miércoles, 2 de enero de 2013

Eventos de Enero - Febrero 2013

 

Inauguración de la Exposición Jalando Candela
de Marcos Temoche

La galería Artepuy y el Centro Cultural Chacao, La Caja: invitan:
Pinturas e instalaciones, el sabado 23 de febrero a las 4:00 pm, en la galería Artepuy y
el miercoles 27 de febrero a las 7:30 pm, en el Centro Cultural Chacao, La Caja, Sala Dos.

Marcos Temoche Integra Códigos Urbanos y Pintura

Marcos Temoche | Foto: Manuel Sardá
Marcos Temoche | Foto: Manuel Sardá

La cultura tuki y el lenguaje de la calle se apropian del lienzo en una muestra a dos tiempos




La frase que mejor define a Marcos Temoche es: “Soy un pintor y un ciudadano que transita por las calles”. Se trata de un artista formado en las aulas del extinto Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón y en la Universidad de las Artes. Acaba de terminar la carrera y el montaje de su primera individual. Está parado frente a uno de sus lienzos, en el que se adivinan –entre chorreados, manchas y una composición muy particular– un perrito y una silueta de mujer. La obra se titula Echándole los perros. Es un piropo callejero en acrílico sobre lienzo.
El caraqueño criado en Bolivia no sólo sabe jugar con el espacio y pasearse por varias técnicas y estilos de pintura, como el dripping y el frottage; también introduce símbolos y lenguajes propios de la subcultura urbana conocida popularmente como tuki en la serie de piezas que exhibirá a partir del sábado, con el título de Jalando candela. “La expresión significa tiroteo”, indica Temoche.
La suya es una muestra a dos tiempos, curada por la investigadora Lorena González. La primera estación se titula 1er beta, otra expresión actual, sacada del lenguaje informático, que significa “versión”. Será inaugurada el sábado en la galería Artepuy y está integrada por una serie de lienzos que aluden a la cultura de la supervivencia y del grafiti, que por muchos años fueron el medio de expresión de este pintor. La segunda será una instalación pictórica que inaugurará la próxima semana en La Caja, en el Centro Cultural Chacao.
Las obras son figurativas, aunque –de entrada– algunas de ellas no lo parezcan. A partir de la pintura matérica y otras aproximaciones estéticas, Temoche integra elementos como botines de colores estridentes, el símbolo de estatus por excelencia en el barrio, además de la motocicleta o la gorra de beisbol, que también están presentes. “Pinto mi cotidianidad. Lo que vivo constantemente. Hago un arqueo de Caracas y trato de encontrar esa iconografía popular que nutre mi trabajo. En esta serie de obras me planteé primero hacer una pintura que hable del momento actual. Lo que observan aquí lo percibes también en la calle; los títulos de mis cuadros son expresiones que escucho al transitar. No pinto de una manera introvertida, encerrado en un estudio, lo que hago es esencialmente ver”, señala.
Las obras fueron realizadas en los últimos seis meses. El creador, formado en la tradición del retrato y autorretrato, integra titulares de periódicos a sus trabajos y se vale de la técnica del dripping o chorreado para realizar un crítica social velada al hecho de que habita en una de las urbes más peligrosas de Latinoamérica. Hablar de su obra implica saber descifrar los códigos de la pintura, los de la cultura urbana y los de la sociedad contemporánea, en la que los medios de comunicación, los teléfonos móviles y los íconos pop tejen un discurso dominante.

Jalando candela. 1er beta
Inauguración: sábado, 4:00 pm
Galería Artepuy, calle California con calle Jalisco, Las Mercedes
 

En el Marco del Festival Internacional de Teatro

Exposicion colectiva “El color y su relación con el espacio”

  Con el fin de difundir el talento de Artistas plásticos emergentes, se inicia un ciclo de exposiciones, abriendo un espacio para la difusión y disfrute de el arte nacional. En está primera exposición se tratará como tema el color y su relación con el espacio.


Con la participación de los artistas:
Gladys Calzadilla
Denny Muñoz
Jhonny Fung
Mery Esther Caballero Carlier
Yuri De Paz
Entre otros...






 

Dirección: Instalaciones del Teatro FEC. ubicado en Parque Central Torre oeste, sótano 1 al lado de los bomberos debajo de la panadería "Parque Central".

Arnaldo Utrera muestra sus fotografías de un ‘Buenos Aires Cotidiano’


A partir del 20 de febrero a las 7.30 de la noche en los espacios del Hotel Paseo Las Mercedes, Arnaldo Utrera exhibe una mirada fotográfica a la capital de Argentina que la saca del contexto turístico mostrando sus otras caras

A mediados del año 2011 Arnaldo Utrera se dedicó a desarrollar un ensayo fotográfico sobre Buenos Aires, trabajo que, a primera vista, parece sencillo. Sin embargo, el interés del fotógrafo era traspasar los límites dibujados por los clichés turísticos y encontrarse con la otra ciudad, la de las cotidianidades.
“La mayor dificultad para mí se presentó en reconocer qué era lo que realmente estaba viendo por el visor. No hablo de las imágenes ‘físicas’ nada más, sino del tratar de darme cuenta qué tipo de sentimiento estaba encontrándome en ellas o, si por el contrario, yo estaba añadiéndole todo el peso emocional. ¿Era tristeza, alegría, nostalgia? No lo sabía, ni lo sé todavía”, dice Utrera, quien tenía como único norte o certeza el no querer hacer las fotos de siempre. “Todos sonríen en las fotos de viaje, yo no quería encontrarme eso”.

Arnaldo Utrera - Buenos Aires
Ya en Caracas, al revisar y evaluar una y otra vez el material producido, dio forma a la serie Buenos Aires cotidiano y, con la curaduría de Yuri Liscano, definió la muestra que presentará en el Hotel Paseo Las Mercedes. “Me gustó el descubrir que sí había algo interesante en las fotografías que había tomado, aunque sé que no son las fotos "lindas" que la gente espera”, explica.
La inauguración de Buenos Aires cotidiano será el 20 de febrero de 2012 a las 7:30 de la noche. La muestra permanecerá en abierta durante seis semanas.
Arnaldo Utrera (Caracas, 1975) realiza estudios en la Escuela de Artes de la Universidad Central de Venezuela, de Diseño en el Instituto Darías y de Mercadeo y Publicidad en el Instituto Universitario de Gerencia y Tecnología. En 2006 comienza su formación fotográfica en Roberto Mata Taller de Fotografía, escuela donde tiene la oportunidad de tomar clases con reconocidos fotógrafos venezolanos, como Leo Álvarez, Ricardo Jiménez, y Roberto Mata. Ha participado en diversas exposiciones colectivas, obteniendo reconocimientos como Primer Premio de Fotografía en el Salón de Artes Visuales DYCVENSA 2011, Tercer Premio en Arte Sin Mordaza 2010 o Mención Honorífica en Fotografía en el 39º Salón Juan Lovera.
Buenos Aires cotidiano – Fotografías de Arnaldo Utrera
Del 20 de febrero al 2 de abril de 2013
Inauguración: Miércoles 20 de febrero de 2013 – 7:30pm
Lugar: Nivel PP del Hotel Paseo Las Mercedes, Centro Comercial Paseo Las Mercedes, Caracas
Prensa: Militza Zúpan

Atardecer en el MAC 

Viernes 22 de febrero


Imágenes integradas 1

 

 

Exposición Repous Sous La Limite 

de Daniela Quilici

24 de febrero 2013, 11 am   
Quinta La Colina, Av. La Salle. Colina de Los Caobos.


Ender y Audio Cepeda inauguran 

“Fusión a dos manos”

En la Sala NG de Fundación Celarg, el jueves 21 de febrero a las 7:00 p.m.

 

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Fuente Prensa Celarg
Un conjunto de cuarenta y tres obras conformado por fotografías de Audio Cepeda intervenidas por su hermano Ender Cepeda integran la muestra “Fusión a dos manos”, que se inaugurará en la Sala NG de la Fundación Celarg, el jueves 21 de febrero de 2013, a partir de las 7:00 p.m.
Este montaje conjuga la labor hermanada de dos premios nacionales de cultura. Se trata de un proyecto familiar que involucra a los amigos, y marcha acompañada por Artemio Cepeda Fernández y el poeta Humberto Márquez en calidad de curadores y presentadores.
Al decir del poeta Márquez, la exposición presenta una larga lista de “fotopintados” que integran entre otros: Julio Jiménez, Lía Bermúdez, Fernando Acosta, Alexis Blanco, Inés Laredo, Juan Mendoza, Ángel Peña, Artemio Cepeda, Humberto Márquez, Alexis Fernández, Alejandro Vásquez, Isidro Núñez, Leonor Mata, Pedro Cañate (jardinero) y Maritza Cepeda (costurera), Juan Calzadilla, Jesús Soto, Juan de Dios Martínez, Pedro Piña, Kuruvinda, y hasta ellos mismos, Audio y Ender, se meten en la colada.
La exposición podrá ser apreciada en la Sala NG hasta el domingo 21 de abril de 2013. El horario de visita de la Sala NG es de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 8:00 p.m. y los sábados y domingos de 12:00 m. a 8:00 p.m. Entrada libre.

 

Exposición Colectiva Galería Parenthesis 

Domingo 17 de Febrero 
de 11am hasta las 4pm.

Artistas Invitados:
Ben Abounassif
Paul Amundaraín
Jonathan Lara
Efraín Ugueto

Centro de Arte Los Galpones, Galpón 12, 8va. Transversal con Avenida Ávila y Calle Ávila B, Urbanización Los Chorros.

 

Conversaciones en el Marco de la Exposición 

Reflejos Fotografia de Juan Lecuna 
Sábados 16, 4 pm; 23 de febrero, 11 am y 4 pm; 2 de marzo, 4 pm
Hacienda la Trinidad

 


Miradas de Mujer’. Pasteles y Collages de Takako Kodani en la Galería G Siete

La artista de origen japonés residenciada en Venezuela Takako Kodani presenta una serie de dibujos en pequeño formato de reciente factura realizada en pasteles y collages sobre papel de arroz, que bajo el título "Las Miradas de Mujer" , se inaugurará el domingo 17 de febrero, a las 11:00 a.m, en los espacios de la Galería G Siete del Centro de Arte Los Galpones.
Con más de 35 años en el país Takako Kodani define en pequeños espacios su visión del mundo femenino fusionando el mundo oriental y occidental desde la mirada y rostros de personajes que define con simples trazos de líneas, sugestivas y enigmáticas miradas o desde una perspectiva exploratoria de la mística oriental.


Takako Kodani nació en Fukui, Japón, y reside en Venezuela desde 1977. Desde pequeña mostraba inclinación por la pintura. La época de la posguerra en su país y un estado delicado de salud le impidieron recibir la formación artística desde temprana edad, hechos que no fueron un obstáculo para que el rigor y la pasión se impusieran sobre tales adversidades.
Ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Venezuela y en diferentes ciudades del exterior como Nueva York, Miami, Washington, Filadelfia, Panamá y Tokio.


“Las Miradas de Mujer", de Takako Kodani se estarán exhibiendo, entre el 17 de febrero y el 10 de marzo, en los espacios de la Galería G Siete ubicada en la Av. Ávila con 8va, transversal de Los Chorros. El horario de la misma es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. y los domingos de 11:00 am a 4:00 p.m.

Takako Kodani
Las Miradas de Mujer
Del 17 de febrero al 10 de marzo doe 2013

Galería Gsiete
Centro de Arte Los Galpones
Av. Avila con 8va transversal, Los Chorros, Caracas, Venezuela
Tel: 58 212 524 6661

Prensa: Marisela Montes

Revisiones Domésticas de Fabián Salazar - Oficina #1


Oficina #1 comienza su agenda expositiva de 2013 con la exposición Revisiones domésticas del joven artista zuliano Fabián Salazar, quien presentará un conjunto d piezas, pertenecientes a su más reciente cuerpo de trabajo, en los que desde el dibujo, el collage, el bordado, y el empleo de materiales textiles aborda temáticas como el matriarcado, la herencia y la ambigüedad, a partir de estrategias creativas como la repetición y la simulación.
En la obra de Salazar hay una insistencia a mirar lo pequeño, lo que nos trasciende, a partir de formas aparentemente ingenuas, casi primitivas. Como señala el periodista cultural José Luis Ávila en el texto que acompaña la muestra “Con una economía de recursos, que no es austeridad, Fabián construye un discurso marcado por hechos opuestos: línea-mancha, textil-papel, collage-pintura, dibujo-acuarela, mancha-dibujo; y la repetición como lenguaje, que viene cargada de ciertas perturbación”.
Este carácter cíclico podría relacionarse con una de las formas predominante de la muestra: el óvalo, y con ella, la idea de reproducción, de nacimiento. Entre las muchas formas ovulares que se repiten, varias lucen desgarradas, señalando cierta violencia. Se presenta el óvulo no sólo como símbolo de creación, también de destrucción. La madre que da vida, pero que también la quita.
El artista también se vale de técnicas asociadas a lo femenino como el bordado para plantearnos una simulación, que nos habla nuevamente de la herencia, y del interés que persiguen muchas formas de arte contemporáneo en apropiarse de algunos rituales ancestrales.
Sin embargo, como señala Ávila: “Por encima de todo, existe la intención de simular para separarse del objeto. La muestra apenas nos ofrece la posibilidad de intuir al artista”.
Fabián Salazar (Maracaibo, estado Zulia, 1989). Realizó estudios de Arquitectura y Diseño en la Universidad del Zulia, y actualmente estudia en la Facultad Experimental de Artes en la misma casa de estudios. Cursó el diplomado de Arte, Arquitectura y Diseño (FAD) de la Universidad del Zulia. En 2012 realizó su primera exhibición de manera individual titulada “Simulaciones de la herencia” en el espacio independiente AlBorde de Maracaibo. Entre las exposiciones colectivas donde ha participado destacan: Colectivo du+all, propuestas emergentes, sala expositiva Gabriel Bracho (tranvía de Maracaibo, 2012); CACRI, por Al Borde (Caracas, 2012); VIII Salón de Artistas Emergentes (CEVAZ Gallery, Maracaibo, 2012); VI Encuentro de Jóvenes con Fiamm (Maracaibo, 2011); “fetiche y eutanasia”, Velada de Santa Lucia (Maracaibo, 2009). Ha obtenido varias distinciones y reconocimientos, entre ellos: tercer lugar por la obra “los hombres temen más el sexo que las mujeres“, en “ilustremos monstruos“, MACZUL (Maracaibo, 2012); primer lugar categoría jóvenes en el II Salón de Arte para Niños y Jóvenes, Centro Venezolano Americano del Zulia (Maracaibo, 2006); segundo premio de pintura de la categoría estudiantil, primer concurso “Maracaibo color y feria” (Maracaibo, 2005).
La muestra Revisiones domésticas de Fabián Salazar permanecerá abierta en Oficina #1 desde el 27 de enero hasta el 3 de marzo de 2013 en el siguiente horario: Martes a viernes de 2 a 6 pm / Sábados y domingos de 11am a 4 pm.
Fabián Salazar. Revisiones domésticas
Del 27 de enero al 3 de marzo de 2013
Inauguración: Domingo 27 de enero, 11:00 am

Oficina #1
Galpón 9. Centro de Arte Los Galpones 29- 11.
Av. Ávila con 8va Transversal de Los Chorros. Caracas 1070, Venezuela
Teléfono: +58 212 5837526
www.oficina1.com

Prensa Oficina #1

 

Reflejos Fotografía de Juan Lecuna

Hacienda la Trinidad Parque Cultural

Yo sentí el horror de los espejos
No sólo ante el cristal impenetrable
Donde acaba y empieza, inhabitable,
Un imposible espacio de reflejos

Y ante la superficie silenciosa
Del ébano sutil cuya tersura
Repite como un velo la blancura
De un vago mármol o una vaga rosa,

(De Los espejos, Jorge Luis Borges)


29 fotografías sobre el tema del reflejo se exhibirán en la Casa de Hacienda este domingo 3 de febrero a las 11:30 am. Juan Lecuna, académico y amante de la fotografía desde temprana edad presenta una muestra que ensaya diferentes aproximaciones al tema del reflejo  

Imágenes integradas 2

  Dirección
Calle Rafael Rangel Sur, Urbanización Sorokaima, La Trinidad, Baruta.

 

 XII Edición del Premio Eugenio Mendoza


La Fundación Sala Mendoza y el Banco Exterior tienen el placer de invitarles a la inauguración de la XII Edición del Premio Eugenio Mendoza, realizada con la curaduría de Diana López, la coordinación de Patricia Velasco y la museografía de Matilde Sánchez.


El Premio Eugenio Mendoza es uno de los eventos con mayor tradición e importancia en la historia cultural venezolana. Este galardón ha ayudado a trazar la evolución y el destino de las artes visuales de nuestro país. Un grupo de once artistas destacados en el panorama actual desarrollaron sus trabajos a través de los diversos lenguajes y medios con los que reflejan las tendencias que marcan y tipifican el arte contemporáneo venezolano.

En esta edición participan Oscar Abraham, Ana Alenso, Irene Bou, Starsky Brines, Iván Candeo, Juan Pablo Garza, Ernesto Klar, Suwon Lee, Emilio Narciso, Lucía Pizzani y Mairyseth Vargas. Déborah Castillo, ganadora de la edición anterior, es la invitada especial.   

Inauguramos también, en el espacio de La Librería, la exposición Nostalgia en cajas, ensamblajes de Solange Arvelo con los que la artista nos muestra una vuelta al intimismo, a través de composiciones realizadas en cajas, ventanas y tapices.

Será un gran placer para el equipo de la Sala Mendoza compartir con ustedes estos nuevos proyectos expositivos.

Los esperamos el domingo 3 de febrero, de 11:00 am a 3:00 pm, en los espacios de la Sala Mendoza, Edificio Eugenio Mendoza Goiticoa, PB, Universidad Metropolitana, Terrazas del Ávila.

XII Edición Premio Eugenio Mendoza reune a 11 artistas contemporáneos

Sala Mendoza y Mundo Sin Igual siembran arte y cultura en Venezuela

El próximo 3 de febrero, la Sala Mendoza inaugura una exposición que reúne a once artistas bajo la curaduría de Diana López. Una muestra representativa de las artes visuales venezolanas contemporáneas de la cual saldrá el acreedor del Premio Eugenio Mendoza de este año. Banco Exterior por un Mundo Sin Igual es el patrocinante que ha hecho posible esta iniciativa que reconoce, potencia y difunde el trabajo de nuestros artistas emergentes.


Deborah Castillo - Secuencia

La Sala Mendoza, gracias al apoyo de Banco Exterior y su estrategia de Responsabilidad Social, Mundo Sin Igual, presenta la XII Edición del Premio Eugenio Mendoza, una confrontación de arte contemporáneo venezolano que reúne a un grupo de jóvenes artistas invitados, todos activos en el panorama plástico nacional actual.
Bajo la curaduría de Diana López y con la coordinación de Patricia Velasco, se reúnen los artistas Suwon Lee, Oscar Abraham, Lucía Pizzani, Ernesto Klar, Juan Pablo Garza, Iván Candeo, Starsky Brines, Irene Bou, Ana Alenso, Emilio Narciso y Mairyseth Vargas, además de Déborah Castillo, ganadora de la edición anterior, en calidad de invitada especial y fuera de concurso.
La historia del Premio Mendoza se remonta a 1973, cuando se reunió en Caracas el Consejo Internacional del Museo de Arte Contemporáneo (MoMA) de Nueva York. Aprovechando aquella ocasión inédita, varias instituciones realizaron exposiciones con obras de artistas nacionales consagrados, pero la Sala Mendoza optó por mostrar el trabajo de once artistas emergentes. Aquella muestra histórica se llamó Once Tipos y contó con cinco ediciones más. Su última edición, en 1981, cambió su corte habitual a la figura de Salón, en honor al importante empresario don Eugenio Mendoza. Así nació este prestigioso galardón, que fue otorgado hasta el año 2003.
Hoy la Sala Mendoza retoma la adjudicación de este premio gracias a Banco Exterior por un Mundo Sin Igual. La Gerente de Responsabilidad Social de la Institución Financiera, Carolina Lozano, afirma que esta alianza con la Sala Mendoza demuestra que “no hay mejor manera de impulsar el talento y fomentar el desarrollo cultural, como forma de generar valores humanos, que permitiendo que los protagonistas de estos cambios tengan la oportunidad de seguir creciendo, estudiando y desarrollando sus talentos”.
Gracias a ellos, el premio único por el cual participan los creadores es una residencia en Hangar, Centro de Producción e Investigación en Artes Visuales, en Barcelona (España). El jurado que seleccionará al ganador lo componen el artista Adrián Pujol y los curadores e investigadores Lorena González y Gerardo Zavarce.
Cada artista convocado fue seleccionado con base en sus trayectorias, sus trabajos recientes y los contenidos críticos de sus propuestas. Y siguiendo la línea de las últimas ediciones, en esta ocasión el Premio brindó total libertad a los participantes en lo que se refiere a medios y lenguajes. De esta manera, los creadores reflexionan a través de sus obras sobre problemáticas y tópicos contemporáneos tan interesantes y complejos como el tiempo, la memoria, la contaminación, la reflexión en torno a los géneros y la violencia a través de lenguajes como la fotografía, la instalación, el video y la pintura.
En los espacios de La Librería se podrá apreciar Nostalgia en cajas, una exposición de los últimos trabajos de la artista cumanesa, residenciada en Mérida, Solange Arvelo. Se trata de una serie de obras en pequeño formato en las que Arvelo reafirma su interés en el textil, incorporando objetos cotidianos cargados de significación que dan como resultado ensamblajes intimistas.


XII edición Premio Eugenio Mendoza
Nostalgia en cajas de Solange Arvelo

Inauguración: 3 de febrero de 2013. 11:00 am.
Cierre: abril de 2013


Sala Mendoza
Edificio Eugenio Mendoza Goiticoa, PB, Universidad Metropolitana. Urbanización Terrazas del Ávila, Caracas.
+58 212 2427560/2435586
Martes a viernes, de 8:30 am a 5:00 pm. Sábados de 8:30 am a 3:00 pm. Domingos de 11:00 am a 3:00 pm.

Prensa Mílitza Zúpan

 
domingo 3 de febrero. La entrada estará abierta a partir de las 2pm y hasta las 9pm, en la Castellana frente al parque Humbolt. 

Regresa la 2da temporada de Salpicarte, un espacio que abre sus puertas a todas las expresiones artísticas para exponer de manera permanente, nuestra nueva locación es en la Castellana frente al parque Humbolt.

El inicio de esta Temporada de Salpicarte Galería de Diseño está pautado para el domingo 3 de febrero. La entrada estará abierta a partir de las 2pm y hasta las 9pm, el acceso es completamente libre.

Nuestra galería de diseño brindara cada domingo una fusión del diseño, el arte, la danza, la música, la gastronomía y unos deliciosos cocteles.



 

 


Una excusa para el encuentro entre generaciones para reflexionar sobre el diseño en Venezuela.

Sábado 2 a las 3 pm Organización Nelson Garrido Conversatorio con Valeska Belisario.

 


 

Jesús Moreno aborda el espacio del objeto en Galería La Cuadra 

Inaugura sábado 2 de febrero de 2013

El joven artista venezolano revela sus trabajos recientes

  • La Galería La Cuadra abre al público el sábado 2 de febrero una exposición individual de las obras recientes e inéditas del creador caraqueño
Obras bidimensionales, esculturas aéreas y un video, de acentuado carácter investigativo, del joven creador venezolano Jesús Moreno integran la exhibición que se inaugura el sábado 2 de febrero a partir de las 5 de tarde, con la cual la Galería La Cuadra inicia su programación expositiva para este año 2013. En esta exposición titulada Jesús Moreno que ha de ser considerada como su primera gran muestra individual, este creador caraqueño revelará una serie de piezas, todas inéditas y de reciente ejecución, que invitan al espectador a redescribir el espacio desde asociaciones no lineales desarticulando las relaciones entre contenedor y contenido, apuntando a una suerte de comprensión lúdica del área que se plantea como una operatividad en flujo.

 
Treinta y cuatro obras en total: 23 piezas bidimensionales, 10 esculturas y un video, construidas en PVC, acrílico incoloro, vinyl adhesivo, impresiones fotográficas, esmalte y conectores metálicos, entre otros materiales industriales y high tech, creadas especialmente para la exposición, señalan un lenguaje distintivo en las artes venezolanas del siglo XX. Títulos sugerentes como Recuerdos acústicos, A broken sound, Volatile, One spot, Sensory vocabulary, Ventana mágica, conforman un conjunto de piezas de factura material y de concepto impecable.
Esta propuesta de Moreno deviene de reflexionar sobre el espacio como una continuidad donde lo tangible y lo intangible dialogan. Dicho diálogo es una actividad donde reside la comprensión del espacio como una actividad de márgenes abiertos, aproximación en la que al artista le interesan fundamentalmente tres cosas: el paisaje, el sujeto y el objeto. “Me planteo estas cuestiones –afirma- como elementos axiales en cuyas relaciones se sustenta la idea del espacio como proceso”.
Jesús Moreno (Caracas, 1981) cursó estudios de dibujo, pintura y escultura en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas, y obtuvo una licenciatura, mención escultura, en el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón, IUESAPAR, ambos en Caracas. Recientemente estuvo residenciado en España, donde realizó un posgrado en arte sonoro en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Desde su adolescencia incursionó en la poesía, obteniendo de inmediato reconocimientos por esta expresión literaria, que de alguna u otra manera podría verse reflejada en su trabajo creador actual.
En referencia a sus experimentos e investigaciones más recientes, Moreno señala: “En principio, el sujeto es una delimitación física contenedora de una especialidad innata, que actúa como catalizador principal en este espacio-proceso. Esta capacidad espacial que reside en el individuo modula progresivamente en función de su experiencia en el entorno, construyéndose como un área inasible. Este sujeto que contiene una espacialidad no palpable, opera en un entorno concreto un conjunto de estímulos aprehensibles mediante los sentidos. Dicho conjunto, definido como paisaje, constituye un objeto etéreo a efectos de la espacialidad no palpable del habitante”. Y prosigue: “El espacio-proceso se da en la medida en que en estos componentes se decanta una modulación, influida por los medios a través de los cuales el sujeto accede al entorno y en los cuales gestiona una resultante contenedora de la acción del objeto etéreo en el área inasible, que se inserta nuevamente en el espacio-proceso como un estímulo aprehensible que sintetiza la dualidad del sujeto y el paisaje planteándose como una modulación manifiesta del espacio-proceso”.
Especifica Moreno: “Pensemos en quien visita una playa: En este contexto dado, el sujeto tiene una experiencia venida de este cúmulo de estímulos que es el paisaje. Dicha experiencia es un “objeto” en la espacialidad innata que subyace en el habitante. Al escribir una postal sobre esta experiencia, la comprensión subjetiva del visitante actuará como variable fundamental en el producto (la postal) devenido de eso percibido objetivamente. Desde esta comprensión subjetiva dicho producto será una modulación contenedora de la experiencia del objeto, la comprensión subjetiva de ese paisaje y la espacialidad sustancial del sujeto”.
El curador de la exhibición, Miguel Miguel García, afirma sobre la obra del artista: “Por lo novedoso y original de su planteamiento e investigación visual y conceptual, valoramos en Jesús Moreno a un destacado exponente de las nuevas generaciones de artistas plásticos de Venezuela y no dudamos que su obra, sin duda singular, constituirá un significativo aporte a nuestra cultura visual contemporánea”.

Jesús Moreno
Inauguración: Sábado 2 de febrero desde de 5:00pm a 9:00pm
Clausura: domingo 24 de marzo de 2013.

Galería La Cuadra
Cuadra Creativa-Gastronómica
6ta transversal entre las 3ra y 4ta avenidas de Los Palos Grandes, Caracas,
Martes a viernes de 11.00 am a 6:00 pm, y los sábados y domingos de 11:00 am a 3:00 pm.

Prensa: Galería La Cuadra

El Color y las Formas de Alfredo Salazar en la Alianza Francesa - Caracas

Alfredo Salazar, reconocido artista plástico, inicia 2013 con una nueva muestra llamada “La Couleur et les Formes” (El Color y Las Formas), a realizarse desde el 1 de febrero, en las instalaciones de La Alianza Francesa, ubicada en La Castellana- Caracas. Salazar, mostró su propuesta en 2012 en el Colegio Francia y colocó una de sus esculturas tridimensionales a la nueva sede del Hospital Pérez de León.
Muchos han sido los logros alcanzados por este importante artista plástico, que desde su “Premieré Visite” (Primera Visita) a la ciudad de Caracas, ha sido blanco de proyectos muy importantes.
En 2013, Salazar lleva a la Alianza Francesa de La Castellana- Caracas “La Couleur et les Formes” (El Color y Las Formas), donde integra la simplificación de la forma y del color, desde el 1 de febrero; luego se trasladará a la ciudad de New York-USA, el 21 de marzo, presentando su arte en The Art Expo New York 2013.

De amplia envergadura, centrada convicción en lo que desarrolla desde el arte, Alfredo Salazar plantea el clímax de su esencia creativa:
“Busco lo más puro y simple, desde la misma simplicidad y lo estético de las cosas. Máxima expresión del ser humano, esa profundidad interna del hombre, en cuyo inconsciente reposa, todo ese universo de creación. Vivo del arte y por el arte entrego todo mi ser. Absorbo las cosas que están alrededor y las plasmo a mi manera. Para ello, tomo los objetos, los uno y transformo, para darles simplicidad dentro de lo complejo. De allí surge esa pureza indestructible: rompiendo con los parámetros de la linealidad. Veo en lo ancestral, la naturaleza abierta con sus colores y sonidos; lo cual nos brinda, una poderosa inspiración. Estamos en constante evolución e innovación; auto evolucionando y auto sustentándonos de acuerdo a las perspectivas del mundo que nos rodea”.
Alfredo Salazar, nace en Tovar, Edo. Mérida, el 6 de abril de 1980. Desde muy pequeño comienza en el mundo de las artes. Sus primeros pasos contaron con la tutoría de la maestra en artes plásticas Teresa Contreras. A los 8 años comienza a sacar punta de sus lápices y a comprender los valores de los mismos. Luego se emerge entre los colores acrílicos y oleos, de manera empírica. Cuando se hace adolescente se concentra en sus estudios de bachillerato, alternando con los talleres de la escuela de artes y oficios Nohemí Higuera, donde conoce como trabajar mejor los oleos y acrílicos aproximadamente por 3 años. Salazar, camino por lo figurativo, las formas, lo impresionista y lo abstracto. Cerca del año 2000, espeficamente en 1998, Alfredo comienza a trabajar formalmente su carrera artística, creando sus primeras muestras individuales en pueblos cercanos a Tovar y unas 20 exhibiciones colectivas por todo el país, Centro América y Europa. Poco a poco Alfredo Salazar, ha dado pasos en su evolución de su trabajo, logrando obtener el concepto que investigó, que no es más que el color, le geometría, las formas libres, respetando el soporte y conciencia que derraman los colores acrílicos en sus telas, así, la simplicidad en su trabajo es impresionante por la estética que destaca en sus obras, representando lo estricto y demostrando así, una pintura que pudiera ser llamada Impresionista Abstracta Geométrica.
Para el espectador, novel o veterano, la obra de Salazar resulta una experiencia placentera, no por la diversidad de sensaciones que recrea, sino por la musa que invade cada centimetraje visual de sus creaciones, tratando de procrear un nuevo amanecer artístico que de la mano con sus conocimientos del arte e interpretación de la vida, le lleve a innovar y, bajo esta vía, encontrar el camino de su propia personalidad artística.
Alfredo Salazar ha logrado, lo que pocos… llevar la forma y el color a las fronteras de una sutil simplicidad.
Para conocer más de este artista plástico venezolano, la cita es el 1 de febrero en La Alianza Francesa, Avenida Mohedano de La Castellana Caracas, a partir de las 4.30pm, en la muestra “La Couleur et les Formes” (El Color y Las Formas).

Alfredo Salazar El Color y las Formas
Del 1 de febrero al 10 de marzo de 2013

www.alfredo-salazar.com
www.facebook.com/alfredo06salazar
@salzarj


Alianza Francesa de Caracas
Calle Mohedano, La Castellana
www.afvenezuela.org

Prensa: M.E. Ruiz

XIII Velada de Santa Lucía

Velada Santa Lucía 2013

 


Comienzo montaje, lunes 25 de febrero a las 10:00 a.m.

Fin del montaje, viernes 1 de marzo a las 2:00 p.m.

1a Fiesta de inauguración,
viernes 1 de marzo de 6:00 p.m. a 12:00 p.m.

2a Fiesta de inauguración,
sábado 2 de marzo de 6:00 p.m. a 12:00 p.m.

Arepa final, domingo 3 de marzo de 12:00 a 3:00 p.m.
Desmontaje de obras, domingo 3 de marzo de 3:00p.m. a 6:00 p.m.

Ciclo de Coloquios en el Marco de la Exposición

Taller Libre de Arte · 1948 - 1952 

 Los orígenes de lo contemporáneo


El domingo 03 de marzo a las 11 am 3er coloquio en  relación a la Exposición Taller Libre de Arte 1948-1952 Los orígenes de lo contemporáneo en Odalys Galería de Arte (Sala 2) que pueden ver Hasta este domingo 03 de marzo de 2013.

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Ciclo de coloquios - Taller Libre de Arte · 1948 - 1952 Los orígenes de lo contemporáneo



Luego de la apertura en Odalys Galería de Arte, ubicada en el Centro Comercial Concresa de Caracas de la exposición Taller Libre de Arte 1948 – 1952 Los orígenes de lo contemporáneo en diciembre de 2012, ahora con el propósito de reactualizar uno de los más importantes capítulos del arte venezolano del siglo XX y estudiar su entorno histórico y gesta de sus protagonistas se han organizado tres coloquios en este mismo lugar, siendo el segundo este domingo 27 a las 11 de la mañana.
Los invitados hablarán sobre los orígenes de lo contemporáneo en Venezuela y de las contribuciones de este grupo de maestros a las artes plásticas a partir de la primera mitad del siglo XX. Estos encuentros permitirán hacer una revisión, estudio y relectura sobre las dimensiones de las obras producidas en el Taller y de sus verdaderas repercusiones en el quehacer del arte venezolano. Pero ahora visto desde la perpectiva de la celebración del 60 aniversario del Taller Libre de Arte.
La apertura del Taller Libre coincide simultáneamente con los cambios producto del ascenso de Rómulo Gallegos a la Presidencia de la República luego de las primeras elecciones universales, directas y secretas realizadas el 15 de febrero de 1948 en el país. Meses más tarde, en el 4° piso del Edificio Miranda en la esquina de Mercaderes en Caracas el día 9 de julio de 1948 se inician las actividades del Taller Libre, espacio que permitió convocar a un conjunto de artistas jóvenes llenos de inquietudes por explorar la figura humana, los temas nacionales, el folklore, la danza, los ritmos y mitos de estas latitudes americanas. Otros artistas, por el contrario, hicieron composiciones Cubistas y Abstractas siendo el Taller el espacio de confluencia de tendencias artísticas diversas. Entre sus miembros figuraron los pintores Mario Abreu, Lourdes Armas, Jacobo Borges, Omar Carreño, Feliciano Carvallo, Pedro León Castro, Carlos Cruz Diez, Francisco Da Antonio, Narciso Debourg, César Enríquez, Perán Erminy, José Fernández Díaz (FEZ), Emma García, Luis Guevara Moreno, Ángel Hurtado, Humberto Jaimes Sánchez, L.F. Martínez, Genaro Moreno, Rubén, Núñez, Alirio Oramas, Régulo Pérez, Luis Rawlinson, Rafael Rivero Oramas, Alirio Rodríguez, Federico Sandoval “El policía”, Enrique Sardá, Marius Sznajdermanm Oswaldo Trejo, Virgilio Trómpiz y Oswaldo Vigas.


Durante su permanencia el Taller funcionaría como sitio de trabajo y lugar de reunión de artistas, intelectuales y críticos de arte como Sergio Antillano, Juan Liscano, Guillermo Meneses, Gastón Diehl y fundamentalmente José Gómez Sicre, Director para ese momento del Departamento de Artes Visuales de la Unión Panamericana. Así mismo, en su sede se realizaron importantes exposiciones, entre ellas el remontaje de la muestra de las Cafeteras de Alejandro Otero, la exhibiciones de obras de Reverón, Jesús Soto, Mateo Manaure y Feliciano Carvallo con quien se abre el capítulo del arte ingenuo en Venezuela. En julio de 1950 se edita el No. 1 de la revista Taller, además de este órgano de difusión se hicieron catálogos de exposiciones, recitales de poesía, foros, conferencias y obras de teatro, actividades que hicieron del Taller un centro de formación cultural.


Francisco Da Antonio, curador de la muestra, señala que “no fue un ‘movimiento’, que ni tan siquiera un cuerpo de proposiciones estéticas o ideológicas coincidentes. A diferencia de los maestros del Círculo de Bellas Artes y de la Escuela de Caracas cuya mirada devino la consolidación positivista del paisaje y como también distinto a ‘Los Disidentes’, que radicalizaron sus proposiciones hasta los términos del Manifiesto, la saga del Taller quedó amarrada a los modestos limites de un ‘local’ trashumante en virtud de la implacable eficiencia constructiva y edilicia de la Dictadura. Como por paradoja, quizá tales carencias devinieron su mayor fortaleza histórica: el haber potenciado las fuerzas de transformación y de cambios contenidas en el entorno social y en todos y cada uno de los hombres y mujeres que, en virtud de su talento, de su trabajo y de su obra, convirtieron la plástica venezolana en un valor universal.”
Para el día 3 de marzo se ha previsto contar con la presencia de los Testigos del Taller. Ésta será una ocasión para escuchar de primera mano de los artífices y miembros fundadores del Taller Libre. Ellos contarán al público asistente sus propias realizaciones y de las complejas realidades que vivieron durante su permanencia y actividades artísticas dentro del seno del Taller. Está será una extraordinaria y única ocasión para el encuentro directo con los artistas. La entrada es totalmente gratis.
Odalys Galería de Arte
C. C. Concresa, nivel PB. , local 115
Urb. Prados del Este, Caracas 1080, Venezuela
Tefs: (+ 58-212) 9795942
(+ 58-212) 9761773
Fax: (+ 58-212) 2 9761773
E-mail: odalys@odalys.com
E-mail: odalys.sanchez@gmail.com
www.odalys.com

Un recorrido por la línea en el grabado en el Gabinete del Dibujo y de la Estampa

El Gabinete del Dibujo y de la Estampa de Valencia, mostrará un grupo de grabados y estampas de la Colección Topel Páez en la que se podrán apreciar obras de artistas regionales, nacionales e internacionales.

La muestra pretende aproximarnos de manera fresca y diáfana al papel que cumple la línea como elemento plástico en las artes gráficas, apoyados en las creaciones de artistas de la talla de Oswaldo Guayasamín, Juan Calzadilla, Humberto Jaimes Sánchez, Vasily Kandinsky, Luis Guevara Moreno, Oswaldo Vigas, entre otro nutrido grupo de importantes artistas.


LihieTalmor, Alero, 2008

“En esta oportunidad, cónsonos con nuestras líneas de acción y perfil, y dándole continuidad al proyecto de investigación de la Colección Topel Páez iniciado en el año 2012 con la exposición titulada “Modalidades del Dibujo Tradicional”, El Gabinete del Dibujo y de la Estampa de Valencia, presenta con honor, en el marco de su octavo aniversario y bajo la curaduría de la investigadora Milagros González, parte de la colección de grabados y estampas que a lo largo de más de tres décadas la familia Topel Páez ha tenido a bien coleccionar. Obras atesoradas por su valor estético, histórico o documental, pero, indefectiblemente, por un plausible e incuestionable amor por el arte y la cultural en general, así como también, por el interés en preservar una muestra del patrimonio artístico de la región carabobeña y nacional”, así lo expresa Lizett Alvarez Ayesteran, directora de la institución.


Jacobo Borges, Nadie sabe que es lo que cuida, 1974

Por su parte, Milagros González afirma que “esta muestra no solo nos aproxima a un fabuloso conjunto de grabados y estampas. Al dar un paso más allá, podemos percibir el imaginario de quien las reunió. Es una ventana que permite intuir cómo al universo sin límites del artista, se unen los anhelos del coleccionista por poseer un universo de imágenes imposible de abarcar. Se trata de atrapar una línea fugaz, usando los espejos del alma: la herida en la plancha, la mancha en el papel. Tan solo una línea, siempre transferida, con la capacidad de ser múltiple, y a la vez única”.

“Un recorrido por la línea en el grabado”
Del 27 de enero al 03 de marzo de 2013-01-21
De lunes a viernes de 9:00 am a 5:00 pm, sábados y domingos de 11:00 am a 3:00 pm. El acceso a la muestra es completamente gratuito y está abierta a todo público.

Gabinete del Dibujo y de La Estampa de Valencia
Colección Topel-Paez
Urb. Santa Cecilia, Sexta Transversal, #11, Valencia, Venezuela
0241 - 825 21 85 / 0414 437 1971
www.gabinetedeldibujo.com
Facebook: Fundacion Gabinete del Dibujo

Prensa: Gabinete del Dibujo y de La Estampa de Valencia

Cinco fotógrafos compiten en La Individual 2.0

La individual del lunes de Escenas
La individual del lunes de Escenas
La obra de los finalistas fue publicada en el perfil de Facebook de la sección. La que obtenga más “Me Gusta” será la ganadora


Los finalistas del concurso de fotografía La Individual 2.0, organizado por El Nacional, fueron dados a conocer ayer a través del perfil en Facebook de la sección La individual del lunes.
La serie Velvet de Arianna Corral; Almas felices de Arsenio Reyes; una propuesta sin título de Dani Guevara, El Haití cristiano al oeste de Caracas de Diana Lóbrega y Ruinas de salitre de Henry Moncrieff fueron seleccionadas por el jurado, encabezado por el investigador Gerardo Zavarce. El retrato y el paisajismo, tanto a color como en blanco y negro, son los géneros predominantes.
Zavarce asegura que los cinco trabajos fueron escogidos bajo un mismo criterio de valoración: “Estimular a creadores emergentes cuyas proposiciones apunten a un proceso de articulación y búsqueda de un lenguaje y reflexión personal a través de la fotografía”.
El público podrá votar por su favorito hasta el domingo a través del perfil de Facebook de La individual. Al día siguiente será anunciado el ganador, que será el trabajo que reúna más “Me Gusta”. La serie más votada será publicada en las páginas de El Nacional el lunes 21 de enero.
Es la primera vez que la sección La individual del lunes, creada por el periodista Edgar Alfonzo-Sierra hace cinco años, realiza un concurso a través de las redes sociales para seleccionar los trabajos que serán publicados a página completa en el diario.
La sección fue concebida para difundir la obra de profesionales de la lente venezolanos o extranjeros que residan en el país, tanto consagrados como emergentes. Su quinto aniversario será celebrado el 20 de enero con una exposición que recopila las entregas más destacadas de La individual del lunes, curada por Zavarce, con museografía de Pietro Daprano.
En la muestra fueron incluidas 29 series publicadas desde la creación de la página semanal, en 2007. Adicionalmente será incluido el trabajo ganador del ya mencionado concurso La Individual 2.0.
La individual del lunes
Colectiva
Inauguración: domingo 20 de enero
Galería Fernando Zubillaga, Centro de Arte Los Galpones, avenida Ávila con Octava Transversal, Los Chorros
Horario: martes a viernes, de 2:00 pm a 6:00 pm. Sábado y domingo, de 11:00 am a 4:00 pm
Entrada libre

Galería de Arte Ascaso

ESCULTURA ESCULTORES

Hasta Enero 2013


Artistas Participantes:

Alexis Mujica, Alirio Palacios, Belén Parada, Carlos Medina, Colette Delozanne, Cornelis Zitman, Daniel Suárez, Edgar Guinand, Felipe Herrera, Francisco Narváez, Harry Abend, Humberto Cazorla, Humberto Salas, Irma Parra, J. J. Moros, James Mathison, Javier  Level, Jesús Soto, Jorge Salas, Jorge Zerep, Jorge  Seguí, Lía Bermúdez, Luis Millé, María Cristina Arria, Milton Becerra, Noemí  Márquez, Oswaldo Vigas, Pedro Barreto, Pedro Briceño, Rafael Barrios, Rafael Martínez, Reina  Herrera, Rolando Peña, Sydia Reyes, Vicente Antonorsi, Víctor Valera, Yuye De Lima.

Tres generaciones de artistas que escogieron la escultura como medio de expresión estarán presentes con sus obras en las tres salas, convirtiendo la muestra en un verdadero recorrido de la escultura en Venezuela. Participan en ella treinta y siete creadores cada uno se presenta con dos obras, desde los grandes maestros hasta jóvenes consolidados.

Rueda de Prensa con la curadora Bélgica Rodríguez y los Artistas seleccionados para la exposión colectiva ESCULTURA ESCULTORES

Fotografía Gladys Calzadilla




Margarita Narváez, Pedro Briceño, Belgica Rodríguez, Cornelis Zitman.


Yuye de Lima, Carlos Medina, Javier Level, Jeanine de Vigas.


Sydia Reyes, Javier Level, Jeanine de Vigas, Rolando Peña


Cornelis Zitman


Colette  Delozanne


La exposición Escultura Escultores, bajo la curaduría de Bélgica Rodríguez, es de carácter antológico desde el punto de vista de generación, la mayoría de los artistas están activos. Partimos del maestro Narváez que es el que abre la modernidad de la escultura en Venezuela, se divide la exposición en tres generaciones, se incluyen aquellos artistas que han practicado la escultura desde siempre, o aquellos que son pintores para los que la escultura ha sido parte importante de su trabajo creador. La exposición parte de la década de los 40's con Narváez, pasa por los 50's con los maestros Cornelis Zitman y Víctor Valera, Maria Cristina Arria, Oswaldo Vigas, Yuye de Lima que a mediados de los 70's comienza a trabajar la escultura. Luego en el segundo piso se encuentran un grupo de escultores de mediados de los 60's nuevas visiones que aparecen liderizados por la geometría como el maestro Pedro Briceño, Lina, Rolando Peña y luego está otra generación de los 80's algunos son figurativos pero la mayoría son geométricos, abstractos y presentan valores conceptuales de la escultura como Javier Level.

Belén Parada Ceramista


Se le ha querido dar un lugar especial a la escultura en cerámica, en los 70's un grupo de mujeres paso de la cerámica utilitaria a la escultura entre ellas Colette Delozanne una de las pioneras, Belén, Noemí. Lo considero un hecho inédito la cerámica escultórica que no se ha repetido fue un aporte fundamental en la historia contemporánea de Venezuela.



Sydia Reyes


El último grupo representado por mujeres fuertes, mujeres del hierro y del cemento como Sydia Reyes.


El nombre de la exposición surge de un libro que hace Juan Calzadilla y Pedro Briceño que se llamó Escultura Escultores, dedicado a la Escultura.


Esta exposición se convierte en este momento en un aire fresco, bello, donde se plantea toda una historia que hemos trajinado los que estamos involucrados en esta exposición.


Acotó Bélgica Rodríguez “La Escultura es un medio difícil el tratamiento del material, el trabajo el movimiento escultórico en Venezuela es uno de los más fuertes de Latinoamérica”.

En el ciclo de preguntas...





Margarita Narváez, hija de Francisco Narváez maneja la Fundación Francisco Narváez, agradezco este espacio porque aún Francisco Narváez tiene un discurso claro contemporáneo, que aporta a los jóvenes.





Cornelius Zitman - yo elaboro muñecos que conviven conmigo en casa y me recuerdan mi tierra, cuando salgo a la calle soy un "Musiu". Ellos son como un circo visitan distintas tierras.

Javier Level - yo he asistido al taller del maestro Zitman y podemos observar que son esculturas con vida, se puede tocar para mi es el ideal de lo que debe ser una escultura en el espacio.


Yo (Zitman) participe en la Bienal de  Sao Paulo y los colocaron allí y a la gente le encantaban, lo tocaban pasaban a verlos.


(Level) creo que siempre el maestro se ha divertido con lo que hace y eso es lo importante en la vida.





En cuanto a mí obra, acota Javier Level, son dos piezas distintas, la temática de la serie de los bustos son los transgénicos, todas esas hibridaciones que están haciendo de genética, investigaciones que se están realizando entorno al hombre y los animales, clonaciones entre ellos para los avances de la ciencia, cosa que me parece terrible. Es el busto entonces un “homenaje a lo que estamos haciendo los humanos por la ciencia” por eso es un collage entre humano-niño y animales de diversos tipos es lo que planteo en esta pieza; la más pequeña es una serie llamada reliquias es un pequeño pedazo de hueso metido entre un objeto, retomo esta técnica y la reproduzco en estas piezas.


Exposición Colectiva Escultura Escultores

Bajo la curaduría de Bélgica Rodríguez

Inauguración domingo 28 de octubre de 2012, a las 11 am

Hasta Enero 2013

Lugar Galería de Arte Ascaso, cale Orinoco entre Monterrey y Mucuchies, Las Mercedes.
Información: www.ascasogallery.com

Temporo-Espacial: Esculturas de Luis Millé en GBG Arts 

Hasta el domingo, 17 de febrero de 2013

Repercusiones. Unas líneas sobre la obra reciente de Luis Millé

Lorena González
Artista que se inició en la escena de las artes visuales durante los años ochenta, se inscribe dentro de las variables que estas referencias han desarrollado en la actualidad. Su escultura, más que un objeto de relaciones geométricas cerrado sobre sí mismo, se apertura hacia las reacciones que este nudo de cadencias tiene sobre las zonas circundantes que le rodean, involucrando a su vez y en la propia trama interna de cada estructura, las resonancias posibles de un entorno que propiciará los lineamientos visuales del esperado intercambio sensorial con el espectador.
A su vez, el trabajo destaca por el proceso diseñado para lograr estas intenciones fractales: volúmenes y encadenamientos extendidos con materiales muy pesados que sugieren y denotan la levedad necesaria que desplazará y multiplicará sus condiciones internas hacia las dinámicas evolutivas del afuera.
Desde este lugar y concentrado muy especialmente en los puntos más delicados de esta sucesión de causas y consecuencias, el artista ha creado para la galería GBG Arts un posicionamiento reflexivo de varios cuerpos de trabajo distribuidos en el espacio: lugares tan cercanos como distantes, poéticas solitarias de una materia en transformación perenne donde el color, la línea y el volumen traspasan su corporeidad directa y dialogan en las antesalas silentes de la sala de exposiciones, propiciando en este inusitado intercambio formal, las nuevas variables y las metáforas desconocidas que el visitante aportará al entrar en relación con cada una de ellas.
Luis Millé
"Temporo-Espacial"
Inauguración: Jueves, 8 de noviembre de 2012. 07:30 p.m
Cierre: Domingo, 17 de febrero de 2013
GBG Arts
Av. Principal de Prados del Este
Galpón #2 (venta de lanchas)
Teléfono: 58 212 975 22 09
Celular: 58 0412 213 36 19
www.gbgarts.com
Horario de atención al público:
Martes a Viernes: 09:30am – 12:30m / 03:00pm - 06:00pm
Sábados y Domingos: 11:00am – 03:00pm
Prensa GBG Arts

El proyecto Píxeles llega a su sexta edición 

Hasta el 17 de febrero de 2012 

Píxeles 2012 en su sexta edición ha convocado a 12 nuevos artistas a participar en el proyecto, iniciado en abril del 2006. Como invitados especiales contaremos con la presencia del maestro venezolano Harry Abend y del artista peruano Jorge Cabieses.
La convocatoria de este año intenta abarcar distintas expresiones, tales como el dibujo espontáneo, la pintura tradicional, la nueva escultura y dándole una importante presencia a los medios fotográficos contemporáneos (desde lo documental a lo conceptual).
Como introducción a la presente edición se exhibirá Píxeles: Antología, una retrospectiva que presenta una selección de los artistas que han participado en anteriores ediciones de Píxeles, que hasta el momento cuenta con la colaboración de más de cien artistas.
Sobre el proyecto
En el comienzo, el proyecto Píxeles fue un relato curatorial, un proceso de exhibición cuyo fin era presentar un gran abanico de artistas de diferentes generaciones y tendencias en una sola exposición. Un pequeño mapa de la plástica en Venezuela. Así, se dió el encuentro afortunado de las obras de jóvenes artistas que todavía trabajaban en los talleres del instituto de arte, con las obras de artistas de gran trayectoria. Cada obra en este contexto será a partir de ahora llamada píxel.

La primera edición de Píxeles (#1) fué en abril de 2006, debido a la receptividad e interés generado tanto en artistas como en el público general y coleccionistas, se ha producido una convocatoria anual como evento estable de la galería, incorporándose nuevos artitas venezolanos y latinoamericanos, con la única premisa de formato 24 x 24 centímetros.
Píxeles #6, 2012/ Artistas convocados
Harry Abend
Lisa Blackmore
Jorge Cabieses
Arsenio Felipe Reyes
Nano González
Víctor Julio González
Cristina Matos-Albers
Sandro Pequeno
Daniela Quilici
Carlos Luis Sánchez
Anita Reyna
Alberto Blanco

Apertura de exhibición: Sábado, 1 de diciembre de 2012. 11:00 a.m
Clausura: 17 de febrero de 2012

GBG Arts
Avenida Principal de Prados del Este. Galpón #2. Caracas, 1080. Venezuela
Teléfonos: +58 212 975 22 09 / +58 412 213 36 19
www.gbgarts.com
Horario de atención al público:
Martes a Viernes: 09:30am – 12:30m / 03:00pm - 06:00pm
Sábados y Domingos: 11:00am – 03:00pm

Prensa GBG Arts

El País entrañable de Vladimir Sersa

Hasta Febrero 2013

El imaginario fotográfico de un país está constituido por aquellas representaciones que trascienden y se convierten en una referencia a través del tiempo, pasando del visor de sus autores al colectivo. En el desarrollo de la fotografía venezolana del siglo XX, se experimentaron varios momentos importantes; uno de ellos estuvo ligado a la conformación, en los años treinta del siglo XX, de la nueva cultura urbana, iniciada por migraciones desde las zonas rurales atraídas por la explotación petrolera y el creciente desarrollo industrial de entonces. En las grandes ciudades se dieron las condiciones para que los implementos y equipos necesarios para el ejercicio de la fotografía se pudiesen obtener con facilidad. Además, junto a las compañías petroleras llegaron fotógrafos que dieron aportes al creciente grupo de hombres y mujeres que hicieron de la fotografía una afición y, en muchos casos, un oficio. Los géneros más abordados fueron el paisaje y el retrato, por medio de los cuales se constituyó la visión moderna de país.

Sin título, 1980 Caracas, Distrito Capital
Más adelante, en los años sesenta, con los trascendentes acontecimientos sociales y políticos ocurridos en Latinoamérica y el mundo, como los movimientos de izquierda, el Mayo Francés, el activismo pacifista en contra de la guerra de Vietnam, la Guerra Fría, el movimiento feminista, las acciones en contra de la segregación racial y la contracultura, se estimuló el desarrollo de una fotografía interesada en temáticas ligadas a los cambios sociales, que se proponía plasmar en imágenes lo que estaba aconteciendo. Esta fue la llamada fotografía documental, ya conocida desde inicios del siglo XX en el registro de las guerras mundiales y otros sucesos de importancia. Se trata del género que testimonia e informa, mostrando en algunos casos la visión personal del autor sobre el hecho fotografiado.
Desde finales de los años sesenta y comienzos de los setenta, el documentalismo toma fuerza en Venezuela. Uno de los fotógrafos más activos de este movimiento fue Vladimir Sersa, quien de manera individual y como miembro del colectivo El Grupo, recorrió el país, un territorio poco conocido hasta ese momento por los citadinos. Sersa desarrolla un trabajo minucioso que expresa una conciencia social en torno a la dura realidad existente en muchas regiones venezolanas. Por otro lado, y simultáneamente, revela hermosas imágenes de la geografía nacional. De esta forma se descubren Atarigua, Aroa, Jajó, San Lorenzo, Mucuño, Maurica, Marapa, Aregue, Bobures, Cabruta, La Azulita y Manicuare, solo por nombrar algunas de las poblaciones reseñadas en la exposición, lugares del a veces llamado interior del país, término con el que se mira de lado a los territorios alejados de las grandes ciudades, haciéndolos parecer como zonas de atraso, donde no ha llegado el progreso, como si para evaluarlos se requiriera solo el análisis de los aspectos económicos y la concentración poblacional.


Sin título, 1986 Mina El Perú El Callao, estado Bolívar 

El trabajo de Sersa aborda criterios ecológicos, culturales, biológicos y geográficos para darle a cada región del país su justo valor, al captarlos con su cámara en innumerables viajes, conformando un archivo personal de gran valor documental, ya sea en sus paisajes, retratos, zonas urbanas y rurales, en blanco y negro y en color.
Sin dejar a un atrás los valores estéticos, Sersa hace de sus fotografías algo más que un documento, ya que conjuga el respeto en el tratamiento de la escena fotografiada (sin manipulaciones ni trucajes) y el manejo de una poética con los elementos que conforman la imagen, destacando la presencia serena del silencio, que invita a descubrir otros significados que el espectador puede construir desde su experiencia. Además, se abordan temas específicos que denotan la diversidad cultural del venezolano a través del retrato en contexto y fotografías de elementos religiosos en ritos y cementerios. Quizás uno de los aspectos más importantes a destacar de esta muestra, es el uso de la fotografía a color, y la convivencia de esta con imágenes en blanco y negro, lo que constituye una novedad en su trabajo, ya que ofrece aportes significativos al imaginario del país desde el lenguaje del color.


Sin título, 1993 Barbacoas, estado Sucre

La exposición está estructurada en cuatro grupos temáticos. El primero de ellos, País mosaico, está conformado por paisajes naturales, urbanos y rurales; el segundo, Moradas, que muestra viviendas rurales y urbanas, es un acercamiento temático al tercer grupo, Del ser y su presencia, donde el autor se acerca a la venezolanidad desde el retrato en contexto y otras escenas que, sin ser retratos, presentan al ser humano como protagonista. Por último, bajo el título Paz en el alma, destaca la búsqueda estética a través de imágenes que presentan aspectos religiosos y lugares rituales (cementerios), un tema usualmente desarrollado en blanco y negro.
Analizando el trabajo de los fotógrafos venezolanos en las últimas décadas, nos encontramos que Vladimir Sersa es y seguirá siendo un referente importante en la fotografía documental venezolana para las nuevas generaciones de creadores visuales, especialmente aquellos que se dan a la tarea de valorar la importancia de la imagen del país y su gente, desde los cuatro puntos cardinales de su geografía.
Luis Chacín

País entrañable. Fotografías de Vladimir Sersa
Museo Alejandro Otero, Sala 5

Noviembre 2012 – Febrero 2013

Nro. de obras: 58 fotografías
Exposición organizada conjuntamente entre el Museo Alejandro Otero y el Museo Nacional de la Fotografía

Coordinación General
Yuri Liscano
Luis Chacín

Selección de obras, investigación y texto
Luis Chacín

Museografía
Daniel Trujillo

Museo Alejandro Otero
Complejo Cultural La Rinconada, Caracas, 1090. Venezuela
Teléfonos: (0212) 682.18.14 / 09.41 / Telefax: 682.71.59

Museo Nacional de la Fotografía
www.fmn.gob.ve


 Exposición Obra Reciente de Amalia Caputo - fotografías y Esperanza Mayobre - Dibujos

Galería Artepuy y La Caja del CCCH exponen obras de Amalia Caputo y Esperanza Mayobre 

Hasta febrero de 2013

A través de esta propuesta, dialogan las diversas variables que rodean los trabajos creativos de estas artistas, como son el video, la fotografía, el dibujo, la instalación y el performance.

Como parte de los programas de alianza que viene realizando Cultura Chacao con otras instituciones, se presentará un proyecto expositivo con la obra reciente de las creadoras venezolanas Amalia Caputo y Esperanza Mayobre, que será inaugurado este domingo 18 de noviembre a las 11:30 a.m. en la Galería Artepuy, y el domingo 25 de noviembre en La Caja del Centro Cultural Chacao.

Amalia Caputo
Con la curaduría de Lorena González, este proyecto trae al país la producción visual de dos creadoras venezolanas residenciadas en el extranjero –Amalia Caputo en Miami y Esperanza Mayobre en Nueva York– a través de una propuesta expositiva donde dialogan las diversas variables que rodean sus trabajos creativos, como son el video, la fotografía, el dibujo, la instalación y el performance.
“En el caso de Amalia Caputo la fotografía se despliega como el discurso crítico que le permite abordar estereotipos y asignaciones del orden hegemónico de políticas poco equivalentes a la hora de evaluar los discursos de género y el rol social de la mujer dentro de las organizaciones del poder”, mientras que para Esperanza Mayobre “es el tránsito de la existencia el evento crucial que convoca una buena parte de sus problemáticas visuales. Estructuras, quiebres, fracturas e inéditas recomposiciones consolidan armazones en movimiento constante, perspectivas de una contingencia que se suscribe desde inestabilidades más allá de la imagen”, según señala Lorena González en el texto de presentación de ambas salas.

Esperanza Mayobre
La primera estación de este engranaje curatorial tendrá lugar en la Galería Artepuy desde el 18 de noviembre, donde se presentará un pequeño recorrido por los trabajos más relevantes de Amalia Caputo, e imágenes de su producción más reciente que dan cuenta de las mitologías convulsas que a través de la imagen esta creadora capitaliza; así como también, una muestra con los dibujos más recientes de Esperanza Mayobre, con énfasis en la delicada inserción que la artista elabora sobre el papel, un camino de tramas infinitas que remiten a la pulsión física de estructuras que parecen levantarse, y al mismo tiempo sugieren un amasijo de consecuencias desperdigadas.
Para complementar el proyecto, La Caja del Centro Cultural Chacao exhibirá desde el 25 de noviembre los procesos más instalativos y performáticos de ambas creadoras en sendas muestras. Transferencias de Amalia Caputo, “contempla una instalación conformada por un conjunto de series donde se articulan las diversas narrativas de una imagen que se ensambla y se desplaza al mismo tiempo en el espacio expositivo: la memoria privada del objeto, el presente activo de una fotografía que lo ha capturado y el futuro incierto que construirá el nuevo vínculo que establecerá con el afuera luego del desprendimiento. Miles de objetos personales registrados por la artista son colocados en la puesta en escena para invitar al espectador a llevarlos con él y así convocar la reconstrucción de otro relato”, afirma la curadora.
Por su parte, Esperanza Mayobre presenta en La Caja del Centro Cultural Chacao la instalación 'Tierra a la vista' en la que refleja la fragilidad de la imagen, por medio de un video performance que la artista realizó con una apropiada bandera del inmigrante, en un recorrido desde la Estatua de la Libertad hasta la sede de Las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York. A juicio de Lorena González, “El itinerario además de topar con una cartografía relevante en torno al tema de la inmigración también destaca las oscuridades de una situación vital que se debate en el ejercicio de realidades forzadas por la crisis, la intolerancia y la necesidad extrema”.
Obra reciente de Amalia Caputo (fotografías) y Esperanza Mayobre (dibujos)
Del 18 de noviembre hasta febrero de 2013
Galería Artepuy
Calle California con Calle Jalisco. Las Mercedes
www.artepuy.com
De lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados y domingos de 11:00 a.m. a 3:00 p.m.
Transferencias de Amalia Caputo y Tierra a la vista de Esperanza Mayobre
Del 25 de noviembre hasta febrero de 2013
La Caja del Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco de El Rosal
www.culturachacao.org
De martes a sábado de 12:00 p.m. a 8:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.
Prensa: Zoraida Depablos

Amalia Caputo / Esperanza Mayobre

La obra de un artista contempla un proceso amplio de circunstancias, logros, caminos y vicisitudes que van consolidando su propia trayectoria. La exhibición es el momento crucial donde dispone sus hallazgos en confrontación directa con el espacio museográfico y el espectador. Focalizados en evaluar algunos puntos de este recorrido, el Centro Cultural Chacao y la Galería Artepuy se han unido para recibir la producción visual de dos creadoras venezolanas que residenciadas en el extranjero traen a nuestro país las resonancias de varios de sus procesos actuales, un itinerario donde el video, la fotografía, el dibujo, la instalación y el performance abren las puertas de un nutrido diálogo entre las diversas variables que rodean los períodos individuales de la creación.
En el caso de Amalia Caputo la fotografía se despliega como el discurso crítico que le permite abordar estereotipos y asignaciones del orden hegemónico de políticas poco equivalentes a la hora de evaluar los discursos de género y el rol social de la mujer dentro de las organizaciones del poder. En el caso de la Galería Arte Puy, un pequeño recorrido por los trabajos más relevantes así como imágenes de su producción más reciente, dan cuenta de las mitologías convulsas que a través de la imagen esta creadora capitaliza: dinámicas impalpables de una reflexión interna que se universaliza en los ritos de un cuerpo en tránsito complejo entre la demanda del adentro y las legislaciones del afuera. En La Caja, la sensibilidad de la imagen figurada de las grandes series se traslada al proceso interno de una fotografía que se levanta como espectáculo efímero de entrega y acción. Miles de objetos personales registrados por la artista son colocados en la puesta en escena para invitar al espectador a llevarlos con él y así convocar la reconstrucción de otro relato. Bajo el título Transferencias la instalación engrana las diversas narrativas de una imagen que se ensambla y se desplaza al mismo tiempo en el espacio expositivo: la memoria privada del objeto, el presente activo de una fotografía que lo ha capturado y el futuro incierto que construirá el nuevo vínculo que establecerá con el afuera luego del desprendimiento.
Para Esperanza Mayobre es el tránsito de la existencia el evento crucial que convoca una buena parte de sus problemáticas visuales. Estructuras, quiebres, fracturas e inéditas recomposiciones consolidan armazones en movimiento constante, perspectivas de una contingencia que se suscribe desde inestabilidades más allá de la imagen. Sus dibujos más recientes estarán en la Galería Arte Puy, reforzando en la delicada inserción que la creadora elabora sobre el papel, un camino de tramas infinitas que remiten a la pulsión física de estructuras que al tiempo que parecen levantarse, también sugieren un amasijo de consecuencias desperdigadas. En la instalación Tierra a la vista exhibida en La Caja del Centro Cultural Chacao, esta misma fragilidad es reflejada por el video performance que la artista realizó con una apropiada bandera del inmigrante en un recorrido desde la Estatua de la Libertad hasta la sede de Las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York. El itinerario además de topar con una cartografía relevante en torno al tema de la inmigración también destaca las oscuridades de una situación vital que se debate en el ejercicio de realidades forzadas por la crisis, la intolerancia y la necesidad extrema. En esta oportunidad el asta de la bandera culmina en un instrumento de limpieza con el que va recopilando la tierra indefinida del ciudadano que ha abandonado el propio terruño: límites, bordes y rastros perdidos de esas zonas de deterioro tan predominantes en los simbolismos e ilusiones globales de nuestro presente actual.
Lorena González



ARTES PLÁSTICAS | ENTREVISTA ANA MARÍA MAZZEI, ARTISTA PLÁSTICO

"Detrás de estas obras hay un paisaje metafórico"

"Decidí radicalizar el discurso (...). Quizás, este no es el momento para estar cociendo"
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La artista inaugura el domingo la exposición "Azimut" en la galería D' Museo en el Centro de Arte Los Galpones NICOLA ROCCO
DUBRASKA FALCÓN , ANA MARÍA MAZZEI , ARTISTA PLÁSTICO |  EL UNIVERSAL
sábado 1 de diciembre de 2012  12:00 AM
Rasgada. Así está Ana María Mazzei (Caracas, 1946). Está cortada... como sus obras más recientes. Detrás de unas piezas en madera, monocromáticas y minimalistas, se esconden fisuras casi imperceptibles. Todas simétricas, pero cortadas quirúrgicamente por el mismo motivo: la situación del país. "Son los cortes de la vida. Del momento difícil que estamos pasando en Venezuela", comenta la creadora.

A través de 25 obras en mediano formato, algunos dípticos y otros trípticos, la artista expone las rasgaduras que le produjo esta tierra en Azimut. La muestra, que inaugura mañana, toma la sala de galería D' Museo dentro del Centro de Arte Los Galpones, en Los Chorros. "Aquí utilizo las rasgaduras y los cortes a través de la madera y las betas. En eso se basa la exposición. En un principio, las betas penetran en el color a través de estas fisuras. He querido resumir aquí muchos de los temas que trabajé en mis primeros tiempos con el dibujo", explica.


Esta no es la primera vez que Mazzei utiliza las fisuras en su trabajo. Ya lo hizo con sus dibujos de grafito sobre papel. Pero a estas rasgaduras las tejía. Las cosía con alambres. "Tapaba esas rasgaduras", recuerda.


En Azimut no hay costuras evidentes. Tan solo queda el corte. Seco. Sin cura. "Quizás este no es el momento para estar cociendo. Estas fisuras, estas rasgaduras, están dentro de cada uno. Son mis rasgaduras internas. Esta es una obra bastante esquemática y minimalista, pero cuando te acercas te das cuenta que hay una fisura. Detrás de ella se encuentra otro mundo", confiesa Ana María Mazzei acerca de las piezas que realiza con madera industrial.


Incluso en dos de los dípticos que expone, la artista decidió colocar unos alambres sueltos. Largos hilos que aún no llegan a coser las rasgaduras del alma de Ana María Mazzei. "Decidí radicalizar el discurso. Detrás de estas obras geométricas existe un paisaje más metafórico. Aquí no está solo el elemento de las formas. Es más bien un proceso de reflexión que vas depurando a través de tu vida. Te vas despojando de cosas que en el momento son muy poéticas", dice.


La primera vez que la artista incluyó el geometrismo en su obra fue cuando expuso en 1993 en una de las salas de la Galería de Arte Nacional. Ya había ganado el premio Arturo Michelena. Decidió introducir la figura geométrica colocando relojes de sol y horizontes artificiales, similares a los que utilizan los pilotos de aviones. Hoy, la geométrica retoma el espacio y se amolda a la poesía de la artista.


"Ya la geometría salió a la superficie y tomó un espacio concreto. Ya esto salió del cuadro y de la pintura y tomó un espacio concreto. Es un elemento que flota dentro del espacio global de la galería. Con la madera que utilizó en esta exposición descubro las formas y los colores que tendrá la pieza. Es un elemento industrial que te da la libertad de hacer arte (...). Aquí, en Azimut, el exquisito soporte industrial desmitifica lo hecho a mano dándole importancia al refinamiento obtenido a través del diseño", concluye Mazzei.


La Fundación Banco Industrial de Venezuela el arte se viste de gala con 6 muestras.

Del Coquivacoa para el Guaraira Repano

 


Antonio Vargas


Marcos Cárdenas


Alonso Aguin


Roberto Camp

Homenaje rendido por estos creadores regionales hacia la montaña que engalana nuestra ciudad capital. Participantes:  Luis Cuevas, Edgar Queipo, Gregorio Rubio, Marco Cardenas,Wilmer Lugo, Nerio Quintero, Antonio Vargas, Gustavo Raffe, Carlos Ramos, Ender Colina, Roberto Camprovin, Eduardo Ramos.

Textiles Táctiles. Unas palabras sobre el hilo y la mano.


 
Laura Solano

Laura Solano
“El tejido en una dimensión artística, más allá de lo artesanal, me ha permitido expresarme ampliamente, jugar con texturas, colores, asociaciones y sentimientos, crear obras tridimensionales, figurativas, abstractas y hasta cinéticas. Como para el óleo y la tela, tampoco hay limitaciones para el hilo y la mano”.

Una Deriva Urbana



Fotografía Luis Chacín


Fotografía Coromoto Ramírez

En esta muestra expositiva, los fotógrafos Coromoto Ramírez, Félix Hernández y Luis Chacín, indagan en la iconografía social, los focos de relaciones formalmente estructurantes en las que el signo y el símbolo funcionan como entes comunicativos y alienantes a la vez.

La Ciudad que Vemos


La Ciudad que vemos

          Doce visiones muy particulares presentes en esta propuesta. Visiones que de una manera u otra buscan interpretar el dinamismo contemporáneo del contexto citadino. Diferentes técnicas se evidencian a través de la pintura, la escultura, la fotografía y la instalación. Participantes: Juana Flores, Hugo Mariño,  José Guacache, José Moret, Vladimir Sersa,  Miguel Ruíz, Carlos Vielma, Ingrid Lozano, Rossel, Ygnacio Mejía,  Julián Bulfón y José Caldas.

La nota es Venezuela


  Albert Alexander Almarza

Caricaturas de Músicos Venezolanos.
@almarzaale
 

El universo creador de Héctor Mancera y sus Visiones Cósmicas


Héctor Mancera
Recopilación e inventario de toda la información acumulada por el artista, en torno a los diversos estados paranormales y “contactos del tercer tipo” que asegura haber tenido desde hace más de quince años, luego de haberse instalado en los sublimes parajes del páramo merideño, en particular, en la población de San Rafael de Mucuchíes y sus alrededores.

Maravillas de Venezuela



Maravillas de Venezuela

Centro Artístico y Publicitario Martinis
Belleza natural de los paisajes de venezolanos, a través de sus lápices y pinceles.

Fundación Banco Industrial de Venezuela
Avenida Universidad, esquina de Traposos, Edificio Banco Industrial de Venezuela (BIV), Mezzanina
Teléfonos (0212) 5152511—Fax (0212)5162509 

Fin oficial de la Velada 2013, domingo 3 de marzo a las 6:00 p.m. 

Exposición fotográfica Tierra del Tepuy



Hasta el 26 de enero


El corazón de lo natural en la ciudad
 
El fotógrafo Henry González logró trasladar la majestuosidad de los tepuyes guayaneses a nuestra ciudad. El medio: las imágenes. La magia de estos monumentos naturales se encuentran expuestos en fotografías en el restaurant La Guayaba Verde.
La muestra “Tierra del tepuy” consta de 18 imágenes panorámicas, en el lugar que es cuna del Salto Ángel y La Llovizna, y de centenares de especies. Durante más de 15 años este fotógrafo realizó y documentó sus expediciones a la Gran Sabana y hoy puedes apreciar su trabajo mientras disfrutas de buena gastronomía.

 La Guayaba Verde, Av. Rómulo Gallegos, Edif. Pascal, Torre B, local 2 (Diagonal a la torre KLM).

Entrada libre

María Eugenia y Eduardo tiñen sus sueños de azul natural

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En la muestra "Azul índigo" presentan 16 piezas CORTESÍA SALA TAC
EL UNIVERSAL
sábado 1 de diciembre de 2012  12:00 AM
María Eugenia Dávila y Eduardo Portillo han trabajado durante 10 años con el azul del cielo en el Taller Morera. Los artistas merideños han recorrido el mundo en busca de las hojas de añil -azul índigo- para teñir sus tejidos. México, Ecuador, Perú, Tailandia y China han sido algunos de los países que han visitado para hallar lo que ellos llaman "el azul natural".

"El azul es muy difícil de conseguir en la naturaleza. No es común en las plantas. La fórmula era teñirlo de índigo, pero el natural desapareció cuando se creó el sintético. Nosotros hemos buscado las hojas para cultivarlas y producirlas. Es el azul que los merideños vemos cuando se despeja la montaña", cuenta la artista María Eugenia Dávila.


Es justamente este color el hilo conductor de la exposición Azul índigo que inaugura el jueves 6 de diciembre en la Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC), dentro de Centro Comercial Paseo Las Mercedes. Se trata de 16 textiles, en mediano formato, que fueron tejidos al ritmo de las horas del día.


"Están relacionadas con las cosas que vemos: el cielo o el mar. Las piezas están distribuidas en la sala por el ritmo de las horas del día. Las obras reciben el nombre de amanecer, atardecer, alba y anochecer. Además, representan las nubes y el color de la luna. Todas llevan varias tonalidades de azul", aclara.


Los tejidos, realizados durante un año, son obras de pared. "Son formas tejidas muy complejas", asegura la creadora de las telas tejidas con hilos de seda -que producen en el Taller Morera gracias a la cría de gusanos-, algodón, lana y fibras como moriche, chiquichique, curagua, además, de la combinación de hilos metálicos.


Es en el Taller Morera en donde realizan las investigaciones para teñir las piezas que crean. Aparte de las hojas de añil, usan la semilla del aguacate, hojas de corteza de eucalipto, semillas de onoto, cáscara de cebolla y otros elementos naturales con los que consiguen una amplia gama de tonalidades.


"El azul está relacionado con las cosas inalcanzables, pero que todos los días nos acompañan. Incluso, tiene un significado en algunas culturas del mundo. Es el único color que, al teñirlo, se pasea primero por el amarillo y el verde antes de volverse azul. Todo eso pasa frente a tus ojos. Es un trabajo largo que parte por la obtención del añil y de los hilos", concluye.


dfalcon@eluniversal.com

Isabel Arteaga: Soy Ama de Casa – Hacienda La Trinidad Parque Cultural

Hasta el : 7 de enero de 2013

Haciendo a un lado los prejuicios sociales, Isabel Arteaga presenta una aproximación fotográfica a un rol que le llena y enorgullece: el de ama de casa; las imágenes se exhiben en la Hacienda La Trinidad Parque Cultural desde el domingo 9 de diciembre a las once de la mañana
En los tiempos que corren se suele asociar palabras como logros o éxito a realización profesional y todo lo que esta conlleva. La posición de Isabel Arteaga es diferente: más allá de los prejuicios o dictámenes de la sociedad, siempre tuvo claro que lo que más anhelaba era ser madre y dedicarse a la atención de su hogar y los suyos, y sobre eso versa su serie fotográfica Soy ama de casa.
“La muestra es una representación del trabajo que tenemos que realizar, día a día, las personas que decidimos -o no- ser amas de casa. Este es un trabajo de mucha responsabilidad; demanda de una cantidad de conocimientos y destrezas que suele verse como algo ‘natural’ que deben hacer las mujeres. Confrontarse a este rol puede ser una sacudida para muchas personas, no necesariamente del género femenino, que se podrían sentir identificadas. Particularmente los varones parecen ajenos a este universo, aunque son una parte esencial del mismo”, dice la fotógrafa sobre el proyecto que viene desarrollando desde 2010 y que supone una dimensión social, pues se trata de “una actividad de millones, incluso de aquellas que reciben un salario para realizarlo”.
Más que una bitácora, Soy ama de casa es un reflexión sobre la vida que Arteaga decidió llevar por convicción. “Me sumergí cámara en mano a documentar paso por paso las diferentes tareas que ocupan la extensa jornada laboral a la que se enfrentan las personas que deciden dedicarse, en cuerpo y alma, al cuidado de su familia y del hogar, y así gritarle al mundo: ¡Soy ama de casa!”.
Pese a ser un proyecto desarrollado en su hogar, la serie implicó las dificultades propias de la realización de autorretratos: enfrentar la cámara, sin perder el control. Este registro fotográfico, integrado por 16 series y 30 polaroids, se exhibe en el Secadero #5 de la Hacienda La Trinidad, del 9 de diciembre al 7 de enero de 2013; horario de visitas: martes a sábado, de 11:00am a 6:00pm, y domingo, de 11:00am a 4:00pm.
Isabel Arteaga comenzó sus estudios en fotografía en el taller de Roberto Mata en el año 2008. Desde entonces ha continuado su formación cursando talleres especializados en diversas áreas del quehacer fotográfico junto a Ricardo Jiménez, Ricardo Peña, Claudio Napolitano, Nico Baumgarten, Luca Pagliari y Antonio Briceño, entre otros profesores. Obtuvo Mención de honor en el certamen internacional Templos del Siglo XXI (Imatoria). Ha participado en diversas exposiciones colectivas; Soy ama de casa es su primera muestra individual.
Roberto Mata Taller de Fotografía es una escuela que pretende recrear un ambiente en el cual los alumnos armonicen el reto que supone la concepción de una imagen y el apoyo mismo que implique obtenerla. Asimismo, es un espacio que se dedica a promover e intercambiar ideas sobre todo lo que se refiere al hecho fotográfico. Desde sus inicios —en agosto de 1993— ha atendido más de 2500 alumnos, muchos de los cuales se mantienen vinculados activamente al Taller y a la fotografía.
Soy ama de casa – Fotografías de Isabel Arteaga
Inauguración: 9 de diciembre, 11:00AM
Cierre: 7 de enero de 2013
Entrada libre
Lugar: Hacienda La Trinidad, Parque Cultural. Secadero Nº5. Calle Rafael Rangel Sur, Urb. Sorokaima. La Trinidad, Baruta.
Hacienda La Trinidad Parque Cultural
Secadero No. 5
Calle Rafael Rangel Sur, Hacienda La Trinidad,
Urbanización La Trinidad.
Prensa: Miltza Z163pan

Ocho artistas venezolanos contemporáneos exponen en 'Selección' - Galería La Cuadra 

Hasta el 13 de enero de 2013

Ocho artistas venezolanos contemporáneos muestran trabajos en los cuales coincide un interés por lo concreto, la geometría, lenguajes reduccionistas, además de ciertas ideas conceptuales

Selección, una exposición colectiva que reúne a ocho artistas plásticos venezolanos se abre al público en la Galería La Cuadra el domingo 4 de noviembre a partir de las once de la mañana. Las tendencias abstracto-geométricas y de marcada influencia minimalista, así como ideas conceptuales que han sido retomadas y ‘reinventadas’ con insistencia en la primera década del presente siglo por creadores visuales a nivel internacional, están presentes en las propuestas bi y tridimensionales de los artistas que conforman esta exhibición de grupo. Vicente Antonorsi, Sigfredo Chacón, Alexander Gerdel, José Antonio Hernández-Diez, Gerd Leufert, Víctor Lucena, Rodrigo Machado Iturbe y Roberto Obregón, conforman la muestra.
De Antonorsi podrá verse su más reciente serie de obras titulada Marco, piezas realizadas en madera contraenchapada calada, de formato cuadrado, que suspendidas del techo de manera imperceptible y separadas de la pared frotan en el espacio, acentuando el vacío material que ya de por sí tienen.

Roberto Obregón. Disección 1
Chacón experimenta con materias pictóricas y collages en acrílico. En su Cuadrícula dálmata, ejecutada hace casi dos décadas, este notable artista que no renuncia a la pintura-pintada, crea una retícula en blanco y negro que a través de drippings muy gestuales crea una suerte de alegoría en evidente homenaje a Jackson Pollock. En otra serie de pinturas cuadradas que titula Emotional flourescent painting utiliza vibrantes colores magentas fluorescentes en contraste con negros y grises en un fluir de manchas que se despliegan informalmente por la superficie se tela.
En la obra titulada Glucometría azul, Gerdel utiliza de manera límpida y serial los dispositivos usados en los exámenes de laboratorio para medir los niveles de glicemia en la sangre, creando un diseño que emula una trama cinética.
Del destacado creador Hernández-Diez se exhiben dos piezas: Buscando a Juanita # 2, una imagen fotográfica a gran escala en la cual sobrepone a un close-up de un rostro femenino un enorme lente de contacto a un lado de la cara del enigmático personaje, y una instalación de cajas de cartón corrugado de las utilizadas como contenedores de la típica Maizina Americana, emblema alimenticio del venezolano.

José Antonio Hernández-Diez. Buscando a Juanita #2
El maestro del diseño gráfico en Venezuela, Gerd Leufert, cuya obra de los años 60 introduce en el arte nacional planteamientos de la pintura hard edge, está presente en esta colectiva con una pieza cuadrada de gran formato titulada Betijoque, un lienzo en acrílico de esa década cuya vasta superficie monocroma azul gris pálido es atravesada de manera oblicua por líneas zigzagueantes predominantemente rojas y una sola verde esmeralda, que focalizan la mirada del espectador a través de estos colores complementarios.
Lucena, uno de los creadores no solo venezolano sino latinoamericano precursor de la contemporaneidad, quien en la década de los setenta del pasado siglo realizara una obra de carácter conceptual de singular importancia a nivel internacional, participa en Selección con Space shock dimension N superficies 1991. Tus. Lucena 2008 y su similar 2009 con idéntico título, ejecutadas en láminas de aluminio intervenidas, donde desarrolla círculos, óvalos y elipses que se superponen entre sí.
Siguiendo los internacionalmente y cada día más reconocidos aportes del arte venezolano contemporáneo a movimientos seminales del siglo XX como el arte cinético, óptico y retinal, Machado Iturbe con sus Opticinéticos inventa y actualiza formas bidimensionales donde líneas de un mismo grosor en negro absoluto sobre superficies blancas planas o viceversa, crean movimientos gráficos que engañan la retina del espectador, insinuando volúmenes inexistentes.

Obras de Gerd Leufert y Sigfredo Chacón
De Obregón, cuya obra singular y sensiblemente poética basada básicamente en su constante casi símbolo, la rosa, desarrollada en sus múltiples e infinitas posibilidades está siendo cada vez más reconocida en el mundo internacional del arte, se exhiben dos hermosas Disecciones realizadas en acuarela sobre papel, de principios de los años 90.
Selección ofrece opciones de obras representativas de creadores visuales de tres generaciones que brindan una visión actualizada y vigente de momentos significativos del arte venezolano del último medio siglo, donde tendencias, conceptos y medios expresivos disímiles dialogan en un discurso coherente que señala una clara visión de momentos claves del arte nacional.
La inauguración de la exposición Selección se llevará a cabo el domingo 4 de noviembre a partir de las 11:00 am y permanecerá abierta hasta el domingo 13 de enero de 2013. La Galería La Cuadra está situada en la Cuadra Creativa-Gastronómica, en la 6ta transversal entre las 3ra y 4ta avenidas de Los Palos Grandes, Caracas. El horario de apertura al público es de martes a viernes de 11:00 am a 6:00 pm, y los sábados y domingos de 11:00 am a 3:00 pm.
Caracas, octubre de 2012
Selección
Vicente Antonorsi / Sigfredo Chacón / Alexander Gerdel / José Antonio Hernández-Diez / Gerd Leufert / Víctor Lucena / Rodrigo Machado Iturbe / Roberto Obregón
Del 4 de noviembre de 2012 al 13 de enero de 2013
Inauguración: 4 de noviembre, 11:00am 
Galería La Cuadra
Cuadra Creativa-Gastronómica, 6ta transversal entre las 3ra y 4ta avenidas de Los Palos Grandes
Caracas, Venezuela
Martes a viernes de 11:00 am a 6:00 pm.
Sábados y domingos de 11:00 am a 3:00 pm.
Prensa Galería La Cuadra

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