El Centro de Arte Daniel Suárez reúne a grandes artistas venezolanos
Se podrán apreciar piezas de arte de la talla de Edgar Guinand, Carlos Cruz Diez, Narciso Debourg, Julio Le Parc, Gisseline Amiuny, entre otros
Las obras de reconocidos pintores y escultores venezolanos, conforman la exposición “Colectiva”, que ubicada en el Centro de Arte Daniel Suárez, donde podrá ser visitada hasta el 28 de febrero de 2016.
Formatos de pequeña, mediana y gran escala son parte de esta muestra,
en la que se reúnen piezas bidimensionales y tridimesionales de 22
creadores, entre los que se incluyen siete Premios Nacionales, quienes con nuevas obras muestran sus estudios recientes en torno a la geometría y el color.
Adicionalmente, artistas como Julio Pacheco Rivas, Ángel
Hernández, Juvenal Ravelo, José Campos Biscardi, Lía Bermúdez, Octavio
Herrera, Ernest Petras, Daniel Suárez y Pedro Briceño, exhibirán nuevas obras realizadas especialmente para esta exposición en el Centro de Arte Daniel Suárez,
cuidando la auténtica y mejor propuesta artística con la rigurosa
realización y el acabado perfecto que le caracteriza a este taller.
De igual forma podrán apreciarse piezas de artistas de la talla de
Edgar Guinand, Carlos Cruz Diez, Narciso Debourg, Julio Le Parc,
Gisseline Amiuny, Santiago Pol, Cristina Ghetti, Enric Ansesa, Edgar
Negret, Heddy Durán, Reinaldo Crespo, Rafael Martínez y Víctor Valera.
Cabe destacar que esta exposición formará parte de la 7ma Cita Internacional de la Escultura Contemporánea, New Year’s Brunch ‘16,
que es una cita internacional diseñada para celebrar y promover la
escultura contemporánea, en la que unos 28.000,00 artistas y 100
Galerías de arte de Europa y Latinoamérica, acogerán el evento a ser
realizado el 24 de enero de 2016, el cual se trasmitirá vía Skype a todo
el mundo desde la página http://www.sculpture-network.org/es
La exposición “Colectiva” podrá ser visitada desde el próximo domingo 29 de noviembre hasta el 28 de febrero de 2016, en el Centro de Arte Daniel Suárez,
ubicado en la avenida El Ávila con calle San Miguel, quinta Veneyork,
urbanización Alta Florida. El horario de exposición es de lunes a
domingo de 10:00 am a 4:00 pm. La entrada es libre.
Exposición colectiva de artistas gráficos en el TAGA
El evento se desarrollará este domingo 29 de noviembre de 11:00 am a 4:00 pm | Foto: Cortesía de Terra Gráfica
El evento es organizado por Terra Gráfica, un
grupo autofinanciado de estructura nómada con distintas representaciones
en el país.
El próximo domingo se llevará a
cabo en el Taller de Artistas Gráficos Asociados (TAGA) una muestra
colectiva con la finalidad de dar a conocer el trabajo realizado de las
distintas residencias que promueven las artes gráficas.
El
evento es organizado por Terra Gráfica, un grupo autofinanciado de
estructura nómada con distintas representaciones en el país.
En
la muestra participarán Terra Insular, Terra Corporal, Terra Mistral,
Terra Tena y otras convocatorias que han organizado en el marco de
talleres de grabado.
La exhibición
contará con la musicalización de Julio César III Venegas y se
desarrollará este 29 de noviembre de 11:00 am a 4:00 pm en el TAGA,
ubicado en la quinta El Taller entre la avenida El Cortijo y avenida
América en la urbanización Los Rosales.
Blog: terragrafica.wordpress.com.
Enail: terragrafica1@gmail.com
Presentación Terra Gráfica
Domingo 29 de Noviembre a las 11:00 am
Desde hace un año y tres meses se conformó Terra Gráfica como una iniciativa independiente, que busca incentivar a artistas a que retomen o se inicien en las artes gráficas, llevando a cabo proyectos como Residencias artísticas y Proyectos de corta duración.
Artistas trabajando en Residencia Artística Gráfica Terra Insular Con el propósito de la producción de obras gráficas, logrando incentivar a artistas a que retomen o se inicien en las artes gráficas, para ello se plantea la participación de distintos artistas en cada experiencia y la visita a distintos lugares, para producir o generar un trabajo de campo con producción a posteriori.
Domingo 29 de Noviembre a las 11:00 am
Desde hace un año y tres meses se conformó Terra Gráfica como una iniciativa independiente, que busca incentivar a artistas a que retomen o se inicien en las artes gráficas, llevando a cabo proyectos como Residencias artísticas y Proyectos de corta duración.
Artistas trabajando en Residencia Artística Gráfica Terra Insular Con el propósito de la producción de obras gráficas, logrando incentivar a artistas a que retomen o se inicien en las artes gráficas, para ello se plantea la participación de distintos artistas en cada experiencia y la visita a distintos lugares, para producir o generar un trabajo de campo con producción a posteriori.
PREMIO OMAR CARREÑO AVAP
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Galardonados los artistas Jorge Pizzani (Pintura), Gaudi Esté (Escultura), Eugenio Espinoza (Arte Conceptual), Nan González (Multimedia), Bernardo Mazzei (Diseño Industrial) y Martin Schoffel (Artista Joven). Asimismo, se realizará un reconocimiento post mortem a la Maestra Luisa Richter, quien en vida desarrolló una importante carrera artística en el país. El jurado del Premio Omar Carreño, en su tercera edición,María Luz Cárdenas, Marta De La Vega, Bélgica Rodríguez, Abigail Varela, y Humberto Cazorla. |
En la Galería Freites la entrega de la
tercera edición del Premio en Artes Plásticas Omar Carreño, que otorga
el Colegio de Arquitectos de Venezuela en alianza con la Asociación
Venezolana de Artistas Plásticos y la Asociación Internacional de
Críticos de Arte, en reconocimiento a la trayectoria del artista en
diferentes categorías.
En esta ocasión serán galardonados los artistas Jorge Pizzani (Pintura), Gaudi Esté (Escultura), Eugenio Espinoza (Arte Conceptual), Nan González (Multimedia), Bernardo Mazzei (Diseño Industrial) y Martin Schoffel (Artista Joven). Asimismo, se realizará un reconocimiento post mortem a la Maestra Luisa Richter, quien en vida desarrolló una importante carrera artística en el país.
El jurado del Premio Omar Carreño, en su tercera edición, estuvo conformado por María Luz Cárdenas, Marta De La Vega, Bélgica Rodríguez, Abigail Varela, y Humberto Cazorla.
Exposición ¡COCHINO! Arte más allá del Chicharrón
Desde el 15 de Noviembre hasta el 14 de Diciembre
en el Museo de Arte Afroamericano de Caracas
#cochinoartemasalladelchicharron
Más de 200 artistas participando
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| Gladys Calzadilla |
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| Jesús Tarkin Briceño |
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| Carlos Jairany |
La Exposición ¡Cochino! Arte más allá del Chicharrón forma parte del proyecto cultural, social y educativo "Responsabilidad <-> Reproducción <-> Respeto", emanado por la Fundación Armocultura dirigido a incentivar el sentido crítico respecto al embarazo y la sexualidad en adolescentes en Venezuela, uno de los países más afectados en América Latina y el mundo.
Históricamente en la cultura Occidental, el Cochino ha sido sinónimo de glotonería, vagabundería e incluso de suciedad. Esto último se debe a su hábito de revolcarse en el lodo o barro pero, contrario a ser una actividad sucia, para el cochino es parte de su higiene ya que le ayuda a eliminar parásitos y posibles infecciones que se alojan en su piel; desmontando así la asociación de los adjetivos calificativos "cochino / cerdo / chancho / guarro / marrano" con la supuesta anti-higiene del animal, cuando realmente es un animal que prefiere estar limpio
pero su naturaleza lo hace llenarse de lodo para lo antes expuesto o
para mantenerse frescos -ya que no tiene glándulas sudoríparas-.
En la cultura Oriental el cochino también ha sido objeto de ataques y muchos más fuertes. El Judaísmo y el Islamismo en sus códigos de alimentación y prácticas permitidas (Cashrut para los Judíos y Halal para los musulmanes) prohíben el consumo de cerdo y el contacto con su cadáver por ser un animal impuro.
La Exposición ¡Cochino! Arte más allá del Chicharrón quiere
crear otra imagen sobre este animal y rescatar lo que verdaderamente
es: un animal bastante inteligente, fácil de ser domesticado, capaz de
reconocer si le pones un nombre, un animal que prefiere la limpieza, es
curioso y lo que más de una persona envidia del cerdo: es capaz de tener un orgasmo de hasta media hora y eyacular en grandísimas cantidades. ¡Cochino! Arte más allá del Chicharrón, es una exposición colectiva de arte que asume el tema del cerdo como símbolo de prejuicio moral y sexual.
De allí que hemos decidido tomar el icono vacío (o vaciado) de un cochino
de bizcocho cerámico para ser intervenido por 100 artistas venezolanos y
algunos artistas internacionales y preñarlo en un sentido estético,
como una metáfora de los matices y variaciones con las que ocurre el
desarrollo de la sexualidad en adolescentes y que, en ese sentido,
debería ser abordado y entendido por la sociedad al hablar del tema. Estas obras realizadas serán expuestas y puestas en venta desde el 15 de Noviembre hasta el 14 de Diciembre en el Museo de Arte Afroamericano de Caracas. En ese lapso, pretendemos involucrar organizaciones, empresas y personas interesadas en patrocinar, promover y colaborar con el proyecto "Responsabilidad <-> Reproducción <-> Respeto".
Un porcentaje del valor de la ventas de las obras será adjudicado al artista y otro porcentaje será invertido en los Talleres de Iniciación a la Realización Audiovisual que
se llevará a cabo en varios lugares de Venezuela; en el cual
adolescentes entre 14 y 19 años tendrán la oportunidad de realizar de 5 a
15 cortos sobre embarazo adolescente, sexualidad e Identidad de Género.
Fabiola Gámez Exposición "Amüchi El rebaño del Inframundo" Museo de Arte Afroamericano
El Museo de Arte Afroamericano tiene el orgullo de abrir sus espacios a la extraordinaria joven escultora venezolana, Fabiola Gámez, quien inaugurará la exposición "Amüchi El rebaño del inframundo", en la cual se conjugan elementos de la tradición oral venezolana, la herencia de las culturas negra y aborigen, hábilmente fusionadas con técnicas orientales y occidentales. No nos queda duda ninguna, de que esta joven artista se une al selecto grupo de grandes escultoras venezolanas, Martha Cabrujas, Belén Parada y Nohemí Márquez.
Museo de Arte Afroamericano: Avenida Occidente final avenida Los Préceres, San Bernardino.
Fotografía Gladys Calzadilla.
Fabiola Gámez Exposición "Amüchi El rebaño del Inframundo" Museo de Arte Afroamericano
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| Fabiola Gamez Ceramista Venezolana y su hija Kya |
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| Trabajos de Kya |
El Museo de Arte Afroamericano tiene el orgullo de abrir sus espacios a la extraordinaria joven escultora venezolana, Fabiola Gámez, quien inaugurará la exposición "Amüchi El rebaño del inframundo", en la cual se conjugan elementos de la tradición oral venezolana, la herencia de las culturas negra y aborigen, hábilmente fusionadas con técnicas orientales y occidentales. No nos queda duda ninguna, de que esta joven artista se une al selecto grupo de grandes escultoras venezolanas, Martha Cabrujas, Belén Parada y Nohemí Márquez.
Museo de Arte Afroamericano: Avenida Occidente final avenida Los Préceres, San Bernardino.
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| Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano |
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| Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano |
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| Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Fabiola Gamez Ceramista Venezolana Museo de Arte Afroamericano Fotografía Gladys Calzadilla |
Fotografía Gladys Calzadilla.
La muestra estará hasta el 10 de enero
Cubo 7 presenta Portafolio Mexicano de Paul Strand
Este espacio despliega la segunda edición de este reconocido
trabajo del artista, uno de los
fundadores de la fotografía documental moderna Hasta el mes de enero Cubo 7 –
Espacio Fotográfico tendrá en sus espacios la exposición Portafolio Mexicano.
Paul Strand, la cual reúne las 20 imágenes pertenecientes a la segunda edición (1967) de
este trabajo del fotógrafo y cineasta estadounidense,
uno de los fundadores de la fotografía documental moderna, quien en su interés por crear un discurso directo de
contenido social recorrió los pueblos de México entre 1932 y 1934. Con su cámara de gran formato, Strand viajó
durante dos años por las comunidades rurales de Puebla, Oaxaca, Michoacán y Toluca. Al
artista lo que le interesaba era retratar
a la gente sin poses ni efectos. Al respecto, la curadora y crítico de arte Sagrario Berti sostiene que el arte moderno y
el registro documental se entrecruzan en las representaciones visuales del fotógrafo,
ya que Strand socava la tendencia pictorialista
de aquel momento al materializar sus propuestas documentales mediante un conocimiento exhaustivo de herramientas y
técnicas estrictamente fotográficas.
“Crea formas de representación inéditas para la época e
inaugura en la historia de la disciplina
un sistema de composiciones abstractas y geométricas cuya temática es afín al estilo de Cézanne, Picasso o Matisse”. Berti
explica que Paul Strand eligió imágenes de personas en calles, plazas o
umbrales en un letargo cotidiano de
atávica espera, así como arquitectura eclesiástica y civil. “Incluyó también iconografía religiosa
colonial de cristos y vírgenes que expresan padecimiento en gestos similares a los de los
habitantes fotografiados”. Nacido en
Nueva York, en 1890, Paul Strand se inició en la fotografía de la mano del fotógrafo social y sociólogo Lewis Hine, quien
lo vinculó a Alfred Stieglitz, director de la Galería 291 y editor de la revista Camera
Work, publicación que contribuyó al reconocimiento
de la fotografía como arte y a la difusión de las últimas tendencias del pictorialismo. Es por ello que los primeros
trabajos de Strand exploraban elementos de la pintura a través de imágenes de luz difusa
y sutilmente desenfocadas.
Más tarde, abordó
la “fotografía directa” en la que creaba un retrato social –sin manipulaciones
ni efectos– que se oponía al refinado
retrato de estudio. En relación con la
muestra, Berti asegura: “Oportunidad inédita para que el espectador pueda apreciar no solo la exquisita calidad y
cualidad de la impresión en fotogravure –técnica
de estampado casi obsoleta hoy en día–, sino también las propuestas del fotógrafo modernista por excelencia, quien
bajo una fuerte motivación social manifiesta en sus representaciones un constante deseo por
revelar la dignidad de las personas, sin
importar, parafraseándolo, «que la vida misma las haya destruido»”. La
exposición Portafolio Mexicano. Paul Strand permanecerá abierta al público
hasta el 10 de enero de 2016 en los
espacios de Cubo 7 – Espacio Fotográfico (Secadero 7), ubicado en Hacienda La Trinidad – Parque
Cultural, calle Rafael Rangel Sur,
Urbanización Sorokaima, Caracas.
Para mayor información puede visitar la página web
www.cubo7.com, o consultar las redes sociales Twitter e
Instagram @cubo_7 y
Facebook: Cubo Siete Espacio Fotográfico. Horario de visita:
martes a sábado de 11:00
am a 6:00 pm y los domingos de 11:00 am a 4:00 pm.
IX Colectiva de Artes Plásticas 2015
UNA-Biblioteca Central UCV
hasta el 11 de diciembre
Hendrik Hidalgo Mejías Mi Yo Frida
en SEPIA Galería
Inauguración Jueves 5 de noviembre a las 5 pm Hendrik Hidalgo Mejías
en SEPIA Galería, nivel C2 del CCCT Centro Comercial Ciudad Tamanaco.
Las Máculas Ortogonales de Cipriano Martínez
Llegan a Beatriz Gil Galería
 |
| BEATRIZ GIL Galería, ubicada en la Calle California con Calle Jalisco, en Las Mercedes |
La más reciente propuesta del artista venezolano
Cipriano Martínez será exhibida en BEATRIZ GIL Galería, a través de la muestra
individual “Máculas Ortogonales”, que será inaugurada el domingo 8 de noviembre
a las 11:00 a.m., y permanecerá abierta al público hasta finales de enero de
2016, con el apoyo de la Clínica Santiago de León en el marco de la celebración
de su 57° aniversario.
Con la curaduría de Lorena González, esta muestra reúne
un conjunto de obras en las que el artista plasma su visión de la ciudad de
Caracas –fuente de inspiración a lo largo de sus casi 20 años de trayectoria
artística- por medio de estructuras de retículas subyacentes que van de lo
abstracto a lo representativo, donde las brillantes geometrías pueden sustituir
los cambios constantes en ambientes y sistemas que son la esencia de cómo sigue
en movimiento la ciudad, según se afirma en uno de los textos de presentación
de la exhibición.
Residenciado en Londres desde hace una década, Cipriano
Martínez trae para “Máculas Ortogonales” una amplia variedad de formatos donde
se conjugan la pintura y el trabajo impreso sobre papel. Según él mismo indica
en conversación con la curadora de la exhibición, la retícula, constante en
gran parte de su obra como estrategia para organizar el espacio, “aparece ahora
en algunos casos totalmente desarticulada, a modo de malla, y en otros se ha
transformado en triangulaciones que convergen a manera de planos yuxtapuestos.
La referencia de lo urbano se ha ido disipando, quedando entonces el tejido intrínseco
que conforma el paisaje”.
Al referirse a su obra actual, Cipriano asegura que
existe una dualidad en el uso de las escalas, y la otrora referencia exterior
podría estar quedando supeditada a la subjetividad propia de los procesos de
percepción. “En muchas de las pinturas más recientes viene apareciendo un
interés creciente por la imagen como tal así como por el proceso de obtención
de estas imágenes”.
Asimismo, considera que en estos tiempos donde la
imagen visual ocupa un lugar preponderante, es imposible trabajar en las artes
visuales sin la tentación de asomarse por esa ventana que representa cualquier
pantalla de los tan diversos dispositivos electrónicos que existen.
“La computadora y todas las posibilidades que ella
ofrece son de algún modo una herramienta más, al igual que los instrumentos y
los materiales propios del oficio de pintar. Esto no significa que para mí la
tecnología digital se convierta en un fin último, lo que me propongo es
producir una pintura desde allí, pero haciendo uso de materiales con una fuerte
tradición o carga histórica, como lo es el óleo, el cual me sirve como
contraposición a la naturaleza de las imágenes que de alguna forma dan cuenta
del paisaje digital de nuestros tiempos”, afirma.
Con una sólida formación que abarca los títulos de
Ingeniero Civil de la UCV y Licenciado en Artes del antiguo IUESAPAR, además de
un Master in Art en el Chelsea College of Arts & Desing de Londres (del que
posteriormente se convirtió en investigador asociado), Cipriano Martínez ha
participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Venezuela, y
otros países como Inglaterra, Estados Unidos y España; además su obra se
encuentra representada en Colecciones institucionales como la Colección
Mercantil, la Colección Banesco, la Galería de Arte Nacional, el Museo de Arte
Contemporáneo de Caracas y la Mark Rothko Foundation en Latvia, así como en
importantes colecciones privadas en Latinoamérica, Estados Unidos y Europa.
El artista desarrolla parte de su obra con técnicas
graficas a partir de una reflexión personalizada del paisaje como lugar de la
representación, donde las cartografías del inconsciente y los fragmentos
obsesivos de la cultura digital-global se traducen en abstracciones inéditas
cargadas de nuevos significados. Actualmente se encuentra preparando junto a la
destacada diseñadora Christine Vanderhurd, un proyecto de nueve tapices que
bajo el nombre Woven Cities, será presentado a finales de este año en la ciudad
de Londres.
El público podrá apreciar la más reciente producción
artística de Cipriano Martínez en la exposición Máculas Ortogonales, que se
estará presentando del 8 de noviembre al 31 de enero de 2016, en los espacios
de BEATRIZ GIL Galería, ubicada en la Calle California con Calle Jalisco, en Las
Mercedes; en horario de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados de
10:00 a.m. a 4:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es
libre.
Jesús Matheus Neoglifos
Sala TAC Paseo Las Mercedes
Artista Venezolano residenciado en Boston, ha hecho carrera en las artes gráficas, su tendencia hacia la abstracción geométrica y
las formas puras son formas perfectas para transmitir todo tipo de ideas,
desde políticas hasta filosóficas según plantea el artista. La abstracción geométrica es entonces el punto de partida para indagar en los nuevos
estados del ser social frente a las complejas variables del mundo latinoamericano.
Exposición 6 en el 116
La Galeria de Arte Florida
Inauguracion domingo 08 de noviembre del 2015 a las 11 a.m.
116
es más que el título de esta exposición. Es el estudio que comparten Eduardo
Azuaje y Alexander Martínez, y es, además, el lugar de amenas conversaciones sobre
arte al que asisten Alí González, Juan González Bolívar, José Rivas y Luis Rocca
Brito. Esta vez decidieron cambiar de ámbito y prefirieron sostener un diálogo
pictórico aquí, en la Galería de Arte Florida.
La
idea de hacer esta muestra parte de la valoración que cada uno de estos seis
artistas da a la pintura como medio expresivo válido en el contexto del arte
contemporáneo. Es una muestra conceptual y estilísticamente diversa, palpable
en las diferencias de estilo como en la manera de encarar temas como son la
representación del paisaje, natural o urbano; la acepción política de la
pintura mediante el símbolo y la expresión; la representación de mundos
ficcionales; la re-significación y potenciación de imágenes provenientes del
consumo popular. Todo ello engloba, asimismo, una reflexión particular sobre problemas
formales propios de la pintura, tales como el uso de la perspectiva, el manejo del
color, los cambios texturales, el tratamiento espacial, sea en la figuración o
en la abstracción.
116 es,
entonces, la suma de seis expresiones fascinantes, densas y heterogéneas. Es a
su vez otro lugar de encuentro propicio para la contemplación.
Susana BencoKeyser Siso El Cielo No es el Límite
en la Galería Espacios
El orden social que deja una impronta en Keyser Siso. Desde una realidad plena de historias dispersas, en un paisaje donde la mancha genera una caligrafía que atrapa al espectador, representando personajes tomados de la realidad, colocados en espacios de levedad en un dibujo constante, generando historias más allá del formato.
Gladys Calzadilla.
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| Angeles caidos de las Aguitas Keyser Siso |
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| El Cielo no es el límite Keyser Siso |
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| Los escondrijos no son suficientes Keyser Siso |
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| Nada hizo presagiar que se extinguirian los edificios Keyser Siso |
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| Nada hizo presagiar que se extinguirian los edificios Keyser Siso |
Sala Espacios en el sótano de The Hotel ubicado en la calle Mohedano, urbanización El Rosal, Chacao,
Caracas, Venezuela
"EL ARTE DE ESCRIBIR SOBRE ARTE,
ARTISTAS VENEZOLANOS BAJO LA MIRADA DE BÉLGICA RODRÍGUEZ"
Fundación Provincial
Hasta el 1 de diciembre 2015
“El crítico se educa intelectualmente con el
conocimiento, pero especialmente, así como el músico educa su oído, el crítico
de arte debe educar su ojo”, Bélgica Rodríguez.
Ha escrito más de 2.000 textos para catálogos,
columnas, revistas culturales y prensa. Además de 60 libros escritos sobre
artistas nacionales e internacionales.
La importancia de la crítica reside en que construye la
historia del arte, “la crítica es la actualidad del acontecer cultural, es la historia
del presente. Si alguien va a estudiar a Alirio Palacios, tendrá que recurrir a
la crítica de su tiempo”, Bélgica Rodríguez.
La crítica de arte ha sido el medio a través del cual
la investigadora ha expresado su pasión por las artes visuales. Como un gran
exponente del género, Rodríguez identifica tres elementos fundamentales de la crítica
de arte como estructura formal.
“El primer elemento es la investigación basada en el
estudio de una obra y el acontecer que la rodea como producción artística”,
explica. El segundo elemento está vinculado a los procesos de interpretación,
“la crítica es creación, en el sentido en que uno elabora conceptos a partir de
lo que mira, de lo que investiga y a partir de lo que el artista le dice a
uno”.
Finalmente, Rodríguez concluye con el tercer elemento,
el autobiográfico: porque “todo lo que sale de uno tiene una parte
autobiográfica. Siempre la visión de quien escriba está presente, puede estar
en el subterráneo o puede estar muy clara. Yo soy una lectora profunda de la
poesía, y siempre comienzo un texto, describiendo poéticamente, un aspecto del
artista, de su comportamiento, o de su obra. Y ahí está mi subjetividad”,
expresó Rodríguez.
Cincuenta años de labor en una muestra cuya curaduría
la lleva a cabo Mariela Provenzali concibió desde hace cuatro años este
homenaje a una de las figuras claves en el estudio de la historia del arte en
Venezuela.
Esta muestra hace un merecido reconocimiento a su
importante trabajo como historiadora e investigadora en artes visuales
venezolanas, por haber logrado reunir un conjunto de 18 libros sobre
movimientos y artistas venezolanos (y otros 40 sobre arte latinoamericano),
acompañados por 42 obras de artistas de diferentes tendencias y épocas,
estudiados por ella en estas publicaciones.
Las obras ilustran a los libros
La curadora Provenzali presenta un juego donde se
exploran las relaciones reciprocas entre el libro como soporte de la obra, y
esta como soporte del libro.
El conjunto de la exposición está formado por obras de
Carlos Cruz Diez, Jesús Soto, Vallenilla Centeno, Lía Bermúdez, Colette
Delozanne, Alirio Palacios, entre otras, reunidas en un largo y arduo proceso
de selección y contacto con galeristas y coleccionistas llevado a cabo por
Provenzali durante dos años.
La exposición también cuenta con una emotiva cronología
de la homenajeada, que hace un recorrido desde su casamiento, primeros
estudios, viajes, trabajos, hasta culminar con una fotografía actual de la escritora
con su esposo, quien la ha acompañado en todos los momentos de su carrera.
Bélgica Rodrígez es licenciada en Letras por la UCV.
Obtuvo un máster en Artes en en la Universidad de Londres. Doctorada en
Historia del Arte por la Universidad La Sorbona, París (Francia). Fue directora
de la Galería de Arte Nacional, del Conac y de la dirección de Artes Visuales
de Fundarte. Dirigió el Museo de Arte de las Américas de la Organización de los
Estados Americanos (OEA) en Washington. Ha sido profesora de arte latinoamericano
y ha ofrecido gran cantidad de seminarios y foros a escala nacional e
internacional. Curadora de numerosas exposiciones de arte venezolano,
latinoamericano y centroamericano. A sus 74 años continúa la labor divulgativa
del arte nacional.
La muestra estará abierta al público hasta el próximo 1 de diciembre en la sala de exposiciones de la Fundación BBVA Provincial, ubicada en la avenida Eugenio Mendoza principal de La Castellana en Caracas, en horario de lunes a viernes de 10:00 am a 3:30 pm y domingos de 11:00 am a 3:00 pm.
La muestra estará abierta al público hasta el próximo 1 de diciembre en la sala de exposiciones de la Fundación BBVA Provincial, ubicada en la avenida Eugenio Mendoza principal de La Castellana en Caracas, en horario de lunes a viernes de 10:00 am a 3:30 pm y domingos de 11:00 am a 3:00 pm.
Colectiva de Pintura Loo-cRee Arte.2015
Alianza Francesa de Venezuela Chacaíto
Artistas participantes Esso Alvárez, José Caldas, Reinaldo
Crespo, Yolanda Duque, Luis Lovera, Hernán “Chino” Piña, Julián Sánchez y
Simón Villanueva.
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"Caleidoscopio Florido" Enrico Armas
Texto de Lic. Félix Hernández. Crítico, Curador, Historiador, Lic. Artes.
“Quería incendiar la Ecole des Beaux-Arts con mis
cobaltos y mis bermellones…quería expresar mis sentimientos sin que me inquietara
cómo había sido la pintura antes de mí…La vida y yo, yo y la vida: eso es lo
único que importa” Vlaminck “
…El esfuerzo necesario para poder desprenderse o
liberarse exige cierto tipo de coraje; y ese coraje le es indispensable al
artista que debe ver todas las cosas como si las viera por vez primera. Hay que
saber ver la vida como cuando se era niño. Y la pérdida de esta posibilidad
impide la expresión de manera original, es decir, personal.
Para dar un ejemplo, pienso que nada le es más difícil
a un verdadero pintor que pintar una rosa, porque para pintarla hay que olvidar
primero todas las rosas pintadas…” Matisse Los intentos por definir la obra de
Enrico Amas como una producción plástica ecléctica, proclive a la ruptura con
la noción de estilo, y esto último por el hecho de no estar limitada por las
técnicas, los lenguajes o géneros que él manipula de manera libre, es sólo con
mucho válida a partir del instante en que su conciencia asume ser partícipe de
un momento histórico crítico ante los métodos de una enseñanza académica en
decadencia, propia del contexto cultural de las artes plásticas venezolanas de
mediados de los años setenta y principios de los ochenta.
En ese sentido, Enrico forma parte de la generación que
cuestiona la validez del arte, en una situación de crisis en la que pronto
asumirá las artes gráficas, la escultura, estampa y por último la pintura, en
el contexto internacional del surgimiento de la llamada “pintura-pintura” o de
“vuelta de la pintura”, tras el agotamiento de los conceptualismos, neorrealismos,
objetualismos y todo el universo reconocido como arte experimental propio de
los años sesenta y setenta, movimientos que fueron sustituidos a través de la
impronta de críticos y curadores, los cuales fueron identificando un universo
plástico que terminó por ser designado como transvanguardia.
No obstante, Armas ha manifestado su desinterés por los
presupuestos de estos conceptos estilísticos, valga decir pintura-pintura y
transvanguardia, aduciendo que su acercamiento a la pintura misma fue
ocurriendo más como necesidad expresiva, debido a los costos y complicaciones
del trabajo propio de la gráfica, la estampa y la escultura, que por los
condicionantes de aquellos presupuestos. Si bien, las nombradas técnicas de
expresión, como telón de fondo de su producción primera en la técnica
pictórica, representan procedimientos que se asocian en un momento a determinados
temas y motivos, que luego se completan en este último género; al final la atención
del artífice apostaría por la plasticidad y expresividad del color, en el que
estos contenidos van desdibujándose tras el gesto íntimo del acto mismo de
pintar.
Este panorama histórico explicaría la adopción actual
de una manera o estilo que ya de pleno viene reflejando sus trabajos desde
principios de los noventa y que se extiende con vitalidad hasta el momento. Con
ello, motivos como la figura emblemática del caballo, los signos lingüísticos,
las botellas y los árboles configuran la adopción de un universo icónico personal
que pronto rebasa el ámbito de la representación misma, para ir al encuentro de
la pura manifestación pictórica en sí y para sí. Ante lo expresado, las flores
que en efecto hoy aparecen como pretexto de la pintura actual de Armas se
presentan como un difuso dato objetivo de una materialidad que da paso al
interés del creador por expresarla desde el puro gesto, la mancha y el color;
apartándose de la idea del contenido formal descriptivo, al inscribirla como un
último dato que se resiste a desligarse totalmente de cualquier referente
figurativo, para abrir paso o derivar en los límites de la abstracción poética,
lo informal o la voluntad expresionista. Entonces, el espacio imaginario que
representa Armas incluye como motivo el tema universal de las flores y su
constante asociación con múltiples actos rituales e íntimos de la cotidianidad,
como la pintura misma, que a través de la impronta del artista perpetúa estas florescencias
sustrayéndolas de su condición efímera. En este sentido, el creador no repara o
elude el concepto de “vanitas”; más le interesa entonces la sensualidad,
emotividad y las sensibilidades que despierta o a que están asociada la flor:
“…flores que nos entregan sus colores, nos dan alegría, nos consuelan, nos
acompañan, flores para el amor, el recuerdo.
 |
| Enrico Armas Caleidoscopio Florido http://www.enricoarmas.com/ |
De este modo, se asocian a estas flores de siempre,
algunos signos trazados por un pincel que dibuja formas reconocibles de nuestro
cosmos. El dibujo hecho signo subsiste así como vestigio en la superficie del
cuadro retrotrayéndonos, a su vez, a otras etapas creadoras del artista y a la
iconografía que ha venido sembrando en el tiempo: representaciones de hojas,
círculos, equis, el caballo, entre otros elementos que componen un universo
sígnico que contextualiza el motivo central: “… flores para el nacimiento, el matrimonio,
velorios, enamoramientos, flores para perfumar espacios, hogares, flores para perfumar
la vida…”
No obstante, la manera en que está abordado el tema y
el uso de determinados elementos de expresión visual, hacen de las piezas del
artífice, trabajos más centrados en las posibilidades expresivas del color que
en la necesidad de representación formal del motivo, liberando así a la pintura
de cualquier función naturalista, descriptiva, positivista u objetiva. Es así
que, las flores de Armas aparecen disueltas en la materialidad del color para abrir
paso a una impronta en los límites de la abstracción.
En razón de lo comentado, la carga matérica,
gestualidad y la fuerza expresiva misma del trazo constituyen en sí valores
simbólicos que aluden a la espontaneidad, a la libertad creativa, a la
subjetividad, a la voluntad del artista enraizadas en su psiquismo; todo ello
como aspectos que se han ido forjando en su universo plástico y que han hecho
que la pintura se vaya definiendo así misma como el verdadero motivo de sus
actos: espacio vibrante, furia colorística, hedonismo del color, espacialidad,
alegres timbres, climas cromáticos, el dato icónico-sígnico-orgánico como hecho
sensible; en fin, gestos, manchas, color y líneas que crean una atmósfera
envolvente, sensual y explosiva, como el vértigo que produce observar por un
caleidoscopio hasta ser arrebatado en un mar agitado de color.
Este contexto, que como se habría dicho de su trabajo
entronca en las fronteras de lo informal, lo expresionista o lo abstracto
poético, alude también, por qué no, a las lecciones de los primeros fauvistas,
cuya eficacia expresiva se asienta en la sensibilidad hacia el color y la
materia, desde la yuxtaposición y superposición de manchas generosas definidas
por colores vivos y calientes sobre todo, que se entremezclan con otros, más
bien fríos, hasta producir diversos tipos de transparencias y veladuras.
Cromatismo generoso, a veces agresivo, explosivo y sensual, espontáneo o
contenido con el que crea su universo vegetal, pensado desde la idea de
naturaleza muerta; motivo este que puebla la memoria y el psiquismo del autor
en su condición de huella en el alma: “…flores perpetuas, para la eternidad,
que dan placer".
Félix Hernández
Bienal del Sur
Pueblos en resistencia
Caracas – Venezuela 2015
Caracas sede de la I Bienal del Sur entre noviembre de 2015
y febrero de 2016 que convoca a 138 artistas de 40 países.
En los espacios del Museo de Bellas se encuentran las
exhibiciones, talleres, simposios, encuentros y conferencias que girarán en
torno al acontecer de las artes visuales de los pueblos en resistencia. Durante
cuatro meses.
¿Por qué el Sur?
Es un Sur político, que más allá del sur geográfico agrupa a
los pueblos que luchan por su emancipación. Estos pueblos del sur político del
mundo necesitan construir espacios comunes, momentos de encuentro donde
compartir sus sueños y sus luchas, sus necesidades y anhelos. Los pueblos se
unen cuando se conocen, y comparten las propuestas y el trabajo plástico visual,
facilita la construcción de redes de trabajo, de intercambio político, cultural
y la creación de frentes comunes de lucha. Es fundamental la comprensión de que
la estética y los contenidos simbólicos herramientas fundamentales para los
tiempos actuales. Para establecer una hegemonía semiótica y estética es
necesario construir espacios de confrontación y de encuentro.
En honor a Palestina
La Bienal del Sur, Pueblos en Resistencia en sus
exhibiciones tendrán como enfoque expresiones críticas hacia la hegemonía
imperialista y de firme rechazo a sus políticas bélicas y de abierta
injerencia. Es por ello que la primera edición de esta bienal será dedicada al
aguerrido pueblo palestino, que ha sido ejemplo de resistencia contra la
ocupación israelí.
Países invitados
América central y el Caribe: Cuba, Costa Rica, El Salvador,
Granada, Guatemala, Haití, Honduras, Jamaica, México, Nicaragua, Panamá, Puerto
Rico, República Dominicana y Trinidad y Tobago.
América del Sur: Argentina, Bolivia, Brasil, Chile,
Colombia, Ecuador,Guyana, Paraguay, Perú, Surinam, Uruguay y Venezuela.
Europa: Grecia.
África: Angola, Argelia, Egipto, Gambia y Nigeria.
Asia: China, India, Líbano, Palestina, Rusia, Siria y
Vietnam.
Equipo Curatorial
El equipo curatorial encargado de seleccionar los proyectos
estará conformado por especialistas en artes y artistas de reconocida
trayectoria.
- Dayalis González Perdomo (Cuba)
- Angela Barbour (Brasil)
- Edwin Chacón Ferrer (Venezuela)
- Clemente Martínez Mirena (Venezuela)
- Janette Rodríguez Herrera (Venezuela)
- Oscar Sotillo Meneses (Venezuela)
- Morella Jurado Capecchi (Venezuela)
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