LO IMPERCEPTIBLE
DE CARLOS MEDINA
ARTE ASCASO
Carlos Medina en la Galería de Arte Ascaso de las Mercedes
Texto y Fotografías cortesía de Arte Ascaso
En la plenitud de su carrera artística, el reconocido
escultor Carlos Medina interviene los espacios expositivos de la Galería de
Arte Ascaso con una contemporánea propuesta titulada Imperceptible. Y es que
hasta allí ha evolucionado su obra…El artista se libera del peso de la materia
que tanto trabajó, moldeó y transformó, hasta llegar a las ligeras y simétricas
estructuras que ahora flotan, vuelan y se dispersan en el aire, en escrupuloso
orden geométrico.
Luego de su memorable Esencial, Medina nos presenta
novedosos planteamientos, mostrando en distintas escalas y materiales, las
transparencias y flotabilidad de sus elementos e interpretaciones geométricas.
Las composiciones que plantea Medina para esta nueva
exposición son sencillas y a la vez, imponentes. Grandes y pulidas armaduras
simulan enormes trazos en medio de las sala… Ondas se simulan nubes, picos que
semejan cerros; piezas logran definirse al fijar la mirada en imperceptibles
hilos de nylon o metal, en varillas ancladas en la pared, obras a través de las
cuales plantea poéticamente la esencia de la materia.
Entretanto, pequeñas esferas o neutrinos suspendidos en
pequeños soportes invitan al espectador a acercarse a la obra, para encontrar
en muchas de ellas, un verdadero “microcosmos”.
El acucioso escultor ha encontrado en las superficies planas
y puras, la manera perfecta de proyectar formas, apoyado en la sombra que
dibuja a partir de un fino hilo de metal…Es así como Medina “simplifica y llega
a la esencia de la forma, de la materia, de la luz, el reflejo y la sombra.”
Para esta ocasión, el destacado investigador, curador y
crítico de arte colombiano Álvaro Medina revela en el texto del catálogo,
contundentes relaciones conceptuales en la estética de su tocayo, concluyendo
en que “Si las matemáticas nos han revelado aspectos de la materia que jamás
podremos ver, Carlos Medina es el poeta visual que expresa algunos fenómenos de
la física cuántica que obsesionan a los investigadores de hoy. Trátese de una
montaña (el Ávila de Manuel Cabré, toda una tradición), de nubes o de lluvia,
Medina ve acumulaciones de partículas o sea que los átomos se han vuelto, para
él, lo que las manzanas eran para Cézanne: un pretexto para organizar
estructuras cuya significación va más allá de la simple apariencia retinal.
” En colaboración con el arquitecto y museógrafo Mauricio
Alfonzo, Carlos Medina logra distribuir más de treinta abstracciones en sala,
ubicándolas armónicamente, recreando así el mundo que le rodea.
Las puertas de lo Imperceptible estarán abiertas al público
a partir del domingo 29 de mayo a las once de la mañana en la Galería de Arte
Ascaso, ubicada en la avenida Orinoco, entre calles Mucuchíes y Monterrey, Las
Mercedes. El horario de visita es de lunes a viernes, de 9 a 1pm y de 2 a 6pm.
Sábados y domingos de 11am a 3 pm. Los invitamos a disfrutar de esta nueva
experiencia!
Premios AVAP 2016
DEL PSIQUIATRICO AL PANTEÓN
Homenaje a Reverón
Trabajo final del taller de performance: AUTOFORMATO / SÁBADO 18 DE JUNIO / 11:00 am / MUSEO ALEJANDRO OTERO / ENTRADA LIBRE
Artistas participantes:
Adrían García
Dianora Pérez
Jesús Briceño
José Esculpi
Patricia Gómez
Ronald Manrrique
Macjob Parabavis
“De la mano de Vigas”
A partir del sábado 18 de junio se presentará una exposición
inédita del maestro Oswaldo Vigas en los gratos espacios de la Galería de Arte
Utopía19, ubicada en el pueblo de El Hatillo.
La muestra reúne obras plasmadas en materiales no
convencionales
Caracas, junio de 2016.
“De la mano de Vigas” es una muestra
compuesta por 35 obras del artista plástico Oswaldo Vigas realizadas sobre
soportes no convencionales, que nos acercan al instante creador del maestro y a
su necesidad imperante de expresarse, de crear.
Vigas no tenía límites al momento de plasmar su arte,
generaba imágenes de manera espontánea, utilizando cualquier recurso que
tuviera a su alcance. En esta oportunidad el espectador podrá apreciar obras
realizadas a lo largo de su vida utilizando como lienzos servilletas,
periódicos, portavasos y hasta tickets de metro.
Sobre este inusual uso de materiales tan diversos por parte
del maestro, la investigadora y crítico de arte venezolana Susana Benko asegura
que “todo material o soporte al ser intervenido artísticamente se vuelve
trascendente al igual que la imagen La necesidad imperante por crear se ve
plasmada en las piezas que conforman esta exposición.
“De la mano de Vigas”
recoge obras muy personales que muestran el inagotable imaginario del artista,
sin límites de expresión, característicos en su trazo Bélgica Rodríguez,
curadora de la itinerante del maestro que recorre el continente, dijo en 2012:
“Vigas dibuja con óleo, carboncillo, gouache, tinta, lápiz, o marcador, creyones,
grafito, sobre papel reciclado, periódico, tela, cartulina, servilletas de
papel, metal, papel vegetal, tickets de metro, portavasos de cartón, en blanco
y negro o con color, hasta el punto de que en algunos casos se dificulta
dilucidar hasta donde es dibujística y hasta donde es pictórica.” Benko
enfatiza en su capacidad creativa indetenible al afirmar: “La necesidad de Oswaldo
Vigas de crear no tenía término. Bajo cualquier circunstancia, incluso la más adversa,
lo hacía. Los motivos podían ser muchos y diversos. Por una parte, tal vez por una
necesidad imperativa de no dejar vacíos en el tiempo y capturar imágenes potencialmente
significativas mediante el dibujo. Era una manera de lograr que las ideas de
alguna forma se perpetuasen. (…)Todos los dibujos que realizaba con estos soportes
no convencionales, y, en cierto modo improvisados, evidencian la importancia que
para él tenía el instante”. Vigas es uno de los artistas plásticos venezolanos
más reconocidos en el país y en el exterior.
Considerado pionero del arte latinoamericano, se nutre del
arte prehispánico al igual que Obregón, Szyszlo, Matta, Tamayo, Lam y
Guayasamín. Su obra, realizada entre Francia y Venezuela, es una síntesis
original entre las raíces culturales del continente latinoamericano y las
corrientes plásticas más actuales de la modernidad. Su trabajo logra abarcar la
pintura, la escultura, el grabado, la cerámica y la tapicería. Realizó más de
cien exposiciones individuales y está representado en numerosas instituciones y
colecciones públicas y privadas de todo el mundo.
La exposición “De la mano de Vigas” se presentará del 18 de
junio al 18 de septiembre en la Galería de Arte Utopía 19 ubicada en la calle
La Paz con calle Escalona, justo en la plaza Bolívar del Pueblo de El Hatillo.
Los horarios son de miércoles a domingos de 12:00 m a 8:00
pm.
Breve biografía de Oswaldo Vigas
Oswaldo Vigas nace el 4 de agosto de 1923 en Valencia,
estado Carabobo, Venezuela, y desde muy joven muestra interés por el arte. En
1942 obtiene su primer reconocimiento con el Premio a la Mejor Ilustración en
el Primer Salón de Poemas Ilustrados, Ateneo de Valencia, y un año después gana
la Medalla de Honor en el Primer Salón Arturo Michelena, uno de los espacios
más importantes de la confrontación artística en el país. En 1945 ingresa en la
Facultad de Medicina, Universidad de los Andes, Mérida, estudios que culmina en
la Universidad Central de Venezuela, Caracas, en 1951, pero que ejercerá por
muy poco tiempo. Para 1949 se incorpora al grupo de artistas e intelectuales
que conforman el Taller Libre de Arte de Caracas donde funda, junto con el
pintor Alirio Oramas, la revista Taller. En compañía de algunos colegas artistas
y amigos del Taller Libre de Arte, visita al pintor Armando Reverón.
1952 es
uno de los años decisivos en su vida. En esta fecha recibe el Premio Nacional de
las Artes Plásticas y el Premio John Boulton en el XIII Salón Oficial Anual de
Arte Venezolano organizado por el Museo de Bellas Artes de Caracas y obtiene el
Premio Arturo Michelena en el X Salón Ateneo de Valencia. Vigas cobra
notoriedad después de la exposición Oswaldo Vigas: Retrospectiva 1946-1952
llevada a cabo en el Museo Bellas Artes, muy comentada y discutida en los
medios locales debido a la controversia que produce su serie Las brujas. Esta
encendida discusión acerca de su trabajo lo convierte en el artista plástico
más polémico de ese momento en Venezuela. A finales de ese año se instala en
París e ingresa en L’Ecole des Beaux Arts, donde asiste a los talleres de
grabado y litografía de Marcel Jaudon y de Stanley William Hayter, además de
realizar cursos libres en La Sorbona. Estando en Francia es invitado a
participar con cinco murales en el Proyecto de Integración de las Artes que
concibe el arquitecto Carlos Raúl Villanueva con motivo de la construcción de
la Ciudad Universitaria de Caracas, declarada Patrimonio Cultural de la
Humanidad (2000) por la UNESCO. Esto marca un momento muy importante en el arte
a nivel nacional, pues en este proyecto intervienen artistas venezolanos e internacionales
del renombre de Fernand Léger, Victor Vassarely, Jean Arp, Antoine Pevsner, Baltasar
Lobo y Alexander Calder, entre otros.
Desde 1953 a 1957 concurre a numerosas
colectivas a nivel internacional. En 1953 asiste a la II Bienal de São Paulo,
Brasil, y en Francia al IX Salon de Mai, Musée d'Art Moderne de la
Ville de Paris, Salon Réalités Nouvelles y Donner à voir. , entre los artistas
invitados figuraron: Jean Arp, Chagall, Dayez, Delvaux, Giacometti, Gilioli,
Lam, Laurens, Magritte, Manessier, Mathieu, Matisse, Matta, Max Ernst,
Riopelle, Schneider, Se sigue presentando en el Salón los años siguientes hasta
1957 donde participa del homenaje a Brancusi en el “XIII Salón de Mai”, junto a
Bryen, Leonor Fini, Herbin, Rebeyrolle, Tapies, etc. En 1961 vuelve al “XVII
Salón de Mai” esta vez junto a Francis Bacon, Enrico Baj, Capogrossi,
Charchoune, Marta Colvin, Agustín Fernández, Sam Francis, Hundertwasser,
Ipousteguy, John Levée, André Masson, John Mitchell, Louise Nevelson, Irving
Petlin, Pettoruti, Antonio Saura, Tajiri, Tamayo, Mark Tobey, Zañartu, En
agosto de 1955 Oswaldo Vigas tiene la oportunidad de conocer a Pablo Picasso en
su casa "La Californie" en Cannes, presentado por su amigo el
pianista venezolano Humberto Castillo Suárez, muy cercano al Maestro. Junto con
un grupo de críticos franceses, en particular Jean-Clarence Lambert, Raoul- Jean
Moulin y José Augusto França, y un comité organizador integrado por Agustín Cárdenas,
Wifredo Lam y Roberto Matta organiza la primera exposición del Arte Latinoamericano
en París en 1962. En esa ciudad bullente de principios de los años 60,
epicentro de la movida plástica mundial, convergían en los cafés diferentes
artistas latinoamericanos. Se gestaban tertulias en el barrio latino en las que
Oswaldo Vigas estrechó relaciones con Wifredo Lam, Roberto Matta, Antonio
Berni, Agustín Cárdenas, Fernando de Szyszlo y muchos otros artistas
latinoamericanos. Vigas en Latinoamérica En 1964 Vigas regresa a Venezuela con
Janine, su esposa, y fija su residencia en la ciudad de Mérida. Al año
siguiente es nombrado Director de Cultura de la Universidad de Los Andes y
donde continúa produciendo su obra pictórica. En 1956 acude a la Bienal
Internacional de Pintura y Grabado Palacio de Bellas Artes, México DF.
En 1966 participa
de la exposición internacional Grabadores latinoamericanos, Montevideo, Uruguay.
En 1970 regresa con su familia a Caracas y promueve la creación del grupo de artistas
Presencia 70. En 1971 es nombrado Director de la División de Artes del Instituto
Nacional de Cultura y Bellas Artes (INCIBA), cargo al que renunciará un año
después por desacuerdo con el Presidente del Organismo. En 1975 participa en
Veinte pintores latinoamericanos, Galería Siglo XX, Quito, Ecuador, donde
comparte entre otros con Fernando de Szyszlo, y en Panorama de la pintura
venezolana, 113 obras de los siglos XIX y XX, Casa de Las Américas, La Habana,
Cuba. En 1977 muestra Oswaldo Vigas, imagen de una identidad expresiva, Museo
de Arte Italiano de Lima, Perú. En 1978 Vigas y Szyszlo exponen de nuevo con
motivo del aniversario de la Galería Forum en Lima.
En 1980 acude a la II
Bienal Iberoamericana de Arte, Dibujo y Grabado, Instituto Cultural Pedro
Domecq, México. Ese mismo año es invitado por el Taller de Artistas Gráficos
Asociados (TAGA) a participar en una colectiva itinerante por Argentina,
Brasil, Colombia, Costa Rica, Ecuador, México, Nicaragua y Perú. En 1986 es
convidado por el Presidente Belisario Betancur, quien reúne a los principales artistas
latinoamericanos para la apertura del Museo de Santa Marta. Allí se reencuentra
con sus colegas Fernando de Szyszlo, Alejandro Obregón y Oswaldo Viteri. Ese
mismo año participa en Pintores contemporáneos, Galería Acquavella, Caracas, y
en el Certamen Internacional de Artes Plásticas, Ancón, Perú. En 1992 es
invitado al XXVI Premio Internacional de Arte Contemporáneo de Monte Carlo,
donde por unanimidad le otorgan el Gran Premio Prince Rainier, que recibe de
manos de la princesa Carolina de Mónaco. Repite esta visita en 1995. En 2012
Oswaldo Vigas es elegido como representante de su país natal para el Bicentenario
de la Constitución del Tribunal Supremo del Reino de España, al que fueron
invitados artistas representantes de todos los países iberoamericanos. Oswaldo
Vigas participa en subastas de Grandes Maestros del Arte Latinoamericano celebradas
en las famosas casas SOTHEBY´S y CHRISTIE´S de Nueva York, donde se ve un
notable incremento en el valor de las obras vendidas. Una demostración más de la
fuerte penetración en los mercados internacionales del maestro Vigas. Vigas
siguió ejerciendo su actividad plástica sin cesar hasta el día de su muerte, acaecida
el 22 de abril de 2014. En la actualidad, la Fundación Oswaldo Vigas, creada en
vida del maestro, trabaja en la edición de una publicación antológica que
recoge gran parte de su prolífica producción.
Pido, Prometo y
Pago
Muestra
Individual
Fotografía
Documental de Jorge Luis Santos
Jorge Luis Santos presenta en el MACZUL “Pido, Prometo y Pago”
“Pido, prometo y pago”, es el nombre de la exposición que estará siendo
inaugurada el sábado 2 de julio en las instalaciones del Museo de Arte
Contemporáneo del Zulia a las 5 de la tarde en la sala alterna.
La curaduría estará a cargo de Ricardo Jiménez, mientras que el responsable de la museografía será Alberto Asprino.
Es el lente de Jorge Luis Santos el encargado de contar la historia de
algunas prácticas religiosas poco difundidas fotográficamente en
Venezuela y donde se realizan formas no convencionales de penitencia en
la Semana Mayor o Santa del calendario de celebraciones Católicas. De
manos atadas, con lágrimas en los ojos y rosarios en el pecho las
personas que Santos retrata tienen una promesa que pagar y un milagro
por pedir.
El texto de la exposición fue realizado por el
fotógrafo argentino Eduardo Segura, quien añade: "Pido, prometo y pago",
es un disparo atómico y doloroso al plexo solar, oscuramente trabajado,
oscuramente iluminado, oscuramente sentido, añade el fotógrafo
argentino.
Santos lleva aproximadamente 8 años desarrollando esta
línea de investigación fotográfica, tal investigación fue realizada en
cuatro localidades: Villa de Cura – Estado Aragua, Tinaquillo – Estado
Cojedes, Chacao – Estado Miranda y el Distrito Capital de Caracas, dando
como resultado algo más de 4.000 fotografías, de las cuales se estarán
exponiendo 30.
Jorge Luis Santos se inició en la fotografía en
1986. Su trabajo personal se centra en tres (3) pilares fundamentales:
la espiritualidad, la naturaleza y la sexualidad. Comenzó su formación
formal en 2006 a manos de maestros fotógrafos e instituciones en
Caracas. Ha participado en 88 exposiciones colectivas, 56 en Venezuela y
32 internacionales en Argentina, Australia, Chile, Colombia, Cuba,
Brasil, Bulgaria, Ecuador, Francia, India, España y Uruguay.
Sus
fotos han recibido premios en Venezuela, Brasil, Cuba, Ecuador y
Argentina y han sido representadas en instituciones nacionales y
extranjeras. Es autor de los libros titulados "Palmero es Fe y Cerro" y
"Pedregal, Los Mismos de ayer", ambos están catalogados en la biblioteca
del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y biblioteca del MoMa de
Nueva York, entre otras importantes instituciones.
La invitación
es para el sábado 2 de julio de 2016 a las 5 de la tarde para disfrutar
de la exposición “Pido, Prometo y Pago” en la Sala Alterna de #NuestroMuseo.
La entrada es gratuita, contamos con amplio estacionamiento, vigilancia
y somos área segura AMI (Atención Médica Inmediata para todos nuestros
visitantes).
Si deseas estar siempre al tanto de nuestras
actividades síguenos en twitter e Instagram @elmaczul, visita nuestro
Facebook: MACZUL Museo o escríbenos a nuestro correo
contacto@maczul.org.ve
Galería Tresy3 de Las Mercedes.
Texto Gladys Calzadilla
Charla sobre el Proceso de Creación de Pido, Prometo y Pago
Fotografía Gladys Calzadilla
Charla sobre el Proceso de Creación de Pido, Prometo y Pago
Fotografía Gladys Calzadilla
"no se puede fotografiar
lo que uno no es". Jorge Luis Santos
Jorge Luis Santos
exhibe documentos gráficos de las tradiciones vinculadas con penitencias que se
imponen los protagonistas de las imágenes para expiar culpas, solicitar perdón
o agradecer milagros.
Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos
Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos
Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos
El dolor, la
penitencia, la devoción, la fe, la alegría, gestos dibujados con luz en blanco y negro entre
2009 y 2016 con ojo de experto. Un trabajo de investigación revelado en 4.000
fotografías captadas en localidades como: Villa de Cura, estado Aragua;
Tinaquillo, estado Cojedes; Chacao, estado Miranda y Caracas, Distrito Capital.
Permite hacer la propuesta, no sólo para esta exposición, sino a futuro la
publicación de un tercer libro cuyo nombre coincide con la muestra Pido,
Prometo y Pago.
Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos
Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos
Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos
Dedica la muestra
a Luis Brito, cuenta que la idea de la serie surgió luego de ver el trabajo de
un colega brasileño sobre “Los penitentes”. En Caracas, el fotógrafo captó el
fervor de las procesiones de Semana Santa. En el interior de Venezuela reconoce
otras formas de penitencia.
Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos
“Conseguí grupos
de hombres y mujeres que se arrastran por horas sobre el asfalto de las calles,
bajo un sol inclemente, descalzos y atados de manos”.
La museografía realizada
por el artista, arquitecto y curador Alberto Asprino crea in situ una dinámica
grandilocuente, que describe claramente el discurso planteado y sensibiliza al
espectador.
El fotógrafo
argentino Eduardo Segura afirma sobre esta serie que "es un disparo
atómico y doloroso al plexo solar, oscuramente trabajado, oscuramente
iluminado, oscuramente sentido".
Jorge Luis Santos
enfoca su investigación en la penitencia y la fe descrita por medio de la
fotografía documental, cuya temática se vincula con tradiciones populares
relacionadas con la conmemoración de fiestas cristianas.
Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos
En relación a su
trayectoria ha realizado Jorge Luis Santos, fotógrafo venezolano, ha realizado18
exposiciones nacionales, 4 internacionales y ha participado en 101 exposiciones
colectivas.
Galería Tresy3, Las Mercedes. Muestra Pido, Prometo y Pago
de Jorge Luis Santos
Fotografía Gladys Calzadilla
Jorge Luis Santos García, muestra en la Galería Tresy3 de Las Mercedes la serie Pido, prometo y pago,
integrada por 30 imágenes en blanco y negro tomadas en los últimos
siete años. Unas fotos corresponden a Chacao; otras a Santa Teresa (en
Caracas); unas más, a Tinaquillo (estado Cojedes) y algunas a Villa de
Cura (Aragua), representación sentida de la relación humana con la devoción.
Exposición El Arte del Desnudo en Dos Géneros.
Vitrales de Raiza Carreño y Pinturas de Leonel Durán
Hasta el 20 de Agosto 2016 en la Alianza Francesa, sede de Chacaíto
Fotografía cortesía de Raiza Carreño
El desnudo como pretexto para expresarse desde el color y la línea que abren paso a la luz o desde la audacia y libertad de la representación de lo natural. Así Raiza Carreño y Leonel Durán presentan su muestra en la Alianza Francesa de Chacaíto, en Caracas.
LO IMPERCEPTIBLE
DE CARLOS MEDINA
LO IMPERCEPTIBLE DE CARLOS MEDINA
ARTE ASCASO
Carlos Medina en la Galería de Arte Ascaso de las Mercedes
Texto y Fotografías cortesía de Arte Ascaso
En la plenitud de su carrera artística, el reconocido
escultor Carlos Medina interviene los espacios expositivos de la Galería de
Arte Ascaso con una contemporánea propuesta titulada Imperceptible. Y es que
hasta allí ha evolucionado su obra…El artista se libera del peso de la materia
que tanto trabajó, moldeó y transformó, hasta llegar a las ligeras y simétricas
estructuras que ahora flotan, vuelan y se dispersan en el aire, en escrupuloso
orden geométrico.
Luego de su memorable Esencial, Medina nos presenta novedosos planteamientos, mostrando en distintas escalas y materiales, las transparencias y flotabilidad de sus elementos e interpretaciones geométricas.
Las composiciones que plantea Medina para esta nueva
exposición son sencillas y a la vez, imponentes. Grandes y pulidas armaduras
simulan enormes trazos en medio de las sala… Ondas se simulan nubes, picos que
semejan cerros; piezas logran definirse al fijar la mirada en imperceptibles
hilos de nylon o metal, en varillas ancladas en la pared, obras a través de las
cuales plantea poéticamente la esencia de la materia.
Entretanto, pequeñas esferas o neutrinos suspendidos en
pequeños soportes invitan al espectador a acercarse a la obra, para encontrar
en muchas de ellas, un verdadero “microcosmos”.
El acucioso escultor ha encontrado en las superficies planas
y puras, la manera perfecta de proyectar formas, apoyado en la sombra que
dibuja a partir de un fino hilo de metal…Es así como Medina “simplifica y llega
a la esencia de la forma, de la materia, de la luz, el reflejo y la sombra.”
Para esta ocasión, el destacado investigador, curador y
crítico de arte colombiano Álvaro Medina revela en el texto del catálogo,
contundentes relaciones conceptuales en la estética de su tocayo, concluyendo
en que “Si las matemáticas nos han revelado aspectos de la materia que jamás
podremos ver, Carlos Medina es el poeta visual que expresa algunos fenómenos de
la física cuántica que obsesionan a los investigadores de hoy. Trátese de una
montaña (el Ávila de Manuel Cabré, toda una tradición), de nubes o de lluvia,
Medina ve acumulaciones de partículas o sea que los átomos se han vuelto, para
él, lo que las manzanas eran para Cézanne: un pretexto para organizar
estructuras cuya significación va más allá de la simple apariencia retinal.
” En colaboración con el arquitecto y museógrafo Mauricio
Alfonzo, Carlos Medina logra distribuir más de treinta abstracciones en sala,
ubicándolas armónicamente, recreando así el mundo que le rodea.
Las puertas de lo Imperceptible estarán abiertas al público
a partir del domingo 29 de mayo a las once de la mañana en la Galería de Arte
Ascaso, ubicada en la avenida Orinoco, entre calles Mucuchíes y Monterrey, Las
Mercedes. El horario de visita es de lunes a viernes, de 9 a 1pm y de 2 a 6pm.
Sábados y domingos de 11am a 3 pm. Los invitamos a disfrutar de esta nueva
experiencia!
Premios AVAP 2016
DEL PSIQUIATRICO AL PANTEÓN
Homenaje a Reverón
Artistas participantes:
Adrían García
Dianora Pérez
Jesús Briceño
José Esculpi
Patricia Gómez
Ronald Manrrique
Macjob Parabavis
“De la mano de Vigas”
A partir del sábado 18 de junio se presentará una exposición inédita del maestro Oswaldo Vigas en los gratos espacios de la Galería de Arte Utopía19, ubicada en el pueblo de El Hatillo.
La muestra reúne obras plasmadas en materiales no convencionales
Caracas, junio de 2016.
“De la mano de Vigas” es una muestra
compuesta por 35 obras del artista plástico Oswaldo Vigas realizadas sobre
soportes no convencionales, que nos acercan al instante creador del maestro y a
su necesidad imperante de expresarse, de crear.
Sobre este inusual uso de materiales tan diversos por parte
del maestro, la investigadora y crítico de arte venezolana Susana Benko asegura
que “todo material o soporte al ser intervenido artísticamente se vuelve
trascendente al igual que la imagen La necesidad imperante por crear se ve
plasmada en las piezas que conforman esta exposición.
“De la mano de Vigas” recoge obras muy personales que muestran el inagotable imaginario del artista, sin límites de expresión, característicos en su trazo Bélgica Rodríguez, curadora de la itinerante del maestro que recorre el continente, dijo en 2012: “Vigas dibuja con óleo, carboncillo, gouache, tinta, lápiz, o marcador, creyones, grafito, sobre papel reciclado, periódico, tela, cartulina, servilletas de papel, metal, papel vegetal, tickets de metro, portavasos de cartón, en blanco y negro o con color, hasta el punto de que en algunos casos se dificulta dilucidar hasta donde es dibujística y hasta donde es pictórica.” Benko enfatiza en su capacidad creativa indetenible al afirmar: “La necesidad de Oswaldo Vigas de crear no tenía término. Bajo cualquier circunstancia, incluso la más adversa, lo hacía. Los motivos podían ser muchos y diversos. Por una parte, tal vez por una necesidad imperativa de no dejar vacíos en el tiempo y capturar imágenes potencialmente significativas mediante el dibujo. Era una manera de lograr que las ideas de alguna forma se perpetuasen. (…)Todos los dibujos que realizaba con estos soportes no convencionales, y, en cierto modo improvisados, evidencian la importancia que para él tenía el instante”. Vigas es uno de los artistas plásticos venezolanos más reconocidos en el país y en el exterior.
“De la mano de Vigas” recoge obras muy personales que muestran el inagotable imaginario del artista, sin límites de expresión, característicos en su trazo Bélgica Rodríguez, curadora de la itinerante del maestro que recorre el continente, dijo en 2012: “Vigas dibuja con óleo, carboncillo, gouache, tinta, lápiz, o marcador, creyones, grafito, sobre papel reciclado, periódico, tela, cartulina, servilletas de papel, metal, papel vegetal, tickets de metro, portavasos de cartón, en blanco y negro o con color, hasta el punto de que en algunos casos se dificulta dilucidar hasta donde es dibujística y hasta donde es pictórica.” Benko enfatiza en su capacidad creativa indetenible al afirmar: “La necesidad de Oswaldo Vigas de crear no tenía término. Bajo cualquier circunstancia, incluso la más adversa, lo hacía. Los motivos podían ser muchos y diversos. Por una parte, tal vez por una necesidad imperativa de no dejar vacíos en el tiempo y capturar imágenes potencialmente significativas mediante el dibujo. Era una manera de lograr que las ideas de alguna forma se perpetuasen. (…)Todos los dibujos que realizaba con estos soportes no convencionales, y, en cierto modo improvisados, evidencian la importancia que para él tenía el instante”. Vigas es uno de los artistas plásticos venezolanos más reconocidos en el país y en el exterior.
Considerado pionero del arte latinoamericano, se nutre del
arte prehispánico al igual que Obregón, Szyszlo, Matta, Tamayo, Lam y
Guayasamín. Su obra, realizada entre Francia y Venezuela, es una síntesis
original entre las raíces culturales del continente latinoamericano y las
corrientes plásticas más actuales de la modernidad. Su trabajo logra abarcar la
pintura, la escultura, el grabado, la cerámica y la tapicería. Realizó más de
cien exposiciones individuales y está representado en numerosas instituciones y
colecciones públicas y privadas de todo el mundo.
La exposición “De la mano de Vigas” se presentará del 18 de
junio al 18 de septiembre en la Galería de Arte Utopía 19 ubicada en la calle
La Paz con calle Escalona, justo en la plaza Bolívar del Pueblo de El Hatillo.
Los horarios son de miércoles a domingos de 12:00 m a 8:00
pm.
Breve biografía de Oswaldo Vigas
Oswaldo Vigas nace el 4 de agosto de 1923 en Valencia,
estado Carabobo, Venezuela, y desde muy joven muestra interés por el arte. En
1942 obtiene su primer reconocimiento con el Premio a la Mejor Ilustración en
el Primer Salón de Poemas Ilustrados, Ateneo de Valencia, y un año después gana
la Medalla de Honor en el Primer Salón Arturo Michelena, uno de los espacios
más importantes de la confrontación artística en el país. En 1945 ingresa en la
Facultad de Medicina, Universidad de los Andes, Mérida, estudios que culmina en
la Universidad Central de Venezuela, Caracas, en 1951, pero que ejercerá por
muy poco tiempo. Para 1949 se incorpora al grupo de artistas e intelectuales
que conforman el Taller Libre de Arte de Caracas donde funda, junto con el
pintor Alirio Oramas, la revista Taller. En compañía de algunos colegas artistas
y amigos del Taller Libre de Arte, visita al pintor Armando Reverón.
1952 es uno de los años decisivos en su vida. En esta fecha recibe el Premio Nacional de las Artes Plásticas y el Premio John Boulton en el XIII Salón Oficial Anual de Arte Venezolano organizado por el Museo de Bellas Artes de Caracas y obtiene el Premio Arturo Michelena en el X Salón Ateneo de Valencia. Vigas cobra notoriedad después de la exposición Oswaldo Vigas: Retrospectiva 1946-1952 llevada a cabo en el Museo Bellas Artes, muy comentada y discutida en los medios locales debido a la controversia que produce su serie Las brujas. Esta encendida discusión acerca de su trabajo lo convierte en el artista plástico más polémico de ese momento en Venezuela. A finales de ese año se instala en París e ingresa en L’Ecole des Beaux Arts, donde asiste a los talleres de grabado y litografía de Marcel Jaudon y de Stanley William Hayter, además de realizar cursos libres en La Sorbona. Estando en Francia es invitado a participar con cinco murales en el Proyecto de Integración de las Artes que concibe el arquitecto Carlos Raúl Villanueva con motivo de la construcción de la Ciudad Universitaria de Caracas, declarada Patrimonio Cultural de la Humanidad (2000) por la UNESCO. Esto marca un momento muy importante en el arte a nivel nacional, pues en este proyecto intervienen artistas venezolanos e internacionales del renombre de Fernand Léger, Victor Vassarely, Jean Arp, Antoine Pevsner, Baltasar Lobo y Alexander Calder, entre otros.
Desde 1953 a 1957 concurre a numerosas colectivas a nivel internacional. En 1953 asiste a la II Bienal de São Paulo, Brasil, y en Francia al IX Salon de Mai, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Salon Réalités Nouvelles y Donner à voir. , entre los artistas invitados figuraron: Jean Arp, Chagall, Dayez, Delvaux, Giacometti, Gilioli, Lam, Laurens, Magritte, Manessier, Mathieu, Matisse, Matta, Max Ernst, Riopelle, Schneider, Se sigue presentando en el Salón los años siguientes hasta 1957 donde participa del homenaje a Brancusi en el “XIII Salón de Mai”, junto a Bryen, Leonor Fini, Herbin, Rebeyrolle, Tapies, etc. En 1961 vuelve al “XVII Salón de Mai” esta vez junto a Francis Bacon, Enrico Baj, Capogrossi, Charchoune, Marta Colvin, Agustín Fernández, Sam Francis, Hundertwasser, Ipousteguy, John Levée, André Masson, John Mitchell, Louise Nevelson, Irving Petlin, Pettoruti, Antonio Saura, Tajiri, Tamayo, Mark Tobey, Zañartu, En agosto de 1955 Oswaldo Vigas tiene la oportunidad de conocer a Pablo Picasso en su casa "La Californie" en Cannes, presentado por su amigo el pianista venezolano Humberto Castillo Suárez, muy cercano al Maestro. Junto con un grupo de críticos franceses, en particular Jean-Clarence Lambert, Raoul- Jean Moulin y José Augusto França, y un comité organizador integrado por Agustín Cárdenas, Wifredo Lam y Roberto Matta organiza la primera exposición del Arte Latinoamericano en París en 1962. En esa ciudad bullente de principios de los años 60, epicentro de la movida plástica mundial, convergían en los cafés diferentes artistas latinoamericanos. Se gestaban tertulias en el barrio latino en las que Oswaldo Vigas estrechó relaciones con Wifredo Lam, Roberto Matta, Antonio Berni, Agustín Cárdenas, Fernando de Szyszlo y muchos otros artistas latinoamericanos. Vigas en Latinoamérica En 1964 Vigas regresa a Venezuela con Janine, su esposa, y fija su residencia en la ciudad de Mérida. Al año siguiente es nombrado Director de Cultura de la Universidad de Los Andes y donde continúa produciendo su obra pictórica. En 1956 acude a la Bienal Internacional de Pintura y Grabado Palacio de Bellas Artes, México DF.
En 1966 participa de la exposición internacional Grabadores latinoamericanos, Montevideo, Uruguay. En 1970 regresa con su familia a Caracas y promueve la creación del grupo de artistas Presencia 70. En 1971 es nombrado Director de la División de Artes del Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes (INCIBA), cargo al que renunciará un año después por desacuerdo con el Presidente del Organismo. En 1975 participa en Veinte pintores latinoamericanos, Galería Siglo XX, Quito, Ecuador, donde comparte entre otros con Fernando de Szyszlo, y en Panorama de la pintura venezolana, 113 obras de los siglos XIX y XX, Casa de Las Américas, La Habana, Cuba. En 1977 muestra Oswaldo Vigas, imagen de una identidad expresiva, Museo de Arte Italiano de Lima, Perú. En 1978 Vigas y Szyszlo exponen de nuevo con motivo del aniversario de la Galería Forum en Lima.
En 1980 acude a la II Bienal Iberoamericana de Arte, Dibujo y Grabado, Instituto Cultural Pedro Domecq, México. Ese mismo año es invitado por el Taller de Artistas Gráficos Asociados (TAGA) a participar en una colectiva itinerante por Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, Ecuador, México, Nicaragua y Perú. En 1986 es convidado por el Presidente Belisario Betancur, quien reúne a los principales artistas latinoamericanos para la apertura del Museo de Santa Marta. Allí se reencuentra con sus colegas Fernando de Szyszlo, Alejandro Obregón y Oswaldo Viteri. Ese mismo año participa en Pintores contemporáneos, Galería Acquavella, Caracas, y en el Certamen Internacional de Artes Plásticas, Ancón, Perú. En 1992 es invitado al XXVI Premio Internacional de Arte Contemporáneo de Monte Carlo, donde por unanimidad le otorgan el Gran Premio Prince Rainier, que recibe de manos de la princesa Carolina de Mónaco. Repite esta visita en 1995. En 2012 Oswaldo Vigas es elegido como representante de su país natal para el Bicentenario de la Constitución del Tribunal Supremo del Reino de España, al que fueron invitados artistas representantes de todos los países iberoamericanos. Oswaldo Vigas participa en subastas de Grandes Maestros del Arte Latinoamericano celebradas en las famosas casas SOTHEBY´S y CHRISTIE´S de Nueva York, donde se ve un notable incremento en el valor de las obras vendidas. Una demostración más de la fuerte penetración en los mercados internacionales del maestro Vigas. Vigas siguió ejerciendo su actividad plástica sin cesar hasta el día de su muerte, acaecida el 22 de abril de 2014. En la actualidad, la Fundación Oswaldo Vigas, creada en vida del maestro, trabaja en la edición de una publicación antológica que recoge gran parte de su prolífica producción.
1952 es uno de los años decisivos en su vida. En esta fecha recibe el Premio Nacional de las Artes Plásticas y el Premio John Boulton en el XIII Salón Oficial Anual de Arte Venezolano organizado por el Museo de Bellas Artes de Caracas y obtiene el Premio Arturo Michelena en el X Salón Ateneo de Valencia. Vigas cobra notoriedad después de la exposición Oswaldo Vigas: Retrospectiva 1946-1952 llevada a cabo en el Museo Bellas Artes, muy comentada y discutida en los medios locales debido a la controversia que produce su serie Las brujas. Esta encendida discusión acerca de su trabajo lo convierte en el artista plástico más polémico de ese momento en Venezuela. A finales de ese año se instala en París e ingresa en L’Ecole des Beaux Arts, donde asiste a los talleres de grabado y litografía de Marcel Jaudon y de Stanley William Hayter, además de realizar cursos libres en La Sorbona. Estando en Francia es invitado a participar con cinco murales en el Proyecto de Integración de las Artes que concibe el arquitecto Carlos Raúl Villanueva con motivo de la construcción de la Ciudad Universitaria de Caracas, declarada Patrimonio Cultural de la Humanidad (2000) por la UNESCO. Esto marca un momento muy importante en el arte a nivel nacional, pues en este proyecto intervienen artistas venezolanos e internacionales del renombre de Fernand Léger, Victor Vassarely, Jean Arp, Antoine Pevsner, Baltasar Lobo y Alexander Calder, entre otros.
Desde 1953 a 1957 concurre a numerosas colectivas a nivel internacional. En 1953 asiste a la II Bienal de São Paulo, Brasil, y en Francia al IX Salon de Mai, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Salon Réalités Nouvelles y Donner à voir. , entre los artistas invitados figuraron: Jean Arp, Chagall, Dayez, Delvaux, Giacometti, Gilioli, Lam, Laurens, Magritte, Manessier, Mathieu, Matisse, Matta, Max Ernst, Riopelle, Schneider, Se sigue presentando en el Salón los años siguientes hasta 1957 donde participa del homenaje a Brancusi en el “XIII Salón de Mai”, junto a Bryen, Leonor Fini, Herbin, Rebeyrolle, Tapies, etc. En 1961 vuelve al “XVII Salón de Mai” esta vez junto a Francis Bacon, Enrico Baj, Capogrossi, Charchoune, Marta Colvin, Agustín Fernández, Sam Francis, Hundertwasser, Ipousteguy, John Levée, André Masson, John Mitchell, Louise Nevelson, Irving Petlin, Pettoruti, Antonio Saura, Tajiri, Tamayo, Mark Tobey, Zañartu, En agosto de 1955 Oswaldo Vigas tiene la oportunidad de conocer a Pablo Picasso en su casa "La Californie" en Cannes, presentado por su amigo el pianista venezolano Humberto Castillo Suárez, muy cercano al Maestro. Junto con un grupo de críticos franceses, en particular Jean-Clarence Lambert, Raoul- Jean Moulin y José Augusto França, y un comité organizador integrado por Agustín Cárdenas, Wifredo Lam y Roberto Matta organiza la primera exposición del Arte Latinoamericano en París en 1962. En esa ciudad bullente de principios de los años 60, epicentro de la movida plástica mundial, convergían en los cafés diferentes artistas latinoamericanos. Se gestaban tertulias en el barrio latino en las que Oswaldo Vigas estrechó relaciones con Wifredo Lam, Roberto Matta, Antonio Berni, Agustín Cárdenas, Fernando de Szyszlo y muchos otros artistas latinoamericanos. Vigas en Latinoamérica En 1964 Vigas regresa a Venezuela con Janine, su esposa, y fija su residencia en la ciudad de Mérida. Al año siguiente es nombrado Director de Cultura de la Universidad de Los Andes y donde continúa produciendo su obra pictórica. En 1956 acude a la Bienal Internacional de Pintura y Grabado Palacio de Bellas Artes, México DF.
En 1966 participa de la exposición internacional Grabadores latinoamericanos, Montevideo, Uruguay. En 1970 regresa con su familia a Caracas y promueve la creación del grupo de artistas Presencia 70. En 1971 es nombrado Director de la División de Artes del Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes (INCIBA), cargo al que renunciará un año después por desacuerdo con el Presidente del Organismo. En 1975 participa en Veinte pintores latinoamericanos, Galería Siglo XX, Quito, Ecuador, donde comparte entre otros con Fernando de Szyszlo, y en Panorama de la pintura venezolana, 113 obras de los siglos XIX y XX, Casa de Las Américas, La Habana, Cuba. En 1977 muestra Oswaldo Vigas, imagen de una identidad expresiva, Museo de Arte Italiano de Lima, Perú. En 1978 Vigas y Szyszlo exponen de nuevo con motivo del aniversario de la Galería Forum en Lima.
En 1980 acude a la II Bienal Iberoamericana de Arte, Dibujo y Grabado, Instituto Cultural Pedro Domecq, México. Ese mismo año es invitado por el Taller de Artistas Gráficos Asociados (TAGA) a participar en una colectiva itinerante por Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, Ecuador, México, Nicaragua y Perú. En 1986 es convidado por el Presidente Belisario Betancur, quien reúne a los principales artistas latinoamericanos para la apertura del Museo de Santa Marta. Allí se reencuentra con sus colegas Fernando de Szyszlo, Alejandro Obregón y Oswaldo Viteri. Ese mismo año participa en Pintores contemporáneos, Galería Acquavella, Caracas, y en el Certamen Internacional de Artes Plásticas, Ancón, Perú. En 1992 es invitado al XXVI Premio Internacional de Arte Contemporáneo de Monte Carlo, donde por unanimidad le otorgan el Gran Premio Prince Rainier, que recibe de manos de la princesa Carolina de Mónaco. Repite esta visita en 1995. En 2012 Oswaldo Vigas es elegido como representante de su país natal para el Bicentenario de la Constitución del Tribunal Supremo del Reino de España, al que fueron invitados artistas representantes de todos los países iberoamericanos. Oswaldo Vigas participa en subastas de Grandes Maestros del Arte Latinoamericano celebradas en las famosas casas SOTHEBY´S y CHRISTIE´S de Nueva York, donde se ve un notable incremento en el valor de las obras vendidas. Una demostración más de la fuerte penetración en los mercados internacionales del maestro Vigas. Vigas siguió ejerciendo su actividad plástica sin cesar hasta el día de su muerte, acaecida el 22 de abril de 2014. En la actualidad, la Fundación Oswaldo Vigas, creada en vida del maestro, trabaja en la edición de una publicación antológica que recoge gran parte de su prolífica producción.
Pido, Prometo y Pago
Muestra
Individual
Fotografía
Documental de Jorge Luis Santos
Jorge Luis Santos presenta en el MACZUL “Pido, Prometo y Pago”
“Pido, prometo y pago”, es el nombre de la exposición que estará siendo inaugurada el sábado 2 de julio en las instalaciones del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia a las 5 de la tarde en la sala alterna.
La curaduría estará a cargo de Ricardo Jiménez, mientras que el responsable de la museografía será Alberto Asprino.
Es el lente de Jorge Luis Santos el encargado de contar la historia de algunas prácticas religiosas poco difundidas fotográficamente en Venezuela y donde se realizan formas no convencionales de penitencia en la Semana Mayor o Santa del calendario de celebraciones Católicas. De manos atadas, con lágrimas en los ojos y rosarios en el pecho las personas que Santos retrata tienen una promesa que pagar y un milagro por pedir.
El texto de la exposición fue realizado por el fotógrafo argentino Eduardo Segura, quien añade: "Pido, prometo y pago", es un disparo atómico y doloroso al plexo solar, oscuramente trabajado, oscuramente iluminado, oscuramente sentido, añade el fotógrafo argentino.
Santos lleva aproximadamente 8 años desarrollando esta línea de investigación fotográfica, tal investigación fue realizada en cuatro localidades: Villa de Cura – Estado Aragua, Tinaquillo – Estado Cojedes, Chacao – Estado Miranda y el Distrito Capital de Caracas, dando como resultado algo más de 4.000 fotografías, de las cuales se estarán exponiendo 30.
Jorge Luis Santos se inició en la fotografía en 1986. Su trabajo personal se centra en tres (3) pilares fundamentales: la espiritualidad, la naturaleza y la sexualidad. Comenzó su formación formal en 2006 a manos de maestros fotógrafos e instituciones en Caracas. Ha participado en 88 exposiciones colectivas, 56 en Venezuela y 32 internacionales en Argentina, Australia, Chile, Colombia, Cuba, Brasil, Bulgaria, Ecuador, Francia, India, España y Uruguay.
Sus fotos han recibido premios en Venezuela, Brasil, Cuba, Ecuador y Argentina y han sido representadas en instituciones nacionales y extranjeras. Es autor de los libros titulados "Palmero es Fe y Cerro" y "Pedregal, Los Mismos de ayer", ambos están catalogados en la biblioteca del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y biblioteca del MoMa de Nueva York, entre otras importantes instituciones.
La invitación es para el sábado 2 de julio de 2016 a las 5 de la tarde para disfrutar de la exposición “Pido, Prometo y Pago” en la Sala Alterna de #NuestroMuseo. La entrada es gratuita, contamos con amplio estacionamiento, vigilancia y somos área segura AMI (Atención Médica Inmediata para todos nuestros visitantes).
Si deseas estar siempre al tanto de nuestras actividades síguenos en twitter e Instagram @elmaczul, visita nuestro Facebook: MACZUL Museo o escríbenos a nuestro correo contacto@maczul.org.ve
Galería Tresy3 de Las Mercedes.
Texto Gladys Calzadilla
Charla sobre el Proceso de Creación de Pido, Prometo y Pago
Fotografía Gladys Calzadilla
Fotografía Gladys Calzadilla
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| Charla sobre el Proceso de Creación de Pido, Prometo y Pago Fotografía Gladys Calzadilla |
"no se puede fotografiar
lo que uno no es". Jorge Luis Santos
Jorge Luis Santos
exhibe documentos gráficos de las tradiciones vinculadas con penitencias que se
imponen los protagonistas de las imágenes para expiar culpas, solicitar perdón
o agradecer milagros.
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
El dolor, la
penitencia, la devoción, la fe, la alegría, gestos dibujados con luz en blanco y negro entre
2009 y 2016 con ojo de experto. Un trabajo de investigación revelado en 4.000
fotografías captadas en localidades como: Villa de Cura, estado Aragua;
Tinaquillo, estado Cojedes; Chacao, estado Miranda y Caracas, Distrito Capital.
Permite hacer la propuesta, no sólo para esta exposición, sino a futuro la
publicación de un tercer libro cuyo nombre coincide con la muestra Pido,
Prometo y Pago.
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
Dedica la muestra
a Luis Brito, cuenta que la idea de la serie surgió luego de ver el trabajo de
un colega brasileño sobre “Los penitentes”. En Caracas, el fotógrafo captó el
fervor de las procesiones de Semana Santa. En el interior de Venezuela reconoce
otras formas de penitencia.
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
“Conseguí grupos
de hombres y mujeres que se arrastran por horas sobre el asfalto de las calles,
bajo un sol inclemente, descalzos y atados de manos”.
La museografía realizada
por el artista, arquitecto y curador Alberto Asprino crea in situ una dinámica
grandilocuente, que describe claramente el discurso planteado y sensibiliza al
espectador.
El fotógrafo
argentino Eduardo Segura afirma sobre esta serie que "es un disparo
atómico y doloroso al plexo solar, oscuramente trabajado, oscuramente
iluminado, oscuramente sentido".
Jorge Luis Santos
enfoca su investigación en la penitencia y la fe descrita por medio de la
fotografía documental, cuya temática se vincula con tradiciones populares
relacionadas con la conmemoración de fiestas cristianas.
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
En relación a su
trayectoria ha realizado Jorge Luis Santos, fotógrafo venezolano, ha realizado18
exposiciones nacionales, 4 internacionales y ha participado en 101 exposiciones
colectivas.
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| Galería Tresy3, Las Mercedes. Muestra Pido, Prometo y Pago de Jorge Luis Santos Fotografía Gladys Calzadilla |
Jorge Luis Santos García, muestra en la Galería Tresy3 de Las Mercedes la serie Pido, prometo y pago,
integrada por 30 imágenes en blanco y negro tomadas en los últimos
siete años. Unas fotos corresponden a Chacao; otras a Santa Teresa (en
Caracas); unas más, a Tinaquillo (estado Cojedes) y algunas a Villa de
Cura (Aragua), representación sentida de la relación humana con la devoción.
Exposición El Arte del Desnudo en Dos Géneros.
Vitrales de Raiza Carreño y Pinturas de Leonel Durán
Hasta el 20 de Agosto 2016 en la Alianza Francesa, sede de Chacaíto
Fotografía cortesía de Raiza Carreño
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El desnudo como pretexto para expresarse desde el color y la línea que abren paso a la luz o desde la audacia y libertad de la representación de lo natural. Así Raiza Carreño y Leonel Durán presentan su muestra en la Alianza Francesa de Chacaíto, en Caracas.
Los Vitrales de Raiza Carreño
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| Raiza Carreño El Arte del Desnudo en Dos Géneros Alianza Francesa de Caracas sede Chacaíto, Venezuela. |
Juvenal Ravelo - Mayo 2016
Desnudos de Leonel Durán
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| Leonel Durán El Arte del Desnudo en Dos Géneros Alianza Francesa de Caracas sede Chacaíto, Venezuela. |
El
desnudo masculino y femenino es pieza capital en la historia del Arte Universal,
a través de todos los tiempos fue presencia e imagen indiscutible en las artes
visuales de los clásicos, románticos, impresionistas, cubistas, realistas y surrealistas,
cada artista expresó a su manera y según su tendencia lo extraordinariamente
bello, vital y armónico del cuerpo humano. Los italianos del cuatrocientos le
dieron su forma y proporción, su altura cultura y su estatus social. Fue
exaltado a la más alta cúspide de la estética y su halo y proyección conquisto
todos los talleres, botegas, galerías y museos. Fue analizado, estudiado y
expresado el cuerpo en todo su esplendor de belleza por todos los artistas de
la humanidad. Al gran público conmovió e impacto fuertemente en momentos
históricos la expresión de grandes artistas cuyos conceptos y cánones cambiaron
para una nueva manera de ver el arte en evolución. Y hubo sacudimientos muy
fuertes. A Miguel Ángel se le censuró y borró sus ignudi poniéndole braguetas a
las partes pudendas porque se les consideró audaces y moralmente inadmisibles. Courbet soportó críticas terribles por sus
desnudos “Vulgares y Realistas”. Manet con su “Olimpia” en el salón de
rechazados fue motivo de burlas y risotadas no solamente por su “Realismo Procaz”
sino también por la sirviente y el gato negro. Ese desnudo fue hecho con
soltura magistral y libertad total causando un gran malestar al público
visitante. En el boulevard Montparnase la policía francesa clausuró a media una
completa exposición de Modigliani debido a sus pinturas de desnudos
“Manieristicamente Obscenos”. Pedro Centeno Vallenilla amaba sus modelos
masculinos y femeninos -negros e indios- volviendolos por un lado María Lionza
y del otro Dioses del Olimpo, Pedro León Castro pintó hermosísimos desnudos y
se hizo un auto-retrato en pelota de pies a cabeza. El escándalo se formó en el
Armory Show de Nueva York y no fue por la vulgaridad del contenido sino fue por la audacia de la
forma del famoso “Desnudo Bajando la Escalera” de Marcel Duchamp que en
realidad era “Futurista”. Francisco Narváez
en el Museo de Bellas Artes presentó una mulata desnuda de espaldas y mucho público
trataba de levantar el cuadro para verla de frente ¡Que Idiotez!
Así
fue avanzando el arte libremente hasta llegar a sus últimas consecuencias y a
fuerza de sensibilidad creadora hasta el día de Hoy.
Leonel Durán se nos desnuda y nos muestra con
mucha firmeza su fuerza en el concepto de la pintura-pintura superando temas
escabrosos y facilismos, así como también provocaciones gratuitas,
aparentemente novedosas para llamar la atención. Ha aprendido el oficio de
dibujar y pintar - binomio fundamental en la plasticidad de la obra - y aprehendido
desde temprano la realidad vital, alcanzando por sus diversos medios
expresivos, escultura, vitral, decoración, un puesto importante en el actual y
nuevo movimiento Plástico Nacional.
Régulo
Pérez - 18/5/2016
Los Expositores y su Trayectoria:
Raíza Carreño quien muestra la visión femenina, fue formada en
la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas de Caracas en la mención
Artes del Fuego.
Leonel
Durán dibujante, pintor, muralista, vitralista y
escultor.
Expresionismos muestra colectiva en el Centro de Arte Integral
Curaduría Susana Benko
Texto y Fotografía Gladys Calzadilla
Grito silencioso,
figuras humanas encorvadas agrupadas sin espacio suficiente, trazos vigorosos dibujan
deformidad que implora. Ventanas que
esconden historias de una ciudad, prosigue el olor a muerte en rostros recreados
con huesos y clavos, figuras humanas en grupos vencidos. Engarbados discursos
que no necesitan sonido. Descritos en el trabajo de Rosa Salazar.
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Al cruzar el
umbral pinceladas densas y coloridas destilan colores intensos. Sensación de
hogar de cotidianidad de mesa con abundancia.
Objetos
reconocibles, cotidianos y femeninos flotan en una atmósfera descrita en planos
de colores vivos, imágenes vibrantes y alegres.
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Sin embargo, al
continuar el recorrido sólo dividido por una pared nos reencontramos con
rostros deformados, sólidos acompañados de palabras que nos vinculan con el
principio de la historia.
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Hoy 29 de mayo de 2016 en la Sala William Werner del Centro de Artes Integradas se inauguró la muestra “Expresionismos” donde la pintura y la escultura de los artistas venezolanos Eduardo Azuaje, Eduardo Bárcenas, José Caldas, Rosa Canelón, Roberto Notarfrancesco, Jorge Pizzani, Rosa Salazar, Julián Villafañe y José Vívenes dialogan en el discurso curatorial realizado por Susana Benko.
Rosa Salazar
describe desde materiales efímeros papel, pabilo, alambre, resina y pigmentos,
personajes vencidos, condenados, aglomerados, padeciendo de una delgadez
extrema.
Eduardo Azuaje
expresa desde la pintura y la escultura su imaginario donde denota seres
expuestos a la violencia sin posibilidad de salvación en su serie Bestiario siglo XXI donde recrea
cráneos ensamblados con huesos de animales hallados en zonas rurales y
basureros del país.
Roberto Notarfrancesco
exhibe Solipsi Rai, seres pertenecientes al grupo de Orión guerreros pertenecientes a mundos
extraterrestres
Julián Villafañe en
pinceladas tupidas y densas representa ventanas de múltiples posibilidades. Historias
ocultas en la ciudad, donde en ocasiones se asoma un personaje.
José Vívenes
plantea en siete pinturas al óleo en pequeño formato su serie “Basta de falsos
héroes” cuestiona la identidad del venezolano en medio de la situación que lo
sobrepasa.
Eduardo Bárcenas se
expresan desde rostros de gestos desesperanzados denotando desesperación y
angustia, que se envuelven en una atmósfera blanca donde las palabras e
diversos idiomas se hacen textura.
Jorge Pizzani
gestualidad descrita desde el performance en un rostro humano
José Caldas con
colores intensos en su lienzo muestra bodegones de gran colorido y
pincelada pastosa de título “Asómate a mi Nevera”
Rosa Canelón desde lo cotidiano y femenino describe con
colores planos y vivos “El Alma de las Cosas”.
Esta exposición puede ser visitada en la Sala William Werner
del Centro de Artes Integradas hasta el 17 de Julio de 2016
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El Centro de Artes Integradas (CAI) es una asociación
civil sin fines de lucro constituida en 1979, que nació de la inquietud de
integrar todas las disciplinas artísticas: música, danza, teatro y artes
plásticas, en un centro educacional y cultural del más alto nivel que permita
al sector privado una intervención directa en el desarrollo de las artes. Es un
proyecto de educación integral, donde el alumno se acerca y conoce las
diferentes expresiones artísticas como un todo, sin seccionarlas. La idea final
comprende la convivencia de un Colegio, un Conservatorio de Música, Salas de
Teatro, Galerías, y las Escuelas de Artes Plásticas, Teatro, Danza, Fotografia,
Cine y de Dj’s. Además de la Libroteca Amapalabra, una Zona Rental y un Centro
de Investigación y Estudios.
“EXPRESIONISMOS”
“EXPRESIONISMOS”
Nueve artistas venezolanos: Rosa Canelón, José Caldas, Jorge Pizzani, Julián Villafañe, Rosa Salazar, Roberto
Notarfrancesco, Eduardo Bárcenas, José Vívenes, Eduardo Azuaje
Nueve artistas venezolanos: Rosa Canelón, José Caldas, Jorge Pizzani, Julián Villafañe, Rosa Salazar, Roberto Notarfrancesco, Eduardo Bárcenas, José Vívenes, Eduardo Azuaje
Curaduría de Susana Benko
Sala William Werner, Centro de Artes
Integradas (CAI)
Caracas --- Mayo 2016 --- (PressRelease) La Asociación
Venezolana de Conciertos (AVC), a través del Centro de Artes Integradas (CAI),
comprometida en desarrollar las artes y la educación en Venezuela, inaugura el
domingo 29 de mayo en su Sala William Werner, la exposición Expresionismos,
muestra que reúne la obra de nueve artistas venezolanos: Eduardo Azuaje,
Eduardo Bárcenas, José Caldas, Rosa Canelón, Roberto Notarfrancesco, Jorge
Pizzani, Rosa Salazar, Julián Villafañe y José Vívenes.
Bajo la curaduría de Susana Benko, investigadora de arte,
crítico, curadora y miembro de la Asociación Internacional de Críticos de
Arte-Capítulo Venezuela, Expresionismos presenta ‘el otro lado’ de la tradición
plástica en Venezuela opuesta a la abstracción geométrica y al cinetismo,
movimientos que perduran desde los años cincuenta.
“Existen muchas razones para explicar el origen de las
diversas tendencias expresionistas en la historia del arte. Las motivaciones
son diversas y pueden tener carácter colectivo o individual. Cada artista
expresa un cúmulo de emociones y sentimientos que denotan, en su arrojo, su
manera particular de enfocar, interpretar o reinventar imágenes de la realidad
o de su imaginación”, explica la curadora.
Los expresionistas han resistido a los embates del
geometrismo y al arte conceptual, defendiendo el oficio de la pintura, el gesto
y la emoción. Tras el informalismo y el realismo mágico, varios artistas de los
’60 asumieron la libertad de acción en su pintura: pincelada gestual y
espontánea, superficies muy texturizadas y una figura humana deformada para
expresar su inhumanidad en obras político-sociales muy críticas. La pintura no
tenía que ser bella, lo importante era la denuncia o la expresión pura. En los
‘80 predominó la figuración y la abstracción de la expresión sobre la
racionalidad. Se saturaba la tela, con imágenes vertiginosas, o se exasperaba
el color, la materia, e incluso los soportes.
Los expresionismos siguen manifestándose con vigencia, los
contenidos que las imágenes suscitan tienen enorme importancia. Y es lo que
sucede en esta exposición en la que nueve pintores y escultores venezolanos,
con estilos y opciones temáticas particulares, funcionan con emotividad y
asumen la figuración para comunicar aspectos esenciales de su humanidad. Sus
obras demarcan el arrebato armónico del color que la cotidianidad suscita y la
visión descarnada o ‘movediza’ de la condición humana. Ambos polos son maneras
de interpretar la vida o de encarnar la muerte.
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Juan Carlos Martínez (retrato de Rosa Canelón)
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Archivo Susana Benko (retrato
de José Caldas)
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Rosa Canelón y José Caldas representan la primera opción.
Pintan lo cotidiano y familiar, el hogar y los objetos vital y festivamente. Se
expresan por el color. Canelón muestra el alma de las cosas, a través de
objetos y el entorno íntimo del hogar con armónicas combinaciones cromáticas,
en colores primarios y complementarios, vibrantes y de fuerte impacto visual.
Caldas, desestabiliza el ordenamiento espacial trabajando con fuertes
contrastes de colores primarios. El resultado: obras dinámicas, explosivas, que
funden figura y fondo en un estallido cromático incontrolable.
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Cristian Dumont (retrato
de Jorge Pizzani)
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Katherine Chacón (retrato de Julián Villafañe)
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La segunda línea conceptual de la exposición se vuelca en
torno a la presencia de la figura humana. Para Jorge Pizzani ésta es la razón
de ser de la pintura que asume con arrojo, desparpajo y pasión. Representa
tipos humanos, rodeados de un hálito particular. Los muestra según sus roles
performáticos, cuya interioridad se expresa mediante un gestualismo veloz.
Julián Villafañe, va más bien a la inversa: representa personajes a menor
escala integrados a un espacio segmentado en recuadros, diferenciados por
colores, tramas y texturas, haciendo de la materia y el color su lenguaje
expresivo, insertando a sus personajes en determinados contextos próximos a la
abstracción informal.
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Darwin García (retrato
de Rosa Salazar)
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En escultura, Rosa Salazar crea personajes espigados, delgados, que conforman grupos ‘familiares’, razón por la que cada uno varía de altura según la edad. Dos elementos exacerban la fuerte expresividad de sus piezas: la sensación de precariedad, debido a la extrema delgadez de los personajes como los materiales utilizados: papeles atados con pabilo y alambre, tratados con resina y pigmentos, que acentúan esta sensación de pobreza. El resultado asombra por la desgarrada visión, casi fantasmal, de su condición humana.
Michelle Brito
(retrato de Roberto Notarfrancesco)
Reinaldo Crespo (retrato de
Eduardo Bárcenas)
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Michelle Brito
(retrato de Roberto Notarfrancesco)
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Reinaldo Crespo (retrato de
Eduardo Bárcenas)
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José Vívenes (autorretrato)
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Las cabezas tienen interés particular en la iconografía
expresionista en las obras de Pizzani, Villafañe, Bárcenas, Notarfrancesco,
Vívenes y Azuaje. Si bien sus pinturas expresan fehacientemente aspectos
relacionados con la condición humana, Roberto Notarfrancesco muestra cabezas de
los llamados Solipsi Rai, seres pertenecientes al grupo de Orión, de apariencia
similar a la humana. Cuatro cabezas guerreras, que sugieren la contextura
física de estos seres extraterrestres. Eduardo Bárcenas, invisibiliza la
angustia y el grito contenidos a través de un gestualismo de atmósferas blancas
para realizar rostros macizos, sólidos, de cuya piel se delata una acumulación
de palabras o ideas. Contenidos diversos, en diferentes idiomas, que se
integran bajo la piel pictóricamente. En este proceso, de carácter más
psicológico y antropológico, se distingue el monocromatismo así como la fuerte
expresividad de estos rostros.
Renato Donzelli (retrato de
Eduardo Azuaje)
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Renato Donzelli (retrato de
Eduardo Azuaje)
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La tensión política en el país agudiza el sentido crítico y
cuestionador en la pintura de José Vívenes. La figura humana, su gestualidad,
las veladuras, los ocultamientos de rostros o exacerbación de sus rasgos
fisionómicos aluden directamente al drama del venezolano. El mal social
transforma al hombre en un individuo con carencias, aislado, torturado o
destruido. Eduardo Azuaje tampoco se sustrae de esta percepción de la realidad.
Sus pinturas aluden con furia a personajes responsables de la violencia, la
injusticia y el descalabro del país. Las cabezas hechas con huesos de diversos
animales sugieren, en medio de este tejido, a rostros humanos. Hablan de
muerte. Atrás quedó el arte como objeto de contemplación para ahora centrarse
en una obra crítica y cuestionadora. Es la expresión de la rabia, el
desgarramiento y las diversas caras del horror.
Expresionismos resume las diversas posturas que este grupo
de artistas asume con respecto a la naturaleza de su oficio. El arte es
expresión y, en estos casos, es comunicación. La emocionalidad que impulsa a
cada artista a crear es una experiencia personal que arropa en su vorágine
también a los demás. Es una forma de develar de verdades y, definitivamente, es
también un acto de re-conocimiento.
EXPRESIONISMOS. Lugar: Sala William Werner, Centro de Artes
Integradas (CAI). Entrada izquierda Univ. Metropolitana. Terrazas del Ávila.
Inauguración: Domingo, 29 de mayo de 2016. Horario: 12:00 m. a 3:30 p.m.
INSTALACIÓN, VIDEO Y FOTOGRAFÍA
EN TORNO A PIEZAS POÉTICAS
DE VERÓNICA JAFFE
Una particular muestra que gira en torno a la traducción que
realizara la escritora Verónica Jaffé sobre los poemas escritos hace 200 años
por el alemán Friedrich Hölderlin, será inaugurada bajo el título de Ríos,
mares, patrias y poesías, este domingo 29 de mayo a las 11:00 am en la Galería
Beatriz Gil, con un conjunto de fotografías y video de Ángela Bonadies y una
instalación in situ de la artista visual Magdalena Fernández.
“Toda traducción es traslado de imágenes y de metáforas, y
las metáforas construyen la poesía. La poesía moderna traduce a los antiguos
héroes y dioses a ríos y mares y montañas, a paisajes de palabras, y estas
adquieren sus fugaces, sus cambiantes sentidos como metáforas”, revela la
autora, a la vez que explica que en la exposición se verán como cuadros
poéticos, mapas que en su lenguaje y
caligrafía dibujan fragmentos de un espacio lleno de palabras y sentidos.
En tal sentido, Magdalena Fernández y Ángela Bonadies
trabajan dos lecturas o ‘traducciones' desde sus respectivos lenguajes con el
material de los poemas y las versiones en texto e imagen de Verónica Jaffe.
Magdalena Fernández realizará una instalación en la que cuenta con el apoyo
Enrique Moreno. Por su parte, Ángela Bonadies se servirá de la fotografía y el
video para crear imágenes que delinean el hecho poético.
Verónica Jaffé (Caracas, 1957) ya ha estrechado los vínculos
entre la literatura y la plástica, con experiencias desarrolladas en el
Instituto Latinoamericano vienés y en las galerías de Los Galpones y Secadero
con poemas presentados como
‘traducciones’ visuales.
Estudió Letras en Caracas y literatura alemana en Múnich,
fue docente en la Universidad Simón Bolívar, en la Universidad Central de
Venezuela e investigadora invitada en las universidades de Indiana,
Bloomington, IN, EEUU, y de Viena, Austria, así como editora de diversas
revistas y editoriales en nuestro país. Ha publicado algunos ensayos sobre
literatura venezolana (El relato imposible. Análisis recepcional de la
cuentística venezolana entre 1970-1980) e historia y teoría de la traducción
literaria (Metáforas y traducción o traducción como metáfora. Algunas metáforas
de la teoría de la traducción literaria, en 2004), además de los poemarios El
arte de la pérdida El largo viaje a casa, La versión de Ismena (2000), así como
traducciones de poemas de Gottfried Benn y Else Lasker-Schüler.
Durante la inauguración de la muestra se presentará el libro
de esta autora, editado por Sandra Caula, con diseño de Aixa Díaz e
introducción de Luis Miguel Isava, en un evento que contará con palabras de la
profesora María Fernanda Palacios.
La exposición Ríos, mares, patrias y poesías con textos de
Verónica Jaffé, fotografías y video de Ángela Bonadies e instalación de
Magdalena Fernández, se estará presentando desde el 29 de mayo hasta el 10 de
julio, en los espacios de BEATRIZ GIL Galería, ubicada en la Calle California
con Calle Jalisco, en Las Mercedes; en horario de lunes a viernes de 10:00 a.m.
a 7:00 p.m., sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 2:00
p.m. La entrada es libre.
Inaugura la exposición colectiva de arte
BIOENERGIZARTE
Eduard Diaz, Gloria Loya, Carolina Lezama, Kira Peña, VestAndPage, Ivan Romero, Sutra Corporal, Jorge Estrada, Gustavo León, María Busing, Melissa Peñaloza, Francis Fermín.Domingo 29 de mayo 11 am
en el Museo Alejandro Otero, La Rinconada.
Cuando un grupo de artistas que además son practicantes de
disciplinas integradoras de espíritu, mente y cuerpo se juntan para darle forma
a una propuesta expositiva el resultado no es, no puede ser, una muestra
cerrada puramente subjetiva sino necesariamente un evento energético. Bioenergizante
es eso: un evento energético que pretende iniciar un proceso transformador en
el público a la manera casi de una participación chamánica.
La conciencia de la
dinámica de los cuatro elementos tradicionales, trabajados en distintos medios
desde una orientación trans- personal, o pre-personal, impacta al espectador más
allá de lo intelectual o lo estético y a través de un principio de resonancia
psíquica moviliza los elementos del individuo, en todo su espectro. En ese
sentido, la muestra quiere ser una experiencia alquímica, una alquimia
constructiva que re- ordena nuestros elementos y su relación y correspondencia
con la tierra y el cosmos.
Bioenergizante se une a una corriente artística mundial
donde la comprensión holística propia de las culturas tradicionales sale al
encuentro de las intuiciones científicas más contemporáneas nacidas de la
física cuántica y la epigenética, devolviéndole a la obra de arte una
sacralidad y una relevancia ontológica que había perdido.
Talleres: Reiki Usui Tibetano Niveles I y II (Ingrid Ruiz), Tejido y Reciclaje (Melissa Peñaloza), Chi Kung y Agnihotra – Herramientas Internas (Gustavo León), Practicas de Qi Gong (María Busing), Yoga para Niños (Patricia Laguzzi).
Julio Pacheco Rivas, El Color del Cristal
Julio Pacheco Rivas, El Color del Cristal
Centro Cultural BOD
En el marco de la celebración del 25
aniversario del Centro Cultural B.O.D., el artista abre las puertas de su
primera individual en la Sala de Exposiciones del recinto. Neoglifos, relieves
y animaciones conforman la muestra que suma un total de 25 piezas.
En la
inauguración se devela la obra Lo que está a la vista, un mural de alto contraste,
de 4.45m de alto x 5.80m de ancho, una intervención que le tomó al artista seis
días de elaboración. Conceptualmente, el proyecto está inspirado en la
transparencia. La curaduría es de Susana Benko 50 años de trayectoria respaldan
el trabajo de Julio Pacheco Rivas (Caracas, 25 de julio de 1953), quien ha
desarrollado proyectos plásticos y escultóricos en torno al tema del espacio y la
perspectiva. En esta oportunidad, el artista abre las puertas de su primera
individual en la Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D.: El color del
cristal.
Conceptualmente, la muestra está inspirada en la transparencia y los
objetos en transición. La exposición se inaugura en el marco del 25 aniversario
del Centro Cultural B.O.D. “Era un anhelo desde hace tiempo que yo tenía el
presentar mi trabajo acá en la Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D”,
comenta el artista. “La situación de los museos en este país está difícil y
esta muestra, justamente, tiene una escala museística. De manera que me parece
importante haber conseguido este apoyo.
Centro Cultural BOD
En el marco de la celebración del 25 aniversario del Centro Cultural B.O.D., el artista abre las puertas de su primera individual en la Sala de Exposiciones del recinto. Neoglifos, relieves y animaciones conforman la muestra que suma un total de 25 piezas.
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Siempre es un reto presentar una obra que
no es necesariamente comercial sino donde lo importante son los planteamientos,
que en una galería es difícil de concebir. Por ello, estos espacios dan esa
posibilidad de volarse los sesos, de darle rienda suelta a la creatividad.
Quería presentar un proyecto a gran escala. Creo que la muestra es variada, no
es una repetición de una cosa, es el mismo lenguaje dialogado con diferentes
aproximaciones”.
Los Neoglifos dan inicio al recorrido de El color del cristal.
En palabras del autor: “Se trata de un conjunto de obras que proponen al
público darles una lectura como si se tratara de ideogramas. Estos neoglifos
plantean esas cosas que están en tránsito, porque pueden ser interpretados de
una manera o de otra, según el hemisferio del cerebro que los capte. Son isometrías,
imágenes silueteadas y uno no sabe qué está adelante y qué atrás. De modo que
el cerebro se encarga de codificarlos. Un día puedes verlos de una forma y al
día siguiente de otra. Esto en concordancia con el título de la muestra”, prosigue
el autor. Los Relieves, igualmente, responden a la propuesta conceptual de El
color del cristal con focos que señalan ubicaciones específicas dentro de cada
obra. “Hay unos de estructura simples: figura sobre fondo, y otros que tienen
una suerte de puntos focales, específicamente rectángulos de MDF (fibra de
madera) y semejan una transparencia que en realidad no existe; es decir, está
representada por cuerpos opacos que juegan el rol de cristales”, explica
Pacheco Rivas.
Se suman a la muestra formas derivadas de los relieves, de
contextura más gruesa y que no están sobre un soporte sino directamente sobre
las paredes de la Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D. Completan el
recorrido las Animaciones, instalaciones en video fungiendo de leit motiv de la
exhibición. “En esta exposición vuelvo al color, porque había estado trabajando
prácticamente en blanco y negro, pero siempre con el leit motive de mi obra que
es la representación, de los espacios y la evidencia de la misma. Yo hago un
trabajo a través de la perspectiva para crear esa sensación de profundidad
espacial”, agrega. El plato fuerte de la muestra se titula Lo que está a la
vista, un mural de 4.45 metros de alto por 5.80 de ancho. “Esta intervención va
acompañada por marginalias: grafitos en la pared, dibujos a lápiz casi
invisibles que representan los apuntes de la obra.
Se trata de un mural de alto
contraste con un lenguaje más fotográfico que plástico. Se da en él una
exageración de las sombras y de la luz. No hay líneas sino encuentros entre
luces y sombras que producen la ilusión de que existe ese espacio”. La
curaduría de la muestra es de Susana Benko, con quien el artista destaca haber
realizado un buen trabajo en equipo. “Generalmente cuando uno tiene un proyecto
por delante se producen esas pequeñas revoluciones, que estando uno en sus
rutinas de artista no se dan tan de una manera tan evidente. Este montaje nos
tomó 10 días completarlo.
Ha sido un trabajo en equipo bonito y ha habido una
buena química entre la curadora y el equipo de la Sala de Exposiciones del
Centro Cultural B.O.D.
Coordenadas Exposición: El color del cristal Artista:
Julio Pacheco Rivas Lugar: Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D. Horario:
De martes a jueves, de 11:00am a 5:00pm. Viernes: de 11:00am a 8:00pm. Sábados
y domingos, de 11:00am a 6:00pm. Para entrevistas favor contactar a: Pablo
Blanco. Asuntos Públicos B.O.D. (0426) 511 14 66. (0212) 952 93 55 y (0212) 953
78 10 pabloblanco3@gmail.com
La Cultura del Café
Exposición de Miguel Triviño y Francisco Marín
Galería de Arte Florida
Hasta al
9 de julio
Texto y Fotografía Gladys Calzadilla
Un objeto se convierte en excusa, se abstrae y humaniza, generando bodegones y paisajes, plenos de significantes que denotan ciudad.
Las cafeteras del artista venezolano Miguel Triviño son protagonistas de un discurso cuyo lenguaje se alimenta tanto del dibujo, como de la pintura donde la línea posee fuerza y se hace presente desde pinceladas que definen en su recorrido la forma, traduciéndose en ocasiones en caligrafía.
Metáforas visuales donde la cotidianidad se manifiesta
alrededor del ritual del cafecito necesario para aliviar el trajín de
la ciudad. Carretillas con termos y la voz del vendedor anunciando
¡café! La greca, el colador, el cafetín con sus manteles estampados, la
mesa del hogar con tasitas y aroma a café recién colado, las colas, el
caos e incluso en los velorios el café es parte de esta tradición y.
todo ello se siente en su trabajo visual.
La situación actual no escapa de esta representación en su obra Tu Compañía con grecas vestidas y numeradas, significando las restricciones para adquirir el producto.
En cuanto a sus esculturas son construidas desde piezas planas de
hierro que se ordenan en un espacio tridimensional, representando la
greca traducida desde el imaginario del autor, personificada y elaborada
con placas de hierro recortadas y soldadas, jugando entre espacios
llenos de texturas diversas y vacíos que construyen dibujos desde la
sombra proyectada.
Obra de Miguel Triviñoexposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla
El otro protagonista del Binomio Café es
Francisco Marín para quién el tomar está aromática bebida es un acto de
celebración, por lo tanto se ocupa de representar a quién consume el
café. He allí la influencia del entorno del que parte su obra, que es la
publicidad en su trabajo como ilustrador.
Apropiándose de las Meninas de Velázquez, reproduciendo constantemente el contorno de dicha figura, varia el fondo valiéndose del collages con partes de ticket y empaques, añadiendo veladuras o descontextualizando elementos que convierte en soporte de la obra como carátulas de discos de colección.
Pueden visitar la muestra hasta el 9 de Julio de 2016, en la Galería de Arte Florida, ubicada en la Avenida Don Bosco, Qta. Castillete, urbanización La Florida. El horario de exposición es de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 12:00 m. y de 2:30 a 5:00 p.m.; y los sábados de 9:00 a.m. a 12:00 p.m. La entrada es libre.
Texto y Fotografía Gladys Calzadilla
Un objeto se convierte en excusa, se abstrae y humaniza, generando bodegones y paisajes, plenos de significantes que denotan ciudad.
Las cafeteras del artista venezolano Miguel Triviño son protagonistas de un discurso cuyo lenguaje se alimenta tanto del dibujo, como de la pintura donde la línea posee fuerza y se hace presente desde pinceladas que definen en su recorrido la forma, traduciéndose en ocasiones en caligrafía.
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| Obra de Miguel Triviño exposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Obra de Miguel Triviño exposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla |
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| Obra de Miguel Triviño exposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla |
La situación actual no escapa de esta representación en su obra Tu Compañía con grecas vestidas y numeradas, significando las restricciones para adquirir el producto.
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| Obra de Miguel Triviño exposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla |
Obra de Miguel Triviñoexposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla
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| Obra de Miguel Triviñoexposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla |
Apropiándose de las Meninas de Velázquez, reproduciendo constantemente el contorno de dicha figura, varia el fondo valiéndose del collages con partes de ticket y empaques, añadiendo veladuras o descontextualizando elementos que convierte en soporte de la obra como carátulas de discos de colección.
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| Obra de Francisco Marín exposición Binomio Café Galería de Arte La Florida Fotografía Gladys Calzadilla |
Pueden visitar la muestra hasta el 9 de Julio de 2016, en la Galería de Arte Florida, ubicada en la Avenida Don Bosco, Qta. Castillete, urbanización La Florida. El horario de exposición es de lunes a viernes de 9:00 a.m. a 12:00 m. y de 2:30 a 5:00 p.m.; y los sábados de 9:00 a.m. a 12:00 p.m. La entrada es libre.
“Binomio-Café” es el título de la exposición en la Galería
de Arte Florida, en la cual los artistas
venezolanos Miguel Triviño y Francisco Marín exhiben un conjunto de obras que
giran en torno a la cultura del café.
Miguel Triviño posee más de diez años de
trayectoria artística, y ha exhibido su obra en diversos museos y galerías de
Venezuela, así como también en Estados Unidos y Japón. Se encuentra
representado en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas; Museo de Arte
Moderno de Tokio, en Japón; y otras instituciones nacionales e internacionales.
Para esta exposición, presenta una selección de piezas que
reflejan su versatilidad en el dibujo, la pintura y la escultura, en cuyo
proceso creativo maneja formas que se adentran
en la neurolingüística y utiliza más allá de lo formal, signos, claves,
confesiones y murmullos, según afirma en el catálogo de la muestra el crítico Carlos
Maldonado-Bourgoin (miembro de la Asociación Internacional
de Críticos de Arte AICA, Capítulo Venezuela).
A juicio de Maldonado, el artista maneja el sentido del
bodegón, la horizontalidad del paisaje, y lo transfigura en otra cosa; “cita la
cafeína y sugiere una pintura de alcoba; expresa a través de cafeteras, grecas,
asas, coladores, pequeñas historias familiares y colectivas; cuenta del trajín
de la ciudad sin representarlo. Simboliza la carretilla que porta el aromático
café en termos para la venta en las colas diarias de ida al trabajo y de vuelta
a casa, el cafecito en el negocio o servido en la modesta mesa familiar. Se
sirve de grafías, de tipos y de grecas representadas en dibujos ejecutados con
gran destreza”.
De igual forma asegura que Triviño cita precedentes
artísticos pero no los copia, como es el caso de la serie las Cafeteras de Alejandro Otero y del
magistral lienzo Las Meninas de Diego
Velásquez.
Francisco Marín, por su parte, abarca el
espacio social y psicológico alrededor del ritual del tomar café y de sentarse
en torno a una mesa en actitud de celebración,
sin ocuparse del objeto vinculado al producto.
Tal y como lo señala el crítico Carlos Maldonado, Francisco
Marín produce en su trabajo más reciente y apoyado en la investigación, su
propia serie de Las Meninas, con algo
de Warhol, pero más sutil y sugerente antes que impactante. “Al cambiar forma y
fondo a la misma figura, Francisco Marín remueve y suscita presencias y estados
emocionales. Todo por medio de transparencias, veladuras, texturas, el empleo
del collages y la escogencia de soportes plásticos cargados de significación
como carátulas de discos de colección”.
Salido del mundo de la ilustración y de la publicidad,
Francisco Marín se inició en las artes plásticas hace dos décadas y desde
entonces ha expuesto su trabajo de manera individual y colectiva en diversas galerías
y museos del país. Entre los reconocimientos que ha recibido figuran Mención
especial con la obra “Paraíso”, Gente de Petróleo PDVSA; Mención especial con
la obra “En Venezuela hay de todo”, Colectiva de Dibujo y Pintura Faber-Castell
Venezuela, Galería de Arte Nacional de Caracas, entre otros.
El público tendrá la oportunidad de apreciar la obra de
estos dos artistas en la exposición “Binomio-Café”
que se estará exhibiendo del 22 de mayo al 9 de julio. Exposición Fotográfica “De lo divino a lo profano”
En Fundación Celarg a partir del sábado 21 de mayo de 2016
(Prensa
Celarg,
16/5/2016).
La
exposición
"De lo divino a lo profano" que se inaugurará en la Sala
NG de la Fundación Celarg, el sábado 21 de mayo de 2016,
a partir
de las 4:00 p.m., mostrará una selección fotográfica de
trece
participantes egresados de los cursos de “Introducción
en la
construcción de la imagen fotográfica digital y sus
ámbitos
semióticos”, facilitados por el profesor Pedro Mujica,
durante el
año 2015.
Se trata de una
muestra
de fotografías de formato 8x10 presentadas por trece
participantes
que culminaron exitosamente los procesos formativos
emprendidos el
año pasado, en compañía del profesor Pedro Mujica, quien
sostiene
que “la exposición tiene como objetivo mostrar el logro de los
objetivos del taller y la diversidad de visiones fotográficas
y
humanas de sus participantes. Abarca diferentes tópicos que
van
desde lo religioso, culturas diversas, temas urbanos, cáncer y
sexualidad, entre otros”.
Añade el facilitador
que
“igualmente resaltamos que esta exposición servirá para
mostrar
además resultados tangibles del esfuerzo que llevó a cabo la
Fundación Celarg al abrir sus espacios para la formación de
nuevos
talentos y una nueva visión fotográfica humanista”.
Por su parte, Carolina Riobueno, participante del taller comenta sobre el título que dieron a la exposición lo siguiente: “Lo sagrado y lo profano forman un binomio antagónico en las profundidades del corazón humano, en la naturaleza falible, relativa y condicionada de nuestro ser. Podemos considerar lo humano circunstancialmente antitético de lo divino desde nuestro génesis. Hay algo que ata, amarra, atrae lo humano hacia lo divino y eso es lo sagrado, que se convierte en un puente entre la divinidad y la humanidad. Y así lo profano se presenta como antítesis necesaria de lo sagrado”.
Muestra Individual Frágil del Maestro
Víctor Hugo Irazábal
Sala Magis de Arte Contemporáneo de la Universidad Católica Andrés Bello_UCAB
Inaugura HOY 12/05/16 a las 11 am
Equilibrio, potente y sutil, de la
naturaleza
Texto curatorial de Valdivieso, la muestra de Víctor Hugo Irazábal se
impone como “un ecosistema plástico hecho in situ”, donde “la naturaleza
y el ser humano se deben, sin remedio, una al otro”.
La fértil fragilidad de Víctor Hugo Irazábal
@mariagfernandez
mas información
Exposición “Color en tres” de las artistas Elizabeth Cemborain, Marylee Coll y Lourdes Peñaranda
Curaduría de Susana Benko
Hasta el Domingo, 12 de Junio de 2016.
La Caja 2 del CCCH-Centro Cultural Chacao
Texto y fotografía Gladys Calzadilla
La imagen de
la acumulación de guacales vacíos con colores patrios de la artista Lourdes
Peñaranda recibe al visitante de la muestra en la sala. En otro espacio de la sala ubicamos el mural elaborado con cintas de colores diversos por la artista Marylee
Coll, que se relaciona con tejidos ancestrales. Al continuar el recorrido la
artista Elizabeth Cemborain presenta una pantalla con imágenes en movimiento tomadas
en la calle principal de Santa Lucía, en Maracaibo, estado Zulia, en Venezuela.
Esta imagen en su metamorfosis se difumina y pixela, para finalmente
convertirse en barras de colores que varían constantemente en su composición y en
la ubicación del color, que se hace físico.
En sala la
integración armónica del color en interacción con espacios para ser transitados
desde la instalación permite al visitante disfrutar de las propuestas de estas
tres artistas: Elizabeth Cemborain, Marylee Coll y Lourdes Peñaranda.
El hilo
conductor de estas propuestas, planteado por la curadora de la muestra Susana
Benko es el color que suscita emociones apoyando contenidos de significación
social.
Esta
exposición “Color en Tres” deja en el espectador un proceso reflexivo, con
respecto a las posibilidades que brinda el arte actual como espacio de
expresión.
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Exposición “Color en tres” en la foto obras de Marylee Coll "Colorama"
y Lourdes Peñaranda Venezuela sin título, Fotografía Gladys Calzadilla |
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Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía 1 y 2,
y Lourdes Peñaranda Venezuela sin título, Fotografía Gladys Calzadilla |
En esta ocasión
Elizabeth Cemborain con Santa Lucia transforma las imágenes captadas en video,
en el recorrido en la calle principal del barrio de Santa Lucía. En otras de
naturaleza imprecisa, para posteriormente hacer uso de composiciones
geométricas en movimiento. Esta propuesta se traduce en instalación en el
momento que involucra la gráfica en paneles impresos con tinta ecosolvente que
describen una composición abstracta geométrica.
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Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía, Fotografía Gladys Calzadilla
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Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía, Fotografía Gladys Calzadilla
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Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía, Fotografía Gladys Calzadilla
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Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía,
Fotografía Gladys Calzadilla
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Exposición “Color en tres” en la foto obras de Elizabeth Cemborain Santa Lucía,
Fotografía Gladys Calzadilla
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Marylee Coll
dispone cintas de colores diversos de nylon y realiza de forma ritualista su
disposición sobre el soporte, en este caso un muro, rememorando los tejidos
indígenas al hacer tramas cruzadas en parte de la composición en la obra
Colorama .
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Exposición “Color en tres” en la imagen fragmento de la obra Colorama de Marylee Coll,
Fotografía Gladys Calzadilla |
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Exposición “Color en tres” en la imagen obra "Colorama" de Marylee Coll,
Fotografía Gladys Calzadilla |
Para Lourdes
Peñaranda la observación del entorno en el recorrido por espacios cotidianos y
las posibilidades que brinda el tomar objetos cuya función es disponer en su interior
alimentos y colocarlos en sala con significado simbólico, acumulado, vacío y
descontextualizado relacionado con el hecho social. Esta propuesta define una
posición clara frente a la situación socio-económica actual.
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Exposición “Color en tres” en la foto fragmento de la obra de
Lourdes Peñaranda Venezuela sin título, Fotografía Gladys Calzadilla |
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Exposición “Color en tres” en la foto obras de Marylee Coll "Colorama"
y Lourdes Peñaranda Venezuela sin título, Fotografía Gladys Calzadilla
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“Color en
tres” se presenta en paralelo con la exposición “Efímeras”, la más reciente
investigación del maestro Carlos Cruz-Diez, ubicada en La Caja 1 del CCCH. Así
que con la visita de una exposición, es posible acercarse a la otra.
Pueden
visitar hasta el 5 de junio en La Caja 2 del CCCH, ubicado en la avenida
Tamanaco de El Rosal. Los horarios son de martes a sábado de 1:00 a 7:00 pm y
domingos de 11:00 am a 5:00 pm. Hay estacionamiento en el Centro Lido y en el
Centro Galipán.
Información
sobre la trayectoria de las artistas presentadas en esta Exposición:
Elizabeth
Cemborain
Caracas
(1959). Artista visual y arquitecto (UCV, 1982); Arte Puro (Escuela de Artes
Visuales Cristóbal Rojas, 1994); Taller de Dirección de Arte y Comunicación
Visual I (Metacarpo Producciones, Gran Cine, 2009). Desde 1994 ha realizado
varias muestras individuales en Caracas y Maracaibo, y ha expuesto en numerosas
muestras colectivas. Ha sido merecedora de varias distinciones en arquitectura
(Sofía, Bulgaria, 1987 y 1988) y fotografía (Caracas, 2006). Sus últimas
muestras individuales las realizó en GBG Arts, Caracas (2011) y en Viloria
Blanco Galería, Maracaibo (2015).
Marylee Coll
Caracas
(1957). Arte en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas, Caracas, (1985);
en Students Art League, Nueva York, (1986); y en la Accademia di Belli Arti di
Brera, Milano, (1988). Ha realizado importantes muestras individuales en
Venezuela y Colombia. Ha participado en varias exposiciones colectivas con
importantes reconocimientos como el Premio Harinjs Liepins, 58 Salón Arturo
Michelena, Ateneo de Valencia (2000). Sus más recientes exposiciones
individuales fueron Plástica, Galería La Cuadra, Caracas (2009) e Inanimados,
El Anexo | Arte Contemporáneo, Caracas (2013).
Lourdes Peñaranda
Maracaibo
(1964). Artista visual y arquitecto (LUZ, 1990); Magister en Arquitectura del
Paisaje (Rhode Island School of Design, USA, 1993); Magister y Doctora en Arquitectura, 1999 y
2011 respectivamente (Universidad Politécnica de Cataluña). Ha realizado
numerosas muestras individuales y participado en diversas colectivas nacionales
e internacionales. Participó en el programa del Global Institute en la 7th
Gwangju Biennale en Korea. Recibió la Orden al Mérito Artístico (LUZ) y el
Premio del Público Picglaze Photo Contest 2013, Madrid. Participó en el Art
Incubator (Singapore, 2014). Actualmente es Presidenta del Museo de Arte
Contemporáneo del Zulia.
Carlos Cruz Diez
Artista
franco-venezolano, Carlos Cruz-Diez (Caracas, 1923) vive y trabaja en París
desde 1960. Es uno de los protagonistas más relevantes del arte óptico y
cinético, corriente artística que reivindica “la toma de conciencia de la
inestabilidad de lo real”. Sus investigaciones lo revelan como uno de los
pensadores del color del siglo XX.
El
discurso plástico de Carlos Cruz-Diez gravita alrededor del fenómeno cromático
concebido como una realidad autónoma que evoluciona en el espacio y en el
tiempo, sin ayuda de la forma ni del soporte, en un presente continuo.
Las
obras de Carlos Cruz-Diez se encuentran en prestigiosas colecciones permanentes
como las del:
Museum of Modern Art (MoMA),
Nueva York
Tate Modern, Londres
Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris
Centre Pompidou, París
Museum of Fine Arts, Houston
Wallraf-Richartz Museum, Colonia
Tate Modern, Londres
Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris
Centre Pompidou, París
Museum of Fine Arts, Houston
Wallraf-Richartz Museum, Colonia
En
mis obras, el color aparece y desaparece en el transcurso del diálogo que se
genera con el espacio y el tiempo real. Simultáneamente, aparece de forma
incuestionable el hecho de que la información adquirida, así como los
conocimientos memorizados en el transcurso de nuestra experiencia vital, no
son, probablemente, ciertos… al menos parcialmente.
Es
posible, además, que gracias al color, abordado a través de una “visión
elemental” desprovista de significaciones preestablecidas, podamos despertar
otros mecanismos de aprehensiones sensibles más sutiles y complejos que los
impuestos por el condicionamiento cultural y la información masiva de las
sociedades contemporáneas
Carlos
Cruz-Diez en Reflexión
sobre el color, Madrid: Fundación Juan March, 2009 [ed. or. 1989]
http://www.cruz-diez.com/es/biografia/
Relatos Cómplices de Liliana Porter y Ana Tiscornia
BEATRIZ GIL galería
jueves 19 de mayo a partir de las 4:00 pm. a un encuentro con Ruth Auerbach
Clausura domingo 22 de mayo a partir de las 11:00 am.
En el marco de la semana de cierre de la muestra Relatos Cómplices de Liliana Porter y Ana Tiscornia, los invitamos a nuestra galería este jueves 19 de mayo a partir de las 4:00 pm. a un encuentro con Ruth Auerbach,
curadora de la exposición, con quien tendrán la oportunidad de charlar
sobre el interesante trabajo de las artistas expuestas. De igual manera
los invitamos al cierre de la misma que se realizará el día domingo 22 de mayo a partir de las 11:00 am.
Propuestas artísticas de Liliana Porter y Ana Tiscornia
dialogan en BEATRIZ GIL galería
Una
exposición en la que conviven las obras de dos importantes artistas
contemporáneas – Liliana Porter (Argentina) y Ana Tiscornia (Uruguay) –
será inaugurada bajo el título “Relatos cómplices”, el domingo 3 de abril a las 11:00 a.m. en la galería Beatriz Gil, bajo la curaduría de Ruth Auerbach.
La
muestra, que permanecerá en exhibición hasta el domingo 15 de mayo,
ofrece la oportunidad de apreciar en nuestro país la obra individual
inédita de estas creadoras de gran proyección internacional,
residenciadas en Nueva York, así como un conjunto de trabajos
desarrollados por ellas a cuatro manos.
Después de largo tiempo, Venezuela recibe nuevamente a Liliana Porter quien, desde 1969, expusiera su obra en los espacios del Museo de Bellas Artes de Caracas; Ana Tiscornia tenemos el placer de recibirla por vez primera en nuestro país.
Después de largo tiempo, Venezuela recibe nuevamente a Liliana Porter quien, desde 1969, expusiera su obra en los espacios del Museo de Bellas Artes de Caracas; Ana Tiscornia tenemos el placer de recibirla por vez primera en nuestro país.
La
selección individual de Lilana Porter la conforman una serie de
ingeniosas y singulares obras –entre pinturas y dibujos, fotografías e
instalaciones de objetos tridimensionales– en las que la artista “se
apropia de un repertorio de objetos e imágenes provenientes tanto de la
cultura popular como de la historia del arte, para configurar un
universo personal de fragmentos y de memorias que, a la vez, enuncian el
desarrollo de las ideas que le urge expresar”, según señala la curadora
Ruth Auerbach en el texto que acompaña la muestra.
“Mediante
su agudo sentido del humor y el manejo de una sofisticada ironía
especula en esa otra verdad, en esa presencia o apariencia inquietante
de sus objetos, más cercana a la ficción, a la poesía y a lo absurdo.
Asimismo, en la construcción del espacio representado, las figuras
idealizadas de juguetes y personajes que colecciona y clasifica por
géneros, operan como actores sustitutos de lo real, creando así un
sentido distorsionado de la identidad que subraya, implícitamente, lo
vulnerable de la condición humana”, escribe Auerbach.
Por
su parte, Ana Tiscornia “apela al vocabulario de la arquitectura y al
rigor de su formación intelectual para avanzar una reflexión crítica
sobre la problemática incierta del espacio habitado y las profundas
contradicciones surgidas entre la voluntad de construir y el
despropósito de la destrucción”, según explica la curadora.
Fundamentada
en el uso de una geometría rigurosa y flexible a la vez, que se
desarrolla a partir de la manipulación e intervención de diversos
materiales, Ana presenta en su propuesta individual, una singular serie
de estructuras que recrean una arquitectura que no es tal, “un diseño
que se materializa mediante el ensamblaje de tiras de cartón y el
collage de diversos elementos desechados (…) como recurso formal que
opera en la deconstrucción y progresiva reinvención de los espacios
habitables, percibidos como entidades metafóricas”.
Complicidad a cuatro manos
La exposición “Relatos cómplices”
incluye además un conjunto de obras realizadas a cuatro manos por
Liliana Porter y Ana Tiscornia, donde dialogan los discursos de cada una
de las creadoras, en un proceso de colaboración desarrollado desde el
taller que comparten y el arte público creado en asociación. “Un trabajo
en el cual la conciencia del impulso colaborativo plantea otras
interrogantes y aporta inéditos relatos, dando paso a otra narrativa
independiente”, afirma Ruth Auerbach.
En
estas obras, las pequeñas figuras y juguetes de expresivos rasgos que
identifican la propuesta de Liliana, intervienen con su mínima presencia
las frágiles estructuras o destrucciones de Ana, en una yuxtaposición
de ideas que se complementan o se contradicen. De acuerdo a la curadora,
el espacio de representación de Ana, proveniente del lenguaje
arquitectónico, se presenta aquí como un espacio real y específico
interrumpido por el advenimiento de la catástrofe, mientras que el de
Liliana señala un entorno amplio y etéreo en el cual las figuras se
aíslan y descontextualizan. “El espacio se revierte en un escenario si
se quiere ficcional, en el que las figuras nuevamente requieren de un
argumento dramático para narrar una nueva historia”.
Con
una amplia y reconocida trayectoria, Liliana Porter (Buenos Aires,
1941) ha expuesto individualmente en el Museum of Modern Art (MOMA) de
Nueva York, en los Museos de Bellas Artes de Caracas y Santiago de
Chile, en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, en el Museo de Arte
Contemporáneo de Panamá, en el Museo Nacional de Artes Plásticas de
Montevideo, en el Bronx Museum for the Arts de New York, Museo de Bellas
Artes Juan Manuel Blanes de Montevideo, así como en muchas otras salas y
galerías de Italia, España, Estados Unidos, Argentina, y Puerto Rico,
entre otros países. Asimismo sus obras están representadas en numerosas
colecciones públicas y privadas, entre ellas: TATE Modern Collection,
Londres, Reino Unido; Museum of Modern Art, Nueva York; Whitney Museum
of American Art, Nueva York; Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos
Aires, Argentina; Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela;
Philadelphia Museum of Art; La Biblioteque Nationale, París, Francia; La
Biblioteca Pública de Nueva York; Museo de Arte Moderno, Buenos Aires,
Argentina; Museo de Bellas Artes, Santiago, Chile; Museo de Arte
Moderno, Bogotá, Colombia; Blanton Museum, Austin, TX; Museo del Barrio,
Nueva York; Metropolitan Museum of Art, Nueva York; Smithsonian
American Art Museum, Washington DC; El Museo del Bronx de las Artes,
Nueva York; Museo Tamayo, México D.F .; Museo Nacional Centro de Arte
Reina Sofía, Madrid, España; Daros Collection Zúrich, Suiza; Museo de
Arte Latinoamericano de Buenos Aires; Museo de Brooklyn, Nueva York.
Ana
Tiscornia (Montevideo, 1951) ha exhibido su obra de manera individual
en el Museo José Gurvich de Uruguay (2013); Nora Fisch Galería en
Buenos Aires, Josee Bienvenu Gallery en Nueva Cork, Alejandra Von
Hartz Gallery en Miami, ARCO 09 en Madrid, Allegra Ravizza Art Project
en Milan, entre otras. Igualmente ha participado en muestras colectivas
en Estados Unidos, Costa Rica, Argentina, Uruguay, Cuba, Perú y
Colombia. Sus obras están representadas en numerosas colecciones
públicas y privadas, entre ellas: Museo Nacional de Artes Visuales,
Montevideo; Museo Municipal de Bellas Artes, Juan Manuel Blanes
Montevideo; Museo de San Juan, Argentina; Museo de la Memoria,
Montevideo; Museum of North Dakota, EE.UU.; The Illinois Holocaust
Museum and Education Center, Chicago, EE.UU.; Museo de la Solidaridad
Salvador Allende, Santiago, Jorge Perez, Miami, EE.UU.; Colección Sayago
y Pardon, Los Angeles, EE.UU.; Colección Benetton, Italia.
La
obra de estas dos importantes creadoras se estará exhibiendo del 3 de
abril al 15 de mayo en BEATRIZ GIL galería, ubicada en la Calle
California con Calle Jalisco, en Las Mercedes; en horario de lunes a
viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados de 10:00 a.m. a 4:00 p.m., y
domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.
Silencios Luminosos
Selección de Obras de Víctor Valera en la Galería de Arte Ascaso
Marzo 2016
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| Silencios Luminosos de Victor Varela, Fotografía Gladys Calzadilla |
Desde el silencio presenta
sus reflexiones grandilocuentes. Víctor Valera desarrolla un lenguaje personal
que denota investigación y perseverancia en un despliegue de posibilidades de
creación sumergidas en la abstracción y en el arte óptico. Se ausenta
físicamente un cinco de marzo del 2013, consciente de su partida prepara esta
muestra que indiscutiblemente lo hace presente y vigente.
 |
Cada creación respira colores intensos y formas que se complementan
con lo virtual, lo que la extiende en el espacio real. Pinturas murales,
collages tridimensionales y ensamblajes que describen con vehemencia el proceso
creativo del artista. La geometría modular, vivida, lúdica y lírica se
despliega con toda su gracia transfigurándose en sensaciones vibrantes. Esta
muestra destaca las posibilidades que con materiales diversos describen su
planteamiento, legado de su percepción visual.
El recorrido de la línea
entre los planos de colores que se activan ante la mirada del espectador en las
tres salas de la Galería de Arte Ascaso. Abren mundos de estructuras donde la
diversidad de opciones compositivas, el movimiento, el uso atrevido del color
en combinaciones asertivas e inesperadas, invitan al análisis y el disfrute
constante. El espectador se involucra, y se estremece ante elementos que lo
envuelven y descontextualizan en un reto constante.
Hombre romántico, sensible
y duro crítico consigo mismo, quien logra con dos honoris causa, el
reconocimiento social a la labor constante y visionaria en las artes. Cada paso
alcanzado demuestra su talento y capacidad de decisión. Su asertividad lo lleva
de una niñez de restricciones pero llena de vivencias que describe como mágicas
al mundo militar y es el político venezolano
Wolfgang Larrazábal quien le da la oportunidad de ampliar su formación
en las artes visuales, desde 1950 dedica parte de su tiempo a la Marina y a su
formación en la Escuela de Artes Plásticas en Caracas y luego en Maracaibo, su
tierra natal, donde tiene la oportunidad de conocer y compartir sus procesos
creativos con Jesús Soto quien fungía como director de la Escuela de Artes
Julio Árraga. Soto le apoya con un préstamo para pagar su viaje a París, lugar
en el que tuvo que trabajar para costear sus gastos, alcanzando una experiencia
que enriquece definitivamente su propuesta plástica al hacerse presente en los
talleres de arte Jean Dewasne y Víctor Vasarely así como en el de Fernand
Léger.
Al regresar a Venezuela,
por la disminución de capacidades físicas de su madre, lo hace en plena
dictadura. Su visión lo impulsa a escoger el hierro como material escultórico y
como tendencia elige el arte moderno, lo que lo catapulta como artista. En 1955
participa en el Proyecto de Integración de las Artes del arquitecto Carlos Raúl
Villanueva de la Ciudad Universitaria de Caracas. De allí comienza a participar
en exposiciones nacionales e internacionales, alcanzando innumerables premios y
reconocimientos Premio Nacional de Escultura, Primer Premio de Escultura Salón
D´Empaire, Primer Premio de Escultura, Premio I Salón de Arte Abstracto. De
1961 y 1962 data su primera exposición individual Pintura y Escultura en el
Colegio de Ingenieros, participa en el I y II Salón Arturo Michelena de
Valencia. Seis años después viaja a Estados Unidos invitado por ese gobierno para
recorrer numerosos museos y talleres. En 1982 es presentada la obra
Desplazamiento Perforado, que integraría el espacio exterior de la estación
Parque del Este (hoy Miranda) del Metro de Caracas. Se trata de tres círculos
instalados en monolitos de concreto que dialogan con el paisaje caraqueño. En
los años más recientes su obra ha sido expuesta en varias ocasiones: Recorrido
inverso al instinto (2005), Módulos y cuadrantes (2006), Entre líneas, módulos
y cuadrados (2007-2008) y Punto y línea (2011). Entre 2002 y 2009 se le otorgó
el título Doctor Honoris Causa por la Universidad Católica Cecilio Acosta,
Maracaibo, y el mismo título por la Universidad Central de Venezuela.
Ejemplo de tenacidad y
talento desplegado durante sesenta años de labor ininterrumpida. Logra un nuevo
reconocimiento con esta muestra, desde la reflexión sobre su obra y legado seleccionando
aquello que en su trayectoria lo mantiene en el latido del corazón de las artes
plásticas. Hasta siempre maestro Víctor Valera.
Gladys CalzadillaPiel de Selva
Etnia Ye`Kwana
Curaduría de Mariapia Bevilacqua y Ariel Jiménez
Sala Mendoza
Domingo 17 de abril, a las 11:00 am.
La Sala Mendoza continúa su programación expositiva. En Sala Principal tendremos la muestra Piel de Selva, bajo
la curaduría de Mariapia Bevilacqua y Ariel Jiménez. Esta muestra reúne una
amplia selección de piezas de diversa naturaleza realizadas por la etnia
Ye`Kwana, para así acceder a la fuerza simbólica del mito, los saberes
ancestrales, la concepción del universo y las nuevas formas de hacer de esta
cultura desde la apreciación artística.
Así mismo, se presentará una selección de fotografías de
Bárbara Brändli y Mariapia Bevilacqua, quienes retratan en dos tiempos, la
cotidianidad de este grupo indígena.
Piel de selva fue inaugurada en
la Sala Mendoza de la Universidad Metropolitana, en su aniversario número sesenta. Su clausura será el 2 de julio.
Esta
revisión del mundo de los yekuana agrupa manifestaciones como la
cestería, la talla en madera, instrumentos de uso cotidiano, elementos
ornamentales –como plumarios– y armas rituales. Son más de cien piezas
pertenecientes a la Colección Acoana y la Colección Carolina y Fernando
Eseverri. Objetos e imágenes tomadas, en la
zona del río Caura y en el Alto Orinoco por la
fotógrafa de origen suizo Bárbara Brändli desde 1964 hasta 1968 y por Bevilacqua desde 2003.
De
esta manera se genera un coloquio visual sobre las
transformaciones culturales que ha vivido la comunidad indígena ¿Cómo los objetos artesanales y domésticos pasaron de ser elaborados por
los hombres, por la necesidad de buscar medios de subsistencia económica, a ser
creados por las mujeres, quienes tomaron parte de la simbología
masculina y le dieron otras características.
Como parte de la exposición habrá una
serie de conversatorios. Se realizarán entre el 10 y el 19 de mayo en la
Sala Mendoza, a las 2:30 pm y con entrada gratuita. El último día se
proyectará el filme Dauna, lo que lleva el río de Mario Crespo.
Piel de selvaSala Mendoza, Universidad Metropolitana
Horario: de lunes a sábado, de 8:30 am a 5:00 pm
Entrada libre
Horario: de lunes a sábado, de 8:30 am a 5:00 pm
Entrada libre
Exiliados y Otros palos
Muestra individual de Josefina Núñez
Por su parte, en Librería, se inaugura Exiliados y Otros palos, muestra individual de
Josefina Nuñez en donde el encuentro de dos materiales - el palo santo y la
plata dan vida a una serie de objetos-esculturas y objetos-joyas que narran historias
de exilio y memoria.
Sala Mendoza
Universidad Metropolitana
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