domingo, 20 de mayo de 2012

Construyendo la Historia del Arte Actual


Arte Contemporáneo y Arte Actual ¿fusión de tendencias?, ¿posibilidades tecnológicas?, ¿expresión cada vez mas enfacada en la experiencia personal?, ¿reflejarse, ser parte del vacío, desde el sueño mostrarse?
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Fotografía Actual
Estrategias Artísticas Especializándose desde sus Experiencias



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Charlas, Conversaciones y Eventos:

Vigas Condecorado por el Rey Juan Carlos de España

El próximo domingo 17 de junio a las 11 de la mañana, el Gabinete del Dibujo y de la Estampa de Valencia, bajo la curaduría de Bélgica Rodríguez, mostrará setenta años de producción artística a través de la primera muestra antológica de dibujos del maestro valenciano Oswaldo Vigas

“En Oswaldo Vigas. Dibujos (1940-2012), el Gabinete del Dibujo y la Estampa de Valencia, se convierte en escenario de la extraordinaria y prolija producción dibujística del maestro valenciano. En esta exposición tendremos la suerte de presenciar el desarrollo del proceso de consolidación del gesto lineal. En los primeros trabajos del maestro Vigas se observa una maestría innata pero con la timidez propia de un novel dibujante. Una línea jaspeada que se difumina, que se vale de trazos cortos para conformar un rostro o figura, una línea que deliberadamente cambia su intensidad, valores y énfasis. Una línea que se vuelve macha y a su vez claro oscuro, que arropa el fondo del papel hasta mimetizarse con éste. Para la década de los 50 y de ahí en adelante, esa línea se vuelve más segura, se vuelve contenedor y contenido, comienza la distinción diáfana entre figura y fondo. Recreadora de toda expresión, gesto, movimiento, idea o concepto, la línea se vuelve intérprete de este particular punto de vista del maestro, permitiéndonos ver en los dibujos más recientes la decantación, seguridad y consagración del dominio de eso que podríamos llamar el idioma traductor del genio creador, el dibujo”. Así lo expresa la directora de la institución Lizett Álvarez Ayesteran, en el hermoso catálogo que acompaña la exposición.

Sin título (Llegada a Paris, pensando en los murales UCV); 1952. Marcador sobre papel periódico. 19 x 16 cm.
Por su parte, Bélgica Rodríguez, curadora de la muestra expresa que “Oswaldo Vigas ha cabalgado sobre todas las diversas modalidades, materiales y soportes de las artes visuales. Pintura, dibujo, grabado, esmalte, cerámica, tapices, escultura, hablan de ello como sublimes regiones creativas de un hombre siempre inconforme con una sola lámpara encendida. Igual que demiurgo que enciende antorchas para alumbrar caminos que recorre con sensatez, prudencia, talento, trabajo y perseverancia, ha encontrado muchas luces y revelaciones. Adentrándose en cuevas iluminadas por Dioses de la creación, la inocencia de la época formativa fue cambiando hacia la madurez del artista conocedor de alucinantes paisajes figurativos universales, reales e imaginados. Regiones profundas de la mente y el espíritu, enigmáticos espacios entregados al arte y a la vida, él, solícito, dibuja y dibuja en cualquier parte, sobre cualquier soporte. Hace guiños a lo que le rodea, mira a la mujer, al objeto, a las formas que llaman su atención y permanece allí, suspendido en el espacio y en el tiempo justo para hacer lo que vino a ser en este mundo: un artista”.
Oswaldo Vigas. Dibujos (1940-2012)
Del 17 de junio al 26 de agosto de 2012
De lunes a viernes de 9:00 am a 5:00 pm, sábados de 11:00 am a 3:00 pm. y domingos de 11:00 am a 2:00 pm.
Gabinete del Dibujo y de La Estampa de Valencia
Colección Topel-Paez
Urb. Santa Cecilia, Sexta Transversal, #11, Valencia, Venezuela
0241 - 825 21 85 / 0414 437 1971
www.gabinetedeldibujo.com
Fuente: Prensa GDEV

Color Caribe. Colectiva Fotográfica en Munafoto


El Museo Nacional de la Fotografía (Munafoto) presenta a partir del martes 12 de junio la exposición Color Caribe. Desarrollo de un tema cultural, en el Lobby de la Sala Margot Benacerraf de la Universidad Nacional Experimental de las Artes, Plaza Morelos. Este recorrido fotográfico, abierto de lunes a domingo de 10:00 am a 7:00 pm, exhibe el trabajo de: Anareli Agreda, Iván Amaya, Israel Blanco, Violette Bule, Luis Chacín, Nicola Coppola, Javier Gracia, Beatriz Nones, Héctor Rattia, Malva Suárez, Franklin Perozo y Pedro Rondón.
Esta muestra colectiva, es el resultado de una investigación visual sobre el tema de El Caribe que desde el 2009 un grupo de fotógrafos venezolanos emprendió a través de una práctica dinámica y reflexiva para lograr instantes que nos acercaran a los giros de nuestros perfiles culturales, a esa manera divertida, contrastante, surrealista, propia, importada, gentil, penetrante, dramática, desconcertante, sorprendente y esperanzadora de El Caribe.

Israel Blanco. Getta, 2010
Las imágenes se pasean por una amplísima gama de situaciones que a diario suceden, donde se aprecia la variada intensidad de la luz que atraviesa nuestros cielos y visita nuestros sueños.
«La luz y el color son como el viento, se cuelan por todas las rendijas, atraviesan cortinas, cristales y lentes fotográficos; es aquí donde comienza el viaje que todo fotógrafo emprende cada vez que escudriña a través de su visor para delimitar la vida. Es así como, obturando desde el silencio de la cámara obscura, participa con su criterio, congela sentimientos en todas direcciones», escribió el director general de Munafoto, Rodrigo Benavides, respecto a la muestra.
Color Caribe
Del 12 al 30 de junio de 2012
Museo Nacional de la Fotografía
Plaza Morelos, Caracas, Venezuela
Prensa Munafoto

Grandes Formatos


Susana Suniaga y Francisco Martin Sala RG 1 y 2 Centro De Estudios Latinoamericanos Romulo Gallegos (Celarg-Altamira). Fotografía Gladys Calzadilla — en Centro De Estudios Latinoamericanos Romulo Gallegos (Celarg-Altamira).


En Fundación Celarg, el martes 12 de junio de 2012, a las 7:00 p.m.
Francisco Martín hablará sobre Horizontes y Grandes Formatos en la Sala RG
Prensa Celarg (6.6.2012). El martes 12 de junio de 2012, el artista plástico Francisco Martín hablará con el público, a partir de las 7:00 p.m., acerca de su muestra “Horizontes”, que se exhibe en la Sala RG de la Fundación Celarg, en el montaje denominado Grandes formatos, en la cual comparte espacios con la artista plástica Susana suniaga.

Horizontes
“El horizonte fija un límite, pero significa a la vez una apertura; el horizonte es sobre todo un límite o referente visual, una frontera no sólo espacial sino temporal; abre una dimensión que posibilita el proyecto, y es así entendido como conjunto de posibilidades”, así se expresa Francisco Martín con respecto a su obra.
El dibujo generalmente se precisa como obra de pequeño formato. Contradictoriamente en esta exhibición de grandes formatos, los dibujos de Francisco Martín alcanzan la dimensión del horizonte siempre distante, donde toma forma la noción de paisaje. Pero esta amplitud no es sólo relativa a la idea de tamaño o escala, sino a la voluntad, siempre latente en su trabajo, de asumir la condición de proyecto; de trazar el camino que se dirige a un destino por descubrir y que es recurrentemente explorado. (FIN/Cristóbal J. Alva Ramírez).

Fotografía francesa contemporánea en el CiEF / Martes 12 de junio a las 8 de la noche

de Galería de Arte Venezolano en la Web, el Lunes, 11 de junio de 2012 a la(s) 15:34 ·
Fotografía francesa contemporánea en el CiEF El Centro de Artes Integradas y el CiEF, Centro de Estudios Fotográficos invitan a la charla; La fotografía francesa contemporánea dictada por Anne Louyot, el martes 12 de junio a las 8 de la noche en la Montaña Creativa. La historia reciente de la fotografía francesa esta integrada, por supuesto, a la historia general del medio, con sus ápices y sus crisis. Pero tiene algunas características propias, relacionadas al arraigamiento antiguo de la fotografía en Francia, su país de nacimiento y, sobre todo, a la organización particular de la vida cultural francesa, estructurada por la actuación de los poderes públicos. El papel del Estado fue fundamental para el desarrollo de la enseñanza de la fotografía y su reconocimiento como parte integrante y central del arte contemporáneo. La charla presentara los principales movimientos de la fotografía francesa desde finales de los años 1970, mostrando algunos ejemplos de fotógrafos contemporáneos.

 
Anne Layout

Anne Louyot
Tiene una Maestría en historia del arte de la Universidad de Nanterre-Paris X y también posee una maestría del Instituto de Ciencias políticas de Estrasburgo, opción Relaciones Interaccionáis y cooperación y un Diploma de Ruso y Húngaro del Instituto nacional de Lenguas y Civilizaciones orientales de Paris. Además de llevar adelante una destacada carrera como funcionario cultural del Ministerio de Relaciones Exteriores de Francia, ha desarrollado un importante trabajo curatorial, entre los que destaca el haber sido la Curadora general del Año de Francia en Brasil, entre el año 2007 y 2009, conjunto de 500 eventos culturales, académicos y económicos organizados en el país entero. Postada en Culturesfrance, agencia de cooperación cultural del Ministerio francés de Relaciones Exteriores. En Venezuela ha promovido e impulsado importantes actividades de intercambio, promoción y difusión del arte fotográfico. La charla, La fotografía francesa contemporánea dictada por Anne Louyot es el martes 12 de junio a las 8 de la noche en el CiEF - Centro de Estudios Fotográficos, ubicado en el Centro de Artes Integradas, Montaña Creativa, vía la UNIMET, Terrazas del Ávila.

 
Plossu, Coimbra, Portugal, 1987-1

Están todos invitados. CiEF - Centro de Estudios Fotográficos Centro de Artes Integradas Montaña Creativa Vía UNIMET Terrazas del Ávila. Martes 12 de junio a las 8 de la noche Entrada libre. www.CiEFve.com @CiEFve (Créditos de la Fotografía anexa: "Coimbra" de Bernard Plossu)


Este viernes 8 de Junio, a las 10:00 am, Ricardo Jiménez en el CiEF

Este viernes 8 de Junio, a las 10:00 am. tendremos el enorme gusto de recibir como invitado al fotógrafo Ricardo Jiménez, quien nos presentará su extraordinario trabajo, en el marco de su charla:

“Póngale título a las fotos, muchacho”


Ricardo Jiménez nació en Caracas, 1951. Tiene un Diploma en fotografía en Bournemouth and Poole College of Art and Design. Bournemoth, Inglaterra.
Entre sus exposiciones individuales destacan: La Noche 1985, Desde el carro 1993, Bitácora 2002 y En la Tarde, Al Viajar 2010. Reconocido con el Premio de Fotografía Luis Felipe Toro, 1985, V Bienal de Guayana 1997 y mención en el Premio de Fotografía Latinoamericana Josune Dorronsoro, 2001.
Ha participado en las siguientes muestras colectivas: Los Venezolanos (Inglaterra 1982), 49 Años de fotografía artística en Venezuela (Brasil 1984), Global Enviroment (Fotofest, Texas, EEUU 1994), Lo Real Maravilloso (Italia 1997), V Bienal de Guayana Venezuela 1997), 10 fotógrafos contemporáneos venezola- nos (Pennsylvania, EEUU 1998), Caracas Instantánea (Galería Mendoza, Caracas 2009)
Ha publicado el libro Desde el Carro (Venezuela 1993) y  sus fotos han aparecido en diversos catálogos, periódicos y revistas nacionales e internacionales. Actualmente trabaja y reside en Caracas, Venezuela.
 

Los esperamos en nuestra sede de la Montaña Creativa este viernes 8 de Junio a las 10:00 am. Entrada libre.



Martes 05 de junio a las 7 pm Proyecciones PreViart presenta Cortos Españoles en el Centro Cultural Chacao. Una muestra de Cortos Españoles de la Agencia del Cortometraje Español ACE, ofrecerá el Festival de Cortos Universitarios VIART en la Sala Experimental del Centro Cultural Chacao, en El Rosal, como parte del ciclo de proyecciones previas a su decimosexta edición.  

Invitación Celarg a la apertura de Espacio Catire. Viernes 8 de junio al 15 de Julio Sala NG
Inauguración del Espacio Catire, el viernes 8 de junio, a las 7:00 p.m.
La Fundación Celarg inaugura el viernes 8 de junio a las 7:00 p.m., la exposición “Espacio Catire”, la cual tiene como principal objetivo hacer un reconocimiento a la trayectoria de Enrique Hernández-D’Jesús, poeta venezolano homenajeado en la novena edición del Festival Mundial de Poesía, Venezuela 2012.
Espacio Catire es una apuesta reveladora y seductora que nos ha permitido cambiar nuestro punto de enfoque al momento de identificar al sujeto, y es, justamente, por la relación figura-fondo donde se aprecia el cambio de perspectiva. El sujeto, “Catire”, y su obra han jugado continuamente un papel protagónico (figura) y ahora, con otro ángulo de visión, observamos que el fondo –o lo que es igual a los cerramientos de su cueva (guardilla, casa, concha, gajo)– es una parte esencial del poeta. Su escondite para ser entendido demanda unas herramientas especiales (la arqueología de lo sensible), las paredes que lo acobijan se roban la escena y tienen, al igual que las cuevas de Altamira, un valor distintivo; es, entonces, a partir de ese momento que se revela la estrategia y comienza el proceso reflexivo y auto-reflexivo para identificar su espacio. Una vez que él lo reconozca, descubriremos en el fondo de su entorno una parte suya, oculta y curiosa, que el poeta hasta este momento no había concientizado y, por lo tanto, no había sido antes expuesta.
Hay que reconocer en “el Catire”–que es como le llamamos cariñosamente al poeta–, que él y la cueva donde habita son una misma dimensión, porque ambos son contenedores de múltiples motivaciones, inquietudes y alucinaciones.
Una vez dentro de su espacio, somos sorprendidos por la arbitrariedad, sin embargo, reconocemos en ese “barroquismo” una libertad desatada. La arquitectura del lugar responde al estereotipo de habitación que todos conocemos –un edificio por apartamentos– y éste ha estado determinado por la relación forma–función. Lo primero que debemos observar es que en el Espacio Catire no se respeta ninguna de esas fórmulas, y toda función, como es el caso del comedor, ha sido mezclada con muchas otras, y lo que había sido pensado como un estar–comedor, ahora está transformado en oficina-taller/bar-comedor/biblioteca-galería. Esta fusión de funciones impacta significativamente todos los límites del espacio, y es por la fuerza de la necesidad que el Catire, con un sistema de tramos de madera, se apropia de todo el lugar, sigue hasta la cocina y pasa hasta las habitaciones tapizando, con libros y mil cosas más, todo el apartamento. Luego de esta visita, las premisas museológicas y museográficas quedaron determinadas y el título del proyecto cobró sentido: Espacio Catire.
Inmediatamente comenzamos a trabajar, y el poeta se apertrechó de una de sus cámaras fotográficas y es como reinicia un nuevo tipo de auto-retrato, enfocando en secuencias todas sus paredes (rostro) abarrotadas con sus libros, cajas, botellas más su colección de cuadros. De esa operación quedó el registro con que se ilustra este documento y gracias a él todos podemos hacernos partícipes, toma a toma, de la intimidad del poeta.
Con la presente muestra, nos proponemos representar e interpretar en el espacio de la Sala NG, algunos de esos componentes que conviven con él y expresan de alguna manera su forma de ser y vivir.

Muestras Individuales y Colectivas.


Exposición explora la relación de Soto con el color en Ascaso 

Soto a todo color

Mientras en Madrid se realiza una exposición titulada Negro sobre blanco-Blanco sobre negro, en homenaje a la obra del gran maestro Jesús Soto, la Galería de Arte Ascaso de Caracas dedica una muestra sin precedentes y no menos importante que explora el tema del color.
La exposición Color sobre color presenta piezas significativas de diferentes etapas de su trabajo, con énfasis en los últimos años de su trabajo donde se evidencia una verdadera explosión de ese recurso en sus formatos.
Gran Cuadrado Cobalto Central, 2003 Madera, fórmica, tornillos y pintura 130 x 130 x 14 cm.
Durante el recorrido por las distintas atmósferas creadas para esta especial ocasión, el espectador podrá apreciar claramente “distintas familias de obras”. Soto produce en cada una de ellas diferentes experiencias sensoriales y discursos. Adentrarse e interactuar dentro de un gran penetrable, suele convertirse en una experiencia en extremo interesante. Muy cerca están dispuestas en sala sus famosas ambivalencias, con las que produce conexiones visuales para crear un movimiento virtual sobre el plano a través del uso de los colores, siempre planos, y cuidadosamente superpuestos sobre delgadas líneas. Caminar alrededor de mágicos virtuales, resulta una aventura indescriptible a través de los infinitos hilos que componen las piezas y que generan formas y volúmenes intangibles. Aún mayor es la sorpresa al caminar entre ellas. Las escrituras por su parte, ofrecen otro planteamiento estético del artista, en ellas se encuentran inmersos múltiples aportes al arte cinético. Soto saca la pintura del muro y lo convierte en un gran campo energético, en constante movimiento.
Penetrable Azul de Valencia, 1999 Edición Fundación Jesús Soto N.° 1/1, 2010 Madera y plástico pigmentado 270 x 270 x 870 cm.
Es la primera vez que se dedica una exposición sobre la relación de Soto con el color, como motivo de reflexión. Color sobre color desarrolla una propuesta y ofrece otra mirada sobre el trabajo de Soto, que pone en evidencia su profundo conocimiento sobre las relaciones cromáticas en las que se atreve a romper con los convencionalismos académicos para crear una nueva estética.
La curaduría de la muestra desde el concepto, el título, la selección de las obras y su ubicación en sala estuvo a cargo del equipo de la Fundación Jesús Soto, encabezada por su hija Isabelle, y de Tomás Musset, artista plástico y jefe del taller de restauración de la Fundación, quien acompañó durante más tiempo al maestro en su trabajo.
Para la investigadora y crítica de arte, Bélgica Rodríguez, amiga del artista y autora del texto del catálogo que soporta la muestra, afirma que, lejos de lo que muchos piensan Soto nunca se alejó del color y que tuvo períodos muy importantes durante los cuales se abocó a integrar el movimiento y el comportamiento de los colores, lo que denominó vibraciones.
Violeta Sobre Violeta, 2000 Madera, pintura, hilos de nylon y metal 102 x 102 x 15 cm.
Rodríguez no duda en señalar que Soto fue además de audaz, intuitivo: un verdadero malabarista del color. Cabe citar aquí al maestro: “mi labor fue eminentemente de investigación, de conocer posibilidades nuevas, [de averiguar] dónde estaba el nivel máximo de la pintura moderna para ver si yo podía añadir algo”.
Y así lo confirma la crítica especializada al señalar que en la obra de Soto se combinan muchísimos factores: lo estático con lo dinámico, lo bidimensional con lo tridimensional, lo virtual con lo real, lo sensorial con lo perceptual… Hoy por hoy, personas del entorno cercano de Soto, así como los estudiosos de su obra coinciden con el criterio de que el aporte de Soto al arte universal aún no se agota, por el contrario, que hay mucho todavía por explorar, que aprender e interpretar frente a sus piezas.
En junio, mes aniversario del natalicio del nacimiento del gran maestro del arte cinético, se abre una nueva posibilidad para esa reflexión, para celebrar su legado y para maravillarse frente a su obra. Una experiencia indescriptible para los amantes del arte en nuestra ciudad y que Usted no puede dejar de ver.
Inauguración: Domingo 10 de junio
Galería de Arte Ascaso
Avenida Orinoco, entre Mucuchíes y Monterrey, Las Mercedes.
Horario: lunes a viernes de 08:00am a 01:00pm y de 02:00 a 06:00pm.
Sábados y domingos de 11:00am a 03:00pm en horario corrido.
www.galeriadearteascaso.com
Comunicaciones Carmen Adelina Pinto

Domingo 10 de junio de 2012 Inauguración Exposición de Esculturas de Fabiola Sequera  10 de junio 12 m en la Galería de Arte Nacional.

Evolución de la propuesta de Fabiola Sequera. El universo de su codificación

La actividad expositiva de Fabiola Sequera se inicia en la Biblioteca Pública de Medellín (Colombia, 1976) con la exposición “Hilos y tejidos”. En ese mismo año expone en la Galería Centro (Centro de Arte El Parque, Valencia, Venezuela) con “Nudos y tejidos”; estos dos eventos están caracterizados, todavía, por el uso del telar y las posibilidades de la lana, el algodón y las fibras que, no obstante, perfilan ya una inquietud por traspasar las limitaciones tanto de la técnica, como de las posibilidades del material. En este sentido, la creadora, en un intento por periodizar su obra, ha señalado una línea evolutiva caracterizada por algunos desarrollos paralelos que permiten entender cómo la misma atiende a particulares temas, especialmente marcados en un momento determinado, así, contempla los Tejidos (1975-1981), que constituyen trabajos elaborados en telares de alto y bajo liso, en los que la creadora se hace eco de la herencia prehispánica andina, en cuanto al uso de técnicas como la doble tela y el tejido circular, confeccionando con ello cintas con volumen, que luego incorporará al telar vertical para obtener piezas murales de rico colorido y texturas; época en que ocurre la revelación de la cultura japonesa y comienza a experimentar con la serialidad y la mezcla de materiales textiles; las Cajas (1981-2010), en las que continúa con algunas de las indagaciones del período anterior distanciándose, además, del telar a la vez que introduce el concepto de tejido como “objeto arte”, sometiendo ahora a la tela, el hilo y la fibra a su confinamiento dentro de cajas, bajo una estructura serial; los Ensamblajes (1984-2010), piezas murales a escala monumental, en las que la referencia a la tapicería tradicional se desarrolla a partir de un nuevo elemento tridimensional: “el hilo-caja”, con el cual construye una proposición de carácter modular; y, por último, tenemos a los Nudos (1976-2010), que comenzando con una escala en miniatura, adquieren pronto un formato monumental para, así, completar un ciclo en el que el hilo es transmutado, definitivamente, en escultura.

Para articular este sugerente universo creador, en constante evolución, en el que se entrecruzan procedimientos y principios estéticos, Fabiola Sequera nos propone determinados elementos discursivos que le permiten codificar una sintaxis visual estructurada por las nociones de objeto encontrado, fragmentación, serialización, descontextualización del tejido, resemantización del textil para otorgarle otro significado, retícula, módulo, secuencia, amontonamiento, agrupamiento y reiteración; aspectos con los que, con tesón y paciencia, ha constituido una metáfora de lo femenino y su asociación ancestral con respecto al trabajo textil, prolongando el mito a él asociado, esta vez a través de su historia personal, como artífice de una de las propuestas escultóricas más inquietantes e innovadoras que se ha realizado en el país en esta materia.


Domingo, 10 de junio a las 11:00 am Obras de los 90: Diego Barboza, Luis Lizardo,Carlos Zerpa, Victor Hugo Irrazabal y Alejandro Otero proyectos sobre papel. Galeria de Arte Florida.
Una muestra que reúne obras de cinco exponentes de las artes plásticas venezolanas de las décadas 70 y 90, inaugurará la Galería de Arte Florida bajo el título “Inventario”, el próximo domingo 10 de junio a las 11:00 de la mañana, la cual podrá ser visitada hasta el 29 de julio, con entrada libre. Avenida Don Bosco, Qta. Castillete, Urb. La Florida, Caracas, Venezuela

Concebida por Esso Álvarez y por el curador de la muestra Douglas Monroy, “Inventario” se presenta como una suerte de registro que ofrece al espectador la oportunidad de aproximarse a las realidades y virtudes del arte venezolano, a través de las obras de los artistas Alejandro Otero, Luis Lizardo, Diego Barboza, Víctor Hugo Irazábal y Carlos Zerpa, cuyas obras son en cierto modo, según palabras del curador, “uno de los eslabones más cercanos para comprender el presente, un presente excepcional que, de no asirse en palabras, corremos el riesgo de que se nos diluya entre las manos”.



ANTONIO UGARTE, Exposición CANTO FLUVIAL, paisaje acuático, el movimiento del agua y las flores, representación de la naturaleza, a partir de una lectura mítica y simbólica de la imagen de las aguas. hasta el 29 de Junio, en la sala del Centro de Artes Integradas, Terrazas del Avila, (Entrada lado izquierdo de la Unimet), de lunes a viernes, de 9 am a 4 pm, y por citas llamar al telefono (212) 242-6850/242-6385. Directora General Sra. Trina Itriago. http://www.antoniougarte.com/paintings.asp

Gala de Premiación del Concurso de Fotografía Échame un Cuento, así como la inauguraciòn de la exposición correspondiente al mismo ya tiene fecha definida: 18 de junio de 2012. El evento será a las 6 de la tarde en el Hall principal del Celarg, y será a su vez, la inauguración de un Salón de Fotografía ligado a la primera edición de nuestro certamen. Contará con obras de todos los participantes del concurso, sean o no ganadores. Ernesto Soltero


Galería D' Museo inauguración muestra colectiva a las 11 am Los Galpones de los Chorros.



Domingo 17 de junio 11 am Inauguración de la muestra de Ani Villanueva Apuntes del Taller en Rosas y Algo Más, Centro Comercial Galerías, II Nivel, Local 25 M, Urb. Prados del Este.


hasta el 24 de junio, con la Curaduría del Maestro Abilio Padrón se abre al público la exposición colectiva Diálogo con los Maestros, La propuesta como curador la basa en su razón de ser en la apropiación de obras maestras y su interpretación desde la visión de cada uno de sus alumnos que aceptaron el reto. Asociación Cultural Humboldt (Av. Juan Germán Roscio con Av. Jorge ashington y Av. Los Proceres. San Bernardino) — en Asociación Cultural Humboldt.


Esso Alvarez Mixtos sobre Medios en la Alianza Francesa de Chacaito 


Galeria Parenthesis. Exposición Individual de la Artista Magaly Otaola: NEOJUEGO. Collage, la Fotografía y la inetervención sobre la intervención misma, es decir, una propuesta en la cual de sus propias obras deconstruye y construye como círculo de su estructura productiva.
Horario:
Sábado de 11am a 6pm
Domingo de 11am a 4pm
Centro de Arte Los Galpones, Galpón 12. 8va. Transversal entre Avenida Ávila y Calle Ávila B. Los Chorros, Caracas.