Pablo Krisch inaugura la muestra Corteza
El jueves 17 de noviembre en la Galería TRESy3
 |
|
Pablo Krisch “ Corteza” en la Galería TRESy3
|
Los desnudos femeninos son el foco principal de esta nueva muestra
fotográfica que cierra el año para la Galería TRESy3. Las imágenes
develan una íntima conexión entre la geometría del cuerpo y la natural
fluidez de los paisajes
El cuerpo es solo materia, un mero
contenedor de nuestro espíritu condenado finalmente a volver a la
tierra. A convertirse en polvo. Es la mirada de Pablo Krisch la que
rescata la poética de las curvas femeninas y las funde con la
sensualidad de las corrientes del agua y de los paisajes boscosos. Ellas
son las amantes platónicas del fotógrafo. Una oda a la femineidad.
En las fotografías que componen la serie Corteza, la mujer es delineada desde dos visiones: una, acostada sobre los ángulos rectos artificiales, en la que la figura se fortalece con las geometrías del cuerpo; y otra en la que se mimetiza con las suaves líneas que realzan la naturalidad de los desnudos. Hay una inocencia inminente en las 30 imágenes que contrastan con una constante incitación a la sensualidad y devuelve la pasión a la materia efímera.
Pablo Krisch ha trabajado en desnudos por unos 30 años. Para el artista, esta es una forma de expresión muy típica –y casi única– de la fotografía que brinda un amplio campo de exploración. Así, Krisch encuentra en estas imágenes una manera de raer la corteza, de traspasar los límites de lo que mortal, y con ello regala al espectador un asomo a la belleza natural tras las líneas femeninas.
Corteza inaugura el próximo jueves 17 de noviembre a las 7 pm en la Galería TRESy3 y podrá visitarse hasta enero de 2017 de martes a viernes de 11:00 am a 6:00 pm y sábados y domingos de 11:00 am a 4:00 pm. El local está ubicado en la calle California, Residencias Sonora PB-1, Las Mercedes, Caracas (diagonal a General Import y al lado del California Mall).
En las fotografías que componen la serie Corteza, la mujer es delineada desde dos visiones: una, acostada sobre los ángulos rectos artificiales, en la que la figura se fortalece con las geometrías del cuerpo; y otra en la que se mimetiza con las suaves líneas que realzan la naturalidad de los desnudos. Hay una inocencia inminente en las 30 imágenes que contrastan con una constante incitación a la sensualidad y devuelve la pasión a la materia efímera.
Pablo Krisch ha trabajado en desnudos por unos 30 años. Para el artista, esta es una forma de expresión muy típica –y casi única– de la fotografía que brinda un amplio campo de exploración. Así, Krisch encuentra en estas imágenes una manera de raer la corteza, de traspasar los límites de lo que mortal, y con ello regala al espectador un asomo a la belleza natural tras las líneas femeninas.
Corteza inaugura el próximo jueves 17 de noviembre a las 7 pm en la Galería TRESy3 y podrá visitarse hasta enero de 2017 de martes a viernes de 11:00 am a 6:00 pm y sábados y domingos de 11:00 am a 4:00 pm. El local está ubicado en la calle California, Residencias Sonora PB-1, Las Mercedes, Caracas (diagonal a General Import y al lado del California Mall).
Para mayor información sobre la exposición, puedes visitar la página web www.tresy3.com y seguirnos en las redes sociales Twitter e Instagram: @culturatresy3 y Facebook: Cultura TRESy3.
Pablo Krisch
Nació en Caracas el 9 julio 1955. Desde 1975 hasta 1978 realiza estudios
de Fotografía Pura en el Bournemouth College of Art (Inglaterra). Ha
dedicado su trabajo a la fotografía documental y trabajó por varios años
en la fotografía industrial corporativa, especialmente dentro de las
petroleras. También colaboró con Valentina Quintero fotografiando sus
viajes durante 15 años y formó parte de la revista Todo en Domingo del
diario El Nacional. Tiene es su haber más de 10 exposiciones
individuales, varios talleres especializados y 2 libros autorales. Entre
otros reconocimientos, recibió el Premio Nacional de Cultura en
Fotografía (2012-2014).
Galería TRESy3 es un centro cultural joven ubicado en
Caracas, Venezuela. Es una galería contemporánea que se especializa en
la exhibición de fotografía complementándola con charlas y discusiones
sobre los trabajos y libros de fotógrafos alrededor del mundo. En
febrero 2015, con sólo 2 años de haber abierto sus puertas, la Galería
TRESy3 ya ha hospedado más de 12 muestras, entre individuales y
colectivas, reuniendo a más de 40 fotógrafos en este corto período de
tiempo, haciéndolo un espacio bien conocido por su dedicación y
promoción del siempre-creciente movimiento fotográfico en Venezuela.
TRESy3
(0212) 993 -0330/ 0347/ 0127
Twitter: @culturatresy3
Instagram: @culturatresy3
Facebook: Cultura TRESy3
Calle California, Residencias Sonora, PB-1. Las Mercedes, Caracas.
Exposición Individual de Álvaro Mejías L'Immortalité du Crabe
En la Embajada de
Venezuela en Paris el 25 de noviembre a las 6:30 pm
En la Embajada de Venezuela en Paris el 25 de noviembre a las 6:30 pm
11 Rue, Copernic. 75116, Métro 2 Victor Hugo, Métro 6 Kléber, Boissière
11 Rue, Copernic. 75116, Métro 2 Victor Hugo, Métro 6 Kléber, Boissière
 |
Alvaro, sabanas impregnadas en la retina, la búsqueda de el dorado de los
latinos,el lastimoso grito del pincel traspasa la tela,el cuchillo desgarrando
un pedazo de paño ahora convertido en foto… vida… y el futuro vivirá en la madera del rostro enfrentando el destino.
 |
| Alvaro Mejías Sous Le Soleil Tropical
Exposición L'Immortalité du Crabe
Embajada de Venezuela en París
|
La pintura de Alvaro es el traspaso, es la
salida de un claro, es el atardecer en el llano, es el principio salvaje de lo
no conquistado, es el reflejo del presente , es el vientre fecundo de una
madre, es la sinfonia del morado que se pega al cielo después que este cansado
se entrega a un letargo, es la aurora en los ojos de una mujer enamorada y es el mediodia en el canto de un canario.
Omar Loyola Maldonado
Alvaro, les rétines imprégnées de la plaine, recherche toujours l’El dorado des latinos : le cri douloureux de son pinceau transperce la toile, le couteau déchire un morceau de pagne, maintenant devenu photo… la vie et le futur vivront dans le bois du visage qui affronte le destin.
La peinture d’Alvaro c’est le transfert, c’est l’issue d’une clairiere , c’est le jour qui décline dans la plaine, c'est le début sauvage non encore conquis, c'est encore le reflet du présent, c'est le ventre fécond d'une mère, c'est la symphonie du mauve qui se colle au ciel après que celui-ci entre en léthargie, c'est l'annonce dans les yeux d'une femme amoureuse et c'est le midi dans le chant d'un canari.
Omar Loyola Maldonado
Exhibición "A dos mil años de luz.
Dos caras de una pasión" Colecciones Antigüedades Casa
Piú y Colecciones Ruth y Robert Bottome
La Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC) del Trasnocho
Cultural, Invita cordialmente a la inauguración de la última exposición del año
con una mirada artística a la celebración religiosa más importante para la
feligresía cristiana.
Este domingo 20 de noviembre, a las 11 am, nuestro
recinto dedicado a las artes plásticas abrirá las puertas a la exhibición
"A dos mil años de luz. Dos caras de una pasión" Colecciones
Antigüedades Casa Piú y Colecciones Ruth y Robert Bottome, con una selección de
más de 60 obras artísticas relacionadas con el nacimiento de Jesús, elaboradas
desde el siglo XVIII a la actualidad por artistas y artesanos de Europa,
Latinoamérica y Venezuela.
Bajo la curaduría de Carmen Sofía Leoni y con el apoyo
del Instituto Italiano de Cultura y la Embajada de Italia en Venezuela, la
muestra reúne distintas representaciones de la Natividad, entre las que
destacan Nacimientos -entendidos como el conjunto de José, María, el niño
Jesús, la mula, el buey y tres reyes magos-; Sagradas familias –compuestas por
José, María y el niño Jesús-; piezas del Niño Jesús solo, advocaciones del Niño
Jesús, Ofrendas e Imágenes de La huida a Egipto.
Lugar: Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC)
Trasnocho Cultural
Centro Comercial Paseo Las Mercedes
Nivel Trasnocho. Las Mercedes. Caracas
T. 993.2957
Exhibición "A dos mil años de luz.
Dos caras de una pasión" Colecciones Antigüedades Casa Piú y Colecciones Ruth y Robert Bottome
La Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC) del Trasnocho Cultural, Invita cordialmente a la inauguración de la última exposición del año con una mirada artística a la celebración religiosa más importante para la feligresía cristiana.
Este domingo 20 de noviembre, a las 11 am, nuestro
recinto dedicado a las artes plásticas abrirá las puertas a la exhibición
"A dos mil años de luz. Dos caras de una pasión" Colecciones
Antigüedades Casa Piú y Colecciones Ruth y Robert Bottome, con una selección de
más de 60 obras artísticas relacionadas con el nacimiento de Jesús, elaboradas
desde el siglo XVIII a la actualidad por artistas y artesanos de Europa,
Latinoamérica y Venezuela.
Bajo la curaduría de Carmen Sofía Leoni y con el apoyo
del Instituto Italiano de Cultura y la Embajada de Italia en Venezuela, la
muestra reúne distintas representaciones de la Natividad, entre las que
destacan Nacimientos -entendidos como el conjunto de José, María, el niño
Jesús, la mula, el buey y tres reyes magos-; Sagradas familias –compuestas por
José, María y el niño Jesús-; piezas del Niño Jesús solo, advocaciones del Niño
Jesús, Ofrendas e Imágenes de La huida a Egipto.
Lugar: Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC)
Trasnocho Cultural
Centro Comercial Paseo Las Mercedes
Nivel Trasnocho. Las Mercedes. Caracas
T. 993.2957
Exposición Obras singulares de maestros contemporáneos.
En La Galería Freites
Inauguración el domingo 19 de noviembre, a las 11:00 am
Un diálogo entre los creadores pioneros de la segunda mitad del siglo XX -que definieron el desarrollo de la figuración, el paisaje y la construcción conceptual de la materia y el espacio-, y los maestros de la siguiente generación que aportaron elementos conceptuales y expresivos al repertorio histórico legado por los precursores.
Un recorrido por las piezas fundamentales de 30 maestros contemporáneos venezolanos.
Avenida Orinoco, Las Mercedes.
Exposición Colectiva en Carmen Araujo Arte
juan iribarren · paolo gasparini · eduardo gil · oscar machado ·
daniel medina · yucef merhi · esmelyn miranda · marco montiel-soto
inauguración: domingo 13 de noviembre, 2016 – 11:30 am
info@carmenaraujoarte.comwww.carmenaraujoarte.com
Presentación del Catálogo de la Exposición refugio de Carolina Vollmer y reflexiones sobre arte, sujeto y contexto, en El Anexo
Domingo 13
de noviembre de 2016, 12:30 pm
Reina Herrera Exposición Legado De Vida
Museo Sefardí de Caracas
Ceramista de amplia trayectoria madre de
Marujita Herrera, otra gran ceramista de generaciones más recientes, sería una
excusa leve. Decir que fue la abuela de Mariana Monteagudo, una artista de
talento y proyección.
Ahora no se encuentra entre nosotros es un
merecido homenaje.
Reina Herrera: legado de vida es el título
de esta muestra, que con la curaduría y museografía de Alberto Asprino, ofrece
un recorrido por los momentos claves de la obra de esta gran artista, nacida en
Marruecos en el seno de una familia judía sefardí en 1923 y fallecida en
Caracas en 2014.
A continuación se cubre un espectro
expositivo de aproximadamente treinta años, donde el curador destaca mayormente
el trabajo escultórico de la artista en
franco diálogo
con su obra dibujística, y muestra unos acentos puntuales como son sus
herramientas de trabajo y algunos bocetos, para culminar estableciendo otro
vínculo cercano al entorno amoroso y familiar, con la obra Sin título
(Máscara), realizada en el año 2000 por Herrera e intervenida por Mariana
Monteagudo, su nieta quien siguió y heredó su sensibilidad creadora.
Asimismo, dentro de la muestra se incluye
la exhibición de una selección de obras de otros creadores de las artes del
fuego, que de alguna manera encontraron en Reina Herrera un ejemplo a seguir,
como son Josefina Álvarez, Alberto Asprino, Esther Alzaibar, Jorge Barreto,
Guillermo Cuellar, Rodrigo García Alejo, Maruja Herrera, Noemí Márquez, Mariana
Monteagudo, María Pont.
Residenciada en Venezuela desde 1935, Reina
Herrera realizó importantes aportes dentro del ámbito de las artes visuales
venezolanas, tanto por su vasta producción creativa, como por su labor docente
en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas durante más de tres décadas y
en el Taller de Cerámica del Instituto de Diseño de la Fundación Newman por dos
años, transmitiendo sus conocimientos a muchas otras generaciones de
ceramistas.
Su amplia actividad expositiva a lo largo
de 50 años incluyó exhibiciones en los principales museos, salas y galerías de
Venezuela, Turquía, Alemania, Inglaterra, Japón, México, China, Puerto Rico,
entre otros países; además fue merecedora de reconocimientos como la Mención
Honorífica XXI Salón Oficial Anual de Arte Venezolano, Museo de Bellas Artes,
Caracas, 1960; Premio Nacional de Artes Aplicadas XXVI Salón Oficial Anual de
Arte Venezolano, Museo de Bellas Artes, Caracas, 1966; Premio de Artes Aplicadas, XXV Salón Arturo
Michelena, Valencia, Edo. Carabobo, 1967; Diploma de Honor a la Calidad
Exposición Internacional de la Cerámica Contemporánea, Estambul, Turquía, 1968;
Mención Honorífica del jurado especial, Primer Encuentro Iberoamericano de
Críticos de Arte y Artistas Plásticos, VI Salón Nacional de las Artes del
Fuego, Valencia, Edo. Carabobo, 1978.
“Reina Herrera comprendió las reglas del
barro y del fuego para transformarse en alquimista, dejándose llevar por la
magia de la tierra, desarrollando por más de veinticinco años una obra que se
convierte en una referencia indispensable en el escenario de nuestras artes
visuales. Difícilmente pudieran cuantificarse esas horas, esos días de enseñar
haciendo, de crecer creyendo. Este ha sido su valor de vida y en el fondo, el
legado que nos ha dejado” (Alberto Asprino, 1991).
La muestra Reina Herrera: legado de vida,
se estará presentando hasta 11 de diciembre en el Museo Sefardí de Caracas
Morris E. Curiel, de la Asociación Israelita de Venezuela, ubicado en la
avenida principal de Maripérez con Paseo Colón, Caracas. El horario es los
domingos de 11:00 a.m. a 1:00 p.m., mientras que de lunes a viernes se debe
concertar cita previamente a través del teléfono 0212-5781489. La entrada es
gratis.
Antolín Sánchez Exposición Tarot Caracas
Museo Vial
De Baruta, Paseo Enrique Eraso, Las Mercedes, Caracas.
Puertas Abiertas. Fundación Alejandro Otero-Mercedes Pardo
San Antonio de los Altos, Estado Miranda.
Rafael Arteaga Exposición Eikon
Spazio
Zero, Caracas.
"No podemos
hablar de ausencias. Lo ausente -como el pasado- no tiene lugar en la obra de
Rafael Arteaga. Es preciso ubicarnos en un eterno presente, en un no-tiempo en
el que los trozos convulsos de nuestra memoria rediman su orfandad y vuelvan a
nosotros para siempre. En esta muestra, llamaremos a la nostalgia
‘cotidianidad’ y reviviremos lo pasado cómo imágenes que aún exhalan la calidez
de su captura. No hablaremos de vacío, no invocaremos al olvido, no existirá la
muerte.
¿Podríamos
hablar de realidad? Es posible, siempre y cuando esta sea presa de lo onírico.
Eikōn, de Rafael Arteaga recrea un instante latente en algún resquicio; un
segundo libre que, a su vez, está marcado por la eterna representación de una
antítesis: la presencia de lo ausente. Así, lugares, momentos y personas son un
mismo cúmulo de luces y sombras; un conglomerado de trazos que se apoderan de
nuestra nostalgia para lograr su forma definitiva. No importa el pasado ni el
futuro. Ambos conviven en el presente para alcanzar la plena identificación y
así sobrevivir al olvido y a la incertidumbre por el arte y solo por el arte de
un hombre obsesionado con registrar los estragos de ese animal impredecible que
nos habita: la memoria.
Con esta
muestra, Rafael Arteaga nos ofrece los dones para que seamos huéspedes de su
universo; un universo que, más tarde, reconoceremos como el nuestro. Entramos,
entonces, a un juego de espejos que no permite individuos. Todos seremos uno
solo contemplándonos en el silencio de aquel que ha dado con lo perdido. Es por
ello que recordar es indispensable para enfrentarse a esta muestra. Recordar es
una de las tretas que le jugaremos al tiempo para recuperar aquellas imágenes
que nos ha quitado arbitrariamente". Texto
Curatorial
Carlos Germán Rojas Exposición Trato Y Retrato, El Libro
Hacienda La
Trinidad, Caracas.
Carla Arocha - Stéphane Schraenen Exposición Flujo Disperso / Blurry Flux
Espacio
Mercantil, Caracas.
Juan Marroquín, Carlos Trujillo, Ricardo Arispe Exposición Viajando Sin El Necio. Tributo A Luis Brito
Maczul-Hotel
Kristoff, Maracaibo, Venezuela.
Colectiva Paralela, Contralapared.
Espacio
Monitor, Caracas.
Irama Gómez Exposición Memorias Compartidas. Fotomaracaibo
Alianza
Francesa de Maracaibo-Galería.
Pioneras. 4 Artistas Venezolanas Del Siglo XX
Galería CAF,
Caracas.
El 23 de noviembre de 1986 inaugura la exposición Gio Ponti (1891-1979) Obra en Caracas, con la coordinación de Axel Stein, Francisco Canestri y Rafael Pereira
 |
Gio Ponti
(1891-1979) Obra en Caracas
|
En la Sala Mendoza, conjuntamente con la Fundación Anala y Armando Planchart y la colaboración del Instituto Venezolano Italiano de la Cultura.
Gio Ponti nació en Milán el 18 de noviembre de 1891. Arquitecto de profesión, fue un apasionado de la pintura incursionando, además, en otros campos como el diseño industrial, diseño de mobiliario, accesorios domésticos, cerámica, vidrio, lámparas, textiles etc. Entre los años 50 y 60 concibió el proyecto "Grandes Casas". La Villa Planchart (El Cerrito) ubicada en Caracas, Venezuela fue una de las edificaciones de mayor importancia del proyecto. El diseño italiano de sus espacios interiores armonizan, en perfecta conjunción, con los objetos decorativos, las maderas, los mármoles y las obras de arte seleccionadas para ornamentar la Villa. En consonancia con el mobiliario, el conjunto logra una extraordinaria estructura arquitectónica.La exhibición de la Sala Mendoza recreó a través de una selección de muebles, pinturas y esculturas el interior de Villa Planchart. Así mismo, una selección de imágenes fotográficas mostraban la fachada y el interior no solo de ésta edificación, sino de otras dos quintas llamadas Villa Diamantina (nombre tomado de las cerámicas en forma de diamante de sus muros exteriores) y Villa Matos Guzman Blanco. Durante 49 días se ofreció al público capitalino una muestra que recreaba estas joyas de la arquitectura moderna.
Algunas imágenes del archivo histórico que documentan la muestra.
 |
|
Gio Ponti
(1891-1979) Obra en Caracas
|
 |
|
Gio Ponti
(1891-1979) Obra en Caracas
|
 |
|
Gio Ponti
(1891-1979) Obra en Caracas
|
Exposición Objetual
Domingo 16 de octubre a las 11 am
en la Sala William Werner del Centro de Artes Integradas
Exponen en esta ocasión: Mari Carmen Carrillo, Claudia Garcés,
Costanza De Rogatis, Katherine Di Turi, Ricardo Përez Quintero, Juan
Toro Diez, Miguel Triviño y Julián Waldman.
En esta exposición interdisciplinaria
y heterogénea participan fotógrafos, pintores y escultores que presentan
objetos, ya sea a través de su imagen o mediante su presencia física utilitaria
y real o transfigurada plásticamente.
Los
objetos siguen siendo un buen pretexto en el arte. En muchos casos porque
encarnan la belleza como resultado de una creación humana y porque también son
testimonio de una época, de una cultura y de una historia. Los objetos, en tal
sentido, hablan.
La
Asociación Venezolana de Conciertos (AVC), a través del Centro de Artes
Integradas (CAI), comprometida en desarrollar las artes y la educación en
Venezuela, inaugura el domingo 16 de octubre en su Sala William Werner, la
exposición OBJETUAL, muestra que
reúne la obra de ocho artistas venezolanos que re–trabajan el objeto y lo
vuelven tema de sus investigaciones plásticas: Mari Carmen Carrillo,
Costanza De Rogatis, Katherine Di
Turi, Claudia Garcés, Ricardo Pérez Quintero, Juan Toro Diez, Miguel Triviño y
Julián Waldman.
Bajo
la curaduría de Susana Benko, investigadora de arte, crítico, curadora y miembro
de la Asociación Internacional de Críticos de Arte-Capítulo Venezuela, Objetual consiste en la presentación
particular de algunos objetos que tienen una determinada significación. Unos
funcionan como expresión de una intimidad, y otros testimonian algún
acontecimiento que signa un tiempo y una historia.
“El
campo de posibilidades que este tema suscita es ilimitado. De allí que el
concepto que rige en esta muestra es igualmente amplio: se trata de una
exposición interdisciplinaria y heterogénea en la que participan fotógrafos,
pintores y escultores con el fin de presentar sus objetos, sea a través de su
imagen o mediante su presencia física utilitaria y real o aquella transfigurada
plásticamente”, explica la curadora.
En Objetual, todos los artistas de alguna
manera modifican la apariencia de los objetos, transformándolos,
fragmentándolos, acumulándolos o descontextualizándolos, de forma que pierden
su referencia comunicacional o utilitaria, al crear una nueva sintaxis y un
nuevo e inusitado objeto estéticamente relevante. Dos ejes fundamentales destacan
en esta exposición. El primero es de orden formal, el segundo refiere al poder
comunicante de las imágenes y, por ende, de los objetos.
Los artistas y sus objetos
ASfalto de sueños fotografía Jennina Guzmán
Julián Waldman,
recorta y pega para elaborar objetos con significaciones inusitadas en sus
collages y piezas tridimensionales. Une objetos diversos y compone uno nuevo de
naturaleza híbrida. El resultado oscila entre lo jocoso, lo crudamente realista
y, en muchos casos, en lo poético cuando crea nuevos objetos de ensoñación. Todo logrado con imágenes y objetos cotidianos. Los
títulos de Waldman reformulan igualmente la lógica lingüística de las palabras.
Su alteración sintáctica genera interesantes significados, cónsonos con la
naturaleza híbrida de los objetos a los que hacen referencia. Rasca Suelo, ASfalto de sueños (que alude a la falta de sueños); Flor de rapiña, El secreto del tiempo… son elocuentes.
Miguel Triviño Cafeteras, Fotografía Gladys Calzadilla
Miguel Triviño, trabaja la pintura y la escultura
basándose recurrentemente en un solo tema: las cafeteras. No sólo se inspira en
las transformaciones que realizó Alejandro Otero sino que recrea todo un mundo
alusivo al hábito del café. En lugar de intervenir cafeteras reales de
fabricación industrial para sus esculturas, concibe nuevas mediante la adición
—y la costura— de láminas y alambres de diversos metales. Cada cafetera es
única en forma y color, varían según el estado anímico con las que fueron
hechas, las humaniza. Con ellas, Triviño sugiere personajes aludiendo a
situaciones específicas que de alguna forma lo golpean como la violencia en la
calle y la escasez de alimento en Venezuela, expresado mediante la quema y soldadura
de los metales, o al pintar, rasgar y quemar algunas telas. El uso de textiles
diversos sobre sus lienzos enriquece la imagen particularizando así sus
procedimientos pictóricos.
Ricardo Pérez Quintero, recopila, acumula y adiciona
objetos diversos encontrados y los compone en cajas. Según su naturaleza, éstos
determinan sus diversos ejes temáticos: el tiempo, el espacio o la imagen
urbana. En Objetual, presenta la
serie El arte de los sonidos. Ensamblajes,
instrumentos musicales y algunas partituras que funcionan como objetos
identificadores en medio de franjas o listones de madera que demarcan a su vez
el ritmo de la composición musical. En estos contenedores–ensamblajes,
definidos por marcos viejos, se adivinan pentagramas, la notación alfabética
universal, formas musicales: conciertos clásicos y de jazz e instrumentos. Son
una memorabilia y una historia de la
cultura. Pérez Quintero, además de artista y arquitecto, es amante de la música
y en sus ensamblajes, es un ‘constructor de espacios’.
Juan Toro Diez tiene varios años trabajando el tema
de la violencia en el país. Investiga, registra y colecciona objetos que son
testimonio de las diversas modalidades de violencia a la que estamos sometidos:
violencia física, política, económica, social, psicológica y sin duda,
emocional. Con la serie Costureras
destrozadas… Fin, fotografió diversas sillas en la que se sentaban las
costureras de una fábrica textil que cerró. Estas trabajadoras, luego de muchos
años de labor, se vieron forzadas a abandonar el lugar y quedaron desempleadas.
De allí el letrero testimonial del último día de labor: “Costureras destrozadas…
Fin”. Cada silla tiene la huella de la persona que durante años la utilizó. Es personalizada
y el retrato silente de su humanidad. Así, Toro documentó el vaciamiento
contundente del sistema productivo nacional que expresa la violencia existente
de esta aplastante realidad.
Claudia Garcés
Con
la serie Cinematográfico, Claudia Garcés continúa explorando en
la vida de Barbie y Ken. Ya en 2008 su serie de fotografías titulada Doméstico mostraba aspectos del hogar de
esta conocida pareja: muebles, detalles del baño, objetos utilitarios tales
como los dispuestos en su cocina, lavandero, comedor, objetos decorativos,
entre otros accesorios que de Mattel. En 2009, muestra directamente a los
amantes en su serie Young Lovers,
donde Barbie y Ken, superan su condición objetual, por la forma como la
fotógrafa detalla y manipula sus cuerpos: las posiciones, los gestos y las
miradas expresan momentos de gran erotismo y pasión. Es otra forma de entender
su humanidad.
Mari Carmen Carrillo
Los
collages de Mari Carmen Carrillo,
comenzaron siendo ejercicios estéticos de su interés por el mundo femenino
infantil, coleccionando estampas antiguas, juegos de papeles, cabello, además
del papel amate que le sirve de soporte. Este papel –utilizado en códices mesoamericanos–
lo fue atesorando en el taller y un día, por una suerte de revelación, empezó a
jugar con él: recortar, tejer, bordar, pegar y peluquear. En sus collages, hay
un dejo nostálgico y a la vez una complacencia plástica por la textura y el
calor que desprenden sus materiales. Pero igualmente una violencia muy íntima
en torno a la femineidad. La ceguera (la mirada oculta por los mechones de
cabello o por las rosas) son para Carrillo, miedo, un invisibilizarse para no ver
o, también ocultar la mirada ante el horror, no ver el mal, para sobrevivir a
la existencia o mantener la pureza. Aunque al final, todo es un juego.
Katherine Di Turi trabaja la imagen de objetos
problematizando los procesos fotográficos para re-valorizar nuevamente a la
fotografía como medio y como lenguaje. Le interesa re-evaluar la fotografía
analógica vista en la era digital. Toma como punto de partida imágenes
pre-existentes de álbumes fotográficos, revistas y postales, y las re-trabaja e
interviene para recuperarlas del olvido. De allí que una de sus motivaciones es
el trabajo con la memoria. “Estamos presenciando (aunque sin darnos cuenta) la
constante muerte de las imágenes fotográficas”, dice. Su serie Das Glas recopila objetos de cristal de
diferentes épocas tomadas de fotografías impresas en diversos medios. Las
interviene con filtros transparentes, arena o papel carbón para contrastar y
enfatizar aspectos del objeto fotografiado. Al re-fotografiar estas imágenes,
busca “recuperarlas del olvido”, para insertarlas “en el ámbito de la
fotografía en su presentación final”.
Finalmente, Constanza De Rogatis propone con A Light Within (A Day’s Journey into Night)
un libro cuyas fotografías se despliegan como las postales de las “guías
turísticas”. Un viaje de un día hacia la noche a través de una luz interior. La
secuencia de las imágenes, al desplegarse, dan cuenta de las visiones de la
fotógrafa desde el inicio del día, su transcurrir en diversos ámbitos, hasta
llegar a la noche iluminada por una luna llena. Su planteamiento es temporal
–el transcurrir de un día– y a la vez es perceptual: su mirada recorre tanto el
mundo exterior –hermosos paisajes–, así como cuadros de costumbres que
ambientan su cotidianidad. En todos los escenarios, la luz matiza su percepción
del mundo exterior y, de alguna forma, proyecta el verdadero clima de su estado
interior. La imagen se sirve del objeto y éste actúa como guía de una crónica
existencial.
Los
artistas de Objetual mantienen una
relación particular con el objeto, con su imagen y con las significaciones que
ellos suscitan. El resultado es muy diverso, así como la perspectiva con la que
cada quien se relaciona con su entorno. Los lenguajes se individualizan y
reinventan nuevos códigos que ponen de manifiesto el poder significativo y
estético que muchos objetos poseen.
OBJETUAL. Lugar:
Sala William Werner, Centro de Artes Integradas (CAI). Entrada izquierda Univ.
Metropolitana. Terrazas del Ávila. Inauguración:
Domingo, 16 de octubre de 2016. Horario:
11:00 a.m. a 3:30 p.m.
El
Centro de Artes Integradas (CAI), es
una asociación civil sin fines de lucro constituida en 1979, que nació de la
inquietud de integrar todas las disciplinas artísticas: música, danza, teatro y
artes plásticas, en un centro educacional y cultural del más alto nivel que
permita al sector privado una intervención directa en el desarrollo de las artes.
Es un proyecto de educación integral, donde el alumno se acerca y conoce las
diferentes expresiones artísticas como un todo, sin seccionarlas. La idea final
comprende la convivencia de un Colegio, un Conservatorio de Música, Salas de
Teatro, Galerías, y las Escuelas de Artes Plásticas, Teatro, Danza, Fotografía,
Cine y de Dj’s. Además de la Libroteca Amapalabra, una Zona Rental y un Centro
de Investigación y Estudios. www.centrodeartesintegradas.org / Twitter
@CentroArtesInt / Instagram y Facebook: CentroArtesIntegradas
Los artistas y sus objetos
 |
| ASfalto de sueños fotografía Jennina Guzmán |
 |
| Miguel Triviño Cafeteras, Fotografía Gladys Calzadilla |
Miguel Triviño, trabaja la pintura y la escultura
basándose recurrentemente en un solo tema: las cafeteras. No sólo se inspira en
las transformaciones que realizó Alejandro Otero sino que recrea todo un mundo
alusivo al hábito del café. En lugar de intervenir cafeteras reales de
fabricación industrial para sus esculturas, concibe nuevas mediante la adición
—y la costura— de láminas y alambres de diversos metales. Cada cafetera es
única en forma y color, varían según el estado anímico con las que fueron
hechas, las humaniza. Con ellas, Triviño sugiere personajes aludiendo a
situaciones específicas que de alguna forma lo golpean como la violencia en la
calle y la escasez de alimento en Venezuela, expresado mediante la quema y soldadura
de los metales, o al pintar, rasgar y quemar algunas telas. El uso de textiles
diversos sobre sus lienzos enriquece la imagen particularizando así sus
procedimientos pictóricos.
Ricardo Pérez Quintero, recopila, acumula y adiciona
objetos diversos encontrados y los compone en cajas. Según su naturaleza, éstos
determinan sus diversos ejes temáticos: el tiempo, el espacio o la imagen
urbana. En Objetual, presenta la
serie El arte de los sonidos. Ensamblajes,
instrumentos musicales y algunas partituras que funcionan como objetos
identificadores en medio de franjas o listones de madera que demarcan a su vez
el ritmo de la composición musical. En estos contenedores–ensamblajes,
definidos por marcos viejos, se adivinan pentagramas, la notación alfabética
universal, formas musicales: conciertos clásicos y de jazz e instrumentos. Son
una memorabilia y una historia de la
cultura. Pérez Quintero, además de artista y arquitecto, es amante de la música
y en sus ensamblajes, es un ‘constructor de espacios’.
Juan Toro Diez tiene varios años trabajando el tema
de la violencia en el país. Investiga, registra y colecciona objetos que son
testimonio de las diversas modalidades de violencia a la que estamos sometidos:
violencia física, política, económica, social, psicológica y sin duda,
emocional. Con la serie Costureras
destrozadas… Fin, fotografió diversas sillas en la que se sentaban las
costureras de una fábrica textil que cerró. Estas trabajadoras, luego de muchos
años de labor, se vieron forzadas a abandonar el lugar y quedaron desempleadas.
De allí el letrero testimonial del último día de labor: “Costureras destrozadas…
Fin”. Cada silla tiene la huella de la persona que durante años la utilizó. Es personalizada
y el retrato silente de su humanidad. Así, Toro documentó el vaciamiento
contundente del sistema productivo nacional que expresa la violencia existente
de esta aplastante realidad.
 |
| Claudia Garcés |
Con
la serie Cinematográfico, Claudia Garcés continúa explorando en
la vida de Barbie y Ken. Ya en 2008 su serie de fotografías titulada Doméstico mostraba aspectos del hogar de
esta conocida pareja: muebles, detalles del baño, objetos utilitarios tales
como los dispuestos en su cocina, lavandero, comedor, objetos decorativos,
entre otros accesorios que de Mattel. En 2009, muestra directamente a los
amantes en su serie Young Lovers,
donde Barbie y Ken, superan su condición objetual, por la forma como la
fotógrafa detalla y manipula sus cuerpos: las posiciones, los gestos y las
miradas expresan momentos de gran erotismo y pasión. Es otra forma de entender
su humanidad.
 |
| Mari Carmen Carrillo |
Los
collages de Mari Carmen Carrillo,
comenzaron siendo ejercicios estéticos de su interés por el mundo femenino
infantil, coleccionando estampas antiguas, juegos de papeles, cabello, además
del papel amate que le sirve de soporte. Este papel –utilizado en códices mesoamericanos–
lo fue atesorando en el taller y un día, por una suerte de revelación, empezó a
jugar con él: recortar, tejer, bordar, pegar y peluquear. En sus collages, hay
un dejo nostálgico y a la vez una complacencia plástica por la textura y el
calor que desprenden sus materiales. Pero igualmente una violencia muy íntima
en torno a la femineidad. La ceguera (la mirada oculta por los mechones de
cabello o por las rosas) son para Carrillo, miedo, un invisibilizarse para no ver
o, también ocultar la mirada ante el horror, no ver el mal, para sobrevivir a
la existencia o mantener la pureza. Aunque al final, todo es un juego.
Katherine Di Turi trabaja la imagen de objetos
problematizando los procesos fotográficos para re-valorizar nuevamente a la
fotografía como medio y como lenguaje. Le interesa re-evaluar la fotografía
analógica vista en la era digital. Toma como punto de partida imágenes
pre-existentes de álbumes fotográficos, revistas y postales, y las re-trabaja e
interviene para recuperarlas del olvido. De allí que una de sus motivaciones es
el trabajo con la memoria. “Estamos presenciando (aunque sin darnos cuenta) la
constante muerte de las imágenes fotográficas”, dice. Su serie Das Glas recopila objetos de cristal de
diferentes épocas tomadas de fotografías impresas en diversos medios. Las
interviene con filtros transparentes, arena o papel carbón para contrastar y
enfatizar aspectos del objeto fotografiado. Al re-fotografiar estas imágenes,
busca “recuperarlas del olvido”, para insertarlas “en el ámbito de la
fotografía en su presentación final”.
Finalmente, Constanza De Rogatis propone con A Light Within (A Day’s Journey into Night)
un libro cuyas fotografías se despliegan como las postales de las “guías
turísticas”. Un viaje de un día hacia la noche a través de una luz interior. La
secuencia de las imágenes, al desplegarse, dan cuenta de las visiones de la
fotógrafa desde el inicio del día, su transcurrir en diversos ámbitos, hasta
llegar a la noche iluminada por una luna llena. Su planteamiento es temporal
–el transcurrir de un día– y a la vez es perceptual: su mirada recorre tanto el
mundo exterior –hermosos paisajes–, así como cuadros de costumbres que
ambientan su cotidianidad. En todos los escenarios, la luz matiza su percepción
del mundo exterior y, de alguna forma, proyecta el verdadero clima de su estado
interior. La imagen se sirve del objeto y éste actúa como guía de una crónica
existencial.
Los
artistas de Objetual mantienen una
relación particular con el objeto, con su imagen y con las significaciones que
ellos suscitan. El resultado es muy diverso, así como la perspectiva con la que
cada quien se relaciona con su entorno. Los lenguajes se individualizan y
reinventan nuevos códigos que ponen de manifiesto el poder significativo y
estético que muchos objetos poseen.
OBJETUAL. Lugar:
Sala William Werner, Centro de Artes Integradas (CAI). Entrada izquierda Univ.
Metropolitana. Terrazas del Ávila. Inauguración:
Domingo, 16 de octubre de 2016. Horario:
11:00 a.m. a 3:30 p.m.
El
Centro de Artes Integradas (CAI), es
una asociación civil sin fines de lucro constituida en 1979, que nació de la
inquietud de integrar todas las disciplinas artísticas: música, danza, teatro y
artes plásticas, en un centro educacional y cultural del más alto nivel que
permita al sector privado una intervención directa en el desarrollo de las artes.
Es un proyecto de educación integral, donde el alumno se acerca y conoce las
diferentes expresiones artísticas como un todo, sin seccionarlas. La idea final
comprende la convivencia de un Colegio, un Conservatorio de Música, Salas de
Teatro, Galerías, y las Escuelas de Artes Plásticas, Teatro, Danza, Fotografía,
Cine y de Dj’s. Además de la Libroteca Amapalabra, una Zona Rental y un Centro
de Investigación y Estudios. www.centrodeartesintegradas.org / Twitter
@CentroArtesInt / Instagram y Facebook: CentroArtesIntegradas
Nueva muestra inaugura el sábado 15 de octubre en Galería TRESy3
Trato y Retrato, fotógrafos
Carlos Germán Rojas exhibe una selección de la serie
dedicada a sus pares. La exposición es parte del cronograma que celebra sus 40
años de trayectoria profesional
Alí Araujo posó en 1979 en la fototeca ante el lente de su colega, Carlos Germán Rojas. Desde entonces, la colección se ha hecho enorme. Cada uno con su propio estilo, algunos en su entorno y otros solitarios ante la cámara, los rostros de reconocidos fotógrafos quedaron inmortalizados en la serie titulada Trato y retrato.
Galería TRESy3 se une a la celebración de los 40 años
de trabajo fotográfico de Carlos Germán Rojas. El próximo sábado 15 de octubre
inaugura la exposición Trato y retrato, fotógrafos en el que reúne 48 imágenes
de quienes comparten con él la profesión. Desde Araujo hasta Leo Álvarez, en
2015, “ellos son los protagonistas y genuinos actores de la evolución estética
de la fotografía contemporánea venezolana”.
Carlos Germán Rojas define el retrato como una
relación. Detrás de las imágenes hay una amistad que se forma antes de
conseguir la foto; un “trato” necesario del que nace la intimidad y que logra
un sentido de espontaneidad. Para el fotógrafo, el entorno en el que se
relacionan juega también un papel fundamental en crear la atmósfera del
retrato.
“El reto con los fotógrafos –cuenta Rojas sobre la
serie– fue precisamente el de trabajar con quienes ya conocen de fotografía. La
amistad fue clave para generar un ambiente sencillo y crear la imagen”.
Según el editor Douglas Monroy, Trato y Retrato es “el
más amplio y exhaustivo registro fotográfico de artistas venezolanos. Maestros
pintores, escultores, fotógrafos, ceramistas y artistas inmersos en las
corrientes del performance e instalaciones han sido parte relevante de esta
enorme cartografía artística”. El libro, que contiene estas y otras 105
fotografías, se presentará en noviembre como parte de un cronograma de seis
meses que celebran los 40 años de trayectoria profesional del fotógrafo y que
recorre diferentes salas de la ciudad.
Carlos Germán Rojas
Nació en Caracas en 1953. Realizó cursos en el
Instituto de Diseño Neumann. Se ha desempeñado como fotógrafo independiente,
realizando trabajos para diversas empresas e instituciones, y trabajó como
fotógrafo institucional en la Galería de Arte Nacional por más de 10 años. Ha
participado en varias bienales y numerosas exposiciones nacionales e
internacionales. Publicó en 2004 “Imágenes de la Ceibita”, trabajo realizado desde
1976-1983. Recibió en 1981 el Segundo Premio de Fotografía CONAC; en 1988, el
premio Luis Felipe Toro, y en 2012, fue nombrado “Ciudadano de Santiago de León
de Caracas” por el Cabildo Metropolitano de Caracas.
Galería TRESy3 es un centro cultural joven ubicado en
Caracas, Venezuela. Es una galería contemporánea que se especializa en la
exhibición de fotografía complementándola con charlas y discusiones sobre los
trabajos y libros de fotógrafos alrededor del mundo. En febrero 2015, con sólo
2 años de haber abierto sus puertas, la Galería TRESy3 ya ha hospedado más de
12 muestras, entre individuales y colectivas, reuniendo a más de 40 fotógrafos
en este corto período de tiempo, haciéndolo un espacio bien conocido por su
dedicación y promoción del siempre-creciente movimiento fotográfico en
Venezuela.
TRESy3
www.tresy3.com
(0212) 993 -0330/
0347/ 0127
Twitter:
@culturatresy3
Instagram: @culturatresy3
Facebook: Cultura TRESy3
Calle California, Residencias Sonora, PB-1. Las
Mercedes, Caracas.
Domingo 9 de Octubre de 11 a 4 pm
Poderes visibles e invisibles
Curado por Kelly Gordon
Hacienda La Trinidad Casa Vieja
En la Sala Mendoza
POLifonía gráfica. Medio siglo de carteles en Santiago Pol en Sala Principal y Alfarería Popular de El Cercado. Isla de Margarita.
POLifonía gráfica
es una exhibición inconfundible, colorida e irreverente. Se trata de
una retrospectiva del diseñador venezolano Santiago Pol donde se
muestra, a través de una selección de sus carteles, 50 años de trabajo
constante. Con un equipo curatorial plural y la museografía de Gaëlle
Smits, se busca transmitir al público el ambiente urbano propio del
cartel, permitiendo una experiencia onírica, sensorial y lúdica.
Por su parte, Alfarería popular de El Cercado es
una muestra que reúne el trabajo de uno de los centro artesanales más
importantes del país como lo es la isla de Margarita. Las piezas de este
importante centro alfarero muestran el trabajo de una comunidad que
mantiene viva una tradición legendaria.
Celebremos
pues 50 años de un venezolano inagotable, la tradición de nuestros
artesanos, junto a los 60 años de apoyo constante al arte venezolano por
parte de la Fundación Sala Mendoza.
20 de Octubre 2016
Galería Magnolias Fine Arts Conde de Aranda 18 Madrid 28001
Interludio: OBRA RECIENTE
GBG Arts
Vicente Antonorsi · Ricardo Benaim · Miguel Braceli · Jorge Cabieses · Paulo Castro · Jonidel Mendoza · Luis Millé · Julio Pacheco Rivas
Bruno Garcia y Eduardo Azuaje
Arqueología de lo Arcano
Galería Magnolias Fine Arts Conde de Aranda 18 Madrid 28001
Interludio: OBRA RECIENTE
GBG Arts
Vicente Antonorsi · Ricardo Benaim · Miguel Braceli · Jorge Cabieses · Paulo Castro · Jonidel Mendoza · Luis Millé · Julio Pacheco Rivas
 |
| Cortesia GBGArts |
Exposición TIEMPO DETENIDO
del artista venezolano Marcos Salazar Ruiz
Artkao La Ventana - Galería 0212 3277674
Instagram: @laventanaartkao Facebook: La Ventana Artkao
Centro de Arte Los Galpones, Galpón 10, Caracas - Venezuela
No hay comentarios:
Publicar un comentario