Construyendo la Historia del Arte Actual
Arte Contemporáneo y Arte Actual ¿fusión de tendencias?, ¿posibilidades tecnológicas?, ¿expresión cada vez mas enfacada en la experiencia personal?, ¿reflejarse, ser parte del vacío, desde el sueño mostrarse?
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Fotografía Actual
Estrategias Artísticas Especializándose desde sus Experiencias
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Charlas, Conversaciones y Eventos:
Vigas Condecorado por el Rey Juan Carlos de España
El próximo domingo 17 de junio a las 11 de la mañana, el Gabinete
del Dibujo y de la Estampa de Valencia, bajo la curaduría de Bélgica
Rodríguez, mostrará setenta años de producción artística a través de la
primera muestra antológica de dibujos del maestro valenciano Oswaldo
Vigas
“En Oswaldo Vigas. Dibujos (1940-2012), el Gabinete
del Dibujo y la Estampa de Valencia, se convierte en escenario de la
extraordinaria y prolija producción dibujística del maestro valenciano.
En esta exposición tendremos la suerte de presenciar el desarrollo del
proceso de consolidación del gesto lineal. En los primeros trabajos del
maestro Vigas se observa una maestría innata pero con la timidez propia
de un novel dibujante. Una línea jaspeada que se difumina, que se vale
de trazos cortos para conformar un rostro o figura, una línea que
deliberadamente cambia su intensidad, valores y énfasis. Una línea que
se vuelve macha y a su vez claro oscuro, que arropa el fondo del papel
hasta mimetizarse con éste. Para la década de los 50 y de ahí en
adelante, esa línea se vuelve más segura, se vuelve contenedor y
contenido, comienza la distinción diáfana entre figura y fondo.
Recreadora de toda expresión, gesto, movimiento, idea o concepto, la
línea se vuelve intérprete de este particular punto de vista del
maestro, permitiéndonos ver en los dibujos más recientes la decantación,
seguridad y consagración del dominio de eso que podríamos llamar el
idioma traductor del genio creador, el dibujo”. Así lo expresa la
directora de la institución Lizett Álvarez Ayesteran, en el hermoso
catálogo que acompaña la exposición.
Sin título (Llegada a Paris, pensando en los murales UCV); 1952. Marcador sobre papel periódico. 19 x 16 cm.
Por su parte, Bélgica Rodríguez, curadora de la muestra expresa que
“Oswaldo Vigas ha cabalgado sobre todas las diversas modalidades,
materiales y soportes de las artes visuales. Pintura, dibujo, grabado,
esmalte, cerámica, tapices, escultura, hablan de ello como sublimes
regiones creativas de un hombre siempre inconforme con una sola lámpara
encendida. Igual que demiurgo que enciende antorchas para alumbrar
caminos que recorre con sensatez, prudencia, talento, trabajo y
perseverancia, ha encontrado muchas luces y revelaciones. Adentrándose
en cuevas iluminadas por Dioses de la creación, la inocencia de la época
formativa fue cambiando hacia la madurez del artista conocedor de
alucinantes paisajes figurativos universales, reales e imaginados.
Regiones profundas de la mente y el espíritu, enigmáticos espacios
entregados al arte y a la vida, él, solícito, dibuja y dibuja en
cualquier parte, sobre cualquier soporte. Hace guiños a lo que le rodea,
mira a la mujer, al objeto, a las formas que llaman su atención y
permanece allí, suspendido en el espacio y en el tiempo justo para hacer
lo que vino a ser en este mundo: un artista”.
Oswaldo Vigas. Dibujos (1940-2012)
Del 17 de junio al 26 de agosto de 2012
De lunes a viernes de 9:00 am a 5:00 pm, sábados de 11:00 am a 3:00 pm. y domingos de 11:00 am a 2:00 pm.
Gabinete del Dibujo y de La Estampa de Valencia
Colección Topel-Paez
Urb. Santa Cecilia, Sexta Transversal, #11, Valencia, Venezuela
0241 - 825 21 85 / 0414 437 1971
www.gabinetedeldibujo.com
Fuente: Prensa GDEV
El Museo Nacional de la Fotografía (Munafoto) presenta a partir del martes 12 de junio la exposición
Color Caribe. Desarrollo de un tema cultural,
en el Lobby de la Sala Margot Benacerraf de la Universidad Nacional
Experimental de las Artes, Plaza Morelos. Este recorrido fotográfico,
abierto de lunes a domingo de 10:00 am a 7:00 pm, exhibe el trabajo de:
Anareli Agreda, Iván Amaya, Israel Blanco, Violette Bule, Luis Chacín,
Nicola Coppola, Javier Gracia, Beatriz Nones, Héctor Rattia, Malva
Suárez, Franklin Perozo y Pedro Rondón.
Esta muestra colectiva, es el resultado de una investigación visual
sobre el tema de El Caribe que desde el 2009 un grupo de fotógrafos
venezolanos emprendió a través de una práctica dinámica y reflexiva
para lograr instantes que nos acercaran a los giros de nuestros perfiles
culturales, a esa manera divertida, contrastante, surrealista, propia,
importada, gentil, penetrante, dramática, desconcertante, sorprendente y
esperanzadora de El Caribe.
Israel Blanco. Getta, 2010
Las imágenes se pasean por una amplísima gama de situaciones que a
diario suceden, donde se aprecia la variada intensidad de la luz que
atraviesa nuestros cielos y visita nuestros sueños.
«La luz y el color son como el viento, se cuelan por todas las
rendijas, atraviesan cortinas, cristales y lentes fotográficos; es aquí
donde comienza el viaje que todo fotógrafo emprende cada vez que
escudriña a través de su visor para delimitar la vida. Es así como,
obturando desde el silencio de la cámara obscura, participa con su
criterio, congela sentimientos en todas direcciones», escribió el
director general de Munafoto, Rodrigo Benavides, respecto a la muestra.
Color Caribe
Del 12 al 30 de junio de 2012
Museo Nacional de la Fotografía
Plaza Morelos, Caracas, Venezuela
Prensa Munafoto
Grandes Formatos
En Fundación
Celarg, el martes 12 de junio de 2012, a las 7:00 p.m.
Francisco
Martín hablará sobre Horizontes y Grandes Formatos en la Sala RG
Prensa
Celarg (6.6.2012). El martes 12 de junio de 2012, el artista
plástico Francisco Martín hablará con el público, a partir de las 7:00 p.m.,
acerca de su muestra “Horizontes”, que se exhibe en la Sala RG de la Fundación
Celarg, en el montaje denominado Grandes formatos, en la cual comparte espacios
con la artista plástica Susana suniaga.
Horizontes
“El horizonte fija
un límite, pero significa a la vez una apertura; el horizonte es sobre todo un
límite o referente visual, una frontera no sólo espacial sino temporal; abre
una dimensión que posibilita el proyecto, y es así entendido como conjunto de
posibilidades”, así se expresa Francisco Martín con respecto a su obra.
El dibujo
generalmente se precisa como obra de pequeño formato. Contradictoriamente en
esta exhibición de grandes formatos, los dibujos de Francisco Martín alcanzan
la dimensión del horizonte siempre distante, donde toma forma la noción de
paisaje. Pero esta amplitud no es sólo relativa a la idea de tamaño o escala,
sino a la voluntad, siempre latente en su trabajo, de asumir la condición de
proyecto; de trazar el camino que se dirige a un destino por descubrir y que es
recurrentemente explorado. (FIN/Cristóbal J. Alva
Ramírez).
Fotografía
francesa contemporánea en el CiEF El Centro de Artes Integradas y el
CiEF, Centro de Estudios Fotográficos invitan a la charla; La fotografía
francesa contemporánea dictada por Anne Louyot, el martes 12 de junio a
las 8 de la noche en la Montaña Creativa. La historia reciente de la
fotografía francesa esta integrada, por supuesto, a la historia general
del medio, con sus ápices y sus crisis. Pero tiene algunas
características propias, relacionadas al arraigamiento antiguo de la
fotografía en Francia, su país de nacimiento y, sobre todo, a la
organización particular de la vida cultural francesa, estructurada por
la actuación de los poderes públicos. El papel del Estado fue
fundamental para el desarrollo de la enseñanza de la fotografía y su
reconocimiento como parte integrante y central del arte contemporáneo.
La charla presentara los principales movimientos de la fotografía
francesa desde finales de los años 1970, mostrando algunos ejemplos de
fotógrafos contemporáneos.
Anne Layout
Anne Louyot
Tiene
una Maestría en historia del arte de la Universidad de Nanterre-Paris X
y también posee una maestría del Instituto de Ciencias políticas de
Estrasburgo, opción Relaciones Interaccionáis y cooperación y un Diploma
de Ruso y Húngaro del Instituto nacional de Lenguas y Civilizaciones
orientales de Paris. Además de llevar adelante una destacada carrera
como funcionario cultural del Ministerio de Relaciones Exteriores de
Francia, ha desarrollado un importante trabajo curatorial, entre los que
destaca el haber sido la Curadora general del Año de Francia en Brasil,
entre el año 2007 y 2009, conjunto de 500 eventos culturales,
académicos y económicos organizados en el país entero. Postada en
Culturesfrance, agencia de cooperación cultural del Ministerio francés
de Relaciones Exteriores. En Venezuela ha promovido e impulsado
importantes actividades de intercambio, promoción y difusión del arte
fotográfico. La charla, La fotografía francesa contemporánea dictada por
Anne Louyot es el martes 12 de junio a las 8 de la noche en el CiEF -
Centro de Estudios Fotográficos, ubicado en el Centro de Artes
Integradas, Montaña Creativa, vía la UNIMET, Terrazas del Ávila.
Plossu, Coimbra, Portugal, 1987-1
Están
todos invitados. CiEF - Centro de Estudios Fotográficos Centro de Artes
Integradas Montaña Creativa Vía UNIMET Terrazas del Ávila. Martes 12 de
junio a las 8 de la noche Entrada libre. www.CiEFve.com @CiEFve
(Créditos de la Fotografía anexa: "Coimbra" de Bernard Plossu)
Este viernes 8 de Junio, a las 10:00 am,
Ricardo Jiménez en el CiEF
Este viernes 8 de Junio, a las 10:00 am. tendremos el enorme gusto de recibir como invitado al fotógrafo
Ricardo Jiménez, quien nos presentará su extraordinario trabajo, en el marco de su charla:
“Póngale título a las fotos, muchacho”
Ricardo Jiménez nació en Caracas, 1951. Tiene un Diploma en
fotografía en Bournemouth and Poole College of Art and Design.
Bournemoth, Inglaterra.
Entre sus exposiciones individuales destacan: La Noche 1985, Desde el
carro 1993, Bitácora 2002 y En la Tarde, Al Viajar 2010. Reconocido con
el Premio de Fotografía Luis Felipe Toro, 1985, V Bienal de Guayana
1997 y mención en el Premio de Fotografía Latinoamericana Josune
Dorronsoro, 2001.
Ha participado en las siguientes muestras colectivas: Los Venezolanos
(Inglaterra 1982), 49 Años de fotografía artística en Venezuela (Brasil
1984), Global Enviroment (Fotofest, Texas, EEUU 1994), Lo Real
Maravilloso (Italia 1997), V Bienal de Guayana Venezuela 1997), 10
fotógrafos contemporáneos venezola- nos (Pennsylvania, EEUU 1998),
Caracas Instantánea (Galería Mendoza, Caracas 2009)
Ha publicado el libro Desde el Carro (Venezuela 1993) y sus fotos
han aparecido en diversos catálogos, periódicos y revistas nacionales e
internacionales. Actualmente trabaja y reside en Caracas, Venezuela.
Los esperamos en nuestra sede de la Montaña Creativa este viernes 8 de Junio a las 10:00 am. Entrada libre.
Martes 05 de junio a las 7 pm Proyecciones PreViart presenta
Cortos Españoles en el Centro Cultural Chacao. Una
muestra de Cortos Españoles
de la Agencia del Cortometraje Español ACE, ofrecerá el Festival de
Cortos Universitarios VIART en l
a Sala
Experimental del Centro Cultural Chacao, en El Rosal, como parte del
ciclo de proyecciones previas a su decimosexta edición.
Invitación Celarg a la apertura de Espacio Catire. Viernes 8 de junio al 15 de Julio Sala NG
Inauguración del Espacio Catire, el
viernes 8 de junio, a las 7:00 p.m.
La Fundación Celarg inaugura el
viernes 8 de junio a las 7:00 p.m., la exposición “Espacio Catire”, la cual
tiene como principal objetivo hacer un reconocimiento a la trayectoria de
Enrique Hernández-D’Jesús, poeta venezolano homenajeado en la novena edición del
Festival Mundial de Poesía, Venezuela 2012.
Espacio Catire es una apuesta
reveladora y seductora que nos ha permitido cambiar nuestro punto de enfoque al
momento de identificar al sujeto, y es, justamente, por la relación figura-fondo
donde se aprecia el cambio de perspectiva. El sujeto, “Catire”, y su obra han
jugado continuamente un papel protagónico (figura) y ahora, con otro ángulo de
visión, observamos que el fondo –o lo que es igual a los cerramientos de su
cueva (guardilla, casa, concha, gajo)– es una parte esencial del poeta. Su
escondite para ser entendido demanda unas herramientas especiales (la
arqueología de lo sensible), las paredes que lo acobijan se roban la escena y
tienen, al igual que las cuevas de Altamira, un valor distintivo; es, entonces,
a partir de ese momento que se revela la estrategia y comienza el proceso
reflexivo y auto-reflexivo para identificar su espacio. Una vez que él lo
reconozca, descubriremos en el fondo de su entorno una parte suya, oculta y
curiosa, que el poeta hasta este momento no había concientizado y, por lo tanto,
no había sido antes expuesta.
Hay que reconocer en “el Catire”–que
es como le llamamos cariñosamente al poeta–, que él y la cueva donde habita son
una misma dimensión, porque ambos son contenedores de múltiples motivaciones,
inquietudes y alucinaciones.
Una vez dentro de su espacio, somos
sorprendidos por la arbitrariedad, sin embargo, reconocemos en ese “barroquismo”
una libertad desatada. La arquitectura del lugar responde al estereotipo de
habitación que todos conocemos –un edificio por apartamentos– y éste ha estado
determinado por la relación forma–función. Lo primero que debemos observar es
que en el Espacio Catire no se respeta ninguna de esas fórmulas, y toda función,
como es el caso del comedor, ha sido mezclada con muchas otras, y lo que había
sido pensado como un estar–comedor, ahora está transformado en
oficina-taller/bar-comedor/biblioteca-galería. Esta fusión de funciones impacta
significativamente todos los límites del espacio, y es por la fuerza de la
necesidad que el Catire, con un sistema de tramos de madera, se apropia de todo
el lugar, sigue hasta la cocina y pasa hasta las habitaciones tapizando, con
libros y mil cosas más, todo el apartamento. Luego de esta visita, las premisas
museológicas y museográficas quedaron determinadas y el título del
proyecto cobró sentido: Espacio
Catire.
Inmediatamente comenzamos a
trabajar, y el poeta se apertrechó de una de sus cámaras fotográficas y es como
reinicia un nuevo tipo de auto-retrato, enfocando en secuencias todas sus
paredes (rostro) abarrotadas con sus libros, cajas, botellas más su colección de
cuadros. De esa operación quedó el registro con que se ilustra este documento y
gracias a él todos podemos hacernos partícipes, toma a toma, de la intimidad del
poeta.
Con la presente muestra, nos
proponemos representar e interpretar en el espacio de la Sala NG, algunos de esos componentes
que conviven con él y expresan de alguna manera su forma de ser y
vivir.
Muestras Individuales y Colectivas.
Soto a todo color
Mientras en Madrid se realiza una exposición titulada Negro sobre
blanco-Blanco sobre negro, en homenaje a la obra del gran maestro Jesús
Soto, la Galería de Arte Ascaso de Caracas dedica una muestra sin
precedentes y no menos importante que explora el tema del color.
La exposición
Color sobre color presenta piezas
significativas de diferentes etapas de su trabajo, con énfasis en los
últimos años de su trabajo donde se evidencia una verdadera explosión de
ese recurso en sus formatos.
Gran Cuadrado Cobalto Central, 2003 Madera, fórmica, tornillos y pintura 130 x 130 x 14 cm.
Durante el recorrido por las distintas atmósferas creadas para esta
especial ocasión, el espectador podrá apreciar claramente “distintas
familias de obras”. Soto produce en cada una de ellas diferentes
experiencias sensoriales y discursos. Adentrarse e interactuar dentro de
un gran penetrable, suele convertirse en una experiencia en extremo
interesante. Muy cerca están dispuestas en sala sus famosas
ambivalencias, con las que produce conexiones visuales para crear un
movimiento virtual sobre el plano a través del uso de los colores,
siempre planos, y cuidadosamente superpuestos sobre delgadas líneas.
Caminar alrededor de mágicos virtuales, resulta una aventura
indescriptible a través de los infinitos hilos que componen las piezas y
que generan formas y volúmenes intangibles. Aún mayor es la sorpresa al
caminar entre ellas. Las escrituras por su parte, ofrecen otro
planteamiento estético del artista, en ellas se encuentran inmersos
múltiples aportes al arte cinético. Soto saca la pintura del muro y lo
convierte en un gran campo energético, en constante movimiento.
Penetrable Azul de Valencia, 1999 Edición Fundación Jesús Soto N.° 1/1, 2010 Madera y plástico pigmentado 270 x 270 x 870 cm.
Es la primera vez que se dedica una exposición sobre la relación de
Soto con el color, como motivo de reflexión. Color sobre color
desarrolla una propuesta y ofrece otra mirada sobre el trabajo de Soto,
que pone en evidencia su profundo conocimiento sobre las relaciones
cromáticas en las que se atreve a romper con los convencionalismos
académicos para crear una nueva estética.
La curaduría de la muestra desde el concepto, el título, la selección
de las obras y su ubicación en sala estuvo a cargo del equipo de la
Fundación Jesús Soto, encabezada por su hija Isabelle, y de Tomás
Musset, artista plástico y jefe del taller de restauración de la
Fundación, quien acompañó durante más tiempo al maestro en su trabajo.
Para la investigadora y crítica de arte, Bélgica Rodríguez, amiga del
artista y autora del texto del catálogo que soporta la muestra, afirma
que, lejos de lo que muchos piensan Soto nunca se alejó del color y que
tuvo períodos muy importantes durante los cuales se abocó a integrar el
movimiento y el comportamiento de los colores, lo que denominó
vibraciones.
Violeta Sobre Violeta, 2000 Madera, pintura, hilos de nylon y metal 102 x 102 x 15 cm.
Rodríguez no duda en señalar que Soto fue además de audaz, intuitivo:
un verdadero malabarista del color. Cabe citar aquí al maestro: “mi
labor fue eminentemente de investigación, de conocer posibilidades
nuevas, [de averiguar] dónde estaba el nivel máximo de la pintura
moderna para ver si yo podía añadir algo”.
Y así lo confirma la crítica especializada al señalar que en la obra
de Soto se combinan muchísimos factores: lo estático con lo dinámico, lo
bidimensional con lo tridimensional, lo virtual con lo real, lo
sensorial con lo perceptual… Hoy por hoy, personas del entorno cercano
de Soto, así como los estudiosos de su obra coinciden con el criterio de
que el aporte de Soto al arte universal aún no se agota, por el
contrario, que hay mucho todavía por explorar, que aprender e
interpretar frente a sus piezas.
En junio, mes aniversario del natalicio del nacimiento del gran
maestro del arte cinético, se abre una nueva posibilidad para esa
reflexión, para celebrar su legado y para maravillarse frente a su obra.
Una experiencia indescriptible para los amantes del arte en nuestra
ciudad y que Usted no puede dejar de ver.
Inauguración: Domingo 10 de junio
Galería de Arte Ascaso
Avenida Orinoco, entre Mucuchíes y Monterrey, Las Mercedes.
Horario: lunes a viernes de 08:00am a 01:00pm y de 02:00 a 06:00pm.
Sábados y domingos de 11:00am a 03:00pm en horario corrido.
www.galeriadearteascaso.com
Comunicaciones Carmen Adelina Pinto
Domingo 10 de junio de 2012 Inauguración
Exposición de Esculturas de Fabiola Sequera 10 de junio 12 m en la Galería de Arte Nacional.
Evolución de la propuesta de Fabiola
Sequera. El universo de su codificación
La actividad expositiva de Fabiola Sequera
se inicia en la Biblioteca Pública de Medellín (Colombia, 1976) con la
exposición “Hilos y tejidos”. En ese mismo año expone en la Galería Centro
(Centro de Arte El Parque, Valencia, Venezuela) con “Nudos y tejidos”; estos
dos eventos están caracterizados, todavía, por el uso del telar y las
posibilidades de la lana, el algodón y las fibras que, no obstante, perfilan ya
una inquietud por traspasar las limitaciones tanto de la técnica, como de las
posibilidades del material. En este sentido, la creadora, en un intento por
periodizar su obra, ha señalado una línea evolutiva caracterizada por algunos
desarrollos paralelos que permiten entender cómo la misma atiende a
particulares temas, especialmente marcados en un momento determinado, así,
contempla los Tejidos (1975-1981), que constituyen trabajos elaborados en
telares de alto y bajo liso, en los que la creadora se hace eco de la herencia
prehispánica andina, en cuanto al uso de técnicas como la doble tela y el
tejido circular, confeccionando con ello cintas con volumen, que luego
incorporará al telar vertical para obtener piezas murales de rico colorido y
texturas; época en que ocurre la revelación de la cultura japonesa y comienza a
experimentar con la serialidad y la mezcla de materiales textiles; las Cajas
(1981-2010), en las que continúa con algunas de las indagaciones del período
anterior distanciándose, además, del telar a la vez que introduce el concepto
de tejido como “objeto arte”, sometiendo ahora a la tela, el hilo y la fibra a
su confinamiento dentro de cajas, bajo una estructura serial; los Ensamblajes
(1984-2010), piezas murales a escala monumental, en las que la referencia a la
tapicería tradicional se desarrolla a partir de un nuevo elemento
tridimensional: “el hilo-caja”, con el cual construye una proposición de
carácter modular; y, por último, tenemos a los Nudos (1976-2010), que comenzando
con una escala en miniatura, adquieren pronto un formato monumental para, así,
completar un ciclo en el que el hilo es transmutado, definitivamente, en
escultura.
Para articular este sugerente universo
creador, en constante evolución, en el que se entrecruzan procedimientos y
principios estéticos, Fabiola Sequera nos propone determinados elementos
discursivos que le permiten codificar una sintaxis visual estructurada por las
nociones de objeto encontrado, fragmentación, serialización, descontextualización
del tejido, resemantización del textil para otorgarle otro significado,
retícula, módulo, secuencia, amontonamiento, agrupamiento y reiteración;
aspectos con los que, con tesón y paciencia, ha constituido una metáfora de lo
femenino y su asociación ancestral con respecto al trabajo textil, prolongando
el mito a él asociado, esta vez a través de su historia personal, como artífice
de una de las propuestas escultóricas más inquietantes e innovadoras que se ha
realizado en el país en esta materia.
Domingo, 10 de junio a las 11:00 am
Obras de los 90: Diego Barboza, Luis
Lizardo,Carlos Zerpa, Victor Hugo Irrazabal y Alejandro Otero proyectos
sobre papel. Galeria de Arte Florida.
Una muestra que reúne obras de cinco exponentes de las artes plásticas
venezolanas de las décadas 70 y 90, inaugurará la Galería de Arte
Florida bajo el título “Inventario”, el próximo domingo 10 de junio a
las 11:00 de la mañana, la cual podrá ser visitada hasta el 29 de julio,
con entrada libre. Avenida Don Bosco, Qta. Castillete, Urb. La Florida, Caracas, Venezuela
Concebida por Esso Álvarez y por el curador de la muestra Douglas
Monroy, “Inventario” se presenta como una suerte de registro que ofrece
al espectador la oportunidad de aproximarse a las realidades y virtudes
del arte venezolano, a través de las obras de los artistas Alejandro
Otero, Luis Lizardo, Diego Barboza, Víctor Hugo Irazábal y Carlos Zerpa,
cuyas obras son en cierto modo, según palabras del curador, “uno de los
eslabones más cercanos para comprender el presente, un presente
excepcional que, de no asirse en palabras, corremos el riesgo de que se
nos diluya entre las manos”.
ANTONIO UGARTE, Exposición CANTO FLUVIAL, paisaje acuático, el
movimiento del agua y las flores, representación de la naturaleza, a
partir de una lectura mítica y simbólica de la imagen de las aguas.
hasta el 29 de Junio, en la sala del Centro de Artes Integradas,
Terrazas del Avila, (Entrada lado izquierdo de la Unimet), de lunes a
viernes, de 9 am a 4 pm, y por citas llamar al telefono (212)
242-6850/242-6385. Directora General Sra. Trina Itriago.
http://www.antoniougarte.com/paintings.asp
Gala de Premiación del Concurso de Fotografía Échame un Cuento, así como
la inauguraciòn de la exposición correspondiente al mismo ya tiene
fecha definida:
18 de junio de 2012. El evento será a las 6 de la tarde
en el Hall principal del Celarg, y será a su vez, la inauguración de un
Salón de Fotografía ligado a la primera edición de nuestro certamen.
Contará con obras de todos los participantes del concurso, sean o no
ganadores. Ernesto Soltero
Galería D' Museo inauguración muestra colectiva a las 11 am Los Galpones de los Chorros.
Domingo 17 de junio 11 am Inauguración de la muestra de Ani Villanueva Apuntes del Taller en Rosas y Algo Más, Centro Comercial Galerías, II Nivel, Local 25 M, Urb. Prados del Este.
hasta el 24 de junio, con la Curaduría del Maestro Abilio Padrón se abre
al público
la exposición colectiva Diálogo con los Maestros, La
propuesta como curador la basa en su razón de ser en la apropiación de
obras maestras y su interpretación desde la visión de cada uno de sus
alumnos que aceptaron el reto. Asociación Cultural Humboldt (Av. Juan
Germán Roscio con Av. Jorge ashington y Av. Los Proceres. San
Bernardino)
— en Asociación Cultural Humboldt.
Galeria Parenthesis. Exposición Individual de la Artista Magaly Otaola:
NEOJUEGO. Collage, la Fotografía y la inetervención sobre la
intervención misma, es decir, una propuesta en la cual de sus propias
obras deconstruye y construye como círculo de su estructura productiva.
Horario:
Sábado de 11am a 6pm
Domingo de 11am a 4pm
Centro de Arte Los Galpones, Galpón 12. 8va. Transversal entre Avenida Ávila y Calle Ávila B. Los Chorros, Caracas.
