Actualidad Julio-Agosto 2013

 

Río en Silencio en el ICBV

ADRIÁN PUJOL COLOREA EN DIGITAL 

LA MÁS FAMOSA CIUDAD DE BRASIL

Jueves 27 de agosto 7 pm 

Instituto di Cultura di Brasil

6ª transversal de Altamira con avenida San Juan Bosco, Quinta 65. Urbanización Altamira, Caracas

 

El famoso paisajista Adrián Pujol se apropia de los recursos digitales que ofrece la tecnología fotográfica de nuestros días y extiende una mirada sobre Río de Janeiro

Con la curaduría de Sagrario Berti y Maitena de Elguezabal se inaugura la primera exposición fotográfica de Adrián Pujol en la sede del Instituto Cultural Brasil Venezuela el próximo 29 de agosto. En Río en Silencio, el color de la memoria (2012), Pujol (Palma de Mallorca, 1948) utiliza una cámara digital como herramienta que le permite seleccionar colores. Elige el amarillo para manchar, resaltar y al mismo tiempo ocultar o velar parte de la escena a fotografiar.

La pintura ha sido el medio central de la producción artística de Adrián Pujol, quien posee un repertorio temático conformado por paisajes, retratos, interiores de espacios familiares, carpas, muros y naturalezas muertas. Más allá de la utilización de óleos y resinas sobre lienzos, el artista ha domesticado, a lo largo de su obra, otros materiales: tintas en planchas metálicas para realizar obras gráficas, arcillas en esculturas, tornos y hornos en la elaboración de cerámicas y ahora propone un discurso visual a color empleando una cámara fotográfica, con la cual capta la cotidianidad de los habitantes y turistas en las playas de Ipanema y otros espacios públicos en Río de Janeiro (Brasil).


Según Sagrario Berti, quien ha escrito los textos que acompañan la exposición: “Estas obras son sui generis, a través de ellas pareciera que Pujol formula el principio físico-químico de la fotografía analógica: la inversión de negativo a positivo en la escala cromática; reproduce, en algunos casos, los colores complementarios del negativo a color de base transparente. De esta manera, propone una visión personal, casi lúdica de tonalidades, saturaciones, gamas o visos de las acciones que ocurren en las playas de Río de Janeiro. Situaciones que vela a través de coloraciones; registros hechos por un artista cuyo universo visual está conformado por el uso y tratamiento de los colores, invitándonos a compartir el color de su memoria”.

— con Adrian Pujol

El ‘Pop Místico’ de Eduardo Molina toma los espacios de la Galería D’Museo

Una transición temática hacia el territorio de lo sagrado, con la naturaleza como referente para la representación de lo cosmológico, caracteriza la reciente obra del artista venezolano Eduardo Molina, que se exhibirá en la exposición Pop Místico a partir del domingo 25 de agosto a las 11:00 a.m., en la Galería D’Museo, donde podrá ser apreciada hasta el 22 de septiembre.
Con la curaduría de Alberto Asprino y Gerardo Zavarce, esta muestra la conforman un total de 14 piezas –en su mayoría pinturas– en las cuales se erige una iconografía que vincula lo espiritual con lo material a partir del tema de la concepción de la vida, según escriben los curadores en el texto de presentación.
“La concepción, el alumbramiento, ese proceso que supone un ‘venir al mundo’ para un ‘estar en el mundo’, son los detonantes que actúan como catalizador para activar este nuevo proceso de trabajo en la obra de Eduardo Molina. Igualmente, son el resultado plástico de su propia experiencia de paternidad, una reflexión personal que activa una voluntad de lenguaje plástico. Se convierte en una pequeña historia de vida, cuya grafía asume el compromiso de una poética particular”, afirman Asprino y Zavarce.
Su investigación pictórica desde el dibujo lo ha llevado a desarrollar un lenguaje personal asentado en el comic de iconografía personal, con tintes urbanos y referencias al grafismo de calle, a la que ahora se integran temas visuales como “una gran red de trazos cortos que representan el aspecto vibratorio del universo”.

“Construir mundos fragmentados y arquetipo referenciales desde el collage a partir de plantillas, fotocopias, sellos, dio paso en mi pintura a la representación gestual de cuerpos ingrávidos, en ocasiones traslúcidos, que nos hablan de un imaginario místico, teñido de referentes provenientes de la cultura POP. La paleta de colores es ahora más brillante y etérea, tonos que representan rayos de luz en la oscuridad de la selva ancestral, donde todo está meticulosamente conectado”, expresa el artista Eduardo Molina.
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En la reciente obra de Molina, se refleja además un cambio en la paleta cromática y las formas que las contienen, a través de una nueva arquitectura mucho menos esquemática.
“De allí, que el camino para erigir este universo místico se encuentre profundamente vinculado a la noción del pop, al dibujo de la acción dinámica y la caracterización del personaje propio de las historietas gráficas: el vidente, el guardián, el niño celeste, la virgen, el dragón, el ángel, el bebé selva, Ganesha, el océano, el Ávila, el núcleo, el espíritu con perro, cada uno de estos personajes ejecuta un rol activo en el marco de la reflexión sobre la vida, sobre el derecho a la vida, sobre el acto de venir al mundo para estar en el mundo, ellos son los personajes que activan una narrativa visual particular dentro del conjunto de obras que integran la serie pop místico”, escriben los curadores.
Licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca (España), Eduardo Molina realizó durante sus años de formación talleres con destacados artistas nacionales e internacionales en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, donde expuso por primera vez su instalación multimedia SATURNO BAR, al tiempo que exhibía su trabajo en distintas ciudades de España, al igual que en los más importantes museos, salones, bienales y colectivas de Venezuela como Salón Aragua, Salón Pirelli, Salón Michelena, XII Bienal de Dibujo FUNDARTE (en la que obtuvo el primer premio que lo llevó a París a realizar una residencia de artista en La Cité Internationale des Ars), y en el Salón Jóvenes con Fia (en el que obtuvo el primer premio en 1999).

Los ejes centrales de su trabajo son el dibujo y la pintura, además ha realizado proyectos multimedia, e instalaciones que involucran al espectador en ambientes gráficos tridimensionales a partir de la pintura como base de una investigación que abarca distintos medios expresivos, como el video, la escultura y el sonido.
La nueva exposición de Eduardo Molina, Pop Místico, estará abierta al público del 25 de agosto al 22 de septiembre en la Galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, en la Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.
Eduardo Molina
Pop Místico
Del 25 de agosto al 22 de septiembre de 2013
Galería D'Museo
Centro de Arte Los Galpones
Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros
Caracas, Venezuela
www.dmuseo.com

Horario:
Martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. Domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m.
La entrada es libre.
Prensa Marisela Montes Comunicaciones

'sci’ fi ccs-industrial landscapes' - Ela Acosta en Galería Dimaca

Una muestra en la que conviven armoniosamente el diseño de moda y las artes visuales, se estará presentando hasta el 07 de septiembre bajo el título “sci’ fi ccs-industrial landscapes”, en la Galería Dimaca de Los Palos Grandes, donde la diseñadora venezolana Ela Acosta exhibe un conjunto de piezas intervenidas por distintos artistas, que serán subastadas el 07 de septiembre a beneficio de la Fundación “Yo tengo un sueño”.
Innovación, talento, conocimiento y tecnología, se conjugan en la propuesta de esta diseñadora de modas, que busca crear conciencia sobre la necesidad que tiene la humanidad de trascender hacia la Era de la Luz, a través de piezas conceptuales creadas en poliuretano (material derivado del petróleo que se extrae del suelo venezolano), con líneas arquitectónicas para lograr siluetas que cambian de forma.
Un total de 6 blazers intervenidos por los artistas Paul Amundarain, Rodrigo Machado, Ana Margarita Ramírez, Héctor Coll, Julio César Acosta y Wuilfredo Soto, respectivamente, conforman esta muestra en la que además se incluyen piezas de los mismos artistas que intervienen los blazers, así como también, obras de Juan Urbina, Hernán Monterola, Saverio Cecere, Cary Montserrat, Víctor Salas, Alejandro Salas, Félix George, Joaquín Latorraca, y de los fotógrafos Anibal Mestre y Nico Serrano.

Licenciada en Estudios Liberales por la Universidad Metropolitana de Caracas, Ela Acosta comparte su lugar de residencia entre Caracas y Miami (Estados Unidos). Posee una sólida formación que incluye Estudios de Arte en la Pinacoteca di Brera, y Diseño de Modas en el Instituto Marangoni, ambos en Milán (Italia); Ilustración Digital en Centro Art Caracas; e Investigación en VFX y 3D en Gnomon School of Visual Effects, Los Angeles (USA). Asimismo ha realizado pasantías con el diseñador venezolano Ángel Sánchez en Nueva York, y con la diseñadora conceptual holandesa Iris Van Herpen en Amsterdam.
Entre sus creaciones patentadas entre 2009 y 2013 destacan, el CPW/ Conceptual Polyurethane Wear for Entertainment Industries and Industrial Design; y el LUMIblazer, Telas autolumínicas para Blazers Sportiv.
El público podrá apreciar el trabajo de esta diseñadora conceptual venezolana a través de la exposición “sci’ fi ccs-industrial landscapes”, que podrá ser visitada hasta el próximo 07 de septiembre en la Galería Dimaca, ubicada en la Avenida Andrés Bello de Los Palos Grandes con la 2º Transversal, en horario de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 12:30 m. y de 2:00 p.m. a 6:00 p.m., y los sábados de 9:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.
Ela Acosta
sci’ fi ccs-industrial landscapes
Hasta el 7 de septiembre de 2013
Galería Dimaca
Avenida Andrés Bellocon 2º Transversal, Los Palos Grandes
Caracas, Venezuela
Horario:
Lunes a viernes de 9:00 a.m. a 12:30 m. y de 2:00 p.m. a 5:00 p.m., y los sábados de 9:00 a.m. a 3:00 p.m.
Entrada es libre.
Fuente: Zoraida Depablos

Interludio: Exposición colectiva en GBG Arts

Trabajo más reciente de seis artistas nóveles locales

Carla Niño

En esta oportunidad, el ejercicio curatorial de Interludio se concibió con el taller titulado «Portafolio» llevado a cabo el pasado 27 de julio de 2013 y dirigido por Gabriela Benaim, cuyo propósito fue dar a artistas y creadores visuales metodologías de orden, registro y clasificación de sus trabajos, apoyándose en plataformas digitales/sociales; siendo hoy día el portafolio digital la herramienta contemporánea mas utilizada y consultada como presentación ante instituciones culturales e interesados del arte en general.

Omar Ávila

El taller dictado culmina con la exhibición en los espacios de GBG, dónde –inicialmente– seis de los artistas participantes presentan sus propuestas plásticas: Verónica Alvarado, Omar Ávila, Ivette Díaz, Rommel Hervez, Carla Niño y Bienvenida Núñez.
Artistas nóveles que cursan o cursaron estudios en el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón, Caracas, siendo –en su mayoría– la primera oportunidad de exponer en un ambiente galerístico.
Interludio: «Portafolios»
Inauguración: Jueves 15 de agosto de 2013 - 7:30 p.m
Clausura: Jueves 5 de septiembre de 2013
GBG Arts
Avenida Principal de Prados del Este, Galpón #2 (galpón de lanchas).
Teléfono: +58 212 975 22 09
Celular: +58 0412 295 76 64
Prensa GBG Arts

Además de silencio. Collages, litografías y fotografías de Adriana Genel - Carmen Araujo Arte 

 

Fotografía Gladys Calzadilla

Fotografía Gladys Calzadilla

Bajo el título Además de silencio la creadora venezolana Adriana Genel (México DF, 1971) exhibirá en los espacios de carmen araujo Arte su primera muestra individual. La exposición está integrada por una serie de collages, litografías, fotografías, imágenes en diapositivas y una edición impresa experimental concebida en coautoría con los diseñadores Darío Utreras y Ricardo Báez, acompañada por textos del escritor César Segovia.

El tema principal que aborda la muestra gira alrededor de los procesos de construcción de la memoria. Al respecto, la artista encuentra en la palabra francesa Découpage una referencia para definir su trabajo: “en lenguaje coloquial es el término que se usa para nombrar esos modelos de muñequitos que se recortan de un cartón o cartulina, y que se visten superponiendo otros vestidos recortados a su vez en papel. O esas pequeñas maquetas que vienen ya dibujadas e impresas, de las que se arma un castillo, o un bosque. Lo que me gusta de este término en francés, es que te dice de una vez que es un recorte, un quitar para crear otra cosa. No quiere decir que yo no añada, pero sobre todo creo que lo que hago es quitar; todo lo que me parece que no debe estar ahí”. En este sentido, considera que el collage es un principio esencial para interpretar sus métodos de trabajo: “no como una técnica, sino como una manera de pensar”.

Fotografía Gladys Calzadilla

Para Gerardo Zavarce, curador de la muestra, Adriana Genel: “asume de manera consciente la puesta en escena de la mecánica selectiva de la memoria, bajo esta praxis las omisiones, los vacíos, las ausencias e incluso el olvido, adquieren rasgos protagónicos. Se trata de una mecánica de la sustracción que opera quitando y, paradójicamente, agregando aquello que dentro de la memoria es duda y olvido.

Adriana Genel (México D.F., México, 1971) vive y trabaja en Bruselas, Bélgica. Realizó estudios de Ilustración en el Instituto de Diseño de Caracas (Caracas, Venezuela), además tiene una Maestría en Arte en el Espacio Público y una Maestría en Litografía (Académie Royale de Beaux Arts de Bruxelles, Bélgica). Ha participado en el Salón Juan Lovera, en el Salón Nacional de Artes Visuales Mauro Mejías del Ateneo de Guacara y en el I Salón Nacional Lo uno y lo diverso. Desde el año 1996 ha participado en varias muestras colectivas realizadas en diversos espacios de Francia, Argentina y Venezuela.

Adriana Genel Fotografía Gladys Calzadilla

Adriana Genel
Además de silencio
Del 18 de agosto al 15 de septiembre de 2013

Carmen Araujo Arte
Calle Rafael Rangel Sur, Hacienda La Trinidad,
Secadero No. 2. Urbanización La Trinidad.
Teléfono: 0212 9150789

Prensa Carmen Araujo Arte

El Posón y la mesita que camina. Fotografías de Edgar Moreno en Artkao

Edgar Moreno

A partir del domingo 1 de septiembre y durante todo el mes de octubre, la galería La Ventana Artkao y la Fundación Fotografía Urbana presentarán la exposición «Edgar Moreno, El Posón y la mesita que camina», serie fotográfica realizada en la bahía El Tablazo, ubicada en la parte norte del Sistema Lago de Maracaibo.
Después de siete años de culminado este trabajo, reunido en un libro que lleva el mismo título, se exhibe por primera vez una selección de treinta y tres de estas magníficas obras, en diferentes formatos.
Desde el año 2005 Edgar Moreno (1954) no había realizado en nuestro país una individual de su trabajo fotográfico con la técnica característica de su obra: plata en gelatina con viraje selectivo, la cual le ha valido prestigiosos reconocimientos a lo largo de su exitosa trayectoria internacional.

Edgar Moreno

Su carrera se inicia tras obtener una Licenciatura en Música y Artes Visuales, en la New Mexico State University, USA (1979) la cual contó con la guía del notable fotógrafo Anselm Adams, además de estudios de flauta en Nueva York, bajo la tutela de Marcel Moisés y Jean Pierre Rampal. En 1986 cursa estudios de Arte, en el Pratt Institute y en el New York School of Arts. Viaja por más de cincuenta países, condición que lo sensibiliza ante el sentido esencial del hombre y la relación con su entorno natural y cultural, tema raíz de su visión plástica. En el 2003 realiza la más importante de sus muestras en el país, Viaje al Interior de las Antípodas, en el Museo de Bellas Artes, Caracas. Además es invitado, ese mismo año a Polonia, a la International Print Triennial, con su serie: Bridge to the future. En el 2004 exhibe Memoirs of Water en Fotofest International, en Houston. Más tarde dará a conocer esta misma serie en el Centro de Arte de Maracaibo Lía Bermúdez.
Josefina Núñez, curadora de la muestra, nos dice: «Para Edgar Moreno el ensayo fotográfico se inicia en el seno de una comunidad, con sus pobladores, sus escenarios exteriores e íntimos y sus dinámicas sociales. En esa significativa convivencia se concreta para él la realidad fotografiable. La tarea se inicia con una comprensión afectiva que le permite acercarse a lo visible con la absoluta confianza de que en la foto aparecerá lo invisible, aquello que no se ve hasta el revelado. Porque el ojo no sabe, no ve lo que tiene delante. De manera que es el carácter de un lugar, de una figura, el que puede o no ofrendarse a ese mirar entrenado del fotógrafo. En estas imágenes de objetos únicos, en las que todo se precisa y se diluye a la vez, son sus composiciones, texturas, manchas y transparencias, los mejores interlocutores entre el espíritu de un lugar (moradores incluidos) y el ojo del espectador».
En el marco de la exposición, y con el auspicio de la Fundación Fotografía Urbana y el Centro de Arte los Galpones, contaremos con la presencia del crítico Tomás Rodríguez, curador-asesor de Photo Edition Berlin y ex curador de fotografía del Museo de Bellas Artes, Caracas. Entre otros artistas Rodríguez ha trabajado con Cristina García Rodero, Chema Madoz y Michael H. Rohde. En esta oportunidad dictará dos conferencias: Edgar Moreno: Del palimpsesto en la fotografía y otras ciencias ocultas, el día jueves 5 de septiembre, y Pretender lo real: Re-alineando documento y ficción
Edgar Moreno, El Posón y la mesita que camina
 A partir del domingo 1 de septiembre al 27 de octubre de 2013
Artkao
Centro de Arte Los Galpones, G10
Teléfonos 0212 327 76 74 / 0212 911 03 03 tallerartkao@gmail.com
twitter: @tallerartkao
Facebook: Artkao
Prensa Artkao

De lo Material a lo Esencial. Un recorrido a lo largo de 25 años en la obra de Carlos Medina - Galería Arte Ascaso

Cilindro IV y V

Minimalista, versátil, imponente y poética son, entre muchas otras, algunas de las cualidades que definen la obra escultórica de Carlos Medina. Esa es la propuesta que hace al público la Galería de Arte Ascaso, para iniciar su recorrido a partir del domingo 30 de junio.
De lo material a lo esencial reúne obras pertenecientes a períodos cumbres de la producción del versátil escultor venezolano, Carlos Medina, reconocido no sólo a nivel nacional, sino internacional, especialmente por sus obras monumentales de corte abstractogeométricas y pulcras líneas.
En la extensa muestra podremos admirar una impecable selección de obras realizada por la crítica Bélgica Rodríguez, en la que podremos encontrar los más diversos y sólidos formatos en mármol, ensamblajes en acero, hierro y madera; tallas en maderas varias y piedra, cuadros en papel, piezas elaboradas con palillos de bambú, hasta volátiles y ligeras instalaciones de gotas de aluminio o esferas acrílicas, que penden de invisibles hilos de nylon.

Fragmento de Lluvia

Con más de 70 obras en sala, Carlos Medina recorre 25 años de trabajo tridimensional en la Galería de Arte Ascaso y que resultará una oportunidad excepcional para que profesionales del diseño, arquitectos, particulares con proyectos e instituciones interesadas en explorar y adquirir arte, encuentre novedosas posibilidades y presentaciones para sus espacios, con la firma y la pericia de un artista que ha desafiado magistralmente las leyes de la física, en un permanente juego-reto con el volumen y el espacio.
Una imponente escultura en acero les dará la bienvenida en la calle Orinoco, entre Mucuchíes y Monterrey, en Las Mercedes!
Carlos Medina
De lo material a lo esencial
A partir del 30 de junio de 2013
Galería de Arte Ascaso
Avenida Orinoco, entre Mucuchíes y Monterrey, Las Mercedes.
Horario: lunes a viernes de 08:00am a 01:00pm y de 02:00 a 06:00pm.
Sábados y domingos de 11:00am a 03:00pm en horario corrido.
www.galeriadearteascaso.com
Comunicaciones Carmen Adelina Pinto

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De lo Material a lo Esencial
Bélgica Rodríguez

Gotas de Nazareno I y II

La transformación, formal y conceptual, de una forma geométrica, podría definir la trayectoria de un artista como Carlos Medina. Siendo esta transformación la base de sus plantea­mientos estéticos, las series escultóricas que trabaja, están inscritas en una nueva manera de plantearse la tridimensionalidad, tanto volumétrica como espacial, a partir de una geo­metría que en permanencia gira a su alrededor, y que, permeando sus procesos creativos, ha expresado en configuraciones complejas, aunque que a primera vista parecieran sencillas. La sensibilidad artística de Medina se manifiesta independiente de todo formalismo plástico desde la etapa de la escuela de arte, cuando, aún siendo estudiante, se lanza a explorar conceptos abstractos desde lo geométrico y constructivista como derivaciones heroicas del cubismo desarrollado por importantes escultores de la primera mitad del siglo xx. En consecuencia, define su escultura como «materialidad», un resultado de la búsqueda de conceptos dentro del espacio-tiempo y de nuevas realidades multidimensionales.
En una primera etapa formativa, trabaja la lámina de hierro soldado, material con el que realiza aquellas primeras obras de escuela que expone en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas en 1975. Este inicio, se le conoce como período negro y negro-rojo, sobre el que Medina dirá al periodista Johan Ramírez (Revista Ocean Drive, abril-mayo 2013), «mi primer planteamiento fue trabajar con la figura geométrica, específicamente con triángulos y cuadrados», figuras que ha mantenido a lo largo de su carrera, aun cuando, a medida que avanza en ella, explora otras de acuerdo al material y la técnica que le interesa. Lo «material», es decir la masa y el volumen, por ejemplo de las primeras tallas en mármol, poco a poco lo minimiza, a fin de explorar diversas geometrías que resultan en obras más etéreas, más livianas en lo visual y lo físico, acercándose entonces a lo «esencial», hasta llegar a las famosas «gotas» de principio de los noventa, extraordinario ejemplo de minimalismo orgánico-conceptual. En este proceso, plantea la multidimensionalidad, o la dimensionalidad plural, mencionada por el artista al conceptualizar el desarrollo de su escultura.
De acuerdo al breve texto que en el diccionario biográfico de las artes visuales en Venezuela se le dedica, en el período negro-rojo, trabaja en láminas triangulares de hierro y acero soldado pintado (1973-1978), luego pasa a las tallas en mármol (1978-1984). En medio de estos años hay correspondencias con planteamientos del escultor Gonzalo Fonseca y su «constructivismo americano», evidenciados en la Serie Tumbas votivas (1978). En 1983 realiza la Serie Bolívar, inscrita en la forma circular (el disco), para pasar rápidamente a estructuras de corte espacial, movibles, abiertas y aéreas en la Serie Las cuatro estaciones en granito (1984). De acuerdo a esta descripción, cada una de ellas define características estéticas precisas y períodos de un año. Sin embargo, un análisis de lo hecho hasta ahora, dificulta ubicar el trabajo de Medina en compartimientos estancos. Cada cambio y la respectiva serie, tiene origen en acciones plásticas realizadas con anterioridad, puesto que, es la «reflexión» sobre el hecho creacional, y su resultado, lo que motiva las alteraciones. Cada obra, en sentido figurado, puede ser continente y contenido de la siguiente, puesto que ninguna es semejante a otra.

Círculo Total III

Al regresar a Venezuela, una nueva vuelta se opera en la obra del artista. Retoma el trabajo en hierro y acero, pero esta vez a escala monumental. Hacia principios de los años noventa, comienza la Serie Cilindros cuadrados, columnas talladas en mármol que se erigen con majestad totémica y misteriosa belleza. Mantiene la atención en la Serie Gotas, realizando obras individuales en variadas dimensiones, medios y técnicas, así como las instalaciones Fragmento de lluvia (nylon y gotas de diferentes tamaños) y Neutrinos, conceptualizaciones minimalistas reguladas en el espacio a partir de ideas desarrolladas in situ, pero previstas en los muchos dibujos realizados desde mediados de los años setenta, que definen la formulación de la materia plástica básica.
Carlos Medina ha mirado en la continuidad y evolución de grandes íconos creadores de las artes plásticas universales, Constantin Brancusi, Jesús Soto, Gonzalo Fonseca, Alejandro Otero, Alexander Calder, Joaquín Torres-García y su teoría del universalismo constructivo, tomando de ellos los conceptos que necesita para asumir retos y riesgos en todos los momentos de su crecimiento artístico. Estos riesgos y retos están sustentados por la permanente investigación y exploración, no solo en las posibilidades, para él infinitas, de la forma geométrica, sino también en los materiales utilizados para configurarla. En este sentido, a una pregunta del periodista Johan Ramírez sobre cómo elige el material para una pieza determinada, Medina responde, «la forma motiva la elección (…) en mi caso el material llega como consecuencia de una idea». Testimonio que sostienen las series de obras que, realizadas en taller, reflejan los cambios suscitados a lo largo de los diferentes períodos creativos, y que, dentro de fuertes diferencias estructurales, mantienen inalterable el planteamiento conceptual que las nuclea al apoyarse en las diversas geometrías que connotan y denotan cada una de ellas.

Estudio para 3 Neutrinos I, 2008. Varilla de acrilico transparente

La curiosidad investigativa y necesidad reflexiva de Medina, le han conducido a crear técnicas fuera de lo convencional, y a dominar materiales también no convencionales; así, ha hecho un trabajo escultórico siguiendo códigos formalistas, pero también otro ubicado, simultáneamente, entre lo volumétrico, lo planimétrico y lo espacial. En consecuencia, su taller puede ser una herrería, una carpintería, un laboratorio láser, una suerte de refinería, donde trabaja el pvc, el poliuretano expandible, aluminio, acero inoxidable, bronce, rejillas e hilos de nylon, silicone líquido, papel, varillas de calibres milimétricos en diferentes materiales y espesores, arena silícea, que, de acuerdo a la «idea», los encontramos en obras realizadas con técnica láser, router, chorro de agua (water jet), rotulado en hierro, torno de control numérico, pátinas a partir de óxidos. Mientras que los métodos tradicionales, la soldadura, la talla, le han llevado a esculturas en hierro, mármol, granito, madera, acero. En todo este periplo de trabajo, como se ha dicho, asumiendo retos en técnicas y materiales, ha sido importante, no solo el conocimiento y experiencia adquirida en la escuela de artes de Caracas y en sus años en Italia, sino también en la convivencia profesional y personal con maestros consagrados en el arte universal, el estar en sus talleres le lleva a declarar en entrevista con el artista y curador Alberto Asprino, que de «(Carlo) Signori (conoce) la elegancia de lo plano, de (Sergio de) Camargo la simplicidad de las formas, (de Arnaldo) Pomodoro las maravillas de sus esferas, (de Alicia) Penalba sus monumentales formas orgánicas, (de Gonzalo) Fonseca sus superficies arcaicas. Una experiencia única para un joven escultor».
Es una experiencia sensible y creativa estar en el taller de este artista trabajador incansable, conversador, carismático y coherente en sus conceptos. En físico, allí está el resultado de búsquedas en permanente ebullición, de aquí salen obras inéditas en materiales y técnicas, así como en la direccionalidad espacial definitoria de conceptos y formas. Esculturas que van desde el pequeño formato, Estudio para cuadrado, gota y neutrino, hasta lo monumental y cívico, ejemplo La Ciudad, una lámina de acero de 12 metros de largo a ser ubicada en un espacio público y cuyas superficies han sido trabajadas como joya cincelada, repujada y tallada; hasta las verticales, tótems erguidos buscando el infinito: Barquisimeto, Gota Nazareno A, Gota Nazareno B y Hoja Ecuador, o aquellas adosadas al muro, expresándose en sensaciones de liviandad, flexibles en su rotación, verdaderos dibujos tridimensionales en el espacio: Suite Caracas, y la totalmente abierta Dos gotas diagonales. Medina analiza su trabajo escultórico como realizaciones siempre «pre-conceptuadas y luego materializadas» en la línea que va de lo material a lo esencial. En relación a este planteamiento, un hilo conductor podría establecerse, por ejemplo, desde el Cilindro medio interno y Cilindro infinito a la Serie Varillas despojada de todo carácter representacional y material, pasando por Superficie negra CXB y Superficie blanca LXXIV, de contornos definidos, de espacios abiertos en el interior de un cuadrado que puede convertirse en rombo, donde el color plano (propio del material o blanco), enfatiza la «planitud» de la superficie, a la vez que evidencia las oquedades que los dobleces generan. Luego va del volumen al espacio: Fragmento de lluvia y Neutrinos, instalaciones donde las Gotas de la primera y las Esferas de la segunda, adquieren una naturaleza plástica cinética, relacionada a la dicotomía entre lo real y físico, y lo efímero e intelectual.

Superficie Blanca A, 2013.Mdf, pvc, acrovinilica blanca y varilla de acero inoxidable, PA.41,8 x 41,8 x 16,5 cm.

Sin considerar un desarrollo evolutivo, en Carlos Medina cada una de sus series comporta un carácter seminal. Analizando los períodos creativos, en la escultura que realiza a partir de mediados de los setenta, incluyendo aquella exhibida en 1975, están reflejadas muchas de las características de trabajos realizados en décadas posteriores, por ejemplo Modulación espacial I (hierro, 1975), podría ser un antecedente para la Serie Hojas (hierro y acero, 1992), mientras que Planos grafitos II (piedra amarilla de Cumarebo, 1976), tiene impreso en su superficie el «dibujo» correspondiente a las instalaciones de Neutrinos (hilos de nylon/guayas y esferas de diferentes dimensiones y materiales: obsidiana, conglomerado, tungsteno y más recientemente acrílicos, acerina, coral blanco y cristal, 1992-2013).
En conclusión, de la geometría abstracta prácticamente académica, que el artista define como «material», concepto formalista tridimensional volumétrico desarrollado en la obra de los setenta y ochenta, abre las compuertas creadoras hacia una abstracción abierta y más radical en el espacio, que expresa en adaptaciones muy personales a partir de un constructivismo acentuado por composiciones estructurales entre las relaciones direccionales de horizontal vertical y diagonal (hilos de nylon, varillas de aluminio, planos de hierro ensamblados, superficies planimétricas rotuladas). Se refiere, entonces, a «lo esencial», al minimalismo puro que explica el proceso plástico de los últimos años, con propiedades físicas y estéticas definidas por lo formal y lo conceptual.
Carlos Medina trabaja con reglas auto-impuestas, con decisiones que regulan el proceso de realización de acuerdo a una idea planteada. Esta idea la provoca el permanente esfuerzo reflexivo que conlleva la experimentación, en aciertos y errores, con el material a utilizar y la técnica apropiada, y viceversa. Es decir que material, técnica e idea conforman un planteamiento unitario que en función de sus exigencias, le conduzca al logro de un resultado de altísima calidad estética y estructural.

Hayfer Brea: Exposición Individual en Valencia

"Inercia ante la lejanía"

Del 3 de agosto al 14 de septiembre de 2013

El artista Hayfer Brea inauguró el pasado 3 de Agosto una exposición individual de fotografías, un campo en el que ya había realizados ciertos planteamientos pero que ahora presenta como un cuerpo de trabajo conformado por dos series realizadas en 2012 sobre el Lago de Valencia y sobre La Cárcel de la Isla El Burro.

Desde siempre en su proceso ha existido un interés por trabajar el paisaje, la montaña por años fue su tema central y la trabajó desde distintos acercamientos hasta llevarla a su síntesis gráfica y llegar a la línea con la cual realizó dibujos, instalaciones y videos, mostrándonos desde distintas aristas El Ávila; también trabajó la relación del paisaje con la arquitectura de los años 50’ que se evidenció en su serie Paisajes modernos y en esta oportunidad el paisaje se manifiesta en el Lago de Valencia que forma parte de su investigación actual y que abarca el recorrido por otros lagos y lagunas del país que el artista se plantea realizar.

Brea, ha incursionado en distintos medios y ha experimentado con diferentes técnicas dada su inquietud por obtener resultados diferentes, la fotografía se hace presente en esta oportunidad como medio para registrar el Lago de Valencia y sus islas, para realizar este trabajo recorrió el lago en lancha, experiencia de la cual comenta:

“A lo largo de varios recorridos, en las que registré parte de sus inundadas orillas, las arboledas muertas, el abandono de caseríos, la vegetación hidrófila invasiva, etc., no sin dejar de sorprenderme por la belleza existente en sus bastas extensiones de tranquilas aguas, que a pesar de desplegar una enorme gama de vistas maravillosas, son melancólicas, lejanas, sombrías y desoladoras, pero de una calma que toda contemplación brinda a quien la adopta”.

Ese recorrido lo llevó a la Isla El Burro lugar donde existió una inhóspita cárcel, ubicada en el punto mas elevado de la isla y que estaba conformada por una especie de barracas y áreas comunes. Esta cárcel se construyó bajo el período del gobierno de Juan Vicente Gómez en principio era para presos comunes, luego en 1950 pasó a ser un correccional, entre 1960 y 1970 durante el conflicto guerrillero albergó a una gran cantidad de presos políticos, esta cárcel incluso se ha vinculado con hechos tortura, a principios de la década de 1980 cesó el funcionamiento como cárcel y cayó en el abandono. Ahora sólo se encuentran las ruinas de la Cárcel, la cual es un asidero de la historia venezolana.

En estas fotografías se deja ver la indiferencia y el abandono no sólo hacia el patrimonio histórico, sino también y sobre todo hacia la naturaleza, esta exposición puede mostrarnos dos realidades: la belleza del lago pleno de calma, rico en vegetación y el abandono e indiferencia del hombre ante la contaminación y descuido de la naturaleza. El lago de Valencia presenta desde 2005 y hasta la actualidad problemas del aumento del nivel de sus aguas, debido al desvío de algunos drenajes de los ríos, y de las industrias que vierten sus aguas servidas sin tratamiento previo, lo que ha contribuido a la contaminación del mismo.

Actualmente en la Sala Mendoza, se presentan dos exposiciones en las cuales el trabajo del artista se encuentra exhibido, en la exposición Tres miradas frente al arte contemporáneo, Recogiendo suelo, se puede ver parte del proyecto sobre el Lago de Tacarigua, conocido como Lago de Valencia, en estas obras se registra la acción del artista sumergiendo en el lago hojas de papel, tomando así un pedazo de territorio que muestra en la sala junto al registro fotográfico de cada lugar donde realizo cada acción.

De igual manera otra obra forma parte de la exposición Monumentos arquitectónicos en la cual se muestra su trabajo anterior.

La exposición Inercia ante la lejanía se puede visitar en Espacio Cinco en la ciudad de Valencia, la curaduría estuvo a cargo de Marisela Chivico.

Espacio Cinco está ubicado en la casa No. 141-10 en la avenida Carabobo con cruce de la calle La Ceiba, en la urbanización La Viña, en Valencia, estado Carabobo. El horario de apertura al público es de martes a viernes de 10:00 am a 1:00 pm y de 3:00 a 6:00 pm, y los sábados y domingos de 11:00 am a 4:00 pm.

Zonas en relación. 

3 lugares del Arte Contemporáneo.

Exposición Colectiva  de los Artistas Venezolanos  

Camilo Barboza, Cipriano Martínez y Karim Dannery

inaugura el viernes 16 de agosto a las 7:00 p.m
Hasta el 11 de septiembre.
Lugar: La Caja del Centro Cultural Chacao, El Rosal.

 

Zonas en relación. 3 lugares del arte contemporáneo: Obras de Cipriano Martínez, Camilo Barboza y Karim Dannery

Karim Dannery

Bajo el título Zonas en relación. 3 lugares del arte contemporáneo, será inaugurada una exposición colectiva el próximo viernes 16 de agosto a las 7:00 p.m., en La Caja del Centro Cultural Chacao, en El Rosal, en la que se exhibirán hasta el 11 de septiembre obras de los artistas venezolanos Cipriano Martínez, Camilo Barboza y Karim Dannery, con la curaduría de Lorena González. Cipriano Martínez, residenciado actualmente en Londres (Inglaterra), presenta en esta muestra una serie llamada Prueba de estado, en la que reinventa la imagen de un barco encallado en la arena que nunca llegó al océano, a través de diversas técnicas serigráficas en un ejercicio donde, según explica la curadora Lorena González, “visita patrones cinéticos, retículas y serializaciones, del intento fallido de un acto también vinculado con el síncope de esa imagen estancada en estructuras fotográficas y proyecciones abstractas. El contrapunto crítico y la metáfora visual se suscitan al abrir el paso a una geometría accidentada que desde su propio desvanecimiento comienza a levantar las señales contemporáneas de una memoria en reconstrucción constante”.
Ingeniero civil de la UCV, Licenciado en Artes del antiguo IUESAPAR, y Master in Art en el Chelsea College of Arts & Desing de Londres, Martínez ha desarrollado una importante carrera artística internacional, durante la cual ha exhibido su obra en distintas salas de Venezuela, Inglaterra y España, entre otros países. Entre los reconocimientos que ha obtenido destaca una mención especial del jurado en la XI edición del Premio Mendoza por su obra Situación Naranja (2003).

Cipriano Martínez

El joven zuliano Camilo Barboza exhibe La vida de las serpientes, collages en los que el artista descose y desploma las cartografías simbólicas y materiales de su propia historia regional. “Así, el origen de su ciudad natal se desplaza entre las ruinas figuradas de una arquitectura mutante donde los vacíos especulares de lo vivido se han convertido en la letra palpable de lo que no se dice: substancia particular y colectiva que resopla entre los pliegues del olvido, las manchas imborrables de la hecatombe y las capas sombrías del relato oficial”, afirma Lorena González.
Destacado desde 2003 por su participación activa en salones regionales y nacionales, Barboza ha obtenido diversos reconocimientos, entre ellos, el primer lugar en el XIV Salón Jóvenes con FIA del año 2011.
Por su parte, la fotógrafa Karim Dannery expone su obra con el título El tiempo, donde revive algunos momentos de la ensoñación que en otros tiempos intentó hurgar con una lente que espiaba las escalas de grises y los tonos vinculantes entre el escritor, la palabra y el entorno. En El tiempo, la artista presenta tres series de esa narrativa desplazada: las vespertinas, las nocturnas y las diurnas, “conjuntos que construyen el recorrido de un forastero infinito, ciclos volátiles de una luz que desciende desde los grandes espacios para insertarse en los movimientos trepidantes de la sombra; tránsito inevitable donde ya al tanto de su incapacidad de permanencia, el viajero se entrega sin miedo y sin ansias, pleno en el despunte que asoma y que lo llevará en reposo hacia su próxima desaparición”, escribe la curadora de la muestra.
Licenciada en Artes de la UCV, Karim Dannery ha participado desde finales de los años 80 en numerosos salones y muestras colectivas, y su trabajo ha sido publicado y reseñado por acuciosos investigadores de la fotografía como María Teresa Boulton y Vilena Figuera. Asimismo se desempeña como productora de eventos artísticos en los que combina distintas áreas de la actividad cultural, y entre sus exhibiciones destaca su individual Rostros de la literatura en Venezuela en el Primer mes de la fotografía (2003), una de las muestras más relevantes en esta tendencia que reunió una buena parte de su trabajo creativo en torno a los protagonistas de la literatura en el país.
El público tendrá la oportunidad de apreciar la obra de estos tres representantes del arte contemporáneo venezolano, a través de la exposición Zonas en relación. 3 lugares del arte contemporáneo, que se estará presentando del 16 de agosto al 11 de septiembre, en la Sala 1 de La Caja del Centro Cultural Chacao, ubicado en la Avenida Tamanaco de El Rosal. El horario es de martes a sábado de 12:00 p.m. a 8:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.
Mayor información puede ser solicitada por las páginas web: www.centroculturalchacao.com y www.culturachacao.org o a través de las cuentas de Twitter: @culturachacao y @CculturalChacao Facebook: Centro Cultural Chacao y La Radio del Centro Cultural Chacao.
Cipriano Martínez, Camilo Barboza y Karim Dannery
Zonas en relación. 3 lugares del arte contemporáneo
Del 16 de agosto al 11 de septiembre de 2013
La Caja Espacio de Investigación Visual
Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco, El Rosal, Caracas, Venezuela
Prensa: Zoraida Depablos

Estudio Arte 8

Muestra individual "Part of me" 

del fotógrafo Vicente Diez

inaugura el Jueves 15 de agosto a partir de  las 7pm.

El fotógrafo Vicente Diez  exhibirá una colección de fotografías intervenidas al estilo pop art, mostrando los iconos de varias ciudades, entre las cuales se encuentra su ciudad natal Caracas, otras en las que  presenta los monumentos arquitectónicos de una manera colorida y con un lente original; como es el caso de la rueda londinense "London Eye", el puente "Brooklyn Bridge" de Nueva York, y el movimiento urbano de  Praga. 

 Fotografías Cortesía Estudio Arte Ocho

           La exposición "Part of me" integra una variedad de trabajos realizados en los numerosos destinos que ha visitado Vicente (Estados Unidos, Brasil,Francia, España,República Checa, Venezuela, entre otros). 

Igualmente vale destacar que esta exposición es la segunda individual  que estará exhibiendo en un período de 6 meses, durante el cual hará una muestra itinerante donde se presentará en Miami, Sao Paolo y Río de Janeiro también.

"Vicente  Diez, conocido artísticamente como V10, retrata del entorno urbano desde el objeto más llamativo hasta lo menos percibido por el transeúnte. Fotografía escenarios, monumentos, y sitios recónditos de numerosas ciudades para luego extraer con su lupa artística el foco de su interés y enamorar los ojos del espectador, invitándolo a un mundo al cual le inyecta color para transformar lo cotidiano en fantástico, lo trivial en original, lo tradicional en moderno, lo opaco en brillante...Esta magia la logra V10 con su excelente dominio del color ,y la composición que integra una o varias imágenes que transportan al público a un momento trascendental,  y, de traslado mental a un posible futuro de lo representado en sus fotografías", manifiesta Mariela Lairet.

*inauguración: 15 de Agosto/Hora: 7-10pm

*Cierre de la muestra:  mediados del mes de Septiembre 

*Ubicación: Estudio Arte 8, Av. Orinoco, Edif. ElKano, Piso 2 • Ofic. 5 (0201)

Las Mercedes. Caracas 1060. Venezuela.

*Estacionamiento: C.C. El Tolón

Telf. +58 212 991.30.50

www.estudioarte8.com (mapa y foto de la galería en esta página web)

Jueves 15 de agosto en GBG Arts

Interludio Portafolios

Cómo llegar

GBG ARTS presenta el trabajo más reciente de seis artistas nóveles locales. En esta oportunidad, el ejercicio curatorial de Interludio se concibió con el taller titulado «Portafolio» llevado a cabo el pasado 27 de julio de 2013 y dirigido por Gabriela Benaim, cuyo propósito es dar a artistas y creadores visuales metodologías de orden, registro y clasificación de sus trabajos, apoyándose en plataformas digitales/sociales; siendo hoy día el portafolio digital la herramienta contemporánea mas utilizada y consultada como presentación ante instituciones culturales e interesados del arte en general.

El taller dictado culmina con la exhibición en los espacios de GBG, dónde –inicialmente– seis de los artistas participantes presentan sus propuestas plásticas: Verónica Alvarado, Omar Ávila, Ivette Díaz, Rommel Hervez, Carla Niño y Bienvenida Núñez.

Artistas nóveles que cursan o cursaron estudios en el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón, Caracas, siendo –en su mayoría– la primera oportunidad de exponer en un ambiente galerístico. La muestra abrirá sus puertas el próximo jueves, 15 de agosto a las 7:30 pm.

 

GBG ARTS: Interludio: «Portafolios»

Inauguración
Fecha: Jueves 15 de agosto de 2013
Lugar: Galería GBG ARTS
Hora: 7:30 p.m
Clausura: Jueves 5 de septiembre de 2013

Dirección
GBG ARTS. Avenida Principal de Prados del Este, Galpón #2 (galpón de lanchas).
Teléfono: +58 212 975 22 09

Seis jóvenes artistas abren sus portafolios en la GBG Arts

Los artistas tienen entre 20 y 40 años de edad | FOTO MANUEL SARDÁ

La colectiva ofrece la oportunidad a los creadores de exhibir por primera vez en una galería

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CARMEN VICTORIA MÉNDEZ 15 de agosto 2013 - 12:01 am

Exponer por primera vez en una galería es un paso importante en la vida de un artista, pero no siempre es fácil de lograr. Los jóvenes estudiantes de arte suelen carecer de la experiencia y de los contactos para entrar en el circuito expositivo. Ello motivó a la galerista Gabriela Benaim a organizar un taller que dio como resultado la muestra Portafolio, que reúne los trabajos de seis creadores novatos vinculados a la Universidad de las Artes y al Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón.
La obra de Carla Niño recibe a los visitantes en la galería GBG Arts. Se trata de una selección de 5 fotografías de su serie Meet Me on the Wall, que agrupa un total de 250 imágenes. El proyecto parte del libro Las once mil vergas, de Guillaume Apollinaire, cuya lectura llevó a la artista a interesarse por lo no evidente, plasmado en el uso de la técnica del barrido, que muestra autorretratos suyos en movimiento.
Omar Ávila presenta la instalación sonora Face to Face, que integra 32 imágenes en blanco y negro a la canción homónima de la agrupación británica Siouxsie and The Banshees. “La pieza habla un poco de los amores improbables, de esas relaciones de lejos, de esos vacíos que se producen con la distancia”, indica.
Ivette Díaz registra los rituales de percepción a través de lo que ella misma denomina como fotografías coloreadas digitalmente. Piernas desnudas, ligueros y escenas que remiten al cabaret son parte de la propuesta. “Seducir es dejar de existir en la realidad para fabricarnos como ilusión', escribe Jean Baudrillard en su obra De la seducción”, dice la artista, quien también presenta un video autorreferencial, en el que se presenta a sí misma como una araña.
Bienvenida Núñez expone dos series en gran formato sobre tela serigráfica y papel, respectivamente, en las que echa mano de la línea dibujada e incluso cosida. “Abordo la pintura y el dibujo desde lo extrapictórico. Planteo el mar y el espacio recordado como tema”.
Verónica Alvarado realizó una videoinstalación. Allí proyecta un autorretrato y un espacio similar a la sala de una casa sobre paredes intervenidas con dibujos realizados con cinta adhesiva negra. También exhibe una serie de dibujos elaborados en tinta china en los que presenta personajes de su propia invención, que en esta ocasión aparecen desnudos y con rostros de animales.
Rommel Hervez apela a la escultura en yeso y a la obra sonora para adentrar al espectador en un mundo propio, al cual le ha dedicado los últimos 15 años de su vida, que lo ha llevado a desarrollar un idioma propio, con alfabeto, escritura y fonéticas desarrolladas por él mismo. Las obras están situadas en una ciudad imaginaria, que corresponde a su obra literaria y que planea publicar próximamente.

Portafolio
Inauguración: hoy, 7:30 pm
Galería GBG Arts, avenida principal de Prados del Este, galpón 2
Horario: martes a viernes, de 9:00 am a 1:00 pm y de 2:00 pm a 6:00 pm; sábado y domingo, de 11:00 am a 3:00 pm
Entrada libre

Entrevista a Bienvenida Nuñez

En el marco de la Colectiva Interludio Portafolios

#exposiciónPORTAFOLIOS

Instantes Transversales

 

CONSIDERACIONES

Fotografía Gladys Calzadilla

EL INSTANTE. Entiendo la vida como una suma de instantes esenciales. Todos ellos conforman el mundo tal como lo experimentamos. El arte expresa y reformula mediante metáforas  la experiencia vivida en algo extraordinario. Explica como el artista entiende el mundo a través de sus vivencias. Parto de los elementos sensoriales básicos vividos frente a un entorno y en un tiempo determinado, experiencias sutiles y sensibles que registra mi cuerpo. Vivencias de uno o múltiples instantes que en un primer encuentro se fijan y dibujan en la memoria, para luego en el taller, a través del movimiento de la energía creadora transformarlos en imágenes del instante recordado. Actividad sensible y reflexiva mínima que imagina y rescata la vivencia. Expresión plástica de un tiempo que manifiestan un entorno dentro de la poética de la obra abierta, transversal y extrapictorica, estimulando conexiones múltiples en sus modos de crecimiento, articulación y estructuración procesual.

Guardo instantes de momentos vividos que convocan la esencia del paisaje natural marino observado desde la playa a través de la comprensión  intuitiva que no omite el dialogo con lo racional cuando sea necesario. En un sentido más amplio me interesa la naturaleza con su dimensión cósmica.

TRANSVERSALIDAD. Entiendo el arte contemporáneo como una actividad abierta al conocimiento transversal. La transversalidad permite saltar los marcos reductores de la especialidad. Lo cual ofrece al artista la libertad de seleccionar el medio más acorde a la solución de un problema conceptual o técnico ligado a sus necesidades expresivas. No debemos olvidar que una constante del mundo actual es el cambio, donde la interacción de conocimientos, gracias a las nuevas tecnologías, nos conectan con el aquí, pero nos permiten descubrir que también nos debemos al allá,  en correspondencia a un contexto social, político y cultural mutante. Todo lo cual nos lleva a interactuar dentro de una cultura dialógica, diversa y tolerante.

EXTRAPICTORICO. Como parte de una plataforma transversal, dentro del desarrollo de mi obra, asumo la pintura sin pintura a través de lo extrapictorico. Lo cual me permite fusionar los medios tradicionales con los no convencionales, lo analógico con lo digital. Aun así, los replanteamientos aplicados a la pintura no cambian del todo su manera de verla. Estamos ante una pintura a la cual se llega por caminos ajenos a su tradicional naturaleza o definición. Estamos ante una propuesta contaminada que aspira ser vista como tal.

APROPIACION. La apropiación en la actualidad es una propuesta desmitificadora y subversiva. Arremete contra la originalidad de la representación herencia del arte moderno. La situación de apropiarse de algo implica una fuerte dosis de ironía sin que medie el pudor. Dentro de la escuela dejada por Marcel Duchamp rompe con el mito de la originalidad. Diferenciándose  de la copia en el hecho de reclamar originalidad ante esta acción transgresora. Deja a un lado el punto de partida y la linealidad en función del proceso de una realidad visual distinta. Dentro de mi propuesta me apropio de libros que por su calidad  de imágenes, papel e impresión me seducen visual y táctilmente, los cuales uso como materia prima en la creación de un imaginario distinto, para tal fin apelo a la costura, el frottage, el calco o el dibujo con papel carbón.

Flickr

En los espacios abiertos de La Caja del CCCH

La visión crítica y el humor de Rayma y Boligán

se conjugan en una muestra 

 

El 'Humor Descuadrado' de Rayma y Boligán toma los espacios abiertos del Centro Cultural Chacao

Rayma

Una exposición con dibujos de dos caricaturistas –la venezolana Rayma Suprani y el cubano Ángel Boligán–, se inaugurará el próximo martes 13 de agosto a las 7:00 p.m., en los espacios abiertos de La Caja del Centro Cultural Chacao, en El Rosal, donde podrá ser visitada hasta el 13 de septiembre.

Bajo la curaduría del artista Rolando Peña, la muestra está integrada por 26 carteles en mediano formato, que reflejan el humor y la visión crítica de estos dos artistas, quienes además de grandes ilustradores, comparten el mismo oficio de ser reconocidos caricaturistas editoriales: Rayma del diario El Universal de Venezuela, y Boligán del diario El Universal de México (país donde reside), así como también de las revistas mexicanas Conozca más y El Chamuco.

Las piezas de Rayma, 13 en total, forman parte de su exposición “Paródica”, en la que rinde un homenaje a los Grandes Maestros de la pintura universal, con su caricatura y su sátira. La Maja Pechuga/Un homenaje al maestro Cruz Diez; Hombre Poche/Homenaje a Magrite; El Grito de Munchos; Suave Warhol Suave; y Odalisca de Pantalón Roto; son algunas de las obras de las que se vale la artista para abordar diversos temas de la vida nacional e internacional, con la agudeza que caracteriza su trabajo.

Boligán, por su parte, exhibe 13 obras basadas en una retrospectiva de su trabajo, el cual ha sido reconocido con más de un centenar de premios en distintos países, entre ellos Bulgaria, Italia, Portugal, Cuba, Colombia, Perú, China, Turquía, Grecia, Irán, México, estados Unidos, Canadá, Brasil, Alemania, entre otros.

Boligán

Cabe destacar que como preámbulo de la inauguración, el mismo martes 13 de agosto a las 5:00 de la tarde, los artistas Rayma y Boligán sostendrán una charla sobre “La caricatura como experiencia de opinión en tiempos de la globalización”, con la participación de Rolando Peña en calidad de moderador.

El público podrá apreciar la muestra de estos dos importantes caricaturistas, del 13 de agosto al 13 de septiembre en los espacios abiertos de La Caja del Centro Cultural Chacao, ubicado en la Avenida Tamanaco de El Rosal. El horario es de lunes a sábado de 9:00 a.m. a 8:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.

Mayor información puede ser solicitada por las páginas web: www.centroculturalchacao.com y www.culturachacao.org o a través de las cuentas de Twitter: @culturachacao y @CculturalChacao Facebook: Centro Cultural Chacao y La Radio del Centro Cultural Chacao.

Rayma y Boligán
Humor Descuadrado
Del 13 de agosto al 13 de septiembre de 2013

Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco, El Rosal
Caracas, Venezuela

Prensa: Zoraida Depablos

Museo Afroamericano 

inauguración 11 de Agosto

Exposición Fotográfica

Homenaje Miguel Acosta Saignes

un Fotografo de la Venezolanidad

 

Tulio Peraza Artista Venezolano 

Expone en Italia 

Construttiva Assemblage Grafica 2013 

del 7 al 31 de agosto 
Espacio Dos C Arte Itinerante 
Comune di Cansano, Aprutium 
Società Cooperativa

Hernán Alvarado: Nexos y Vestigios

Clausura Domingo 11 de agosto, 2013 
4 pm



 

 


carmen araujo Arte® 
urbanización sorokaima, calle rafael rangel sur
secadero 2, hacienda la trinidad parque cultural
caracas, venezuela
-

+58 212 915 07 89 / +58 414 121 07 87

info@carmenaraujoarte.com
www.carmenaraujoarte.com
-

horarios
martes a sábado: 10:00 am a 06:00 pm
domingos: 10:00 am a 04:00 pm

Exposición “Las Pitonisas” de José Vicente Guacache

 
La Alianza Francesa de Caracas los invita a asistir a la inauguración de la exposición “Las Pitonisas” de José Vicente Guacache, en la Alianza Francesa de Chacaito el jueves 8 de agosto a las 7 de la noche.
Si bien el sincretismo cultural ha estado presente en el desarrollo histórico de nuestras naciones, es a comienzos del presente siglo cuando se ha direccionado más la atención hacia los rasgos afrodescendientes especialmente en la cultura venezolana. De allí que he tomado como enfoque central la temática de la mujer afrodescendiente en nuestra cultura. Esa mujer que ha desempeñado un papel fundamental en la historia venezolana, desde los tiempos coloniales, pasando por las gestas independentistas, hasta nuestros días.
En las regiones venezolanas donde penetró la cultura africana, continúa evidenciándose su influencia en diversas manifestaciones donde el espíritu de la africanidad se ha hecho presente, “sincretizándose” con lo indígena y lo hispano, generando una identidad contemporánea, producto de ese cruce socio-cultural y religioso.
Con respecto a las “Pitonisas”, les he asignado este título a la presente propuesta, como una connotación que alude a la concepción cosmogónica de la cultura africana en relación a lo ritualístico, lo misterioso, el arte adivinatorio y otras prácticas religiosas. Ese mundo cargado de espiritualidad, tal vez para compensar con sus ritos, sus cantos y demás creencias, los sufrimientos vividos en la esclavitud en los tiempos de la colonia. Es por eso que en la mayoría de las obras aparece el símbolo gráfico como elemento plástico para aludir al silencio impuesto al esclavizado en tiempos coloniales. De allí que se presenten los rostros con los labios “cosidos” con letras como revelando el deseo infructuoso de expresarse ante el amo, ante una realidad circundante y esclavizante. Otro rasgo característico es la ornamentación con aretes como un elemento identificativo de estos personajes, considerados como “objetos”, como “oro” por su valor para el trabajo.

En alianza con la Galería Leme (Sao Paulo, Brasil), a partir de este 1ero de agosto, cuatro creadores venezolanos muestran su obra en Brasil:
Obra reciente muestra individual del artista Juan Iribarren y Visiones contemporáneas venezolanas, una colectiva donde participan Christian Vinck, Daniel Medina y Luis Arroyo.

Inauguración La Discoteca.Historia discográfica del pop-rock venezolano del siglo XX

urbanización sorokaima, calle rafael rangel sur, hacienda la trinidad parque cultural
caracas, venezuela

Proyecto Ecous presenta 'Conticinio' - Arte Sonoro en el MAC

Proceso de registro. Hcda. Guquira Yaracuy. Foto ECOUS 2011

El 18 de julio se celebró el día mundial de la escucha.¹En este marco, aún en estos días, varios lugares del planeta desarrollan muestras, festivales e intercambios de investigaciones diversas que rondan la relación del sonido con el entorno, el espacio y el tiempo que habitamos y nos habita.²
El Museo de Arte Contemporáneo, atraído por este tipo de propuestas abre, en esta ocasión, la Sala Multimedia para mostrar un planteamiento de arte sonoro desplegado por el proyecto yaracuyano Ecous, trabajo muy en sintonía con las búsquedas de ecología acústica desarrolladas por los interesados en el campo del sonido, más allá de la mera experimentación electroacústica.
Durante los últimos años Ecous se ha dedicado a registrar, comprender y ensamblar los sonidos naturales y culturales ―biofonías, geofonías y antropofonías― de Venezuela. La curadora de la muestra, Albeley Rodríguez, apunta que “su abordaje se alimenta de investigaciones que imbrican distintas disciplinas ―etnología, diseño gráfico e ilustración, fotografía y arte sonoro― que se internan en reservas ecológicas y/o en paisajes culturales para transformar lo captado en archivo sonoro, estrategias pedagógicas y propuestas creativas en las que la subjetividad abraza la observación científica, inclinando los contenidos en pro de la sensibilización del sentido del oído aunque, en dirección simultánea, a nuestra atención afectiva sobre el entorno y la obligación de preservarlo”.
Rodríguez añade que “esta muestra es una travesía que, partiendo del sonido, avanza hacia el denso conticinio, «el punto más silencioso de la noche». El recorrido está compuesto por tres umbrales:
Vigilia, es decir, el reino del día y la conciencia percibidos desde los sonidos diurnos y acuáticos de Guáquira (estado Yaracuy) y Caparo (estado Barinas); Somnia o el reino nocturno, del sueño y lo inconsciente, donde los sonidos son libres de geografías específicas y a la vez una mezcla experimental de ellas, y Reminiscencias, donde los testimonios hacen del sueño y la vigilia un lugar de necesaria memoria”.
El público está invitado a esta experiencia sonora pocas veces disponible. Sólo tienen que visitar la Sala Multimedia del MAC a partir de este próximo 2 de agosto a las 6 pm. La entrada es completamente libre.
Proyecto Ecous
Conticinio
Del 2 de agosto al 20 de septiembre de 2013
Museo de Arte Contemporáneo
Parque Central, Caracas
¹Día de cumpleaños del compositor canadiense R. Murray Schafer, quien el inició en 1971 el Proyecto Paisaje Sonoro Mundial. ²Festival de Arte Sonoro Tsonami 2013 en Valparaiso, Chile; 2013 World Listening Day, mapaSONORU Asturias, Celebremos juntos por la escucha, Medellín
Prensa MAC

Clausura la exposición individual de Dalia Ferreira, y, en ocasión a su muestra "Caracas Cautiva" se presentará el graffitero y pintor llamado  Jesus Iachini (Chuo),quien pintará con los utensilios del graffitti una obra "sorpresa". De esta forma, se simulará un acto común de las calles de nuestra Caracas con este "action painting", y, acompañara muy bien las obras fotográficas de Dalia Ferreira, las cuales registran el momento social, cultural y político en el que vivimos. 
Estudio Arte 8, avenida Orinoco, edificio El Kano, piso 2, Las Mercedes  

 el graffitero y pintor Jesus Iachini (Chuo)

La ciudad de Dalia Ferreira

La artista visual inaugura la muestra "Caracas cautiva" en Estudio Arte 8

"La ciudad se ha metido en nuestras casas", dice la artista

SIMÓN VILLAMIZAR |  EL UNIVERSAL

sábado 1 de junio de 2013  12:00 AM

Casi en la madrugada. Y con las precauciones del caso. A esa hora Dalia Ferreira toma su cámara digital, se sube a su carro, y recorre la ciudad. Como una taxidermista comienza a entonces a capturar edificios, grafitis, vallas, casas, iconos publicitarios, hidrantes, postes de luz, paradas de autobuses, brocales, esculturas, semáforos, señales de tránsito, que solo más tarde, en la intimidad de su hogar, clasifica en grandes categorías.

Son todas esas imágenes las que ha incluido en la exposición Caracas cautiva, que inaugura hoy, a las 4:00 de la tarde, en la Galería Estudio Arte 8, ubicada en el edificio Elkano de la urbanización Las Mercedes (frente a El pan alemán).

Una muestra en la que Ferreira desvela diez nuevas obras de mediano formato -fotografías digitales impresas en lienzo y luego intervenidas, esto es, recortadas, cosidas, salpicadas con cemento, acrílico y resina, y hasta pintadas con carboncillo y creyón de cera-, además de una caja de luz.

Once piezas que sobre todo dan cuenta de uno de los temas más recurrentes -acaso obsesiones- de la artista visual: la ciudad. Mejor aún: Caracas. Solo que en esta ocasión, Ferreira ha dado un paso adelante para indagar acerca de los seres que la habitan.

"Sí, en Caracas cautiva intento entrar, por fin, en esos edificios, en esos habitáculos, para tratar de descubrir qué pasa adentro, para tratar de encontrar al ser humano, es decir, al caraqueño", dice Ferreira, quien dividió la muestra en tres planos, y para quien el resultado "no es necesariamente portador de buenas noticias".

En el primero se puede observar la ciudad por fuera. En el segundo está la ciudad intermedia, en la que, dice ella, están plasmados todos esos objetos (hidrantes, esculturas, grúas de construcción, vallas) que guardan relación directa con quienes la habitan. Mientras que en el tercero están las habitaciones y otros espacios cerrados, donde sus dueños coleccionan pedazos de urbe en frascos de vidrio.

Y a pesar del estallido de colores -y de la clara influencia del Pop art-, las piezas se convierten en un grito de alerta.

"Creo que no es una exposición optimista. Puede que incluso sea una denuncia. Porque la idea de Caracas cautiva era hurgar en esa angustia, en ese sufrimiento, en esa condena, en la que se ha convertido nuestra ciudad. Porque el espacio público y el privado no han sido ajenos a la descomposición sociopolítica y económica que hemos vivido. Y lo que tenemos es una urbe que nos reprime, nos encierra, y nos sitia hasta en el último reducto de nuestra intimidad, que son nuestras casas y habitaciones. Los frascos hablan precisamente de eso: de cómo atesoramos nuestra urbe, la apresamos, la encerramos y la observamos. Porque la ciudad ha terminado por estar dentro de nuestras casas, casi que invadiendo nuestra intimidad", reflexiona la artista, que, sin embargo, ha hecho todo lo posible para que la exposición se convierte en un verdadero happening.

Porque antes de entrar a la exposición, por ejemplo, los visitantes podrá subir a un autobús, recorrer algunas cuadras de Las Mercedes, y hasta asistir en su interior al pequeño concierto de hip hop que ofrecerá la agrupación Tres deberes.

Una vez adentro de la Galería Estudio Arte 8, la poetisa y profesora de Arte de la Universidad Central de Venezuela, Kelly Martínez, hará un jamming poético con versos propios dedicados a la ciudad.

Sin contar que, a manera de action painting, Dalia Ferreira le ofrecerá también a los espectadores la posibilidad de construir su propia urbe gracias una obra interactiva: un lienzo gigante en el que la gente podrá pegar (o despegar) calcomanías de edificios, casas, hidrantes y frascos de vidrio. En ellos mismos estará la posibilidad de hacer, o no, una ciudad mucho más amable. Su ciudad.

Caracas cautiva denuncia a una urbe censuradora

Dalia Ferreira | Manuel Sardá

La artista Dalia Ferreira retrata personajes citadinos e íconos arquitectónicos encerrados en frascos de cristal. Su obra critica el aislamiento y la inseguridad que caracterizan a la capital

Íconos caraqueños como las Torres del Silencio, La Previsora, el paseo Los Próceres y la plaza Francia han sido habituales en las obras de Dalia Ferreira, una artista que ha encontrado en la estética pop y en los colores neón el lenguaje más idóneo para denunciar la angustia de vivir en la urbe.
En esta ocasión, la creadora presenta edificios y monumentos emblemáticos de la ciudad encerrados dentro de frascos de cristal. La muestra reúne una decena de lienzos de gran formato y dos cajas de luz basadas en el mismo tema.
El título de la exhibición, Caracas cautiva, es un juego de palabras. “Caracas es cautivadora, es una ciudad que enamora, pero yo a la vez me siento cautiva dentro de ella, creo que estoy presa en una sociedad política, económica y culturalmente censurada, autocensurada y censuradora”, indica Ferreira.
Los íconos urbanos coexisten con cuerpos desnudos, apesadumbrados y posición fetal que representan al habitante promedio de esta urbe. En esta ocasión la artista trabajó con una modelo. El tratamiento de la figura humana es uno de los aspectos en los que la obra ha variado. Hace tres años, cuando exhibió Cuarentena en el Centro de Arte Los Galpones, presentaba a unos seres que salían de los edificios y trataban de expresar su angustia. Ahora parecen haberse rendido. “Aquí los volvemos a ver, pero encerrados en sus últimos reductos de libertad que son sus espacios privados, su casa o su habitación”, dice.
Asegura que sus personajes aluden a las personas que abandonan puntualmente los espacios públicos entre las 5:00 y las 6:00 de la tarde. “Ellos salen del trabajo y se van volando para resguardarse, para protegerse. En ese sentido mi obra es una denuncia de un fenómeno. Con estos cuerpos desnudos sobre el asfalto o encerrados en frascos quiero decir que la gente está desprotegida, se siente como en pelotas en la calle por la inseguridad. Observamos la ciudad que nos contiene y nos mira mientras observamos la ciudad que nos contiene y nos mira, como decía la escritora  Gertrud Stein”.
En la exhibición no sólo se nota un cambio en los personajes, sino también en los procesos creativos y en la incorporación de nuevas técnicas a la obra. Ferreira lo atribuye a su paso por The Art Student’s League, la escuela de arte estadounidense que la becó. Allí aprendió a manejar el acrílico, a superponer telas, a incorporar resina a la superficie pictórica y a intervenir las obras con diversos materiales. “Creo que estoy a medio camino entre varios lenguajes, porque parto siempre del hecho fotográfico, pero mi trabajo se ha vuelto más plástico dentro del término contemporáneo. Por ejemplo, hay una obra cosida. Lo veo como una forma de agujerear el cuerpo humano”.
Hoy, antes de la inauguración, habrá una acción en la que un autobús partirá desde la galería para un recorrido a través de Las Mercedes, mientras sus ocupantes plasman sobre un lienzo sus ideas sobre Caracas. La pieza será incorporada a la muestra. También se efectuará un jamming poético con la participación de la banda de hip hop III Deberes y la poeta y crítico Kelly Martínez.

Caracas cautiva
Obras de Dalia Ferreira
Estudio Arte 8, avenida Orinoco, edificio El Kano, piso 2, Las Mercedes
Horario: lunes a viernes, de 10:00 am a 6:00 pm; sábado, de 11:00 am a 2:00 pm
Entrada libre

VÍNCULOS entre TEJIDOS 

Hasta el 4 de agosto podrás visitarlo

Tejer:

Construir vínculos, unir los puntos, crear nuevas constelaciones. Poner un punto tras otro: meditación. Ya sea con las manos, con la palabra o estableciendo relaciones, tejer impulsa la civilización y enriquece nuestro mundo.

Intervenciones participativas a propósito del tejido en su sentido más amplio: siete artistas y un colectivo reflexionan sobre la metáfora textil. Una invitación a trazar vínculos, unir los puntos y tejer en colectivo, como evento clausura de la exposición Nuevos Vínculos, una selección de obras de la trigésima Bienal de Sao Paulo. Participan: Elsa Esté, Elena Plaza, Isabel Cisneros, Gladys Calzadilla, Zaira Castro, Flix, Misael Carpio y Tejedores de Caracas.

 Zaira Castro

Gladys Calzadilla, Elena Plaza, Isabel Cisneros, Misael Carpio y Elsa Este

Gladys Calzadilla, Elena Plaza, Misael Carpio y Elsa Este

 

 Flix

 

 Gladys Calzadilla

 Elena Plaza

 Elsa Este

Isabel Cisneros

Misael Carpio

Tejedores de Caracas

Una propuesta de Elisabetta Balasso.

ver más información en este vínculo
 Partiendo del trabajo de f. Marquespenteado, uno de los artistas presentes en la muestra Nuevos Vínculos, ocho artistas, consagrados, incidentales, urbanos, nos demuestran diversas aproximaciones al verbo, nos trenzan en una exploración más allá de los bordes del telar, la urdimbre y la trama, a través de interacciones vinculantes.

En el prado detrás de los secaderos, Isabel Cisnero irá tejiendo un rosario a partir de material reciclado (los envoltorios con los que se protegen las rosas), conversando sobre la idea de la acumulación "uno a uno" para conformar un gran todo, al tiempo que cada "uno" es un universo en sí mismo; por su parte, Elsa Esté estará interviniendo uno de los árboles, con una delicada combinación de cerámica y textil, a propósito de la fragilidad de la memoria.

En el jardín delantero, Gladys Calzadilla construirá una telaraña para hablar de estructura y tejido natural, mientras el colectivo Tejedores de Caracas propondrá a los visitantes entretejerse entre sí desde los puntos de vinculación; Misael Carpio trabajará en vivo sobre un telar.

En la reja que constituye el borde del centro con el exterior, Elena Plaza estará demostrando el punto de alfombra, mientras Flix hará su magia urbana para alegrar las zonas limítrofes. Desde su experiencia performática y musical, Zaira Castro servirá de vinculante entre piezas y entre participantes, utilizando el vasto poder de la palabra, interpretando una NoviaManca como parte de la propuesta de Elisabetta Balasso.

Nexos y Vestigios de Hernán Alvarado 

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Hernán Alvarado: Nexos y Vestigios

sábado, 20 de julio de 2013 – 05:30 pm
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carmen araujo Arte® 
urbanización sorokaima, calle rafael rangel sur
secadero 2, hacienda la trinidad parque cultural
caracas, venezuela
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+58 212 915 07 89 / +58 414 121 07 87

info@carmenaraujoarte.com
www.carmenaraujoarte.com
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horarios
martes a sábado: 10:00 am a 06:00 pm
domingos: 10:00 am a 04:00 pm

Dibujos, grabados, libros de artista, collages y matrices de impresión, provenientes de un período comprendido entre 1967 y 1983, años de formación e investigación.

 Fotografía Galería Al Borde

Inauguración sábado 20 de julio de 2013

Hora: 5 pm

Carmen Araujo Arte

Secadero 2

Calle Rafael Rangel Sur, Urbanización Sorokaima
La Trinidad, Baruta. Caracas 1080, Venezuela
Teléfono (58) 212 9433133
http://haciendalatrinidad.org/
@trinidadcultura

 

Hernán Alvarado (Isla de Toas, lago de Maracaibo, 1948).  Actualmente vive y trabaja en Maracaibo. Estudia bachillerato y artes plásticas en la ciudad de Maracaibo y viaja a Europa en 1968, donde continúa sus estudios, Diploma de enseñanza en artes plásticas en la Universidad de Paris 8 y cursos de grabado en la Escuela de Bellas Artes de Paris. Cursa programas  en Centre de la Gravure de Ginebra, Ateier de Gravure con Tanguy, London College of Printing, Papermaking; Dobbin Hill, NY. Viaja a Londres para estudios avanzados de artes gráficas en el Saint Martin School of Arts y luego cursa una maestría en Artes Gráficas en el Royal College of Art de Londres. Regresa a Venezuela en 1983 donde prosigue sus investigaciones gráficas y exhibe en salas y salones locales y nacionales. Enseña en la Universidad Cecilio Acosta y en la Escuela de Artes plásticas Neptalí Rincón (1985-1996). Es profesor de pintura y morfología en la Facultad de Artes Experimentales (FEDA), LUZ Maracaibo. (2002-2006). En 2006 fue homenajeado por la Feria Internacional de Arte de Maracaibo. FIA. Ha sido curador de la exposición de artistas Sami en el marco del Encuentro con Artistas Indígenas. También ha publicado trabajos como ilustrador para Liberation de Paris, revista Ambit, Londres y El Nacional (papel literario) así como ha sido reseñado en  Commune Belgica, Art News Magazine. Ha sido jurado  en salones de arte en La Habana, Ciudad de Guatemala, Maracaibo y Maracay. Sus principales exposiciones individuales son: Sombras suelen vestir, Galería Soporte Superficie, Maracaibo (1991). Museo de la Maison de la Culture de Evreux, Francia (1992). Playa inaugural, Galería Zeppia, Valencia (1992). Bolívar Hall de Londres, Inglaterra (1996). . Informe para ciegos, Centro de Bellas Artes, Maracaibo (1996). Nociones elementales, Centro Rómulo Gallegos, Caracas (1998).Fundación Carmona, Barquisimeto (1999). Centro de Bellas Artes, Maracaibo (2001). as cuatro similitudes, Centro de Arte Lía Bermúdez, Maracaibo (2007). Galería Alternativa, Caracas (2008). Yo termino la frase Aula Magna Universidad Rafael Urdaneta, Maracaibo (2011).Hermanos del agua, junto a la artista Consuelo Méndez, Galería Templarios, Caracas (2012).

Ha recibido reconocimientos en el Salón Arturo Michelena (Premio Antonio Herrera Toro, 1998), la Bienal de Mérida y el Salón Taga.

Tres miradas frente al arte contemporáneo exhibe la Sala Mendoza

Amira Tremont

La Sala Mendoza inaugura la exposición Tres miradas frente al arte contemporáneo. Se trata de un proyecto que brinda un interesante y dinámico intercambio entre tres generaciones de artistas que, esta vez, fungen como curadores: Pedro Terán, Luis Romero y el colectivo zuliano Al Borde, conformado por Juan Pablo Garza, Camilo Barboza y Armando Rosales. Cada uno de estos curadores está a cargo de una de las tres etapas que integran la exposición.

Terán, el mayor de los artistas invitados, presenta Trifinio, muestra que alude a la convergencia que convoca la propuesta expositiva: tres artistas, tres curadurías, tres generaciones que comparten un mismo lugar. También reúne las obras de una tríada de creadores de larga trayectoria, Héctor Fuenmayor, Pedro Tagliafico y Alfred Wenemosser, quienes reflexionan con su obra desde tres vértices: el pasado, el presente y la vigencia del discurso de la obra de cara al futuro.

Romero, representando a una generación intermedia, inserta su propuesta curatorial dentro de las experiencias y arquetipos femeninos con una muestra titulada Meditación-Lucha-Belleza-Tiempo. En ella, los artistas Emilia Azcárate, José Miguel del Pozo, Erika Ordosgoitti y Reynaldo Rodríguez expresan desde sus particulares contextos e intereses distintas visiones de lo femenino que colindan con reflexiones sobre la espiritualidad, la ausencia, los estereotipos y la confrontación.

José Miguel del Pozo

Por último, la generación más joven, representada por la curaduría del colectivo Al Borde, accede al proceso de la práctica artística desde la recolección, el boceto, el registro de experiencias y los accidentes en Recogiendo Suelo. Esta muestra que reúne a Hayfer Brea, Julián Higuerey Núñez, Esmelyn Ricardo Miranda, Daniel Santiago Salgueiro y Amira Tremont, quienes desnudan el proceso creativo y la conformación de sus discursos.

Otras propuestas en la Sala
El domingo 21, además de Tres miradas frente al arte contemporáneo - proyecto que ocupa la sala principal-, se abrirán otras muestras en los diferentes espacios de la institución. En la Mezzanina se exhibirá el proyecto ganador del Concurso Laboratorio Curatorial Sala Mendoza. Marisela Chivico fue la joven curadora que consiguió ganar esta inédita confrontación con un proyecto titulado Monumentos Arquitectónicos, muestra en la que Muu Blanco, Hayfer Brea, Amada Granado, Javier León e Iván Candeo interpretan y representan algunos monumentos históricos de la modernidad en Venezuela.

El Concurso es una iniciativa de la Sala Mendoza que busca promover el talento de jóvenes curadores a fin de otorgarles un espacio para presentar sus discursos curatoriales. El Jurado que evaluó las propuestas estuvo integrado por la investigadora Sandra Pinardi, el artista contemporáneo Héctor Fuenmayor y la joven curadora Costanza De Rogatis.

Esmelyn Miranda

El colectivo artístico El Apartaco, liderado por Arnoll Cardales y Edson Cáceda, presentan una íntima exposición titulada Adjuntos, adecuándose así al perfil del espacio que ocupan: el Centro Documental. La muestra, que reúne a los artistas Carlos González, Leonardo Nieves y Faride Mereb, pone el énfasis en presentar la obra como documento, como objeto de colección y de memoria.
En el marco de este panorama expositivo la Sala Mendoza ha organizado Hablando de Curadurías, evento gratuito y dirigido a todo público que se celebrará el miércoles 14 de agosto de 2013. Este encuentro reunirá a curadores y artistas como Lorena González, Elisabetta Balasso, los colectivos El Apartaco, Esteespacionoesmio, así como los miembros del jurado del Concurso Laboratorio Curatorial Sala Mendoza, sólo por nombrar algunos de los participantes. Se ofrecerá en una jornada de dos turnos, mañana y tarde; el público interesado deberá reservar su cupo.

Finalmente, en el espacio de la Librería, se presenta Nadia Benatar con la muestra Entrelazando Líneas, en la cual a través de puntos y líneas la artista dibuja y construye un cuerpo de trabajo lúdico y sutil.

Tres miradas frente al arte contemporáneo y otras exposiciones
Del 21 de julio al 22 de septiembre de 2013
Inauguración: domingo 21 de julio, 11:00 am

Horarios de visita: martes a viernes, de 8:30 am a 5:00 pm. Sábados de 8:30 am a 3:00 pm. Domingos de 11:00 am a 3:00 pm

Sala Mendoza
Edificio Eugenio Mendoza Goiticoa, PB, Universidad Metropolitana. Urbanización Terrazas del Ávila, Caracas.
+58 212 2427560/2435586
Martes a viernes, de 8:30 am a 5:00 pm. Sábados de 8:30 am a 3:00 pm. Domingos de 11:00 am a 3:00 pm.

Prensa Sala Mendoza

Paralelos – Un Diálogo entre Generaciones en la Galería D’Museo

Paul Parrella. Anotaciones sobre el agua. 2012

Un diálogo entre diversas generaciones de creadores, cuyas disciplinas se acercan desde la indagación plástica, los soportes y el espacio existencial, es la nueva propuesta artística que presenta la Galería D’Museo, a través de la exposición colectiva “Paralelos”, que se inaugurará el domingo 21 de julio a las 11:00 a.m., bajo la curaduría de Alberto Asprino.
El dibujo, la pintura, la escultura y la fotografía, conviven en esta muestra que, a juicio de Asprino “propone un acercamiento colectivo entre grandes maestros y artistas emergentes, buscando establecer imperiosamente, puentes generacionales en el contexto de nuestras artes visuales. Miradas y lecturas abiertas como paralelos de exploraciones e indagaciones estéticas y conceptuales; múltiples, coincidentes, discordantes; cercadas como piel del sentir; cuerpo imaginario de retratos existenciales que nos permiten acercarnos sensiblemente al acto del crear y el vivir”.
Es así como –según explica el curador de la muestra– la pintura trabajada desde el color, el gesto y lo gráfico está representada en las obras de Ángel Hurtado, Jason Galarraga y Paul Parrella; el dibujo como constructor de espacios y tramas, de la urdimbre de la superficie, con Alirio Palacios y Ángel Marcano; la tridemensionalidad hecha imagen, volumen y cuerpo, figuración del sentir y retrato del imaginario, con Cornelius Zitman, Antonio Rodríguez y Jonidel Mendoza; y la tridimensionalidad igualmente explorada como ensamblaje corpóreo, de texturas, pieles pictórica, ironía y camuflaje caricaturizado, con Carlos Zerpa y Efraín Ugueto.

Flix

Completan el cartel de artistas, Nelson Garrido, Juan Toro y Flix, con obras que representan el imaginario de la urbe, fotografía de la complejidad y dinámica del ser, retrato y crudeza de las acciones del habitante frente a su entorno; y Carlos Cruz-Diez y Reymond Romero, con lo extra pictórico, como un acercamiento estético que se reinterpreta desde el referente maestro y el discurso emergente, proponiendo miradas cercadas del efecto cinético que demarca el sentir, y lo visual en las lecturas comunes.
La exhibición “Paralelos” podrá ser visitada del 21 de julio al 11 de agosto, en la Galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, en la Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.
Paralelos
Del 21 de julio al 18 de agosto de 2013
Galería D'Museo
Centro de Arte Los Galpones
Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros
Caracas, Venezuela www.dmuseo.com
Horario:
Martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. Domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m.
La entrada es libre.
Prensa Marisela Montes Comunicaciones

Cecil Valera muestra una ‘Vida llena de Colores’ en la Galerí Gsiete

La artista del fuego Cecil Valera expone una serie de formas colgantes y figuras orgánicas de pared, realizadas con la técnica de vidrio al soplete en su muestra individual “La vida está llena de colores”, en los espacios de la tienda de la Galería Gsiete, en el Centro de arte Los Galpones, en Los Chorros, la cual permanecerá expuesta hasta el 1ro de septiembre.
Estas piezas móviles llenas de brillo y múltiples colores partiendo de la transformación del vidrio en elementos orgánicos o espacios del cosmos, es la propuesta de Cecil para mirar hacia la naturaleza y tratar de recuperar ese aliento, esa energía que nos rodea y que “siempre nos hace cambiar para bien nuestras sensaciones”.
Vítrea en un 95% y complementado con diversos materiales que definen la estructura, elaborada con sus propias manos con la técnica del vidrio al soplete, desde pequeños formatos hasta instalaciones a gran escala, combinando un gran colorido o totalmente transparentes, sus piezas nunca pasan desapercibidas.

Con estructuras o bases en acero, acrílico o aluminio, la artista desarrolla desde hace dos décadas la técnica de vidrio soplado, arte que aprendió en Cristalart, Casa Cultural de El Hatillo y el Taller Escuela Arte y Fuego Cándido Millán, en Caracas. Desde el año 2005, ha participado en múltiples exposiciones colectivas, en las que se destaca, en repetidas oportunidades, con el Salón Nacional de las Artes del Fuego, Galería Universitaria Braulio Salazar, Valencia, Edo. Carabobo, en los cuales ha obteniendo 2 reconocimientos y un premio en 3er lugar, como también en diversas galerías y museos de Venezuela. Recientemente participó en un encuentro del Museo del Vidrio de Bogotá, MEVIBO, Colombia, obteniendo 1er lugar, además de su muestra individual "Celeste persuasión", Museo Alejandro Otero, el pasado año.
La exposición “La vida está llena de colores” de la artista del fuego Cecil Valera estará abierta al público hasta el 01 de septiembre en la Galería G Siete del Centro de Arte Los Galpones, ubicado en la Av. Ávila con 8va, transversal de Los Chorros. El horario es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. y los domingos de 11:00 am a 4:00 p.m.
Cecil Valera
La vida está llena de colores
Hasta el 1 de septiembre de 2013
Galería Gsiete
Centro de Arte Los Galpones
Av. Avila con 8va transversal, Los Chorros, Caracas, Venezuela
Tel: 58 212 524 6661
Prensa: Marisela Montes

Caja Feliz. Una propuesta retadora de Alfred Wenemoser en Oficina #1

A partir del  21 de julio de 2013 se exhibirá en Oficina #1 la exposición individual Caja feliz del artista Alfred Wenemoser (Graz, Austria, 1954), residenciado en Venezuela desde 1980. Wenemoser quizás sea uno de los artistas más escurridizos, críticos y difíciles de encasillar dentro de la escena artística del país, y sin embargo referencia ineliduble de lo que ha sido el desarrollo del arte contemporáneo de las últimas décadas en Venezuela.
Artista de proyectos desconcertantes, de situaciones provocadas para retar al espectador, Wenemoser presenta en esta ocasión cuatro propuestas que se inscriben dentro de algunos de los diversos problemas que a lo largo de más de cuatro décadas ha venido planteando. Es por ello que en esta muestra se exhiben piezas y planteamientos desarrollados ya sea en 1976, en 1996 o en la actualidad, que permiten rastrear la persistencia de muchas de las inquietudes del artista.
Para Caja feliz, Wenemoser ha alterado, tal y como es una de sus prácticas recurrentes, las condiciones de la sala de exhibición: la pieza Iluminación desde el exterior sustituye un sistema de iluminación por una experiencia en la que se conjugan la luz artificial y la luz natural para provocar una “situación barroca”.

También ha creado una pared falsa -un proyecto inconcluso de instalación fotográfica que ahora se reconfigura con sus Armas simuladas (1976) que propone la división del espacio, que es otra de sus inquietudes recurrentes, como instancia previa a la pieza Burladero (2013) que consiste en un muro envuelto con 150 x 60000 cms de tela de algodón con un botón IXI al final. IXI es un símbolo sin significado que el artista empleó como emblema en diversas obras realizadas a finales de la década de los noventa, y de las cuales se exhibe en esta muestra una fotografía de un grupo de jinetes dentro del Museo Alejandro Otero, que en aquel entonces era la referencia obligada en cuanto a arte contemporáneo se refiere, y que hacían vida en las adyacencias de esta institución .
Finalmente, en esta muestra se exhiben las piezas que le dan título a la exposición Caja feliz: un conjunto de frascos de mermeladas cuyas etiquetas refieren por un lado a su “marca” IXI y por otro lado a diversos objetos que le han obsequiado al artista algunos creadores venezolanos (Antonieta Sosa, Héctor Fuenmayor, Eugenio Espinoza, Gabriel Morera, entre otros) o que han sido creados por él, los cuales se disponen en el interior de cajas que a su vez contienen elementos que forman parte del imaginario identitario nacional (monedas, periódicos) y que remiten al acto de Antonio Guzmán Blanco de enterrar bajo la estatua ecuestre de Bolívar, en la Plaza Bolívar de Caracas, este tipo de objetos.
Alfred Wenemoser (Graz, Austria, 1954), reside y trabaja en Caracas desde 1980. Ha desarrollado un trabajo que se ha formalizado en instalaciones, acciones en vivo y fotografías, entre otros medios. Entre sus muestras individuales se encuentran CIT, Espacio 204, Caracas (1996); Pasto Nada, Sala RG, Caracas (1991); Projecktives Gestalten, Galerie Krinzinger, Innsbruck, Austria (1979). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, nacionales e internacionales, figurando entre ellas Ex_culturas. Prácticas tridimensionales, Periférico Caracas (2013); 7th Gwangju Biennale, Gwangju, Corea del Sur (2008); Jump Cuts: Venezuelan Contemporary Art Coleccion Mercantil - CIFO - Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, FL (2007); Jump Cuts - Venezuelan Contemporary Art, Colección Mercantil - The Americas Society Art Gallery, Nueva York, NY (2005); Retomando el volumen, Museo Alejandro Otero, Caracas, (2004); La invención de la continuidad, Galería de Arte Nacional, Caracas (1997); Re-readymade, Museo Alejandro Otero, (1997); CCS-10 / Arte venezolano actual, Galería de Arte Nacional, Caracas (1993); Cartografías, Winnipeg Art Gallery, Winnipeg, Canadá (1992); Transfiguration, Künstlerhaus, Viena (1978).
La muestra Caja feliz del artista Alfred Wenemoser permanecerá abierta en Oficina #1 desde el 21 de julio hasta el 25 de agosto en el siguiente horario: Martes a viernes de 2 a 6 pm / Sábados y domingos de 11am a 4 pm.
Alfred Wenemoser
Caja Feliz
Del 21 de julio al 25 de agosto de 2013
Oficina #1
Galpón 9. Centro de Arte Los Galpones 29- 11.
Av. Ávila con 8va Transversal de Los Chorros. Caracas 1070, Venezuela
Teléfono: +58 212 5837526
www.oficina1.com
Prensa Oficina #1

Claudiografías, la expresión rebelde del humor gráfico en el MEDI - Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz Diez

El viernes 26 en la Sala 2A se apertura muestra homenaje a Claudio Cedeño a las 6 de la tarde

(Prensa FMN-MEDI, julio de 2013) Claudiografías es la muestra que este viernes 26 de julio de 2013 a las 6 de la tarde inaugura el MEDI Carlos Cruz-Diez en la sala 2A, para rendir un homenaje a Claudio Cedeño, destacado ilustrador y caricaturista venezolano. Esta exposición ha sido organizada, conjuntamente, con la Universidad Nacional Experimental Simón Rodríguez y la Fundación Claudio Cedeño.

Ilustraciones originales, artículos de prensa, maquetas de sus trabajos, videos y algunos objetos personales de este comunicador gráfico integran este proyecto, que pone de manifiesto el activo rol asumido por Cedeño como artista visual, caricaturista, muralista, comentarista político, pedagogo, editor, dirigente gremial, militante revolucionario y luchador social. La muestra cuenta con la investigación de Jenire Albarrán y para su apertura invita el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, a través de la Fundación Museos Nacionales.

Caricaturas con visión aguda

Sobre Cedeño, el director general del MEDI, Edgar Ernesto González, expresa que este creador corporizó en las materialidades de sus sencillos soportes y herramientas un lenguaje estético único y personal, fácilmente identificable. A menudo el caricaturista crea una anécdota de la actualidad con gran tono sarcástico y con una personal posición irónica en la que exagera, intensifica y distorsiona, conscientemente, los rasgos característicos de un evento o una persona. Pero, en cada una de ellas está presente el pensamiento consciente de su autor.

Por su parte, Carlos Servando García, director nacional de cultura de la Universidad Nacional Experimental Simón Rodríguez, afirma desde su cercanía con Claudio (como firma todos sus trabajos) que era un nombre archiconocido ligado a las luchas sociales y sindicales, sinónimo de crítica con reflexión. Su aguda visión le permitió convertir sus caricaturas en referentes críticos de la realidad que le tocó vivir. En toda su obra se condensa información; a través de ella es posible conocer y comprender a fondo los momentos y los personajes de la historia venezolana contemporánea. Supo retratar a la clase política y los grupos económicos de la época con sus desmanes, disputas, intereses y despilfarros, ajenos al bien de la Nación; y de lo cual el pueblo era un mero espectador.

De Río Caribe a Caracas

Cedeño, oriundo de Río Caribe, pueblo pesquero y acogedor del estado Sucre, nació en 1916 en el oriente del país. La Chinche fue el primer diario que ilustró en su juventud y así puso de manifiesto su necesidad de comunicar en un medio impreso.

En 1939, Caracas lo recibe y una vez en la ciudad capital, conoce a Leoncio Martínez. Con él inicia su trabajo en el reconocido semanario Fantoches, medio en el que laboró hasta 1941. En el año siguiente, durante el gobierno de Isaías Medina Angarita y apoyado por los comunistas que regresaban del exilio, Cedeño dirigió, hasta 1950, el semanario de corte humorístico El Morrocoy Azul, en el que también participaron Andrés Eloy Blanco, Miguel Otero Silva y varios de los intelectuales del momento.

Por su activa participación en defensa de los derechos de los trabajadores del medio gráfico fue elegido secretario general del Sindicato de la Prensa, cargo que desempeñó entre 1946 y 1950. En 1946 dibuja la caricatura diaria del periódico El Nacional, con la sección fija Filo de Lápiz, que luego continuó en El Mundo, en 1951.

Desde 1954 y hasta 1958 realizó estudios en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas, en la cual, en 1957, inició su carrera como docente. Posteriormente, entre 1975 y 1978, dirigió este centro de estudios. La experiencia en la docencia marcó una etapa decisiva en la vida de Cedeño, quien vio en la pedagogía un camino lleno de múltiples posibilidades, y siempre alentó a sus alumnos a la pintura y a la investigación. Fue profesor de artes plásticas en varios liceos de Caracas y realizó una importante labor como maestro en teorías políticas dirigiendo el grupo Guaicaipuro I, con el cual realizó distintas actividades.

En la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas formó parte del Taller de Arte Realista, que el artista Gabriel Bracho organizó con un grupo de estudiantes. Entre los que se encontraban también Nicolás Piquer, Luis Domínguez, José Antonio Dávila, Armando Lira y Rafael Ramón González.

Cedeño fue un comunicador visual gráfico y humorista peculiar. Su labor fue reconocida con el 2° Premio de Pintura en el 5° Salón de Artes Plásticas en 1971, en Maracay, estado Aragua; en 1976 con el Premio Municipal de Caricatura; este mismo año con el Premio Municipal del periodismo Leoncio Martínez; así como también en fechas más actuales, como en los años 2002, con el premio de la Bienal Salvador Valero, estado Trujillo, y 2003, con el Premio Nacional del Periodismo, en Caracas.

Quintillo Ensamble, nuestra música para Claudio

Como parte de los eventos musicales previstos para la inauguración de Claudiografías se presentará el Quintillo Ensamble. La formación de esta agrupación, comenzó en la Escuela de Música Luis Manuel Gutiérrez, donde se conocieron sus integrantes. En conjunto, participaron en agrupaciones como Estudiantina Luis Manuel Gutiérrez, Estudiantina Alberto Beto Valderrama Patiño de la Universidad de Oriente (UDONE), Orquesta de Música Típica Margariteña del estado Nueva Esparta, Orquesta Sinfónica Juvenil de Nueva Esparta y Orquesta Sinfónica Profesional de Nueva Esparta. Hace 5 años comienza a generar un proyecto caracterizado por la originalidad.

Experimentan con composiciones propias de los integrantes y fusiones de géneros de música venezolana y del mundo. Buscan un sonido propio y así logran una identidad sonora única. El formato de este ensamble también ayuda en esta sonoridad, ya que es el primer grupo en Venezuela que reúne tres instrumentos de viento-madera, como la flauta. La mezcla de estos instrumentos ha causado en cada concierto un gran atractivo, por la alta gama de colores y la expresividad de cada uno de los integrantes. Esto le da al Quintillo Ensamble un tono innovador en la escena musical de nuestro país.

Actualmente, sus miembros residen en caracas, donde cursan estudios en el Conservatorio de Música Simón Bolívar y en la Universidad Nacional de las Artes (Unearte). Pertenecen a el Sistema de Orquestas y Coros Infantiles de Venezuela, Fundamusical Simón Bolívar. Son integrantes de afamadas agrupaciones: Orquesta Afrovenezolana Simón Bolívar, Banda Sinfónica Simón Bolívar, Simón Bolívar Bigband Jazz y la Orquesta Latino caribeña Simón Bolívar.

A esta presentación del Quintillo Ensamble se suma la Coral del ISUM y los Dj´s Onecho y Charles Leiv de la Escuela de Dj´s de Caracas. (FIN)

Av. Bolívar entre calle Sur 11 y Este 8, Paseo Vargas

Teléfonos: 0212-571.69.10, 572.14.76/ e-mail: educacionmccd@gmail.com

Twitter: @medicruzdiez /Facebook: Museo Carlos Cruz-Diez MEDI

Página Web: www.mccd.fmn.gob.ve

Este Domingo 14 de Julio a las 11:00 am. 

Entrada libre.

Clausura de la Exposición Individual del Artista 

Paul Amundarain 

NUEVAS OBRAS 

PIELES, PINTURA Y ESCULTURA

Este Domingo 14 de Julio de 2013 a las 11am.

Los Esperamos!!

Centro de Arte Los Galpones - Galpón 12, 8va. Transversal con Avenida Ávila y Calle Ávila B, Urbanización Los Chorros - Caracas.

Horario:

Martes a Sábado de 11am a 6pm

Domingos de 11am a 4pm

-

luis arroyo: manifiesto del afuera

domingo, 14 de julio de 2013 – 11:00 am a 4:00 pm
-
carmen araujo Arte® 
urbanización sorokaima, calle rafael rangel sur
secadero 2, hacienda la trinidad parque cultural
caracas, venezuela
-

+58 212 915 07 89 / +58 414 121 07 87

info@carmenaraujoarte.com
www.carmenaraujoarte.com
-
horarios
martes a sábado: 10:00 am a 06:00 pm
domingos: 10:00 am a 04:00 pm

J  U  L  I  O

12 VIERNES 

7:00pm

En el marco de la exposición Nuevos Vínculos

Ciclo: Video-Encuentros

Presentaremos la tercera y última ronda de videos que participaron en la Bienal de Sao Paulo. En esta oportunidad, presentaremos el mediometraje Hotel Humboldt del artista francés Thomas Sipp y el largometraje Sugar del irlandés Patrick Jolley. A continuación un breve resumen de cada uno.

HOTEL HUMBOLDT
FRANCIA, 1999, 00:52:00
A más de 2 200 metros de altitud, como un lejano faro vigilante del valle de Caracas, emerge un hotel cinco estrellas, el Hotel Humboldt.
Construido en 1956, bajo el régimen dictatorial del General Marcos Pérez Jiménez, esta torre de 18 pisos de paneles de vidrio, irrumpe en la recién emergente arquitectura moderna que se abría paso en el caribe tropical,  dándole la bienvenida a la alta sociedad venezolana que iba en busca de lujo y comodidad. Pero actualmente el hotel se encuentra en estado de abandono. Paco es su último inquilino, él cómo fiel  guardián, se mantiene luchando sin descanso para impedir que la edificación se siga deteriorando. Desde muy temprano hasta entrada  la noche, pule, remacha, y repara mientras pacientemente espera por una hipotética apertura. Pero cualquier simple proyecto de refracción parece una tarea sin fin: la labor de Paco se convierte cada vez más en una quimera.
Un día, de pronto, entraron unos reporteros  a la edificación: el Gobierno venezolano ha decidido vender el hotel a una compañía privada. Paco podría tener que irse.

SUGAR
EE UU, 2005, 00:82:00, 16MM/SUPER8, B/W COL
Una mujer sale de un refrigerador, gatea por el piso, abre la rejilla de calefacción y exhuma un cadáver- el suyo. Desde este punto crítico, Sugar se embarca en un viaje hacia los vertiginosos reinos de la mente. Disueltos los parámetros entre la realidad y la psicosis, los sueños y el delirio, Sugar deciende a un laberinto creado a través de la cautivante participación de Samara Golden.

Editor: Reynold Reynolds

Diseño Sonoro: Bruce Odland, Sam Auinger music – JG Thirlwell, Ectopic Music

Actores: Samara Golden (Mujer), Nelson Nelson (Anthony), Patrick Jolley (Visitante)

Una coproducción de Zanzibar Film

 

Calle Rafael Rangel Sur, Urbanización Sorokaima
La Trinidad, Baruta. Caracas 1080, Venezuela
Teléfono (58) 212 9433133
http://haciendalatrinidad.org/
@trinidadcultura 

Nuevos Vínculos. Obras de la Trigésima Bienal de Sao Paulo en La Caja del CCCH

Con la cooperación del Instituto Cultural Brasil-Venezuela

Nydia Negromonte

Hasta el 04 de agosto permanecerá en exhibición la muestra Nuevos Vínculos. Selección de obras Trigésima Bienal de Sao Paulo, que se presenta actualmente en La Caja del Centro Cultural Chacao, en El Rosal, con la colaboración del Instituto Cultural Brasi-Venezuela, como parte del proyecto expositivo que desarrolla esta institución en alianza con la Sala Mendoza y la Hacienda La Trinidad Parque Cultural. Esta muestra reúne, bajo la curaduría de Lorena González, un conjunto de obras de los artistas Juan Nascimento y Daniela Lovera (Venezuela), Patrick Jolley (Irlanda), y Thomas Sipp (Francia), quienes participaron en la 30º Bienal de Sao Paulo que se llevó a cabo del 07 de septiembre al 09 de diciembre de 2012 en Brasil.

Patrick Jolley

Patrick Jolley y Thomas Sipp  revelan nuevos entramados visuales desprendidos de los rastros privados y colectivos de la existencia cotidiana, a través de obras donde destacan las poéticas del archivo, la memoria colectiva, la potencia cotidiana de la existencia y los cruces entre realidad y ficción, según explica Lorena González, curadora de esta muestra.
Una de las obras que se exhiben es Archivo Nacional, de los creadores venezolanos Juan Nascimento y Daniela Lovera, una propuesta en la que se desarrolla la idea de historia como ficción, y sus posibles analogías producidas con la reconstrucción de la narrativa fílmica y los discursos históricos. En tal sentido, “se consolida un inquietante despliegue de encuentros visuales que como un valioso hallazgo arqueológico, está ensamblado por un amplio conjunto de fotos tomadas de la prensa local y de internet. Construyendo la relación entre estas imágenes Nascimento/Lovera conciben un índice de vínculos entre los eventos políticos y las representaciones estéticas oficiales e ilegítimas de los discursos de poder”, afirma la especialista.

Juan Nascimento y Daniela Lovera

De igual manera, esta exhibición incluye dos piezas videográficas: una obra intimista del francés Thomas Sipp, que se concentra en las formas del retrato documental vinculado a ciertas prácticas dominantes en el panorama del arte contemporáneo, y ofrece una visión post-humanística y poética sobre los límites de la existencia, el comienzo y el final del ciclo de la vida, las relaciones familiares, los ritos del paso de la edad, el trabajo y la fragilidad del cuerpo; y una pieza del irlandés Patrick Jolley, con secuencias densas, fragmentarias y oblicuas en las que extrañas situaciones toman un acento casi sobrenatural, en filmes llenos de atmósferas misteriosas que invierten las experiencias cotidianas con lo fantástico, desarticulando nuestras concepciones de la realidad.
La muestra Nuevos Vínculos. Selección de obras Trigésima Bienal de Sao Paulo, podrá ser visitada hasta el 04 de agosto en La Caja del Centro Cultural Chacao, ubicado en la Avenida Tamanaco de El Rosal. El horario es de martes a sábado de 12:00 p.m. a 8:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.

Tomas Sipp

Mayor información puede ser solicitada por las páginas web: www.centroculturalchacao.com y www.culturachacao.org o a través de las cuentas de Twitter: @culturachacao y @CculturalChacao Facebook: Centro Cultural Chacao y La Radio del Centro Cultural Chacao.
Nuevos Vínculos. Selección de obras Trigésima Bienal de Sao Paulo
Del 11 de mayo al  4 de agosto de 2013
La Caja Espacio de Investigación Visual
Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco, El Rosal, Caracas, Venezuela
Prensa: Zoraida Depablos

Se abre una opción con un concepto diferente en el arte actual venezolano

Espacio 2C continúa con Tulio Peraza

Es un concepto definitivamente diferente, espacio 2C ofrece al artista asesoría y un lugar donde exhibir sus obras, depurando su portafolio. Le permite mostrar in situ los resultados de su proceso y recibir retroalimentación de las personas que decide involucrar en ello. Una antesala a la muestra individual y posteriormente una exposición itinerante que permite la difusión de su obra.

En esta ocasión el artista Tulio Peraza inaugura en la muestra "Ars Lettera Ensamblajes" donde se hace evidente la influencia estética del movimiento Dada, la palabra como dibujo, como significante y significado, conjugándose con lo onírico. No sólo utiliza el formato de trabajo sino sale del objeto y toma el espacio físico.

Begonia Matamoros y Tulio Peraza son los creadores de espacio 2C pueden contactarlos en este vínculo espacio 2C 

La orfebre Begonia Matamoros comenta que este espacio además contará con obras pequeño formato que estarán a disposición de amantes del arte y con especialidades gastronómicas para el disfrute del visitante.

Ubicado en la Av Alameda, El Rosal, Caracas, Venezuela

Teléfonos: 0426-3117101

Arquitectura de Frente. Antonio Castañeda ofrecerá exposición, charla y taller de en RMTF

Fotografía y patrimonio es el tema a abordar por el colombiano Antonio Castañeda en las diferentes actividades que realizará durante su visita a Venezuela en el mes de julio

En los diferentes trabajos que Antonio Castañeda ha dedicado al patrimonio arquitectónico, su propuesta se ha enfocado en buscar y llegar a la historia no académica de cada lugar, a esa faceta que va más allá de lo que muestran los libros de historia. La necesidad de explorar y retener dicho legado en imágenes lo ha motivado a desarrollar investigaciones que han resultado en importantes proyectos editoriales, como Cartagena de frente, ganador del premio Andigraf Lo mejor del año 2007 – 2008 en la categoría libros de arte. Durante su visita a Venezuela, el fotógrafo y restaurador colombiano realizará diversas actividades relacionadas a su quehacer, como la presentación de la muestra Arquitectura de frente. Esta es una serie de fotografías de la arquitectura de Cartagena, Bogotá, Santa Marta y Santa Cruz de Mompóx realizadas por Castañeda y que, a su vez, son parte de cinco libros de la colección La Historia de frente, publicada por Letrarte Editores.

“El conjunto de imágenes y textos pretende ampliar la noción de patrimonio que en la mayoría de los casos está circunscrita al mero inventario físico de los bienes inmuebles”, dice el fotógrafo. De alguna manera, es la generación de un conjunto integral físico e interpretativo, como concepto patrimonial histórico, en un lenguaje para todo público. La inauguración es el miércoles 10 de julio a las 8:00 de la noche en los espacios de RMTF.
El jueves 11 de julio a las 8:00 de la noche, el fotógrafo ofrecerá la charla La historia de frente. Esta es una aproximación al origen y al concepto de la propuesta de contar la historia de una ciudad a través de su arquitectura, como testimonio tangible que revela sus características sociales, culturales, políticas, económicas y religiosas. La arquitectura funge como forma de expresión con un agregado de apreciación que permite percibir, en profundidad y en detalle, su lenguaje en las diferentes épocas representadas en los trabajos que se mostrarán.
Del 12 al 14 de julio, Castañeda dictará el taller intensivo Fotografía y patrimonio, en la sede de RMTF. Luego de revisar y ahondar en la definición de los conceptos de patrimonio, su catalogación y las posibilidades de difusión del mismo, se contempla el desarrollo de la metodología para realizar un proyecto patrimonial urbano específico. La etapa práctica del taller se realizará en los cascos históricos de Petare y La Guaira.
Esta propuesta académica está dirigida a arquitectos, historiadores, fotógrafos y humanistas. Por la sencillez del lenguaje, está abierto al público no especializado, con intereses o inquietudes por los procesos históricos. Para solicitar más información o formalizar inscripciones, se puede llamar a la sede de la escuela: (212)257.97.45.
Antonio Castañeda es egresado de la facultad de Arquitectura de la Universidad de Los Andes (Bogotá). Se especializó en fotografía, conservación y restauración de material fotográfico y diseño y organización de archivos históricos en Rochester Institute of Technology (EEUU) y Service National des Archives du Film (Francia). Ha trabajado en diferentes instituciones y fundaciones colombianas ligadas a la cultura, como directivo, asesor, tallerista o emprendedor de proyectos especiales; también ha sido profesor de las universidades de la Sabana, los Andes y Católica. Su obra ha sido publicada en diversos medios impresos –libros y revistas- y se ha presentado en salas de Colombia, España, Turquía, Estados Unidos y la antigua Unión Soviética, entre otros países. Fue galardonado con el Premio Colombiano de Fotografía 2002.
Roberto Mata Taller de Fotografía es una escuela donde los estudiantes armonizan el reto que supone la concepción de una imagen y el apoyo mismo que implica obtenerla. Es también un espacio que se dedica a promover e intercambiar ideas sobre todo lo que se refiere al hecho fotográfico. Desde sus inicios –en agosto de 1993- ha formado más de 2500 alumnos, muchos de los cuales se mantienen vinculados activamente al Taller y a la fotografía.
Antonio Castañeda – Expo + Charla + Taller
Expo: 10 de julio de 2013, hasta finales de mes
Charla: 11 de julio de 2013, 8:00PM
Taller: 12 al 14 de julio de 2013
Inscripciones: (0212) 257.9745
Lugar: Roberto Mata Taller de Fotografía, Av. Trieste con Av. Madrid, La California Sur
Prensa: Militza Zúpan

Raymond Depardon en el Museo de Bellas Artes

Raymond Depardon es un fotógrafo y cineasta francés nacido en Villefranche-sur-Saône. Uno de los más prestigiosos directores de cine documental. En la Sala de la Cinemateca Nacional del Museo de Bellas Artes Raymond Depardon compartió sus vivencias y su conocimiento sobre fotografía y cine. En la sala de la planta baja del Museo se puede apreciar la fotografía de Raymond Depardon que muestra Francia desde lo cotidiano. Para el 29 de Julio se realizará otro encuentro y será por invitación a estudiantes y profesionales de la fotografía.

El miedo, según Antoni Muntadas

El artista español inaugura el domingo una muestra en Periférico.

A la muestra, se incorpora "El monumento al whisky"

JESSICA MORÓN |  EL UNIVERSAL

viernes 5 de julio de 2013  10:07 AM

"El miedo ocurre en cualquier lugar", comenta de entrada Antoni Muntadas (Barcelona, 1942), quien en su recorrido por el mundo se ha detenido por algunos instantes, a fotografiar y documentar el temor que embarga, por ejemplo, a los residentes de la frontera de México con Estados Unidos.

En su obra, On translation: Fear/Miedo (2005), el artista visual hace un collage en el quemezcla entrevistas a habitantes de la zona, imágenes y fragmentos de películas de terror como Psicosis, en un video de 40 minutos en el que muestra esa sensación de sobresalto que invade a pobladores fronterizos.

Una serie fotográfica -con imágenes ampliadas- bajo el nombre de Cercas (2008) retrata rejas y cámaras de seguridad, incorporadas a la fachada de una casa de Sao Paulo "como evidencia de que ni siquiera en el hogar, uno se siente seguro", dice el creador catalán cuya obra se agrupa en la muestra La construcción del miedo, que inaugura el domingo en la galería Periférico del Centro de Arte Los Galpones.

• El artista Antoni Muntadas nació en Barcelona en 1942 y reside en Nueva York desde 1971.

• Ha impartido y dirigido seminarios en diversas instituciones de Europa y Estados Unidos.

• También ha sido artista residente y profesor de varios centros de investigación y educación de la nación norteamericana.

• Su obra se ha exhibido en el MoMA de Nueva York, Berkeley Art Museum de California, el Musée Contemporain de Montreal, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, entre otros museos latinoamericanos. 

El ganador del premio Velázquez de las Artes Plásticas español en 2009 integra a su primera individual en el país un mural que ha expuesto en Montreal, Nueva York, Amman y París. En él, se vale de los titulares de periódicos locales para adherirlos a una pared, en donde resalta en color rojo la palabra miedo. La versión que se exhibe en Caracas se hizo a partir de los titulares de algunos diarios venezolanos.

A la exhibición, se incorpora una escultura: El monumento al whisky. La pieza capta de inmediato la atención del espectador, quien se topa con una suerte de pirámide edificada con la ostentosa bebida. El creador aclara que trata de imitar la forma del monumento a Cristóbal Colón, ubicado en Plaza Venezuela. "Me resulta paradójico que un país que produce ron, consuma tanto whisky. Pero es un rasgo producto de la colonización, que hilo con el monumento a Colón", explica.

"Surgió de mi primera visita a Venezuela en 1975, cuando probé por primera vez el ron venezolano y me volví adicto", agrega el artista residenciado en Nueva York, acerca de la maqueta que elaboró especialmene para esta exposición.

Margarita D'Amico, conocedora del trabajo de Muntadas, afirma en el catálogo que el creador "no se ha quedado en el radicalismo verbal, sino que se ha dedicado de lleno a la práctica de un arte como actividad social, relacionado con los medios de comunicación, la sociología, la antropología y la psicología".

De igual forma, Felix Suazo, curador de la muestra, sostiene que la obra del español parte de un método práctico, "destinado a la formación de un itinerario global cuyos senderos, cruzan los lugares afines a su comportamiento nómada".

Para el artista "el miedo no dejará de ser un arma política. Dentro de poco, se apoderará de la industria 2.0", concluye Muntadas.

jmoron@eluniversal.com

‘La Construcción del Miedo’ – Antoni Muntadas expone por primera vez en Caracas

Antoni Muntadas. Portrait, 1995

Periférico Caracas | Arte Contemporáneo presenta la exposición “La Construccion del miedo” del artista catalán Antoni Muntadas a inaugurarse el domingo 7 de julio, a partir de las 11:00 am.

“La construcción del miedo”, primera exposición individual de Antoni Muntadas (Barcelona, España, 1942) en Venezuela, está compuesta por videos, fotografías, textos instalatorios y proyectos del artista, cuyo trabajo se ha centrado en el papel de los medios de comunicación y las representaciones en la percepción de lo público El lenguaje y la información son las principales preocupaciones de su investigación, asignándole a la palabra (refranes, eslóganes, sentencias, etc.) una función capital en la configuración de las estructuras persuasivas del poder. El elemento común a estas proposiciones es el uso de materiales televisivos y periodísticos (entrevistas, documentales, imágenes) cuyo sentido es redireccionado por el artista, utilizando tácticas de contrainformación con marcada intensión crítica y reflexiva.

“On Translation: Fear/Miedo” (2005), emisión de video que une entrevistas con imágenes televisivas y fragmentos de obras cinematográficas, alude a la percepción del miedo que tienen los residentes en la frontera de México y los Estados Unidos.

La instalación “Construcción del miedo” (2009-2013) es un proyecto redimensionado para su presentación en Venezuela y realizado a partir de una investigación documental en distintos diarios de circulación nacional donde se localizaron titulares de noticias en los que aparece la palabra miedo. Ha sido presentado con anterioridad en lugares tan diversos como Montreal, New York, Amman y Paris

La serie fotográfica “Cercas” (2008), es una propuesta en la cual se registran imágenes de los sistemas de seguridad que protegen las residencias privadas en São Paulo.

“Portrait” (1994), es un video realizado a partir de la alocución de un personaje indeterminado cuya identidad facial se omite, dejando que sus gestos delaten los estereotipos del poder que representa o detenta.

“Frases” (1999-2013), es una serie serigráfica realizada a partir de eslóganes y material propagandístico oficial en países de Europa y Latinoamérica.

La maqueta para el “Monumento al Whisky” (2013), proyecto concebido específicamente para Venezuela, yuxtapone varias instancias relacionadas: producción y consumo, con la implantación y modificación de los hábitos de consumo en el país, de lo cual se desprenden diferentes vínculos con los estereotipos identitarios, el status social, la cultura patrimonial y la historia.

“La construcción del miedo” opina Felix Suazo, curador de la muestra de Periférico Caracas, “no sólo focaliza algunos aspectos controversiales del mundo contemporáneo, sino que también sintetiza una estrategia de trabajo. En tal sentido Muntadas mantiene un balance estratégico entre movilidad global y gravitación contextual” Su método, agrega Suazo, “no es una teoría estética sino una práctica contingente, destinada a la formación de un itinerario global, cuyos senderos cruzan los lugares afines a su comportamiento nómada”.

Por otra parte, en opinión de Margarita D´Amico, conocedora del trabajo del artista, catalizadora de la primera visita de Muntadas en el año 76 y autora de uno de los textos del catálogo de la exposición, Muntadas “no se ha quedado en el radicalismo verbal, sino que se ha dedicado de lleno a la práctica de un arte como actividad social, relacionado con los medios de comunicación, la sociología, la antropología, la psicología, ciencias que el artista utiliza como modelos, patrones, para transformar…siempre en el marco de lo contemporáneo, lleno como se sabe, de antinomias y paradojas”.

Antoni Muntadas nació en Barcelona en 1942 y reside en Nueva York desde 1971. Ha impartido y dirigido seminarios en diversas instituciones de Europa y Estados Unidos, incluyendo la Escuela Nacional de Bellas Artes de París, las Escuelas de Bellas Artes de Burdeos y Grenoble, la Universidad de California en San Diego, el Instituto de Arte de San Francisco, Cooper Union de Nueva York, la Universidad de São Paulo y la Universidad de Buenos Aires. Asimismo, ha sido artista residente y profesor de varios centros de investigación y educación, incluyendo el Visual Studies Workshop de Rochester, el Banff Centre de Alberta, Arteleku en San Sebastián, el Studio National des Arts Contemporains Le Fresnoy y la Universidad de Western Sydney. Actualmente es profesor invitado del Programa de Artes Visuales de la Escuela de Arquitectura del MIT en Cambridge y del Instituto Universitario de Arquitectura del Véneto de Venecia.

Ha recibido diversos premios y becas por parte de instituciones como la John Simon Guggenheim Memorial Foundation, la Rockefeller Foundation, el National Endowment for the Arts, el New York State Council on the Arts, Arts Electronica en Linz, Laser d’Or en Locarno, el Premi Nacional d’Arts Plàstiques concedido por la Generalitat de Catalunya y el Premio Nacional de Artes Plásticas 2005. Uno de los galardones más recientes es el Premio Velázquez de las Artes Plásticas 2009, otorgado por el Ministerio de Cultura español.

Su obra se ha exhibido en diversos museos, incluyendo el MoMA de Nueva York, el Berkeley Art Museum de California, el Musée Contemporain de Montreal, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Museu de Arte Moderna de Río de Janeiro y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona. En cuanto a su presencia en certámenes internacionales, cabe destacar su participación en las ediciones VI y X de la Documenta de Kassel (1977, 1997), en la Whitney Biennial of American Art (1991) y en la 51 Bienal de Venecia (2005), así como en las de São Paulo, Lyón, Taipei, Gwangju y La Habana.

Entre las exposiciones individuales que ha realizado se cuentan Protokolle, Württembergischer Kunstverein Stuttgart y la instalación On Translation: SocialNetworks en la Inter-Society of Electronic Arts de San José, California durante el año 2006. En el 2007 expuso Muntadas/BS. AS., simultáneamente en el Espacio Fundación Telefónica, el Centro Cultural Recoleta y el Centro Cultural de España en Buenos Aires. Presentó en el año 2008 Petit et Grand en el Instituto Cervantes de París y Muntadas: La construcción del miedo y la pérdida de lo público en el Centro José Guerrero de Granada, España. Durante el 2009 interviene el Pabellón Mies van der Rohe con el trabajo Muntadas. On Translation: Paper BP/MVDR y exhibe en Montréal La construction de la Peur en la galería de Arte Contemporánea SBC y Muntadas: Vidéo, média critique, una restrospectiva realizada en la Cinémathèque Québécoise. En 2011 se presenta una retrospectiva de su obra en la exposición Muntadas: Entre/Between, organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Dicha muestra también fue exhibida en la Fundación Calouste Gulbenkian en Lisboa, Portugal y en la Jeu de Paume en París, Francia.

Antoni Muntadas La Construcción del Miedo
Del 7 de julio hasta el 1 de septiembre de 2013
Horario: De martes a domingo de 11:00 am a 7:00 pm.

Periférico Caracas / Arte Contemporáneo
Centro de Arte Los Galpones. Av. Ávila con Octava Transversal, Los Chorros
Caracas, Venezuela

Prensa: Centro de Arte Los Galpones

Exposición Individual de lo Material a lo Esencial de Carlos Medina

Geometría que Parte de lo Sólido hasta Desaparecer en la Luz.

Por Gladys Calzadilla
 

El Escultor Carlos Medina,

Fotografía Gladys Calzadilla

El escultor Carlos Medina oriundo de Barquisimeto, Venezuela, con 42 años de trayectoria en las Artes Plásticas, veintiocho exposiciones individuales en Venezuela y cuatro en países como México Estados Unidos y Bélgica. Ha recibido distinciones tanto de salones nacionales como extranjeros. Ponente y organizador de seminarios en Bélgica, Austria, Yugoslavia, Finlandia, Corea del Sur, Chile, Argentina, México, Costa Rica y Venezuela.

En esta ocasión reúne 70 obras en sala que denotan 25 años de trayectoria, en su exposición individual de lo Material a lo Esencial, la curaduría realizada por La Critica Bélgica Rodríguez quien en su impecable selección nos brinda los más diversos y sólidos formatos en mármol, ensamblajes en acero, hierro y madera; tallas en maderas varias y piedra, cuadros en papel, piezas elaboradas con palillos de bambú, hasta ligeras instalaciones de gotas de aluminio o esferas acrílicas, que penden de invisibles hilos de nylon.

El escultor Carlos Medina explica su proceso de investigación en las artes indicando que la madre de las artes es la arquitectura y por allí se rigen muchos principios. El estudiar a los clásicos dentro de las artes que se han relacionado con la geometría como Michelangelo Buonarroti y aquellos románticos que deforman pero con criterio y son genios como Pablo Picasso, le ha permitido no atrasarse en el tiempo, siempre tuvo la suerte de ser un geométrico siempre trabaja el cuadrado, el círculo y el triángulo y lo ha deformado y lo está desapareciendo buscando la luminiscencia. Lo que expresa es la interpretación metafórica de un árbol, un cilindro, las gotas, las hojas y ahora la luz. Esto le ha hecho reflexionar sobre lo real, lo matemático, lo estructurado, comprendiendo que el artista debe vivir en el ahora, el verdadero arte es conocimiento, no sólo expresión, eso es lo que lo diferencia, el bajar el ego, escuchar, estar con los maestros más importantes de la época y generación, ser el relevo de ellos teniendo presente que el arte es invención que parte de la investigación lo que permite tener un trabajo propio y diferente, teniendo cuidado de no caer en fórmulas “exitosas” sin continuar la revisión de métodos aún inconclusos, con disciplina y constancia, valorando cada dibujo, guardándolo como un tesoro en algún momento nos indica algo aún por hacer.

Las obras tridimensionales en la Galería de Arte Ascaso resultan una oportunidad excepcional para que profesionales del diseño, arquitectos, particulares con proyectos e instituciones interesadas en explorar y adquirir arte, encuentren novedosas posibilidades y presentaciones para sus espacios, con la firma y la experticia de un artista que ha desafiado magistralmente las leyes de la física, en un permanente juego-reto con el volumen y el espacio.

Una imponente escultura en acero les da la bienvenida en la calle Orinoco, entre Mucuchíes y Monterrey, en Las Mercedes.  

Nydia Negromonte exhibe la instalación 'Posta' en el Centro Cultural Chacao

En el marco del proyecto expositivo sobre la Bienal de Sao Paulo

En la Sala 2 de La Caja del Centro Cultural Chacao la exhibición de la instalación Posta, obra en proceso de la artista brasilera Nydia Negromonte, realizada durante el workshop o taller homónimo dictado por ella en este espacio, como parte del proyecto expositivo Nuevos Vínculos. Selección de obras Trigésima Bienal de Sao Paulo, que presenta Cultura Chacao con la colaboración del Instituto Cultural Brasil-Venezuela, y en alianza con la Sala Mendoza y la Hacienda La Trinidad Parque Cultural.
El taller contó con la participación de 15 artistas venezolanos de distintas generaciones, quienes tuvieron la oportunidad de intercambiar conocimientos con la artista, e intervenir activamente en la elaboración de la instalación Posta, la cual ya se ha presentado en importantes muestras, como en la exposición individual y panorámica de Negromonte en el Museo de Arte de Pampulha en Belo Horizonte (Brasil), y en la Trigésima Bienal de São Paulo y sus respectivas itinerancias hacia Belo Horizonte, Minas Gerais y ahora en Caracas, Venezuela.
Los creadores venezolanos que formaron parte de esta instalación colectiva fueron: Gioconda Berríos, Rosa Chávez, Isabel Cisneros, Conchita Corazón, Raúl Espinoza, María Teresa González, Maruja Herrera, La Vie Labarca, María Gabriela Márquez, Consuelo Méndez, Érika Ordos, Manto Pérez-Boza, Max Provenzano, Raquel Soffer y Ciro Zerpa.

Nacida en 1965, la artista brasilera de origen peruano Nydia Negromonte ha transitado por varios medios –dibujo, escultura, instalación, fotografía, apropiación, video e intervenciones en la web– a través de los cuales ha desarrollado un trabajo que cuestiona la tensión entre el objeto y los límites del lenguaje artístico. “Interesada en las relaciones humanas y en los espacios que nosotros circunstancialmente in-habitamos, Negromonte explora la posibilidad múltiple del material para tener la noción de una temporalidad permeable”, según explica la curadora e investigadora de artes visuales, Lorena González.
A juicio de González, “La operación estética de Nydia consiste sólo en potencializar el soporte del trabajo del arte, reforzándolo y revelando en alteraciones mínimas sus características menos evidentes. Sus modificaciones en el espacio, situaciones y contextos en los cuales hace performances, son ocasionales, precisos y de desconcertante simplicidad. Sin tratar de imitar el entorno y revelando la poética y las cualidades espirituales escondidas en las capas del material de espacios específicos, la artista expresa su maestría en la sofisticación del proceso formal del pensamiento. Su trabajo establece nuevos significados y extrae lo mejor de las posibilidades potenciales de los contextos con los cuales ella vincula sus acciones artísticas”.
El público tendrá la oportunidad de apreciar la instalación in situ Posta, del 17 de junio al 1º de septiembre, en la Sala 2 de La Caja del Centro Cultural Chacao, ubicado en la Avenida Tamanaco de El Rosal. El horario es de martes a sábado de 12:00 p.m. a 8:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.
Mayor información puede ser solicitada por las páginas web: www.centroculturalchacao.com y www.culturachacao.org o a través de las cuentas de Twitter: @culturachacao y @CculturalChacao Facebook: Centro Cultural Chacao y La Radio del Centro Cultural Chacao.
Nydia Negromonte
Posta
Del 17 de junio al 1 de septiembre de 2013
Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco, El Rosal, Caracas, Venezuela
Prensa: Zoraida Depablos

Acceso al Catálogo 

 

‘La Fuerza de la Adversidad’ - Muestra Homenaje a Omar Carreño en el marco del Festival Atempo

En el marco de la vigésima edición del Festival de Música Contemporánea Atempo, se realizará una exposición internacional con el título “La fuerza de la adversidad”, en homenaje al artista venezolano Omar Carreño, fallecido recientemente, en la que participan 20 artistas que comparten el principio del llamado "Arte Concreto", bajo la curaduría de Perán Erminy, la cual se estará exhibiendo en la Asociación Cultural Humboldt del 29 de junio al 28 de julio.

Omar Carreño-Transformable SJB-19 - 40 x 40 cm- 1979-2006

Esta tendencia de las artes visuales se define partiendo en que todas las artes constructivistas recurren a la geometría, por ser ésta la más inteligible y universal expresión de las formas, y la más esencial.

“El arte de la abstracción geométrica es el resultado de una construcción racional, de una operación intelectual, perceptible a través del pensamiento. El ‘Arte Concreto’ no copia ni abstrae la realidad. Es otra realidad en sí mismo. Es una realidad material, concreta, física, que se percibe directamente por los sentidos, de inmediato, sin referirse a nada externo a la obra. En este sentido viene a ser lo contrario del arte abstracto”, expresa Perán Erminy.

En esta muestra participan Ania Borzobohaty (Francia-Polonia), Claude Bourguignon, Roger Bensasson, Dominique Hieaux ,Nicole Guyhart. Joël Besse, Isabelle de Gouyon Matignon (Francia), Omar Carreño, Inés Silva, Octavio Herrera (Venezuela), Saverio Cecere, Enea Mancino, Renato Milo, Mario Stoccuto, Antonio Perrottelli (Italia); Hernán Jara (Ecuador), Francoise Pierzou, Wolfgang Ulbrich (Alemania) y Muneki Suzuki (Japón), quienes pertenecen al movimiento de Arte Concreto llamaco ACI, Art Construit International además de los artistas venezolanos invitados William Barbosa, Perán Erminy, Ángel Hernández e India Serena.

Saverio Cecere - Sin título – 50 x 50 cm - Pintura sobre plexiglass - 2010

Para Perán Erminy esta muestra se proyecta “como un suplemento un poco subsidiario y dependiente del carácter musical vanguardista que define al Festival, de manera que uno pueda imaginar algunas correspondencias entre las artes. Además, la exposición manifiesta, sobre todo, nuestra absoluta solidaridad con la libertad creativa que propone el Festival, muy A-Tempo”.

La exposición “La fuerza de la adversidad” podrá ser apreciada del 29 de junio al 28 de julio en la Asociació

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n Cultural Humboldt, ubicada en la Avenida Juan Germán Roscio con Av. Jorge Washington, San Bernardino. La entrada libre.

La fuerza de la adversidad
Si el mundo está viviendo, de diversos modos, una crisis general y profunda que se manifiesta sobre todo en el desenfreno de la violencia, el derrumbe de la economía, de la política, de la convivencia social, de los valores morales y del sentido; esa crisis se potencia en Venezuela hasta los extremos más abismales, provocada por el militarismo totalitario que impera en el país.

Cada nuevo asesinato y cada nuevo atropello exacerbado por la agresividad del oficialismo, causa una angustia que deprime al ánimo y va acumulando el descontento hasta hacerse insoportable. Ante esa desazón, el artista se desahoga en la creación de su obra, que drena toda la sobrecarga de energía reprimida. de allí procedela fuerza creadora que nos provoca la adversidad. De ese modo es el arte el que nos salva del colapso moral. Es lo que detiene la atracción fatal del abismo,al que nos conduce el totalitarismo.

Antonio Perrottelli - Geometria transmultimediale 27 - 35 x 43 x 3cm - Técnica mixta - 2013

Más fuerte que el sentimiento de impotencia que nos agobia, es el profundo anhelo de libertad que nos procura el arte. No podemos seguir esperando algún Mesías.

Somos nosotros mismos quienes derrumbaremos este nuevo muro de Berlín. No es el Apocalipsis de "Los Últimos Tiempos" lo que nos espera. Es la libertad que nos devuelva la dignidad de la vida.

Perán Erminy

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La Fuerza de la Adversidad
Del 29 de junio al 28 de julio de 2013

Asociación Cultural Humboldt
Av. Los Próceres c/c Av. J.G. Roscio, San Bernardino
Caracas, Venezuela

Ángel Hurtado vuelve con ‘Luces y Penumbras’ a la Sala TAC

En el marco del 10º aniversario de la Sala TAC

Hace diez años, el 26 de junio de 2003, una exposición de obras de Ángel Hurtado titulada Divertimentos sobre la Historia del Arte inauguraba la actividad directa de la Fundación Trasnocho Cultural en el área de las artes plásticas. 

La exposición de Hurtado estaba integrada por 30 collages que homenajeaban a distintos artistas que conforman la Historia del Arte.
Como primer artista invitado, Ángel Hurtado encabeza el nutrido grupo de creadores que constituye hoy en día el curriculum de la Sala TAC que alcanza a 66 exposiciones, 42 catálogos y más 400.000 visitantes. Es una feliz coincidencia que al llegar a los diez años de intensa y exitosa actividad podamos exhibir nuevas obras de Ángel Hurtado.
En esta ocasión la exposición, titulada por el artista Luces y Penumbras, incluye un pequeño grupo de collages realizados en el espíritu de los Divertimentos y un conjunto importante de pinturas, 17 en total, de gran formato con las que Hurtado reafirma su apego a los medios tradicionales del arte: “quiero seguir siendo pintor” dice, a pesar de su vida transcurrida en las grandes ciudades en perenne contacto con las transformaciones del arte contemporáneo, y, “en esta final etapa de paz,” desde su estudio frente al mar de Margarita, expresar su admiración por la naturaleza hurgando en “el secreto de la intensidad de la luz y el misterio de las sombras,” teniendo como único recurso las técnicas pictóricas del arte clásico.

El propio Ángel Hurtado escribió sobre esta exposición para el catálogo que la acompaña:
“Estas obras son recuerdos de una realidad. No quieren ser copia de la naturaleza ni el registro documental de un paisaje. Elaboradas en taller a partir de momentos que han quedado grabados en la memoria, son imágenes para mirarlas e imaginarlas. (…) Las obras que pongo delante de sus ojos, siguen las técnicas del arte clásico del pasado, sin ser realistas ni costumbristas, están interpretadas con luces, sombras y penumbras que pretenden ser un mundo imaginario”
Luces y Penumbras ofrece una doble ocasión para celebrar: para el público, la oportunidad de reencontrar la obra de un artista felizmente acogido hace diez años; para la Sala TAC el inicio de un segundo decenio.
Esta exposición cuenta con la curaduría y museografía del maestro John Lange y se estará presentando desde el miércoles 26 de junio en los espacios de la Sala TAC, en el marco de su 10º aniversario.
Sala TAC
C.C. Paseo Las Mercedes, Nivel Trasnocho
Las Mercedes, Caracas
T. 993-2957
www.trasnochocultural.com
Horario:
Miércoles a sábados 10:00 am a 9:00 pm
Martes, domingos y feriados 1:00 pm a 9:00 pm
Prensa Sala TAC

 Tres exposiciones: Tránsito a la Libertad Amilciar Gualdrón, Segunda ruptura: en la memoria Faride Mereb y Los Impropios Carlos González.

Tránsito a la Libertad

Este registro documental es una mirada personal que aborda el tema penitenciario de manera positiva, con un enfoque humanizador de aproximación a la vida, transformando a las fotografías en imágenes sensibles, reflejos de instantes capturados en momentos excepcionales e íntimos. Mostrando circunstancias y trances de las dos caras del ser humano, instantes de la realidad capturados como manifiesto de la mirada tras el gesto y el encuentro, donde el hecho social comienza a ser filtrado por la vivencia personal.

Este ensayo fotográfico se ha venido desarrollando durante 4 años a la par de mi trabajo como docente en la cátedra de violoncello, en el periodo comprendido entre el 2009 y el 2012, en 8 penales venezolanos (Centro Penitenciario de la Región Andina, Centro Penitenciario de Occidente, Centro Penitenciario de la Region Insular, Centro Penitenciario de los Llanos Occidentales, Mínima de Carabobo, Mínima de Coro, Instituto Nacional de Orientacion Femenina y Yare III) planteando un recorrido visual estructurado en tres etapas, que intentan plasmar el proceso evolutivo de los internos en su lugar de reclusión, dentro de la música y en libertad.

AMILCIAR GUALDRÓN

Biólogo Marino, Fotógrafo, violoncellista

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Segunda ruptura: en la memoria.

Gráfica editorial y carteles, como imagen consecuente de la obra

poética de Miyó Vestrini.

“Entonces, segunda ruptura: en la memoria. Yo sé que mi recuerdo es

falso. Mi manera de vivir y de extenderme, cada día con la misma

exaltación no tenía nada de autómata.”

FARIDE MEREB

Egresada del Instituto de Diseño de Caracas, extención Valencia.

Cursando estudios de Lic. en Artes en la Facultad de la Universidad

Arturo Michelena. Su trabajo va enfocado a los carteles, la gráfica

editorial, la tipografía y la poesía en relación a su experiencia

personal.

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Los Impropios

“De igual manera, cualquier identidad que no sea la de uno de estos elementos carecerá de valor para la definición del carácter. En cambio, cuando en dos individuos son semejantes estos elementos, reciben una denominación común.”

Michael Foucault

Los Impropios, es la segunda muestra individual de Carlos Gonzalez, que acopla imágenes “ajenas”, personajes desconocidos en una especie de alusión al tránsito donde la vida cotidiana se convierte en una diáspora entre la identidad y los transeúntes, atisbándose a una búsqueda de una otredad posible, reconocerse y afirmarse en el otro, rememorando a Arthur Rimbaud “YO es otro”.

En sus trabajos se puede apreciar el apego por “lo no dicho” permitiendo que el espectador sea quien complete la obra, quien desde la reflexión pueda establecer aproximaciones al hecho plástico conjugado por un proceso en el que se gesta su trabajo plástico a la par de sus indagaciones, elementos que se sistematizan logrando aglutinarse en una propuesta plástica que deja ver que El momento social, las pulsiones de la vida urbana, la realidad política, histórica y cultural, repercuten ampliamente en los procesos artísticos influenciando hasta la estética de las creaciones, donde la ciudad parece comerse al habitante y éste lucha contra ella, en una constante relación de repulsión-agrado para con ella.

Katherine Gomes.

CARLOS GONZÁLEZ

(valencia Edo Carabobo. 1989)

Licenciado en Educacion Mencion Artes Plasticas egresado de la Universidad de Carabobo.

lo que sigue es un texto sobre la exposicion.

http://www.flickr.com/photos/carlosscrofa/

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ONG

Web: http://www.organizacionnelsongarrido.com/

Twitter: @laonglaonglaong

Facebook:

http://www.facebook.com/organizacionnelsongarrido

http://www.facebook.com/groups/organizacionnelsongarrido

Teléfono: (0212) 6325291

Dirección: Av. María Teresa Toro, entre calle Cuba y Centro América, Res. Carmencita.

A seis cuadras de la estación de metro Los Simbolos. Paralelo a la av. Victoria. Pasando del Colegio Las Acacias. Es una casa amarilla con rejas negras.

Mapa: http://goo.gl/maps/71ngV

Fecha: Miércoles 26 de Junio de 2013
Hora: 7pm
Lugar: La ONG
Entrada Libre

Av. María Teresa Toro entre calle Cuba y Centroamerica, Res. Carmencita, 1040 Nueva Caracas, Distrito Federal, Venezuela

Salón Supercable Jóvenes con FIA anunció ganadores

Dos venezolanos y una argentina ganan el importante evento cultural

EL Universal lunes 24 de junio de 2013  12:00 AM

El joven artista varguense, Manuel Eduardo González, ganó el Primer Premio del XVI Salón Supercable Jóvenes con FIA con su instalación en placas de vidrio y un video, que bajo el título Traslaciones, emprende una reconstrucción ficticia del territorio venezolano como una manera de entender los procesos de transformación que dominan las estructuras universales y particulares.

Víctor Fuenmayor, Sergio Monsalve y Ariel Jiménez, integrantes del jurado, otorgaron el galardón principal a este joven de 25 años, nacido en La Guaira en 1988, recientemente egresado de Unearte en la mención de Medios Mixtos, joven creador que ya posee una intensa actividad expositiva en salones, bienales y colectivas realizadas en Maracay, Caracas, Valencia y Maracaibo, en los últimos dos años.

Manuel Eduardo González sostiene que su trabajo "parte de la desconfiguración de dos palabras claves: Serpiente y Venezuela, para la creación de un código alfanumérico que funciona como metáfora de una imagen genética de esa nueva forma".

El segundo premio de este salón que confronta las propuestas de jóvenes creadores fue otorgado a María Fernanda Guevara (Caracas, 1988) por su serie Fósiles, conformada por 55 piezas de cerámica y tintas vegetales realizadas en dimensiones variables, que simulan la fosilización de objetos domésticos, "literalmente fósiles de pañitos tejidos". 

El tercer premio lo ganó la artista argentina Ana Montecucco con su instalación/performance de objetos hechos con papel de hostia titulada Mi versión mejorada. Esta joven artista nacida en Buenos Aires (1983), hace suyos los objetos del mundo físico que admira en su entorno, y se los apropia más allá del sentido consumista que propone la sociedad, abriéndose a la posibilidad de alcanzar la plenitud mediante la ingesta de su obra, en una acción que involucra cuerpo, objeto, espacio y tiempo.

Igualmente el jurado decidió conceder Menciones Honoríficas a Gabriela Ceballos por su obra Velo-rio y a Carlos Salazar Lermont por su obra Proyecto Memento Mori/Vanitas.

El XVI Salón SuperCable Jóvenes con FIA, La práctica de la ficción, permanecerá abierto al público hasta el 4 de agosto, en el Centro Cultural Corp Banca de La Castellana, donde ofrecerá una vez más al público la oportunidad de apreciar una muestra del arte emergente de nuestro país. Más en www.fiacaracas.com.

Fotos Inauguración Jóvenes con FIA

XVI Salón Supercable Jóvenes con fia: La Práctica de la Ficción

Ana Montecucco

Superando airosamente la prueba de los tres lustros, el Salón Supercable Jóvenes con FIA, asume el reto de convocar e impulsar el talento joven a partir de los lenguajes tradicionales y contemporáneos del arte en su sede del Centro Cultural BOD-Corp Banca a partir del 23 de este mes, bajo la premisa de “La práctica de la ficción”.
Partiendo del uso eficaz de la pintura, dibujo, escultura, collage, fotografía, performance, instalación, arte sonoro y vídeo como medios de configuración de sus obras, los artistas participantes buscan expandir los mecanismos perceptivos más allá de lo puramente visual. El certamen está dedicado a creadores menores de 35 años y en su XVI edición cuenta con la curaduría de Emilio J. Narciso, joven investigador y artista plástico que se dio a la tarea de convocar a veinte jóvenes creadores, cuatro maestros de la plástica nacional y un grupo de artistas con discapacidad visual.

Hecdwin-Carreño (detalle)

Según criterios de Emilio J. Narciso, el Salón invita a profundizar en las capacidades sensibles, tangibles, intelectuales y mnemónicas, como “cualidades creativas para establecer sistemas de relaciones comunicadas mediante las artes plásticas. La ficción nos aleja de lo real como una certeza efectiva y cuantificable, para abrirnos a las posibilidades de lo incierto e indeterminado como procedimiento creador inagotable”.
La idea del contexto está intrínsecamente ligada al arte, es por ello que esta manifestación humana se alimenta de “las circunstancias, como fuente de donde emana y la convierte en un elemento tangible del cual pueden deducirse fragmentos de las condiciones que configuran el andamiaje movible de las certezas del momento”.

Alvaro Paz

“Los métodos de investigación del arte contemporáneo, no residen en la constatación cuantificable de un hecho en sí, sino en el ensayo de las variables ficticias para la puesta en valor de determinadas circunstancias. En este sentido, el ejercicio de las apariencias como terreno de libertades, es un privilegio de los artistas, cuyo servicio consiste en manifestar una parte de la inteligencia de la cultura a la cual pertenecen”, apunta Narciso.
La lista de artistas seleccionados y de maestros invitados ofrece una idea del prometedor y sólido movimiento artístico nacional: Rubén Aranguren, Rafael Arteaga, Violette Bule, Misael Carpio, Hecdwin Carreño, Gabriela Ceballos, Eduard Antonio Díaz, Ma. Fernanda Guevara, Manuel Eduardo González, Adriana Lanni, Carlos Salazar Lermont, Cristina Matos-Albers, Álvaro Paz, Thaís Rodríguez, Roberto Zoughón, Eduardo Vargas Rico, Marlin Velasco y Henry Rojas, junto a Nadia Martínez de Estados Unidos y Ana Montecucco de Argentina, engrosan la lista de seleccionados. Como artistas invitados estarán María Eugenia Arria, Carlos Castillo, Víctor Hugo Irazábal y Victoriano de los Ríos. Momentos después de su apertura a las 11:00 de la mañana del día 23 de junio, se anunciará el veredicto del jurado para dar a conocer los ganadores de esta edición, el cual podrá ser disfrutado hasta el 04 de agosto.

Rafael Arteaga (detalle)

Adicionalmente, el XVI Salón SuperCable Jóvenes con fia, La práctica de la ficción, contará con la participación –en calidad de invitados especiales– del Grupo CONTACTO, artistas con discapacidad visual integrado por Carlos Arciniega, Jenny Carrero, María Dolores Dopazo, J. Carlos Fermín, J. Luis Ochoa, Carlos Palacios, Giovanny Velázquez y Maria Hortensia Venegas, quienes han encontrado en el arte una posibilidad para “alimentar sus manos” y dejarnos ver que más allá de lo visual también es posible imaginar y decir.
Esta edición del Salón SuperCable Jóvenes con fia, está concebida como un laboratorio de experimentación simultánea con procesos, registros, muestras, materiales y a la vez, con aspectos poli-vinculantes entre cada una de las obras que lo conforman. Según el criterio curatorial, el conjunto de obras ofrece una muestra de las posibilidades de la artes visuales, hápticas y sonoras como dispositivos vinculantes con sus respectivos contextos. Estos artistas han apostado a la poli-sensorialidad y a lo multi-disciplinario como estrategia para expandir las formas de sus obras y extender las vinculaciones de sentido como consecuencia de sus ejercicios creativos.
El XVI Salón SuperCable Jóvenes con fia, La práctica de la ficción permanecerá abierto al público desde el 23 de junio hasta el 04 de agosto, en el Centro Cultural Corp Banca de La Castellana, donde ofrecerá una vez más al público la oportunidad de apreciar una muestra del arte emergente de nuestro país. El horario de exposición es de martes a domingo, entre 11:00 a.m. y 5:00 p.m. La entrada es libre. Para mayor información visite www.fiacaracas.com.
XVI Salón SuperCable Jóvenes con fia
Del 23 de junio hasta el 4 de agosto de 2-13
XXII Feria Iberoamericana de Arte fia2013
Del 27 de junio al 1 de julio de 2013
Hotel Tamanaco Intercontinental de Caracas
Prensa: Marisela Montes Comunicaciones

  

Geometría 4 en kilo – Instalación Cartográfica de Pepe López en Artepuy

El artista Pepe López presenta una gran instalación cartográfica de su aproximación a Caracas, en una muestra que bajo el título de “Geometría 4 en kilo”, inaugurará el jueves 20 de junio a las 7:00 p.m., en la Galería Artepuy, en Las Mercedes Más de 500 piezas recortadas en cartón 4 en kilo (láminas cuyo número se refiere al grado de compactación del material), y estructuradas a modo de rompecabezas, conforman esta intervención del espacio en dimensiones variables y adaptables, en la que el artista refleja una visión cenital de Caracas, para reinterpretar desde las cuadrículas y planos su arquitectura y urbanismo.
“Esta maqueta parcial de la Caracas periférica la estructuro a partir de las formas que dibujo desde la proyección del cruce de líneas del perímetro de las manzanas de habitación. Estas líneas son trazadas con lápiz, simulando un tendido eléctrico, sobre todas las piezas de cartón y sobre los muros blancos de la sala de exposición”, comenta Pepe López.
Desde hace más de una década este artista desarrolla la temática de la ciudad, cuyas series de obras pueden ser leídas como fragmentos de la urbe, y cuyo interés por los estudios geométricos, según manifiesta el creador, es una herramienta para reflexionar sobre la forma de convivencia que planimétrica y orgánicamente transforman la topografía y los desplazamientos urbanos en Caracas.

Una ciudad que respira y convive al ritmo caótico, generando todo tipo de formas y figuras que el artista recicla, pixela o distorsiona, a través de dibujos y trazos geométricos, para imprimir nuevas posibilidades a una realidad que pareciera agotada.
Pepe López es un artista venezolano que desde el año 98 viene desarrollando un lenguaje artístico que permanentemente trasmuta al explorar con materiales de desecho, piezas industriales y objetos artesanales, sirviéndose de una prolífica variedad de medios como instalaciones, objetos, collages, pinturas, performances, fotografía, tapices, esculturas y vídeos. Sin embargo el espectro social, sus códigos estéticos, son una visión recurrente en el concepto artístico que desde hace más de una década viene desarrollando en sus propuestas individuales y colectivas, en Francia, Londres, Argentina, Venezuela, y Estados Unidos.
El público tendrá la oportunidad de apreciar la muestra “Geometría 4 en kilo” de Pepe López, del 20 de junio al 04 de agosto, en la Galería Artepuy, ubicada en la Calle California con Calle Jalisco, en Las Mercedes; en horario de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados y domingos de 11:00 a.m. a 3:00 p.m. La entrada es libre.
Pepe López
Geometría 4 en kilo
Del 20 de junio al 4 de agosto de 2013
Galería Artepuy
Calle California con Calle Jalisco. Las Mercedes
www.artepuy.com
De lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados y domingos de 11:00 a.m. a 3:00 p.m.
Prensa: Zoraida Depablos

Simbiosis. Volúmenes orgánicos de Cristóbal Ochoa en la Galería G Siete

Ubicar la obra de Cristóbal Ochoa en los terrenos conceptuales de versatilidad y contemporaneidad no es un antojo crítico ni un capricho curatorial. Es la síntesis de alguien que pese a su juventud ha emprendido un vertiginoso recorrido sin esquivar retos o tratos con las disciplinas artísticas: la cerámica escultórica, la pintura, el dibujo, el performance y las intervenciones urbanas y corporales. La galería G Siete del Centro Cultural Los Galpones, en Los Chorros exhibirá a partir del domingo 23 de junio una representativa muestra de su obra bajo el título de “Simbiosis”. Pero el arte tiene su dosis de seducción y rechazo y Ochoa está consciente de ello.
Nacido en 1986, Ochoa exhibe un catálogo intenso de participaciones en eventos de diversa naturaleza, como los certámenes de artes del fuego en Valencia, realización de murales en paredes y locales comerciales de Chacao o la celebración bullicioso en Por la calle del medio, a los que se agrega su primera exposición en Bogotá y ahora su primera muestra individual en Caracas con “Simbiosis”.
Sus estudios con Belén Parada, Javier Level, Guillermo Abdalá e Ina Bainova, cimentados con los del Instituto de Estudios Superior Armando Reverón y la condición urbana explican las formas escultóricas de contundentes colores y formas marinas; habría que añadir que Ochoa es aficionado al deporte submarino y de sus encuentros un universo fantástico de algas, peces de variados colores y corales, ha extraído motivos y vivencias como sus erizos marinos desnudos aunque el autor advierte que en un futuro y con el desarrollo, se transformaran en otra cosa, parte de la intención, son figuras vivas con movimiento, que evolucionan, envejecen y en algún momento mueren.

“La concreción de su experiencia de vida en un hecho estético, efímero o perdurable, es la búsqueda esencial que percibimos en su obra. En este sentido, el medio escogido tiene una trascendencia secundaria. Sin embargo, con cualquiera de ellos logra develar diferentes matices de su indagación creativa y evidenciar los vasos comunicantes que le confieren coherencia y permeabilidad a su planteamiento plástico”, agrega Nelson Otero en el texto que acompaña la muestra.
En su primera muestra individual en la Gsiete se constatará la gestación de volúmenes orgánicos cuya paradójica simpleza y complejidad, nos remiten a formas primigenias de vida, donde lo esférico y lo tubular tienen una predominancia rotunda. Además, Ochoa imprime entre estos entes en aparente procreación, un movimiento de angustiante tensión de elementos que pugnan por escindirse o sobreponerse unos sobre otros. Posible metáfora a la ansiedad por sobresalir en un mar de iguales o la de separarse para alcanzar una identidad independiente.
Igualmente, son comunes las alusiones a la anatomía erótica tanto masculina como femenina. Aunque en algunas piezas es difícil lograr alguna filiación con lo conocido, la sensualidad y la sinuosidad de las formas son elementos omnipresentes. En algunas de sus piezas es patente la contraposición entre una piel conformada por una suerte de escamas o texturas coriáceas, con o sin elementos punzantes, y un interior que se muestra o se intuye terso y sutil, en su forma, color o textura.

En sus últimas cerámicas, Ochoa introduce la variable tiempo, es decir, el registro del instante en que la obra en gestación sufre una transformación. En algunos casos, esta puede ser un lacerante desgarramiento, que expone un interior suave y distendido. En otras se intuye una separación mitótica que podría dar lugar a dos entidades separadas.
En esta ocasión, el artista presenta un par de piezas de formato medio, donde las formas polilobuladas perforadas por agujeros, sugeridas en sus murales recientes, se combinan con volúmenes y texturas presentes en sus piezas iniciales. El agujero pasa a ser un elemento con presencia y esencia. Ahora en lugar de púas, Ochoa horada el volumen, que permite percibir su interior y una pieza más serena, donde no es patente el rechazo al acercamiento. Se abre así una etapa que podría sugerir una mayor propensión de a despojarse de las defensas y dejar permear miradas en su interior e invitar al tacto de la pieza.
Ochoa está consciente de que la dualidad rechazo-seducción es una de las metáforas que subyace en sus obras. Los espinosos pinchos insertados en la matriz de cerámica, así como otras texturas rugosas que lucen ásperas al tacto, son una clara alusión a las defensas o corazas psicológicas que se crea el hombre contemporáneo para esconder o proteger su yo íntimo. Del mismo modo, las texturas, colores y sinuosidad de las formas, generalmente en el interior de las piezas, son utilizadas como elementos de seducción que atrapan al observador en el sempiterno encantamiento de la dualidad rechazo-seducción.
La exposición “Simbiosis” de Cristóbal Ochoa estará abierta al público hasta el 04 de agosto en la Galería G Siete del Centro de Arte Los Galpones, ubicado en la Av. Ávila con 8va, transversal de Los Chorros. A manera de preámbulo se apreciará a la entrada de este complejo un mural suyo de gran formato y tintes de afecto pues está dedicado a su madre. El horario es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. y los domingos de 11:00 am a 4:00 p.m.
Cristóbal Ochoa
Simbiosis
Del 23 de junio al 4 de agosto de 2013
Galería Gsiete
Centro de Arte Los Galpones
Av. Avila con 8va transversal, Los Chorros, Caracas, Venezuela
Tel: 58 212 524 6661
Prensa: Marisela Montes

Confluencias. Sistemas visuales de Camilo Sanín en la Galería Okyo

Una serie de abstracciones geométricas en mediano y pequeño formato del joven artista colombiano Camilo Sanín, serán parte de su tercera individual que bajo el título de “Confluencias” se presentará en los espacios de la Galería Okyo, a partir del domingo 23 de junio, a las 11:00 a.m., en La Mercedes.
Manipulando la línea, el color y la forma, Camilo Sanín desarrolla sistemas visuales empleando un gran número de redes superpuestas, cuyas capas reaccionan a la mirada con sutiles movimientos que nos llevan a observar el espacio pictórico con un sentido microscópico.
“Se trata de lograr equivalencias visuales a través de los opuestos en contraste, para permitir la observación y el reconocimiento de las relaciones entre las subestructuras mediante el desarrollo de la superficie, y para delinear las ideas de inclusión a través de términos de exclusión. A través del viaje, cada obra se convierte en una experiencia transaccional y, si tiene éxito, autosuficiente en su nueva narrativa”, comenta el joven creador de origen colombiano que desarrolla su arte desde Washington, donde reside.
Para el curador Gerardo Zavarce, la construcción visual de su obra apunta una poética visual que propicia la síntesis para dialogar en lo diferente, lo aparentemente contrario, lo distante, lo plural y diverso más allá de la línea, el color y la forma presentes en su pintura.

“Hay en sus dilemas pictóricos la necesidad de armonizar, dentro de un campo visual de tensiones claramente definidas, los signos que definen ciertas identidades: norte y sur, lo racional y lo orgánico, lo urbano y lo rural, la superficie y aquello que la subyace, sin reprimir los accidentes o las fuerzas disruptivas propias de estas diferencias”, expresa en el texto que acompaña la muestra.
“Entonces, a las rígidas estructuras formales Sanín incorpora lo blando, los signos de lo biológico, las variaciones rítmicas, la esfera cromática de la impureza, los colores contaminados, los cambios de ritmo. Por esta vía se constituyen sus indagaciones plásticas, orientadas a construir una hendidura pequeña, un intersticio, cuya tarea convoca a la articulación de un campo de mediación, un sentido otro, emergente, o lo que el propio autor define como: “nueva narrativa paralela”. Sus pretensiones están orientadas al desarrollo, dentro del campo de la abstracción, de “nuevos sistemas visuales” tomando a la pintura como posibilidad para este ensayo” concluye Gerardo Zavarce.
Camilo Sanin, formado en la Escuela de Arte de la Universidad de Maryland, USA, presenta en Caracas su tercera muestra individual tras la exitosa participación en la Feria de ArtLima con la Galería Okyo, el pasado mes de abril. Su obra más reciente, diez pinturas de mediano y pequeño formato, podrán apreciarse en “Confluencias”, hasta el 28 de julio, en la Galería Okyo ubicada en la Calle Veracruz, Edificio La Hacienda, PB, Las Mercedes. El horario de exposición es de lunes a viernes, de 09:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 3:00 a 5:00 p.m., sábados y domingos de 11:00 a.m. a 5:00 p.m. La entrada es libre
Camilo Sanín
Confluencias
Del 23 de junio al 28 de julio de 2013
Galería Okyo
Av. Veracruz, Edf. La Hacienda PB, Las Mercedes
Telf. 9936973
www.galeriaokyo.com
De lunes a viernes de 10: am a 1:00 pm, de 2:00 pm a 6:00 pm
Sábados y Domingos de 11:00 am a 2:00 pm
Fuente: Prensa Galería Okyo

Rafael Rangel y los códigos visuales del objeto

El joven artista venezolano revela sus trabajos recientes en La Galería La Cuadra desde el sábado 15 de junio

Con el título de Rafael Rangel la exhibición del joven artista reúne catorce obras realizadas en fotografía a color de gran formato, relieves, esculturas y una instalación ejecutadas en plástico y metales diversos como aluminio torneado, en las cuales utiliza e incorpora objetos industriales de consumo masivo como bowls, platos, cubiertos, vasos y sillas. A primera vista, las imágenes fotográficas parecen pinturas y en la medida que el espectador se acerca a ellas descubre, no sin sorpresa, que son impresiones de fotos a color. En las esculturas se acumulan vasos de aluminio macizo uno encima del otro formando líneas verticales o tótems que tienen cierta reminiscencia a las históricas columnas infinitas de Constantin Brancusi. En una de ellas esta acumulación tiene como soporte o base un taburete similar al utilizado por Marcel Duchamp en su obra seminal Rueda de Bicicleta, de 1913, por lo cual el artista la titula 100 años, en homenaje al centenario de su creación.

Venezolano nacido en Nueva York (1978), Rafael Rangel se gradúa, cuando apenas contaba con 22 años de edad, Cum Laude en Artes Visuales en el prestigioso Pratt Institute de su ciudad natal. Inmediatamente después de terminar sus estudios académicos en esa reconocida y exigente escuela de arte de Brooklyn, el muy joven Rangel comienza a trabajar con el artista visual estadounidense Matthew Barney, como asistente principal en su taller de SoHo, en Manhattan, donde asume responsabilidades claves como el haber contribuido en la realización de Cremaster 3, la más importante de la serie de célebres películas experimentales de este relevante creador, además de colaborar activamente en la organización de su exhibición retrospectiva en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York en el 2002. Estas valiosas experiencias sin duda marcaron de manera determinante y enriquecedora al por aquel entonces artista en ciernes, cúmulo de aprendizajes que se pueden ver reflejados en sus investigaciones recientes.

Desde sus tempranos años veinte, Rangel inicia su carrera expositiva participando a partir de ese entonces en muestras colectivas en Alemania, Canadá, Colombia, Estados Unidos y Venezuela. Entre las instituciones museísticas donde se ha exhibido su trabajo creador se encuentran el Museo de Bellas Artes de Caracas, el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, y la Galería de Arte Nacional, en Caracas; el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, MACZUL, y el Centro de Bellas Artes de Maracaibo, en Maracaibo. Entre los reconocimientos recibidos destacan el Premio Armando Reverón y el más reciente Premio Andrés Pérez Mujica, ambos en el Salón Bienal Arturo Michelena, en la ciudad de Valencia, estado Carabobo, así como el Circle Award entregado por la ciudad de Nueva York.

En referencia a sus investigaciones visuales más recientes, escribe el artista: “Vemos continuamente códigos visuales en objetos de consumo masivo que nos rodean. En ellos hay líneas y formas creadas por mega industrias estandarizadas y diseñadores anónimos que definen la estética que vivimos en nuestro tiempo y entorno. Nos identificamos con estos objetos utilitarios ya que pertenecen a nuestro día a día. Al cambiarlos de posición o al utilizar recursos formales como la repetición, se diseccionan las líneas y códigos que contienen estos utensilios. Al eliminar la funcionalidad del objeto, su significado pasa a ser simbólico, interno y poético, entre otras cosas, mostrando preguntas visuales que pueden generar estas líneas preestablecidas de un lenguaje que nos rodea perennemente y que va mutando interactuando con un objeto/consumidor en un espacio relacional estandarizado y fetichizado”.

El curador de la exposición, Miguel Miguel García, afirma de la obra actual del artista: “Rafael Rangel se apropia de objetos de consumo masivo como platos, vasos y sillas realizados en materiales industriales –metálicos y sintéticos- para crear enigmáticas piezas fotográficas, relieves, esculturas e instalaciones, en las cuales acumula y superpone esos objetos de uso común desvirtuando su utilidad primaria a la manera de un readymade, como tributo consciente o inconsciente a Marcel Duchamp”.

Rafael Rangel
Inauguraciión: sábado 15 de junio - 5:00pm a 8:00pm
Clausura: domingo 28 de julio de 2013

Galería La Cuadra
Cuadra Creativa-Gastronómica, 6ta transversal entre 3ra y 4ta avenidas, Los Palos Grandes. Caracas
Martes a viernes de 11:00 am a 6:00 pm
Sábados y domingos de 11:00 am a 3:00 pm.
www.galerialacuadra.com
T (212) 287 0414

Prensa Galería La Cuadra

La vuelta al origen: obra reciente de Samuel Sarmiento

Las obras aquí mostradas materializan vívidamente las características del dibujo contemporáneo

Otra reina del río, 2011

El próximo domingo 16 de junio a las 11 de la mañana, el Gabinete del Dibujo y de la Estampa de Valencia presenta la producción artística de los últimos cuatro años del artista marabino Samuel Sarmiento (1987). La exposición ofrece una visión contemporánea del tratamiento que le da el artista al dibujo. Nos aproxima de manera fresca y diáfana a un dibujo que expresa, sin pretensiones, la representación de un mundo particular y en el que la línea, las manchas y los fondos claros son característicos.

“Motivados por el profesionalismo y creatividad de jóvenes talentos en las artes plásticas, la Fundación Gabinete del Dibujo y de la Estampa de Valencia, abre sus puertas para recibir a los artistas emergentes dedicados a la investigación del dibujo y del grabado, sirviendo de escenario para su proyección y aprendizaje, al mismo tiempo que le brindamos a la comunidad, la oportunidad de conocer y disfrutar con las nuevas propuestas y visiones del arte. En ese sentido, nos complace presentar la exposición titulada La vuelta al origen del artista Samuel Sarmiento. Las obras aquí mostradas materializan vívidamente las características del dibujo contemporáneo, aquel que vuelve a sus orígenes del modo más auténtico, dejando a un lado los intelectualismos y los análisis profundos para sencillamente convertirse nuevamente en la representación gráfica de una imagen hecha a base de líneas, sólo que esta vez esas imágenes no necesariamente van a corresponder con una realidad exterior, sino con la impresión o la experiencia que se adquiere de ella.”, así lo expresa Lizett Alvarez Ayesteran, directora de la institución.

Hermanitas, 2010

Samuel Sarmiento
La vuelta al origen
Del 16 de junio al 18 de agosto de 2013
De lunes a viernes de 9:00 am a 5:00 pm
Sábados y domingos de 11:00 am a 3:00 pm.
El acceso a la muestra es completamente gratuito y está abierta a todo público.

Gabinete del Dibujo y de La Estampa de Valencia
Colección Topel-Paez
Urb. Santa Cecilia, Sexta Transversal, #11, Valencia, Venezuela
0241 - 825 21 85 / 0414 437 1971
www.gabinetedeldibujo.com

Prensa GDEV

Exposición “Trazos de la Intuición” será inaugurada en la AF Chacaito

Gloria Rojas es dibujante pintora y grabadora, Licenciada en Geografía egresada de la Universidad Central de Venezuela en 1976. Rojas inicia su actividad artística en los años ochenta cuando participa de los talleres libres de dibujo y pintura en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas. En su búsqueda sobre el dibujo participa en los talleres de Arte de la Universidad Nacional Experimental Simón Rodríguez en Caricuao. Se interesa en el dibujo hiperrealista del cuerpo. Desde 1994 es Profesora en los talleres de arte de la Universidad Nacional Experimental Simón Rodríguez desarrollando proyectos de procesos creativos en torno a las artes plásticas.

En el mes de junio Gloria Rojas dejará al descuebierto dibujos y grabados en su más reciente trabajo “Trazos de la Intuición”, exposición que permanecerá abierta hasta el 3 de agosto. El jueves 6 de junio se llevará a cabo la inauguración de esta exposición en la Alianza Francesa de Chacaito.

Para más información sobre la artista