes Juan Manuel Blanes de Montevideo, así como en muchas otras salas y galerías de Italia, España, Estados Unidos, Argentina, y Puerto Rico, entre otros países. Asimismo sus obras están representadas en numerosas colecciones públicas y privadas, entre ellas: TATE Modern Collection, Londres, Reino Unido; Museum of Modern Art, Nueva York; Whitney Museum of American Art, Nueva York; Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina; Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela; Philadelphia Museum of Art; La Biblioteque Nationale, París, Francia; La Biblioteca Pública de Nueva York; Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina; Museo de Bellas Artes, Santiago, Chile; Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia; Blanton Museum, Austin, TX; Museo del Barrio, Nueva York; Metropolitan Museum of Art, Nueva York; Smithsonian American Art Museum, Washington DC; El Museo del Bronx de las Artes, Nueva York; Museo Tamayo, México D.F .; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España; Daros Collection Zúrich, Suiza; Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires; Museo de Brooklyn, Nueva York.



Ana Tiscornia (Montevideo, 1951) ha exhibido su obra de manera individual en el Museo José Gurvich de Uruguay (2013); Nora  Fisch  Galería  en  Buenos  Aires, Josee  Bienvenu  Gallery  en Nueva Cork, Alejandra Von Hartz Gallery en Miami, ARCO 09 en Madrid, Allegra Ravizza Art Project en Milan, entre otras. Igualmente ha participado en muestras colectivas en Estados Unidos, Costa Rica, Argentina, Uruguay, Cuba, Perú y Colombia. Sus obras están representadas en numerosas colecciones públicas y privadas, entre ellas: Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo; Museo Municipal de Bellas Artes, Juan Manuel Blanes Montevideo; Museo de San Juan, Argentina; Museo de la Memoria, Montevideo; Museum of North Dakota, EE.UU.; The Illinois Holocaust Museum and Education Center, Chicago, EE.UU.; Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago, Jorge Perez, Miami, EE.UU.; Colección Sayago y Pardon, Los Angeles, EE.UU.; Colección Benetton, Italia.



La obra de estas dos importantes creadoras se estará exhibiendo del 3 de abril al  15 de mayo en BEATRIZ GIL galería, ubicada en la Calle California con Calle Jalisco, en Las Mercedes; en horario de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.
en la Galería de Arte Florida, ubicada en la Avenida Don Bosco, Qta. Castillete, urbanización La Florida. El horario de exposición es de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 12:00 m. y de 2:30 a 5:00 p.m.; y los sábados de 9:00 a.m. a 12:00 p.m. La entrada es libre
Silencios Luminosos

Selección de Obras de Víctor Valera en la Galería de Arte Ascaso

Marzo 2016

Fotografía Gladys Calzadilla
Silencios Luminosos de Victor Varela, Fotografía Gladys Calzadilla

Fotografía Gladys Calzadilla
Desde el silencio presenta sus reflexiones grandilocuentes. Víctor Valera desarrolla un lenguaje personal que denota investigación y perseverancia en un despliegue de posibilidades de creación sumergidas en la abstracción y en el arte óptico. Se ausenta físicamente un cinco de marzo del 2013, consciente de su partida prepara esta muestra que indiscutiblemente lo hace presente y vigente.
Fotografía Gladys Calzadilla


Fotografía Gladys CalzadillaFotografía Gladys Calzadilla

Cada creación  respira colores intensos y formas que se complementan con lo virtual, lo que la extiende en el espacio real. Pinturas murales, collages tridimensionales y ensamblajes que describen con vehemencia el proceso creativo del artista. La geometría modular, vivida, lúdica y lírica se despliega con toda su gracia transfigurándose en sensaciones vibrantes. Esta muestra destaca las posibilidades que con materiales diversos describen su planteamiento, legado de su percepción visual.
 
     Silencios Luminosos de Victor Varela, Fotografía Gladys Calzadilla
El recorrido de la línea entre los planos de colores que se activan ante la mirada del espectador en las tres salas de la Galería de Arte Ascaso. Abren mundos de estructuras donde la diversidad de opciones compositivas, el movimiento, el uso atrevido del color en combinaciones asertivas e inesperadas, invitan al análisis y el disfrute constante. El espectador se involucra, y se estremece ante elementos que lo envuelven y descontextualizan en un reto constante.

Silencios Luminosos de Victor Varela, Fotografía Gladys Calzadilla
 
Hombre romántico, sensible y duro crítico consigo mismo, quien logra con dos honoris causa, el reconocimiento social a la labor constante y visionaria en las artes. Cada paso alcanzado demuestra su talento y capacidad de decisión. Su asertividad lo lleva de una niñez de restricciones pero llena de vivencias que describe como mágicas al mundo militar y es el político venezolano  Wolfgang Larrazábal quien le da la oportunidad de ampliar su formación en las artes visuales, desde 1950 dedica parte de su tiempo a la Marina y a su formación en la Escuela de Artes Plásticas en Caracas y luego en Maracaibo, su tierra natal, donde tiene la oportunidad de conocer y compartir sus procesos creativos con Jesús Soto quien fungía como director de la Escuela de Artes Julio Árraga. Soto le apoya con un préstamo para pagar su viaje a París, lugar en el que tuvo que trabajar para costear sus gastos, alcanzando una experiencia que enriquece definitivamente su propuesta plástica al hacerse presente en los talleres de arte Jean Dewasne y Víctor Vasarely así como en el de Fernand Léger.
 
Al regresar a Venezuela, por la disminución de capacidades físicas de su madre, lo hace en plena dictadura. Su visión lo impulsa a escoger el hierro como material escultórico y como tendencia elige el arte moderno, lo que lo catapulta como artista. En 1955 participa en el Proyecto de Integración de las Artes del arquitecto Carlos Raúl Villanueva de la Ciudad Universitaria de Caracas. De allí comienza a participar en exposiciones nacionales e internacionales, alcanzando innumerables premios y reconocimientos Premio Nacional de Escultura, Primer Premio de Escultura Salón D´Empaire, Primer Premio de Escultura, Premio I Salón de Arte Abstracto. De 1961 y 1962 data su primera exposición individual Pintura y Escultura en el Colegio de Ingenieros, participa en el I y II Salón Arturo Michelena de Valencia. Seis años después viaja a Estados Unidos invitado por ese gobierno para recorrer numerosos museos y talleres. En 1982 es presentada la obra Desplazamiento Perforado, que integraría el espacio exterior de la estación Parque del Este (hoy Miranda) del Metro de Caracas. Se trata de tres círculos instalados en monolitos de concreto que dialogan con el paisaje caraqueño. En los años más recientes su obra ha sido expuesta en varias ocasiones: Recorrido inverso al instinto (2005), Módulos y cuadrantes (2006), Entre líneas, módulos y cuadrados (2007-2008) y Punto y línea (2011). Entre 2002 y 2009 se le otorgó el título Doctor Honoris Causa por la Universidad Católica Cecilio Acosta, Maracaibo, y el mismo título por la Universidad Central de Venezuela.
 
Ejemplo de tenacidad y talento desplegado durante sesenta años de labor ininterrumpida. Logra un nuevo reconocimiento con esta muestra, desde la reflexión sobre su obra y legado seleccionando aquello que en su trayectoria lo mantiene en el latido del corazón de las artes plásticas. Hasta siempre maestro Víctor Valera.
Gladys Calzadilla

Piel de Selva

Etnia Ye`Kwana

Curaduría de Mariapia Bevilacqua y Ariel Jiménez

Sala Mendoza

Domingo 17 de abril, a las 11:00 am.





La Sala Mendoza continúa su programación expositiva. En Sala Principal tendremos la muestra Piel de Selva, bajo la curaduría de Mariapia Bevilacqua y Ariel Jiménez. Esta muestra reúne una amplia selección de piezas de diversa naturaleza realizadas por la etnia Ye`Kwana, para así acceder a la fuerza simbólica del mito, los saberes ancestrales, la concepción del universo y las nuevas formas de hacer de esta cultura desde la apreciación artística.
Así mismo, se presentará una selección de fotografías de Bárbara Brändli y Mariapia Bevilacqua, quienes retratan en dos tiempos, la cotidianidad de este grupo indígena. 
Piel de selva fue inaugurada en la Sala Mendoza de la Universidad Metropolitana, en su aniversario número sesenta. Su clausura será el 2 de julio.
Esta revisión del mundo de los yekuana agrupa manifestaciones como la cestería, la talla en madera, instrumentos de uso cotidiano, elementos ornamentales –como plumarios– y armas rituales. Son más de cien piezas pertenecientes a la Colección Acoana y la Colección Carolina y Fernando Eseverri. Objetos e imágenes tomadas, en la zona del río Caura y en el Alto Orinoco por la fotógrafa de origen suizo Bárbara Brändli desde 1964 hasta 1968 y por Bevilacqua desde 2003.
De esta manera se genera un coloquio visual sobre las transformaciones culturales que ha vivido la comunidad indígena ¿Cómo los objetos artesanales y domésticos pasaron de ser elaborados por los hombres, por la necesidad de buscar medios de subsistencia económica, a ser creados por las mujeres, quienes tomaron parte de la simbología masculina y le dieron otras características.

Como parte de la exposición habrá una serie de conversatorios. Se realizarán entre el 10 y el 19 de mayo en la Sala Mendoza, a las 2:30 pm y con entrada gratuita. El último día se proyectará el filme Dauna, lo que lleva el río de Mario Crespo.
Piel de selvaSala Mendoza, Universidad Metropolitana
Horario: de lunes a sábado, de 8:30 am a 5:00 pm
Entrada libre


Exiliados y Otros palos

Muestra individual de Josefina Núñez


Por su parte, en Librería, se inaugura  Exiliados y Otros palos, muestra individual de Josefina Nuñez en donde el encuentro de dos materiales - el palo santo y la plata dan vida a una serie de objetos-esculturas y objetos-joyas que narran historias de exilio y memoria.
Sala Mendoza
Universidad Metropolitana