Exposición Objetual
Domingo 16 de octubre a las 11 am
en la Sala William Werner del Centro de Artes Integradas
Exponen en esta ocasión: Mari Carmen Carrillo, Claudia Garcés,
Costanza De Rogatis, Katherine Di Turi, Ricardo Përez Quintero, Juan
Toro Diez, Miguel Triviño y Julián Waldman.
En esta exposición interdisciplinaria
y heterogénea participan fotógrafos, pintores y escultores que presentan
objetos, ya sea a través de su imagen o mediante su presencia física utilitaria
y real o transfigurada plásticamente.
Los
objetos siguen siendo un buen pretexto en el arte. En muchos casos porque
encarnan la belleza como resultado de una creación humana y porque también son
testimonio de una época, de una cultura y de una historia. Los objetos, en tal
sentido, hablan.
La
Asociación Venezolana de Conciertos (AVC), a través del Centro de Artes
Integradas (CAI), comprometida en desarrollar las artes y la educación en
Venezuela, inaugura el domingo 16 de octubre en su Sala William Werner, la
exposición OBJETUAL, muestra que
reúne la obra de ocho artistas venezolanos que re–trabajan el objeto y lo
vuelven tema de sus investigaciones plásticas: Mari Carmen Carrillo,
Costanza De Rogatis, Katherine Di
Turi, Claudia Garcés, Ricardo Pérez Quintero, Juan Toro Diez, Miguel Triviño y
Julián Waldman.
Bajo
la curaduría de Susana Benko, investigadora de arte, crítico, curadora y miembro
de la Asociación Internacional de Críticos de Arte-Capítulo Venezuela, Objetual consiste en la presentación
particular de algunos objetos que tienen una determinada significación. Unos
funcionan como expresión de una intimidad, y otros testimonian algún
acontecimiento que signa un tiempo y una historia.
“El
campo de posibilidades que este tema suscita es ilimitado. De allí que el
concepto que rige en esta muestra es igualmente amplio: se trata de una
exposición interdisciplinaria y heterogénea en la que participan fotógrafos,
pintores y escultores con el fin de presentar sus objetos, sea a través de su
imagen o mediante su presencia física utilitaria y real o aquella transfigurada
plásticamente”, explica la curadora.
En Objetual, todos los artistas de alguna
manera modifican la apariencia de los objetos, transformándolos,
fragmentándolos, acumulándolos o descontextualizándolos, de forma que pierden
su referencia comunicacional o utilitaria, al crear una nueva sintaxis y un
nuevo e inusitado objeto estéticamente relevante. Dos ejes fundamentales destacan
en esta exposición. El primero es de orden formal, el segundo refiere al poder
comunicante de las imágenes y, por ende, de los objetos.
Los artistas y sus objetos
ASfalto de sueños fotografía Jennina Guzmán
Julián Waldman,
recorta y pega para elaborar objetos con significaciones inusitadas en sus
collages y piezas tridimensionales. Une objetos diversos y compone uno nuevo de
naturaleza híbrida. El resultado oscila entre lo jocoso, lo crudamente realista
y, en muchos casos, en lo poético cuando crea nuevos objetos de ensoñación. Todo logrado con imágenes y objetos cotidianos. Los
títulos de Waldman reformulan igualmente la lógica lingüística de las palabras.
Su alteración sintáctica genera interesantes significados, cónsonos con la
naturaleza híbrida de los objetos a los que hacen referencia. Rasca Suelo, ASfalto de sueños (que alude a la falta de sueños); Flor de rapiña, El secreto del tiempo… son elocuentes.
Miguel Triviño Cafeteras, Fotografía Gladys Calzadilla
Miguel Triviño, trabaja la pintura y la escultura
basándose recurrentemente en un solo tema: las cafeteras. No sólo se inspira en
las transformaciones que realizó Alejandro Otero sino que recrea todo un mundo
alusivo al hábito del café. En lugar de intervenir cafeteras reales de
fabricación industrial para sus esculturas, concibe nuevas mediante la adición
—y la costura— de láminas y alambres de diversos metales. Cada cafetera es
única en forma y color, varían según el estado anímico con las que fueron
hechas, las humaniza. Con ellas, Triviño sugiere personajes aludiendo a
situaciones específicas que de alguna forma lo golpean como la violencia en la
calle y la escasez de alimento en Venezuela, expresado mediante la quema y soldadura
de los metales, o al pintar, rasgar y quemar algunas telas. El uso de textiles
diversos sobre sus lienzos enriquece la imagen particularizando así sus
procedimientos pictóricos.
Ricardo Pérez Quintero, recopila, acumula y adiciona
objetos diversos encontrados y los compone en cajas. Según su naturaleza, éstos
determinan sus diversos ejes temáticos: el tiempo, el espacio o la imagen
urbana. En Objetual, presenta la
serie El arte de los sonidos. Ensamblajes,
instrumentos musicales y algunas partituras que funcionan como objetos
identificadores en medio de franjas o listones de madera que demarcan a su vez
el ritmo de la composición musical. En estos contenedores–ensamblajes,
definidos por marcos viejos, se adivinan pentagramas, la notación alfabética
universal, formas musicales: conciertos clásicos y de jazz e instrumentos. Son
una memorabilia y una historia de la
cultura. Pérez Quintero, además de artista y arquitecto, es amante de la música
y en sus ensamblajes, es un ‘constructor de espacios’.
Juan Toro Diez tiene varios años trabajando el tema
de la violencia en el país. Investiga, registra y colecciona objetos que son
testimonio de las diversas modalidades de violencia a la que estamos sometidos:
violencia física, política, económica, social, psicológica y sin duda,
emocional. Con la serie Costureras
destrozadas… Fin, fotografió diversas sillas en la que se sentaban las
costureras de una fábrica textil que cerró. Estas trabajadoras, luego de muchos
años de labor, se vieron forzadas a abandonar el lugar y quedaron desempleadas.
De allí el letrero testimonial del último día de labor: “Costureras destrozadas…
Fin”. Cada silla tiene la huella de la persona que durante años la utilizó. Es personalizada
y el retrato silente de su humanidad. Así, Toro documentó el vaciamiento
contundente del sistema productivo nacional que expresa la violencia existente
de esta aplastante realidad.
Claudia Garcés
Con
la serie Cinematográfico, Claudia Garcés continúa explorando en
la vida de Barbie y Ken. Ya en 2008 su serie de fotografías titulada Doméstico mostraba aspectos del hogar de
esta conocida pareja: muebles, detalles del baño, objetos utilitarios tales
como los dispuestos en su cocina, lavandero, comedor, objetos decorativos,
entre otros accesorios que de Mattel. En 2009, muestra directamente a los
amantes en su serie Young Lovers,
donde Barbie y Ken, superan su condición objetual, por la forma como la
fotógrafa detalla y manipula sus cuerpos: las posiciones, los gestos y las
miradas expresan momentos de gran erotismo y pasión. Es otra forma de entender
su humanidad.
Mari Carmen Carrillo
Los
collages de Mari Carmen Carrillo,
comenzaron siendo ejercicios estéticos de su interés por el mundo femenino
infantil, coleccionando estampas antiguas, juegos de papeles, cabello, además
del papel amate que le sirve de soporte. Este papel –utilizado en códices mesoamericanos–
lo fue atesorando en el taller y un día, por una suerte de revelación, empezó a
jugar con él: recortar, tejer, bordar, pegar y peluquear. En sus collages, hay
un dejo nostálgico y a la vez una complacencia plástica por la textura y el
calor que desprenden sus materiales. Pero igualmente una violencia muy íntima
en torno a la femineidad. La ceguera (la mirada oculta por los mechones de
cabello o por las rosas) son para Carrillo, miedo, un invisibilizarse para no ver
o, también ocultar la mirada ante el horror, no ver el mal, para sobrevivir a
la existencia o mantener la pureza. Aunque al final, todo es un juego.
Katherine Di Turi trabaja la imagen de objetos
problematizando los procesos fotográficos para re-valorizar nuevamente a la
fotografía como medio y como lenguaje. Le interesa re-evaluar la fotografía
analógica vista en la era digital. Toma como punto de partida imágenes
pre-existentes de álbumes fotográficos, revistas y postales, y las re-trabaja e
interviene para recuperarlas del olvido. De allí que una de sus motivaciones es
el trabajo con la memoria. “Estamos presenciando (aunque sin darnos cuenta) la
constante muerte de las imágenes fotográficas”, dice. Su serie Das Glas recopila objetos de cristal de
diferentes épocas tomadas de fotografías impresas en diversos medios. Las
interviene con filtros transparentes, arena o papel carbón para contrastar y
enfatizar aspectos del objeto fotografiado. Al re-fotografiar estas imágenes,
busca “recuperarlas del olvido”, para insertarlas “en el ámbito de la
fotografía en su presentación final”.
Finalmente, Constanza De Rogatis propone con A Light Within (A Day’s Journey into Night)
un libro cuyas fotografías se despliegan como las postales de las “guías
turísticas”. Un viaje de un día hacia la noche a través de una luz interior. La
secuencia de las imágenes, al desplegarse, dan cuenta de las visiones de la
fotógrafa desde el inicio del día, su transcurrir en diversos ámbitos, hasta
llegar a la noche iluminada por una luna llena. Su planteamiento es temporal
–el transcurrir de un día– y a la vez es perceptual: su mirada recorre tanto el
mundo exterior –hermosos paisajes–, así como cuadros de costumbres que
ambientan su cotidianidad. En todos los escenarios, la luz matiza su percepción
del mundo exterior y, de alguna forma, proyecta el verdadero clima de su estado
interior. La imagen se sirve del objeto y éste actúa como guía de una crónica
existencial.
Los
artistas de Objetual mantienen una
relación particular con el objeto, con su imagen y con las significaciones que
ellos suscitan. El resultado es muy diverso, así como la perspectiva con la que
cada quien se relaciona con su entorno. Los lenguajes se individualizan y
reinventan nuevos códigos que ponen de manifiesto el poder significativo y
estético que muchos objetos poseen.
OBJETUAL. Lugar:
Sala William Werner, Centro de Artes Integradas (CAI). Entrada izquierda Univ.
Metropolitana. Terrazas del Ávila. Inauguración:
Domingo, 16 de octubre de 2016. Horario:
11:00 a.m. a 3:30 p.m.
El
Centro de Artes Integradas (CAI), es
una asociación civil sin fines de lucro constituida en 1979, que nació de la
inquietud de integrar todas las disciplinas artísticas: música, danza, teatro y
artes plásticas, en un centro educacional y cultural del más alto nivel que
permita al sector privado una intervención directa en el desarrollo de las artes.
Es un proyecto de educación integral, donde el alumno se acerca y conoce las
diferentes expresiones artísticas como un todo, sin seccionarlas. La idea final
comprende la convivencia de un Colegio, un Conservatorio de Música, Salas de
Teatro, Galerías, y las Escuelas de Artes Plásticas, Teatro, Danza, Fotografía,
Cine y de Dj’s. Además de la Libroteca Amapalabra, una Zona Rental y un Centro
de Investigación y Estudios. www.centrodeartesintegradas.org / Twitter
@CentroArtesInt / Instagram y Facebook: CentroArtesIntegradas
Los artistas y sus objetos
 |
| ASfalto de sueños fotografía Jennina Guzmán |
 |
| Miguel Triviño Cafeteras, Fotografía Gladys Calzadilla |
Miguel Triviño, trabaja la pintura y la escultura
basándose recurrentemente en un solo tema: las cafeteras. No sólo se inspira en
las transformaciones que realizó Alejandro Otero sino que recrea todo un mundo
alusivo al hábito del café. En lugar de intervenir cafeteras reales de
fabricación industrial para sus esculturas, concibe nuevas mediante la adición
—y la costura— de láminas y alambres de diversos metales. Cada cafetera es
única en forma y color, varían según el estado anímico con las que fueron
hechas, las humaniza. Con ellas, Triviño sugiere personajes aludiendo a
situaciones específicas que de alguna forma lo golpean como la violencia en la
calle y la escasez de alimento en Venezuela, expresado mediante la quema y soldadura
de los metales, o al pintar, rasgar y quemar algunas telas. El uso de textiles
diversos sobre sus lienzos enriquece la imagen particularizando así sus
procedimientos pictóricos.
Ricardo Pérez Quintero, recopila, acumula y adiciona
objetos diversos encontrados y los compone en cajas. Según su naturaleza, éstos
determinan sus diversos ejes temáticos: el tiempo, el espacio o la imagen
urbana. En Objetual, presenta la
serie El arte de los sonidos. Ensamblajes,
instrumentos musicales y algunas partituras que funcionan como objetos
identificadores en medio de franjas o listones de madera que demarcan a su vez
el ritmo de la composición musical. En estos contenedores–ensamblajes,
definidos por marcos viejos, se adivinan pentagramas, la notación alfabética
universal, formas musicales: conciertos clásicos y de jazz e instrumentos. Son
una memorabilia y una historia de la
cultura. Pérez Quintero, además de artista y arquitecto, es amante de la música
y en sus ensamblajes, es un ‘constructor de espacios’.
Juan Toro Diez tiene varios años trabajando el tema
de la violencia en el país. Investiga, registra y colecciona objetos que son
testimonio de las diversas modalidades de violencia a la que estamos sometidos:
violencia física, política, económica, social, psicológica y sin duda,
emocional. Con la serie Costureras
destrozadas… Fin, fotografió diversas sillas en la que se sentaban las
costureras de una fábrica textil que cerró. Estas trabajadoras, luego de muchos
años de labor, se vieron forzadas a abandonar el lugar y quedaron desempleadas.
De allí el letrero testimonial del último día de labor: “Costureras destrozadas…
Fin”. Cada silla tiene la huella de la persona que durante años la utilizó. Es personalizada
y el retrato silente de su humanidad. Así, Toro documentó el vaciamiento
contundente del sistema productivo nacional que expresa la violencia existente
de esta aplastante realidad.
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| Claudia Garcés |
Con
la serie Cinematográfico, Claudia Garcés continúa explorando en
la vida de Barbie y Ken. Ya en 2008 su serie de fotografías titulada Doméstico mostraba aspectos del hogar de
esta conocida pareja: muebles, detalles del baño, objetos utilitarios tales
como los dispuestos en su cocina, lavandero, comedor, objetos decorativos,
entre otros accesorios que de Mattel. En 2009, muestra directamente a los
amantes en su serie Young Lovers,
donde Barbie y Ken, superan su condición objetual, por la forma como la
fotógrafa detalla y manipula sus cuerpos: las posiciones, los gestos y las
miradas expresan momentos de gran erotismo y pasión. Es otra forma de entender
su humanidad.
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| Mari Carmen Carrillo |
Los
collages de Mari Carmen Carrillo,
comenzaron siendo ejercicios estéticos de su interés por el mundo femenino
infantil, coleccionando estampas antiguas, juegos de papeles, cabello, además
del papel amate que le sirve de soporte. Este papel –utilizado en códices mesoamericanos–
lo fue atesorando en el taller y un día, por una suerte de revelación, empezó a
jugar con él: recortar, tejer, bordar, pegar y peluquear. En sus collages, hay
un dejo nostálgico y a la vez una complacencia plástica por la textura y el
calor que desprenden sus materiales. Pero igualmente una violencia muy íntima
en torno a la femineidad. La ceguera (la mirada oculta por los mechones de
cabello o por las rosas) son para Carrillo, miedo, un invisibilizarse para no ver
o, también ocultar la mirada ante el horror, no ver el mal, para sobrevivir a
la existencia o mantener la pureza. Aunque al final, todo es un juego.
Katherine Di Turi trabaja la imagen de objetos
problematizando los procesos fotográficos para re-valorizar nuevamente a la
fotografía como medio y como lenguaje. Le interesa re-evaluar la fotografía
analógica vista en la era digital. Toma como punto de partida imágenes
pre-existentes de álbumes fotográficos, revistas y postales, y las re-trabaja e
interviene para recuperarlas del olvido. De allí que una de sus motivaciones es
el trabajo con la memoria. “Estamos presenciando (aunque sin darnos cuenta) la
constante muerte de las imágenes fotográficas”, dice. Su serie Das Glas recopila objetos de cristal de
diferentes épocas tomadas de fotografías impresas en diversos medios. Las
interviene con filtros transparentes, arena o papel carbón para contrastar y
enfatizar aspectos del objeto fotografiado. Al re-fotografiar estas imágenes,
busca “recuperarlas del olvido”, para insertarlas “en el ámbito de la
fotografía en su presentación final”.
Finalmente, Constanza De Rogatis propone con A Light Within (A Day’s Journey into Night)
un libro cuyas fotografías se despliegan como las postales de las “guías
turísticas”. Un viaje de un día hacia la noche a través de una luz interior. La
secuencia de las imágenes, al desplegarse, dan cuenta de las visiones de la
fotógrafa desde el inicio del día, su transcurrir en diversos ámbitos, hasta
llegar a la noche iluminada por una luna llena. Su planteamiento es temporal
–el transcurrir de un día– y a la vez es perceptual: su mirada recorre tanto el
mundo exterior –hermosos paisajes–, así como cuadros de costumbres que
ambientan su cotidianidad. En todos los escenarios, la luz matiza su percepción
del mundo exterior y, de alguna forma, proyecta el verdadero clima de su estado
interior. La imagen se sirve del objeto y éste actúa como guía de una crónica
existencial.
Los
artistas de Objetual mantienen una
relación particular con el objeto, con su imagen y con las significaciones que
ellos suscitan. El resultado es muy diverso, así como la perspectiva con la que
cada quien se relaciona con su entorno. Los lenguajes se individualizan y
reinventan nuevos códigos que ponen de manifiesto el poder significativo y
estético que muchos objetos poseen.
OBJETUAL. Lugar:
Sala William Werner, Centro de Artes Integradas (CAI). Entrada izquierda Univ.
Metropolitana. Terrazas del Ávila. Inauguración:
Domingo, 16 de octubre de 2016. Horario:
11:00 a.m. a 3:30 p.m.
El
Centro de Artes Integradas (CAI), es
una asociación civil sin fines de lucro constituida en 1979, que nació de la
inquietud de integrar todas las disciplinas artísticas: música, danza, teatro y
artes plásticas, en un centro educacional y cultural del más alto nivel que
permita al sector privado una intervención directa en el desarrollo de las artes.
Es un proyecto de educación integral, donde el alumno se acerca y conoce las
diferentes expresiones artísticas como un todo, sin seccionarlas. La idea final
comprende la convivencia de un Colegio, un Conservatorio de Música, Salas de
Teatro, Galerías, y las Escuelas de Artes Plásticas, Teatro, Danza, Fotografía,
Cine y de Dj’s. Además de la Libroteca Amapalabra, una Zona Rental y un Centro
de Investigación y Estudios. www.centrodeartesintegradas.org / Twitter
@CentroArtesInt / Instagram y Facebook: CentroArtesIntegradas
Nueva muestra inaugura el sábado 15 de octubre en Galería TRESy3
Trato y Retrato, fotógrafos
Carlos Germán Rojas exhibe una selección de la serie
dedicada a sus pares. La exposición es parte del cronograma que celebra sus 40
años de trayectoria profesional
Alí Araujo posó en 1979 en la fototeca ante el lente de su colega, Carlos Germán Rojas. Desde entonces, la colección se ha hecho enorme. Cada uno con su propio estilo, algunos en su entorno y otros solitarios ante la cámara, los rostros de reconocidos fotógrafos quedaron inmortalizados en la serie titulada Trato y retrato.
Galería TRESy3 se une a la celebración de los 40 años
de trabajo fotográfico de Carlos Germán Rojas. El próximo sábado 15 de octubre
inaugura la exposición Trato y retrato, fotógrafos en el que reúne 48 imágenes
de quienes comparten con él la profesión. Desde Araujo hasta Leo Álvarez, en
2015, “ellos son los protagonistas y genuinos actores de la evolución estética
de la fotografía contemporánea venezolana”.
Carlos Germán Rojas define el retrato como una
relación. Detrás de las imágenes hay una amistad que se forma antes de
conseguir la foto; un “trato” necesario del que nace la intimidad y que logra
un sentido de espontaneidad. Para el fotógrafo, el entorno en el que se
relacionan juega también un papel fundamental en crear la atmósfera del
retrato.
“El reto con los fotógrafos –cuenta Rojas sobre la
serie– fue precisamente el de trabajar con quienes ya conocen de fotografía. La
amistad fue clave para generar un ambiente sencillo y crear la imagen”.
Según el editor Douglas Monroy, Trato y Retrato es “el
más amplio y exhaustivo registro fotográfico de artistas venezolanos. Maestros
pintores, escultores, fotógrafos, ceramistas y artistas inmersos en las
corrientes del performance e instalaciones han sido parte relevante de esta
enorme cartografía artística”. El libro, que contiene estas y otras 105
fotografías, se presentará en noviembre como parte de un cronograma de seis
meses que celebran los 40 años de trayectoria profesional del fotógrafo y que
recorre diferentes salas de la ciudad.
Carlos Germán Rojas
Nació en Caracas en 1953. Realizó cursos en el
Instituto de Diseño Neumann. Se ha desempeñado como fotógrafo independiente,
realizando trabajos para diversas empresas e instituciones, y trabajó como
fotógrafo institucional en la Galería de Arte Nacional por más de 10 años. Ha
participado en varias bienales y numerosas exposiciones nacionales e
internacionales. Publicó en 2004 “Imágenes de la Ceibita”, trabajo realizado desde
1976-1983. Recibió en 1981 el Segundo Premio de Fotografía CONAC; en 1988, el
premio Luis Felipe Toro, y en 2012, fue nombrado “Ciudadano de Santiago de León
de Caracas” por el Cabildo Metropolitano de Caracas.
Galería TRESy3 es un centro cultural joven ubicado en
Caracas, Venezuela. Es una galería contemporánea que se especializa en la
exhibición de fotografía complementándola con charlas y discusiones sobre los
trabajos y libros de fotógrafos alrededor del mundo. En febrero 2015, con sólo
2 años de haber abierto sus puertas, la Galería TRESy3 ya ha hospedado más de
12 muestras, entre individuales y colectivas, reuniendo a más de 40 fotógrafos
en este corto período de tiempo, haciéndolo un espacio bien conocido por su
dedicación y promoción del siempre-creciente movimiento fotográfico en
Venezuela.
TRESy3
www.tresy3.com
(0212) 993 -0330/
0347/ 0127
Twitter:
@culturatresy3
Instagram: @culturatresy3
Facebook: Cultura TRESy3
Calle California, Residencias Sonora, PB-1. Las
Mercedes, Caracas.
Domingo 9 de Octubre de 11 a 4 pm
Poderes visibles e invisibles
Curado por Kelly Gordon
Hacienda La Trinidad Casa Vieja
En la Sala Mendoza
POLifonía gráfica. Medio siglo de carteles en Santiago Pol en Sala Principal y Alfarería Popular de El Cercado. Isla de Margarita.
POLifonía gráfica
es una exhibición inconfundible, colorida e irreverente. Se trata de
una retrospectiva del diseñador venezolano Santiago Pol donde se
muestra, a través de una selección de sus carteles, 50 años de trabajo
constante. Con un equipo curatorial plural y la museografía de Gaëlle
Smits, se busca transmitir al público el ambiente urbano propio del
cartel, permitiendo una experiencia onírica, sensorial y lúdica.
Por su parte, Alfarería popular de El Cercado es
una muestra que reúne el trabajo de uno de los centro artesanales más
importantes del país como lo es la isla de Margarita. Las piezas de este
importante centro alfarero muestran el trabajo de una comunidad que
mantiene viva una tradición legendaria.
Celebremos
pues 50 años de un venezolano inagotable, la tradición de nuestros
artesanos, junto a los 60 años de apoyo constante al arte venezolano por
parte de la Fundación Sala Mendoza.
20 de Octubre 2016
Galería Magnolias Fine Arts Conde de Aranda 18 Madrid 28001
Interludio: OBRA RECIENTE
GBG Arts
Vicente Antonorsi · Ricardo Benaim · Miguel Braceli · Jorge Cabieses · Paulo Castro · Jonidel Mendoza · Luis Millé · Julio Pacheco Rivas
Bruno Garcia y Eduardo Azuaje
Arqueología de lo Arcano
Galería Magnolias Fine Arts Conde de Aranda 18 Madrid 28001
Interludio: OBRA RECIENTE
GBG Arts
Vicente Antonorsi · Ricardo Benaim · Miguel Braceli · Jorge Cabieses · Paulo Castro · Jonidel Mendoza · Luis Millé · Julio Pacheco Rivas
 |
| Cortesia GBGArts |
Exposición TIEMPO DETENIDO
del artista venezolano Marcos Salazar Ruiz
Artkao La Ventana - Galería 0212 3277674
Instagram: @laventanaartkao Facebook: La Ventana Artkao
Centro de Arte Los Galpones, Galpón 10, Caracas - VenezuelaAdrián Pujol. Apuntes abstractos.
BEATRIZ GIL Galería, domingo 2 de octubre a las 11:00 a.m.
Con
la exhibición de más de 70 obras en pequeño y mediano formato presentará su más
reciente producción creativa el reconocido artista Adrián Pujol, a través de
una exposición que será inaugurada el domingo 2 de octubre a las 11:00 a.m. en
BEATRIZ GIL Galería, bajo el título Adrián Pujol. Apuntes abstractos.
Curada
por Ruth Auerbach, esta exposición –que permanecerá hasta el mes de noviembre–
reúne el cuerpo de trabajo de Pujol, proveniente de búsquedas independientes,
conectadas con la urgencia de articular contenidos y prácticas estéticas
alternativas, que se alejan de la tradición paisajista y su relato para avanzar
de la contemplación emotiva de la naturaleza hacia una percepción más analítica
y abstracta, según explica la curadora en el texto que acompaña la muestra.
La
singular exhibición, como la define Auerbach, está conformada por dos conjuntos
de obras en las que se descubren aproximaciones afines desde la representación
espontánea de las formas abstractas y su reconfiguración en secuencias
seriadas, y “propone una lectura abierta de un proceso experimental y empírico
trazado en una línea de tiempo que ha llevado al artista a ‘conjeturar’ ideas e
imágenes a partir de un acucioso estudio historiográfico del arte local, en
particular, aquel referido al paradigma abstracto constructivo”.
El
conjunto DHT (Dibujos hablando por teléfono) surge de un archivo de documentos
atesorados desde 1997, que reproducen dibujos realizados automáticamente por el
artista -en lápiz o bolígrafo- durante sus conversaciones telefónicas, de los
cuales selecciona dos grupos para llevarlos al soporte pictórico, tal y como
explica la curadora de la muestra. “En el primero, Elementos cuadriculados
frontales tramados, los dibujos interpretan geometrías flexibles de formas
elementales y estructuras reticulares (…) El segundo segmento elegido,
Elementos flotando en el espacio vacío, lo concibe en tonalidades de grises y negros para
representar pequeñas volumetrías en desplazamiento”
El otro conjunto que integra la exposición,
denominado Chez Planchart, reúne varias series creadas por Pujol a raíz de su
encuentro con la quinta El Cerrito o
Villa Planchart, uno de los más significativos paradigmas del diseño y la
estética modernista en Caracas, del que surgen grupos como Techos, Tablas
diamantinas, Espacio, Orbifold, y el
tríptico Las fotos del closet de D.A.
Nacido
en España y residenciado en Venezuela desde 1974, Adrián Pujol posee una amplia
y reconocida trayectoria de más de cuarenta años, durante la cual ha exhibido
su obra en numerosas exposiciones en museos y galerías de Venezuela, México,
España, Colombia y Estados Unidos, entre otros países. También ha participado
en diversos Salones de Arte como el Salón Arturo Michelena, el Salón Nacional
de Jóvenes Artistas, y en el Salón Nacional del Grabado (Maracaibo); además
participó en la IV Bienal de Arte de Medellín (Colombia), en la V Bienal de San
Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe (San Juan de Puerto Rico) y en la
II Trienal de Dibujo en Wroclaw (Polonia).
El
público podrá apreciar la más reciente propuesta de este destacado artista a
través de la exposición Adrián Pujol. Apuntes abstractos, que se estará
presentando desde el 2 de octubre hasta el mes de noviembre en los espacios de
BEATRIZ GIL Galería, ubicada en la calle California con calle Jalisco, Las
Mercedes; en horario de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 6:00 p.m., sábados de
10:00 a.m. a 4:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es
libre.
Mayor
información puede ser consultada a través de la página
www.beatrizgilgaleria.com o a través de Facebook: Beatriz Gil Galeria Twitter:
@beatrizgilgal Instagram:
@beatrizgilgaleria y Youtube: Beatriz Gil Galeria.
Ramón Pimentel Muestra Empatía
Sábado 17 de septiembre 2016
Galería Arte Diez
Av. Andrés Bello, entre 1º y 2da transversal de los Palos Grandes
"Maestros y nueva generación. Venezuela y Argentina",
Colección Galería Ascaso (selección),
Fort Lauderdale, FL
Del 4 de septiembre al 14 de Octubre 2016
Nicolás Felizola, Patricia Van Dalen, Daniel Fiorda, Marta Estrems
Exposiciones, Más allá de un lugar. Fotografías de Alexis Pérez-Luna y Tan lejos, tan cerca. Fotografías de Leo Álvarez.
CARLOS GERMÁN ROJAS. "Desde aquí"
Spazio Zero Galería, Caracas
CARLOS CRUZ-DIEZ
Galería Cayón, Madrid
Carlos Eduardo Araujo
Proyecto pictórico–fotográfico “La bruma del éter”.
“La Bruma” es una de las imágenes que podemos encontrar en
este espacio expositivo que en retrospectiva detono está fusión de técnicas,
sin perder de vista la investigación alcanzada. Un collage que desde la
transparencia describe cual veladura, la sensación que produce el presenciar la
niebla.
Carlos Eduardo Araujo asume el reto de tomar el tema del
Cerro El Ávila y correlacionarlo con su investigación. Fusiona en esta etapa por
capas la fotografía con imágenes que en transparencia se solapan para mostrar
al espectador pintura desde medios digitales. La técnica fotograma, quimigrama
y fotomontaje digital.
En cuanto al soporte utiliza diversas opciones desde el papel
plástico traslúcido, papel fotográfico traslúcido y la impresión en vinil
adhesivo sobre PVC. Con una paleta en colores cuaternarios muestra entre brumas
al cerro El Ávila ícono y símbolo de la Ciudad de Caracas, capital de Venezuela,
pero lo muestra nublado, enigmático, entre costuras y tramas.
Es así como desarrolla Carlos Eduardo Araujo el
proyecto pictórico–fotográfico “La bruma del éter”.
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Carlos Eduardo Araujo
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Carlos Eduardo Araujo
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Carlos Eduardo Araujo
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Carlos Eduardo Araujo
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Carlos Eduardo Araujo
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Carlos Eduardo Araujo
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Para disfrutar de esta individual deben asistir a EKA
gourmet & gallery, local ubicado en la Avenida El Empalme de la Urbanización
La Campiña en Caracas, frente a la entrada peatonal de PDVSA La Campiña (con
estacionamiento público, al lado del local).
#araujovisual #muestraindividual #fotografía
#procesocreativo #pintura #arte #exposición
Yovanny Saracual Artista Venezolano
En este video promociona su obra donde el caballo es un autorretrato y los símbolos que maneja en su obra son parte de su biografía.
Manolo Valdés se adueña de
París con sus esculturas monumentales
Seis cabezas de gran tamaño esculpidas
por Manolo Valdés en distintos materiales, pueden apreciarse a partir de hoy en
la capital francesa. Tocados, sobreros y aretes, colocados sobre monumentales rostros
femeninos, se adueñaron de la Place Vendôme de París la tarde de este jueves,
en la ceremonia inaugural de la más reciente exposición del artista español.
Un sexteto de esculturas descomunales,
talladas sobre aluminio, hierro y mármol, con ornamentaciones únicas, coloreadas,
sorprende desde hace algunas horas a los transeúntes y se mantendrán durante un
mes bajo la luz del otoño parisino.
"Mis esculturas son
creadas para tener diferentes vidas y personalidades a través de las estaciones,
ellas miran hacia adelante para atraer a los colores del otoño, la nieve y la
luz llena de hielo del invierno, las flores primaverales, y la frescura de los
florecientes árboles, para finalmente obtener la totalidad del esplendor del
verano", afirmó el artista.
Valdés asistió a la
inauguración junto con el alcalde de París, Jean-François
Legaret. Para esta exposición, el artista se inspiró en una serie esculturas de
mujeres africanas que vio en el museo Metropolitan de Nueva York. Cabezas de
mujeres con adornos exagerados, que trasladó a sus recurrentes rostros
inexpresivos que no parecen tener procedencia, origen histórico ni edad
específica.
La Galería Freites estuvo presente en la inauguración de esta grandiosa
muestra en la capital francesa, acompañando al maestro español, uno de nuestros
más importantes artistas.
Las seis figuras perfectamente repartidas en la plaza gozan de
grandes dimensiones, como "Los Aretes", que mide unos seis
metros de largo y representa una mujer portadora de unos pendientes de azul
cobalto tan grandes como su cabeza; o "La
mariposa", en la que una enorme mariposa, ornamento preferido del
artista que simboliza la belleza interior, adorna la frente de la figura. En “La doble imagen” Valdés cubrió de
helechos la parte superior del rostro femenino, dejando al descubierto la
misteriosa expresión de esta escultura de 10 toneladas de peso. La fuerza del
azul vuelve a repetirse en “Las
mariposas”, otro de los grandes rostros sobrevolado por un grupo de
mariposas. “La pamela” y “La diadema” completan este sexteto
monumental, que sobrepasan los cinco metros de alto.
El pintor y escultor expresó su eterno
agradecimiento a París, ciudad que lo recibió cuando era estudiante de arte y
donde quedó impresionado por los movimientos modernos y sus métodos creativos,
en contraposición a lo que ya conocía. "En ese viaje descubrí la libertad",
admitió.
La compleja estética del artista español, así como la amplia
variedad de materiales que utiliza, evocan la inmutable elegancia de su arte, inspirado
en la tradición pictórica de maestros clásicos como Velázquez y Goya, pero
también en artistas modernos como Picasso y Matisse.
"Cuando he visto las
esculturas instaladas aquí me he sentido bien, no he visto que sean estridentes
con el entorno, las he encontrado integradas y veo que las estatuas azules
tiene el color de las puertas y que las blancas se parecen a las fachadas. He
sentido como si hubieran estado aquí siempre", indicó el artista.
La plaza Vendôme no sólo es célebre por sus hoteles de lujo como
el Ritz, sus selectas boutiques y sus joyerías, sino también por sus famosos
ocupantes como Coco Chanel, F. Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway, y el
compositor Frédéric Chopin. Una historia que ahora cuenta con las seis
esculturas monumentales de Manolo Valdés.
Mayor información sobre la
trayectoria y obras del maestro español a través de la página www.galeriafreites.com o de las cuentas de Twitter:
@galeríafreites, Instagram: galería_freites y Facebook: Galería
Freites.
Yovanny Saracual Artista Venezolano
En este video promociona su obra donde el caballo es un autorretrato y los símbolos que maneja en su obra son parte de su biografía.
Manolo Valdés se adueña de
París con sus esculturas monumentales
Seis cabezas de gran tamaño esculpidas
por Manolo Valdés en distintos materiales, pueden apreciarse a partir de hoy en
la capital francesa. Tocados, sobreros y aretes, colocados sobre monumentales rostros
femeninos, se adueñaron de la Place Vendôme de París la tarde de este jueves,
en la ceremonia inaugural de la más reciente exposición del artista español.
Un sexteto de esculturas descomunales,
talladas sobre aluminio, hierro y mármol, con ornamentaciones únicas, coloreadas,
sorprende desde hace algunas horas a los transeúntes y se mantendrán durante un
mes bajo la luz del otoño parisino.
"Mis esculturas son
creadas para tener diferentes vidas y personalidades a través de las estaciones,
ellas miran hacia adelante para atraer a los colores del otoño, la nieve y la
luz llena de hielo del invierno, las flores primaverales, y la frescura de los
florecientes árboles, para finalmente obtener la totalidad del esplendor del
verano", afirmó el artista.
Valdés asistió a la
inauguración junto con el alcalde de París, Jean-François
Legaret. Para esta exposición, el artista se inspiró en una serie esculturas de
mujeres africanas que vio en el museo Metropolitan de Nueva York. Cabezas de
mujeres con adornos exagerados, que trasladó a sus recurrentes rostros
inexpresivos que no parecen tener procedencia, origen histórico ni edad
específica.
La Galería Freites estuvo presente en la inauguración de esta grandiosa
muestra en la capital francesa, acompañando al maestro español, uno de nuestros
más importantes artistas.
Las seis figuras perfectamente repartidas en la plaza gozan de
grandes dimensiones, como "Los Aretes", que mide unos seis
metros de largo y representa una mujer portadora de unos pendientes de azul
cobalto tan grandes como su cabeza; o "La
mariposa", en la que una enorme mariposa, ornamento preferido del
artista que simboliza la belleza interior, adorna la frente de la figura. En “La doble imagen” Valdés cubrió de
helechos la parte superior del rostro femenino, dejando al descubierto la
misteriosa expresión de esta escultura de 10 toneladas de peso. La fuerza del
azul vuelve a repetirse en “Las
mariposas”, otro de los grandes rostros sobrevolado por un grupo de
mariposas. “La pamela” y “La diadema” completan este sexteto
monumental, que sobrepasan los cinco metros de alto.
El pintor y escultor expresó su eterno
agradecimiento a París, ciudad que lo recibió cuando era estudiante de arte y
donde quedó impresionado por los movimientos modernos y sus métodos creativos,
en contraposición a lo que ya conocía. "En ese viaje descubrí la libertad",
admitió.
La compleja estética del artista español, así como la amplia
variedad de materiales que utiliza, evocan la inmutable elegancia de su arte, inspirado
en la tradición pictórica de maestros clásicos como Velázquez y Goya, pero
también en artistas modernos como Picasso y Matisse.
"Cuando he visto las
esculturas instaladas aquí me he sentido bien, no he visto que sean estridentes
con el entorno, las he encontrado integradas y veo que las estatuas azules
tiene el color de las puertas y que las blancas se parecen a las fachadas. He
sentido como si hubieran estado aquí siempre", indicó el artista.
La plaza Vendôme no sólo es célebre por sus hoteles de lujo como
el Ritz, sus selectas boutiques y sus joyerías, sino también por sus famosos
ocupantes como Coco Chanel, F. Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway, y el
compositor Frédéric Chopin. Una historia que ahora cuenta con las seis
esculturas monumentales de Manolo Valdés.
Unlimited | Daniel Medina
inauguración: domingo, 7 de agosto, 2016 – 11:30 am
clausura: domingo, 11 de septiembre, 2016 – 4:00 pm
clausura: domingo, 11 de septiembre, 2016 – 4:00 pm
-carmen araujo Arte®
urbanización sorokaima, calle rafael rangel sursecadero 2, hacienda la trinidad parque culturalcaracas, venezuela-
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horarios
martes a sábado: 10:00 am a 6:00 pm
domingos: 11:00 am a 4:00 pm
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domingos: 11:00 am a 4:00 pm
feriados: 11:00 am a 4:00 pm
Exposición Colectiva Caracas Utópica
Hacienda La Trinidad PC Casa de Hacienda
Exposición Liu Bolin, Happening en Caracas
en la Galería Freites, hasta el 17 de septiembre de 2016. |
| Liu Bolin, Happening en Caracas en la Galería Freites
Liu Bolin Muestra al Ciudadano Anónimo entre Productos
Venezolanos, La exposición, curada por María Luz Cárdenas con apoyo de Jacobo
Borges, se mantendrá abierta al público hasta el 17 de septiembre de 2016.
Liu Bolin utiliza como recurso la mímesis en su propuesta, con la finalidad de mostrar como
el artista es afectado en su individualidad que es absorbido por algo mayor y
lo involucra en su estructura. Sin embargo, el proceso creativo y el mundo que
le rodea están en constante cambio.
La observación y la
pintura le permiten recrear elementos de un espacio físico en el que su cuerpo
se mimetiza.
Es a través del registro fotográfico, expuesto en la Galería
Freites que comprendemos su método. Al visitar Venezuela en el año 2013 su
temática se basó en realidades locales, estaba vinculado al proyecto the Mask,
con la ayuda de voluntarios crea algunos ambientes donde los productos de
consumo humano se disponen simulando anaqueles de supermercado, luego se vale
de la observación y del maquillaje corporal para fusionar su cuerpo con la
imagen, además de integrar a dicha
imagen algunos voluntarios. Al pasar
desapercibido el artista le da mayor
protagonismo a la obra.
En la actualidad elige la
harina precocida como un producto básico en la alimentación del venezolano, así
como la cerveza por su popularidad lo que lo convierte en ícono de consumo
masivo centro del trabajo del artista
En esta ocasión la Galería
Freites ha dispuesto en dos de sus salas tanto el proceso de preparación y
maquillaje como dos de los escenarios permitiendo incluso que los visitantes se
integren a la obra desde la fotografía.
Liu Bolin es un artista,
escultor y fotógrafo chino. Obtuvo la Licenciatura en Bellas Artes en la
Escuela de Artes de la Universidad de Shandong, y la Maestría en Bellas Artes,
en la Academia Central de Bellas Artes de Pekín en 2001.
Un recorrido por las obras
finales y el registro de la producción que realizó el artista chino en nuestros
espacios en Caracas, en noviembre de 2013.
Una visita en la cual
desarrolló una propuesta de mímesis con el entorno, utilizando diferentes
fuentes simbólicas venezolanas que van del Salto Ángel a revistas de cómics,
una serie de frutas tropicales, hasta las diferentes marcas de Cervezas Polar y
la Harina PAN.
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Avenida Orinoco, Las Mercedes. Caracas, Venezuela.
Waniku Donde retumba el agua bajo el lente de Andrea Santolaya
Hasta el 17 de septiembre en la Galería Freites
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| Waniku exposición fotográfica de Andrea Santolaya en la Galería Freites, fotografía Gladys Calzadilla |
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Waniku exposición
fotográfica de Andrea Santolaya en la Galería Freites, fotografía Gladys Calzadilla
|
Las mujeres Warao con telas ligeras que danzan sobre sus
cuerpos, flotan para admirar el brillo de la luz de Waniku sobre los oscuros
cielos. Flotan porque saben que la luna hace ondear las mareas de los ríos del
Delta del Orinoco. Así lo han hecho desde que buen brazo cavó un hueco en el
cielo para buscar una flecha perdida y descubrió entre las nubes la tierra.
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| Waniku exposición fotográfica de Andrea Santolaya, fotografía Cortesia Galería Freites |
Andrea Santolaya se
apropia del paisaje y de la imagen de 7 mujeres Warao bajo la luz de Waniku, la
autora se implica en cada proyecto que comienza a tal grado que se hace parte.
En la muestra se pueden
apreciar 40 imágenes de distintos tamaños, positivadas artesanalmente bajo la
supervisión directa de la autora en gelatinobromuro de plata sobre papel
baritado virado al selenio o con un doble virado.
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| Waniku exposición fotográfica de Andrea Santolaya, fotografía Cortesia Galería Freites |
Andrea Santolaya realiza
sus estudios académicos en las ciudades de Madrid, Londres y Nueva York, ha
expuesto en Italia, Francia, Venezuela, Estados Unidos y su país de origen
España. Su primera exposición individual sobre mujeres boxeadores Around fue en
la Galería Marlborough de Madrid como parte del Festival Photoespaña 2011. En
2012 abrió su exposición individual Y cuando abrí los ojos... ya estaban allí
en la Galería Freites de Caracas. En 2014 presentó Cartes de visite en el Palau
de la Música de Valencia y más recientemente presentó Nation rugby en el
Instituto Francés de Madrid.
Es autora del libro del
libro Around con La Oficina Ediciones, Manolo Valdés. Esculturas en NY con TF
Editores y Manolo Valdés. Jardín Botánico de NY con La Fábrica Ed. Este libro
obtuvo el Primer Premio a la mejor publicación de arte 2014 por el Ministerio
de Cultura y Deporte de España.
El público tendrá la oportunidad
de apreciar la obra de esta joven fotógrafa española, a través de la exposición
Waniku. Donde retumba el agua, que se estará presentando del 17 de julio al 17
de septiembre en la Galería Freites, ubicada en la Avenida Orinoco de Las
Mercedes. Adicionalmente, el sábado 23 de julio a las 11:00 am, se realizará un
conversatorio con la artista, en el cual explicará el proceso de creación
detrás de cada una de las fotografías.
El horario de exposición
es de lunes a viernes de 9:00 am a 1:00 pm y de 2:00 pm a 5:30 pm, sábados de
10:00 am a 2:00 pm, y domingos de 11:00 am a 2:00 pm. La entrada es libre.
"Memoria visual de un país. 1976-2016",
Galería de Arte Nacional, Nivel I, Sala 3, Caracas
Sábado 6 de Agosto, 11 am.
El lugar de las imágenes. Colección de arte europeo, siglos
XV al XIX
Museo de Bellas
Artes, Caracas
Domingo 7 de Agosto, 11 am
Tras bastidores
Tras bastidores
Reconocimientos del Premio Eugenio Mendoza
2013-2015
Reconocimientos del Premio Eugenio Mendoza 2013-2015
En Tras bastidores, bajo la curaduría de Alberto
Asprino, se reúnen tres propuestas de los artistas reconocidos en las últimas
dos ediciones del Premio Eugenio Mendoza, como una oportunidad para mostrar las
líneas de trabajo que actualmente desarrollan: Cine, otra vez de Iván Candeo,
Órdenes de luz de Emilio J. Narciso y Basta de falsos héroes de José Vívenes.
Estas muestras, además, se congregan desde la referencia del taller como
espacio íntimo de creación y de cómo se articula ese topo con los lenguajes e
intereses de cada uno de estos creadores.
Por su lado, en Librería, Kelemen Kuatro muestra una
amplia selección de piezas en vidrio realizadas por la familia Kelemen, quienes
desarrollaron un sostenido trabajo del vidrio que les valió un amplio
reconocimiento como artistas del fuego desde la década de los setenta.
“De la mano de Vigas”
Exposición inédita del maestro Oswaldo Vigas en los gratos espacios de la Galería de Arte Utopía19, ubicada en el pueblo de El Hatillo.
La muestra reúne obras plasmadas en materiales no convencionales
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Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19 en El Hatillo
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“De la mano de Vigas” es una muestra
compuesta por 35 obras del artista plástico Oswaldo Vigas realizadas sobre
soportes no convencionales, que nos acercan al instante creador del maestro y a
su necesidad imperante de expresarse, de crear.
Sobre este inusual uso de materiales tan diversos por parte
del maestro, la investigadora y crítico de arte venezolana Susana Benko asegura
que “todo material o soporte al ser intervenido artísticamente se vuelve
trascendente al igual que la imagen La necesidad imperante por crear se ve
plasmada en las piezas que conforman esta exposición.
“De la mano de Vigas” recoge obras muy personales que muestran el inagotable imaginario del artista, sin límites de expresión, característicos en su trazo Bélgica Rodríguez, curadora de la itinerante del maestro que recorre el continente, dijo en 2012: “Vigas dibuja con óleo, carboncillo, gouache, tinta, lápiz, o marcador, creyones, grafito, sobre papel reciclado, periódico, tela, cartulina, servilletas de papel, metal, papel vegetal, tickets de metro, portavasos de cartón, en blanco y negro o con color, hasta el punto de que en algunos casos se dificulta dilucidar hasta donde es dibujística y hasta donde es pictórica.” Benko enfatiza en su capacidad creativa indetenible al afirmar: “La necesidad de Oswaldo Vigas de crear no tenía término. Bajo cualquier circunstancia, incluso la más adversa, lo hacía. Los motivos podían ser muchos y diversos. Por una parte, tal vez por una necesidad imperativa de no dejar vacíos en el tiempo y capturar imágenes potencialmente significativas mediante el dibujo. Era una manera de lograr que las ideas de alguna forma se perpetuasen. (…)Todos los dibujos que realizaba con estos soportes no convencionales, y, en cierto modo improvisados, evidencian la importancia que para él tenía el instante”. Vigas es uno de los artistas plásticos venezolanos más reconocidos en el país y en el exterior.
“De la mano de Vigas” recoge obras muy personales que muestran el inagotable imaginario del artista, sin límites de expresión, característicos en su trazo Bélgica Rodríguez, curadora de la itinerante del maestro que recorre el continente, dijo en 2012: “Vigas dibuja con óleo, carboncillo, gouache, tinta, lápiz, o marcador, creyones, grafito, sobre papel reciclado, periódico, tela, cartulina, servilletas de papel, metal, papel vegetal, tickets de metro, portavasos de cartón, en blanco y negro o con color, hasta el punto de que en algunos casos se dificulta dilucidar hasta donde es dibujística y hasta donde es pictórica.” Benko enfatiza en su capacidad creativa indetenible al afirmar: “La necesidad de Oswaldo Vigas de crear no tenía término. Bajo cualquier circunstancia, incluso la más adversa, lo hacía. Los motivos podían ser muchos y diversos. Por una parte, tal vez por una necesidad imperativa de no dejar vacíos en el tiempo y capturar imágenes potencialmente significativas mediante el dibujo. Era una manera de lograr que las ideas de alguna forma se perpetuasen. (…)Todos los dibujos que realizaba con estos soportes no convencionales, y, en cierto modo improvisados, evidencian la importancia que para él tenía el instante”. Vigas es uno de los artistas plásticos venezolanos más reconocidos en el país y en el exterior.
Considerado pionero del arte latinoamericano, se nutre del
arte prehispánico al igual que Obregón, Szyszlo, Matta, Tamayo, Lam y
Guayasamín. Su obra, realizada entre Francia y Venezuela, es una síntesis
original entre las raíces culturales del continente latinoamericano y las
corrientes plásticas más actuales de la modernidad. Su trabajo logra abarcar la
pintura, la escultura, el grabado, la cerámica y la tapicería. Realizó más de
cien exposiciones individuales y está representado en numerosas instituciones y
colecciones públicas y privadas de todo el mundo.
La exposición “De la mano de Vigas” se presentará del 18 de
junio al 18 de septiembre en la Galería de Arte Utopía 19 ubicada en la calle
La Paz con calle Escalona, justo en la plaza Bolívar del Pueblo de El Hatillo.
Los horarios son de miércoles a domingos de 12:00 m a 8:00
pm.
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| Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Exposición De la mano de Vigas Galería de Arte Utopía19, Fotografía Gladys Calzadilla |
Breve biografía de Oswaldo Vigas
Oswaldo Vigas nace el 4 de agosto de 1923 en
Valencia, estado Carabobo, Venezuela, y desde muy joven muestra interés por el
arte. En 1942 obtiene su primer reconocimiento con el Premio a la Mejor Ilustración
en el Primer Salón de Poemas Ilustrados, Ateneo de Valencia, y un año después
gana la Medalla de Honor en el Primer Salón Arturo Michelena, uno de los
espacios más importantes de la confrontación artística en el país. En 1945
ingresa en la Facultad de Medicina, Universidad de los Andes, Mérida, estudios
que culmina en la Universidad Central de Venezuela, Caracas, en 1951, pero que
ejercerá por muy poco tiempo. Para 1949 se incorpora al grupo de artistas e
intelectuales que conforman el Taller Libre de Arte de Caracas donde funda,
junto con el pintor Alirio Oramas, la revista Taller. En compañía de algunos
colegas artistas y amigos del Taller Libre de Arte, visita al pintor Armando
Reverón.
1952 es uno de los años decisivos en su vida. En
esta fecha recibe el Premio Nacional de las Artes Plásticas y el Premio John
Boulton en el XIII Salón Oficial Anual de Arte Venezolano organizado por el
Museo de Bellas Artes de Caracas y obtiene el Premio Arturo Michelena en el X
Salón Ateneo de Valencia. Vigas cobra notoriedad después de la exposición
Oswaldo Vigas: Retrospectiva 1946-1952 llevada a cabo en el Museo Bellas Artes,
muy comentada y discutida en los medios locales debido a la controversia que
produce su serie Las brujas. Esta encendida discusión acerca de su trabajo lo
convierte en el artista plástico más polémico de ese momento en Venezuela. A
finales de ese año se instala en París e ingresa en L’Ecole des Beaux Arts,
donde asiste a los talleres de grabado y litografía de Marcel Jaudon y de
Stanley William Hayter, además de realizar cursos libres en La Sorbona. Estando
en Francia es invitado a participar con cinco murales en el Proyecto de
Integración de las Artes que concibe el arquitecto Carlos Raúl Villanueva con
motivo de la construcción de la Ciudad Universitaria de Caracas, declarada
Patrimonio Cultural de la Humanidad (2000) por la UNESCO. Esto marca un momento
muy importante en el arte a nivel nacional, pues en este proyecto intervienen
artistas venezolanos e internacionales del renombre de Fernand Léger, Victor
Vassarely, Jean Arp, Antoine Pevsner, Baltasar Lobo y Alexander Calder, entre
otros.
Desde 1953 a 1957 concurre a numerosas colectivas a
nivel internacional. En 1953 asiste a la II Bienal de São Paulo, Brasil, y en
Francia al IX Salon de Mai, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris,
Salon Réalités Nouvelles y Donner à voir. , entre los artistas invitados
figuraron: Jean Arp, Chagall, Dayez, Delvaux, Giacometti, Gilioli, Lam,
Laurens, Magritte, Manessier, Mathieu, Matisse, Matta, Max Ernst, Riopelle,
Schneider, Se sigue presentando en el Salón los años siguientes hasta 1957
donde participa del homenaje a Brancusi en el “XIII Salón de Mai”, junto a
Bryen, Leonor Fini, Herbin, Rebeyrolle, Tapies, etc. En 1961 vuelve al “XVII
Salón de Mai” esta vez junto a Francis Bacon, Enrico Baj, Capogrossi,
Charchoune, Marta Colvin, Agustín Fernández, Sam Francis, Hundertwasser,
Ipousteguy, John Levée, André Masson, John Mitchell, Louise Nevelson, Irving
Petlin, Pettoruti, Antonio Saura, Tajiri, Tamayo, Mark Tobey, Zañartu, En
agosto de 1955 Oswaldo Vigas tiene la oportunidad de conocer a Pablo Picasso en
su casa "La Californie" en Cannes, presentado por su amigo el
pianista venezolano Humberto Castillo Suárez, muy cercano al Maestro. Junto con
un grupo de críticos franceses, en particular Jean-Clarence Lambert, Raoul-
Jean Moulin y José Augusto França, y un comité organizador integrado por
Agustín Cárdenas, Wifredo Lam y Roberto Matta organiza la primera exposición
del Arte Latinoamericano en París en 1962. En esa ciudad bullente de principios
de los años 60, epicentro de la movida plástica mundial, convergían en los
cafés diferentes artistas latinoamericanos. Se gestaban tertulias en el barrio
latino en las que Oswaldo Vigas estrechó relaciones con Wifredo Lam, Roberto
Matta, Antonio Berni, Agustín Cárdenas, Fernando de Szyszlo y muchos otros
artistas latinoamericanos. Vigas en Latinoamérica En 1964 Vigas regresa a
Venezuela con Janine, su esposa, y fija su residencia en la ciudad de Mérida.
Al año siguiente es nombrado Director de Cultura de la Universidad de Los Andes
y donde continúa produciendo su obra pictórica. En 1956 acude a la Bienal
Internacional de Pintura y Grabado Palacio de Bellas Artes, México DF.
En 1966 participa de la exposición internacional
Grabadores latinoamericanos, Montevideo, Uruguay. En 1970 regresa con su
familia a Caracas y promueve la creación del grupo de artistas Presencia 70. En
1971 es nombrado Director de la División de Artes del Instituto Nacional de
Cultura y Bellas Artes (INCIBA), cargo al que renunciará un año después por
desacuerdo con el Presidente del Organismo. En 1975 participa en Veinte
pintores latinoamericanos, Galería Siglo XX, Quito, Ecuador, donde comparte
entre otros con Fernando de Szyszlo, y en Panorama de la pintura venezolana,
113 obras de los siglos XIX y XX, Casa de Las Américas, La Habana, Cuba. En
1977 muestra Oswaldo Vigas, imagen de una identidad expresiva, Museo de Arte
Italiano de Lima, Perú. En 1978 Vigas y Szyszlo exponen de nuevo con motivo del
aniversario de la Galería Forum en Lima.
En 1980 acude a la II Bienal Iberoamericana de
Arte, Dibujo y Grabado, Instituto Cultural Pedro Domecq, México. Ese mismo año
es invitado por el Taller de Artistas Gráficos Asociados (TAGA) a participar en
una colectiva itinerante por Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, Ecuador,
México, Nicaragua y Perú. En 1986 es convidado por el Presidente Belisario
Betancur, quien reúne a los principales artistas latinoamericanos para la
apertura del Museo de Santa Marta. Allí se reencuentra con sus colegas Fernando
de Szyszlo, Alejandro Obregón y Oswaldo Viteri. Ese mismo año participa en
Pintores contemporáneos, Galería Acquavella, Caracas, y en el Certamen
Internacional de Artes Plásticas, Ancón, Perú. En 1992 es invitado al XXVI
Premio Internacional de Arte Contemporáneo de Monte Carlo, donde por unanimidad
le otorgan el Gran Premio Prince Rainier, que recibe de manos de la princesa
Carolina de Mónaco. Repite esta visita en 1995. En 2012 Oswaldo Vigas es
elegido como representante de su país natal para el Bicentenario de la
Constitución del Tribunal Supremo del Reino de España, al que fueron invitados
artistas representantes de todos los países iberoamericanos. Oswaldo Vigas
participa en subastas de Grandes Maestros del Arte Latinoamericano celebradas
en las famosas casas SOTHEBY´S y CHRISTIE´S de Nueva York, donde se ve un
notable incremento en el valor de las obras vendidas. Una demostración más de
la fuerte penetración en los mercados internacionales del maestro Vigas. Vigas
siguió ejerciendo su actividad plástica sin cesar hasta el día de su muerte,
acaecida el 22 de abril de 2014. En la actualidad, la Fundación Oswaldo Vigas,
creada en vida del maestro, trabaja en la edición de una publicación antológica
que recoge gran parte de su prolífica producción.
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