Erwin Gonzalez exposición Generación XXI PDVSA la Estancia Sala 2
Erwin Gonzalez Blog oficial
Mi vida en el fondo del mar. hierro forjado. 38 x 23 x 21 cm. 2005
Primera Retrospectiva a GEGO en Francia
París rinde homenaje por primera vez a la
escultora venezolana Gego, a partir del 14 de febrero, donde la Maison
de l'Amérique Latine le dedica su primera retrospectiva en Francia.
En
París podrán verse 41 piezas, 39 de ellas cedidas por la Colección
Mercantil de Caracas, institución coorganizadora de la muestra, y seis
obras de la serie "Chorros", cedidas por Bárbara y Tomas Gunz
París reunirá ahora un conjunto representativo
de las grandes etapas de su trabajo, desde sus dibujos y grabados a
sus obras tridimensionales, caracterizadas por la utilización singular
y poética del espacio y la línea, que sitúan al espectador en el
centro de una experiencia física y sensorial
El descubrimiento europeo de la escultora venezolana Gego,
considerada como una de las más grandes figuras latinoamericanas del
arte del siglo XX, llegará a París a partir del 14 de febrero, donde la
Maison de l'Amérique Latine le dedica su primera retrospectiva en
Francia.
Prosigue así la revelación
del trabajo tan sutil y delicado como inclasificable de esta artista
de origen alemán, a quien el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona
(MACBA) dedicó la primera gran antológica en Europa en 2006.
París reunirá ahora un conjunto representativo de las grandes etapas de
su trabajo, desde sus dibujos y grabados a sus obras tridimensionales,
caracterizadas por la utilización singular y poética del espacio y la
línea, que sitúan al espectador en el centro de una experiencia física y
sensorial.
Hasta el próximo 14 de mayo, distribuidas en nueve
salas, podrán verse 41 obras, algunas de sus emblemáticas
"Reticuláreas", estructuras etéreas y laberínticas de hilos de hierro
suspendidas en el espacio, de sus "Troncos", "Cuerdas", "Chorros" y
"Esferas", y también de sus "dibujos sin papel" y sus posteriores
"Tejeduras".
Gego (1912-1994), cuya actividad más sólida
empieza en los años 60, "estaba bajo la influencia del neoplasticismo" y
se distanció radicalmente de la obra cinética, explicó a Efe la
comisaria de la muestra, Tahia Rivero.
Su obra, añadió, es
todavía poco conocida en Europa, "porque comenzó tarde" a desarrollar su
carrera y porque en un principio fue "poco divulgada por su entorno",
ya que, a diferencia de muchos artistas conocidos, "no sentía la
necesidad del éxodo, sino que, al contrario, quería vivir en Venezuela".
Justamente, agregó, sus herederos "están haciendo hoy día un excelente
trabajo, pues, mientras ella vivía, hacía muy pocas exposiciones
fuera".
Hasta principios de los años 50, la artista fundó y
regentó un taller de diseño y creación de lámparas, y en 1952 conoció a
quien sería su segundo compañero, Gerd Leufert, quien le animó a
lanzarse a una prolífica actividad artística.
A finales de la década, esa nueva actividad desembocó en sus primeras esculturas y le llevó también a la enseñanza.
Ya entonces, a diferencia de otras grandes figuras del arte
latinoamericano, Gego, seudónimo formado con la contracción de las
cuatro primeras letras de su nombre y apellido, Gertrud Goldschmit,
conocía muy bien Europa por haber nacido en Hamburgo (Alemania).
La artista había emigrado a Venezuela a los 27 años, en 1939, al año
siguiente de haber obtenido su diploma de Arquitectura e Ingeniería en
la Universidad de Stuttgart, y cuatro años después de que el régimen
nazi le retirase su nacionalidad.
"Se fue obligada prácticamente por su familia y ayudada con patrocinio de la comunidad judía", explicó la comisaria.
Primero viajó a Londres, pero, al no lograr obtener permiso de residencia en el Reino Unido, siguió su camino hacia Caracas.
"Su llegada a Venezuela fue casual; se fue para allá sin saber la
lengua, por ser el único sitio donde tenia algo seguro", indicó Rivero.
En París podrán verse 41 piezas, 39 de ellas cedidas por la Colección
Mercantil de Caracas, institución coorganizadora de la muestra, y seis
obras de la serie "Chorros", cedidas por Bárbara y Tomas Gunz, hijos del
primer marido de la escultora, precisó.
La exhibición fue
montada por primera vez en 2012, cuando la Fundación Gego invitó a
varias organizaciones a participar en el centenario de su nacimiento, y
"solo ha sido vista hasta ahora en Caracas", resaltó Rivero.
Domingo 9 de febrero, 11 am
Exposición "Alegría" de Ramón Maldonado, Galería Trazos
Ramón de Jesús
Maldonado se forjó a sí mismo en esto de las artes plásticas. Agradece
que un día, siendo adolescente, se fue la energía eléctrica mientras
veía televisión. Pero, al mismo tiempo se le encendió una luz al
encontrar los libros de arte en la biblioteca de su casa en Trujillo. A
partir de ese momento, no ha dejado de investigar hasta definir un
estilo único en su plástica, alegre, colorida y brillante, inspirada en
las fiestas criollas tradicionales.
Con una obra
presente en tres continentes, se ha convertido en un reconocido artista
internacional del Arte Naif Tropical Contemporáneo, también llamado arte
ingenuo o popular.
Maldonado es el ganador del Premio
Único de Arte Popular otorgado por la Galería de Arte Trazos, con
motivo de la V Bienal de Escultura. El jurado conformado por el crítico
de Arte Perán Erminy, y los maestros de la Escultura Max Pedemonte y
Noemí Márquez otorgaron el premio por su obra "Ganó mi gallo", inspirada
en una de las viejas tradiciones folklóricas y festivas de los pueblos
latinoamericanos y caribeños, "representada con el uso de técnica pulcra
y virtuosamente atractiva".
El domingo nueve de
febrero, a las 11 de la mañana, será inaugurada la exposición "Alegría"
para mostrar ésta y otras 20 obras. Y, si hay un tema que se aprecia en
su obra, es la alegría. "Siempre he querido pintar cosas lindas,
alegres" resume. "De joven me inspiré en los grandes, Picasso, Rembrand,
Monet, Dalí. Era la época en que llegaban las noticias de Vietnan, y yo
quería cambiar esa visión del mundo que me llegaba".
Maldonado
afirma "No es secreto que en Venezuela estamos en un des confort
emocional fuerte por el mal entendimiento de los venezolanos, los de un
bando y del otro. He tenido la suerte de que mi obra gusta a todos
porque todos quieren tener obras que representen la alegría en sus
casas".
En la exposición individual en la Galería
Trazos el público podrá ver los personajes de Las Locainas, que narran
la fiesta de Los Zaragozas, celebrando el día de los santos inocentes.
Las representaciones de las festividades de La Burriquita, El Guarandol…
El Carite, el personaje de San Pedro en la Fiesta de Guatire, entre
otras.
Dirección de la Galería Trazos: Centro Lido, Nivel
Miranda, local M−17, Av. Francisco de Miranda, Urbanización El Rosal,
Municipio, Chacao, Caracas.
www.galeriadeartetrazos.blogspot.com
Yoima Varela moldea la fragilidad de un sentimiento
La diseñadora inaugura mañana "De todo corazón" en la galería Art3.
La creadora venezolana expone una muestra de esculturas e instalaciones (Nicola Rocco)
JESSICA MORÓN
| EL UNIVERSAL
sábado 8 de febrero de 2014 09:30 AM
Para Yoima Varela (1980) el
amor no es color de rosa. Sus corazones se revisten de alambres,
alfileres, flores artificiales, retazos de tela y hasta santos. Quizás,
porque amar en estos tiempos se ha vuelto un acto de fe. "Aquel que se
ha enamorado, lo sabe. Aunque la desilusión y el desencanto no son parte
del amor de pareja nada más. También se experimentan entre familia y
con la amistad", comenta la diseñadora venezolana que inaugura mañana la
muestra De todo corazón en la galería Art3 de Las Mercedes.
Una
instalación, doce esculturas y tres robots, más que un sentimiento,
evocan una sensación. "Me aprovecho de la forma y la trabajo en
distintos materiales. Combino texturas chocantes y colores alegres para
suscitar impresiones", explica la creadora de 33 corazones.
La
instalación agrupa en la pared más de una veintena de esa figura curva,
en pequeño formato. Corazones envueltos en flores, forrados en tela y
encaje, atravesados con alfileres y cubiertos con alambre, integran la
exposición.
En la serie Cóncavos, esculturas de gran
formato representan el icono del amor en fibra de vidrio, plástico y
madera. Tres piezas que retratan la fragilidad, dureza y debilidad que
provoca el acto de amar.
Los morochos -una obra
compuesta por dos robots, uno de acrílico y otro de hierro- le
proporcionan amparo y luz a un sentimiento. "Son máquinas a base de
circuitos que se encienden. Les coloco un corazón dentro para
humanizarlos. Por más vanguardista y avanzada que sea la tecnología, no
hay un aparato que sustituya los afectos", dice Varela.
La
artista visual confiesa que los corazones todavía no se han convertido
en una obsesión. No descarta que la figura que la ha acompañado desde
sus inicios pueda emigrar en algún momento. "O tal vez mutar, mi deseo
es crear".
jmoron@eluniversal.com
La urbe hipotética de Medina
La muestra "Futuro Pasado Presente"
inaugura mañana en Carmen Araujo Arte.
El creador venezolano construye una Caracas ficticia sobre fórmica y cerámica (Georgina Svieykowsky)
JESSICA MORÓN
| EL UNIVERSAL
sábado 8 de febrero de 2014 09:24 AM
Referentes arquitectónicos al
borde del colapso. Edificios, construcciones y monumentos entregados al
descalabro. Un paisaje a punto de sucumbir, anhela subsistir ante los
embates del tiempo y el espacio.
Daniel Medina (Caracas, 1978)
recurre a elementos urbanos para esbozar un panorama fantástico. El
artista visual yuxtapone imágenes de un pasaje cotidiano y las proyecta
en un futuro inmediato. "Cuando pensamos en Caracas siempre imaginamos
el retrato de una urbe a futuro, pero cuando la recordamos en el
presente quisiéramos volver al pasado", dice el creador venezolano que
inaugura mañana la muestra FuturoPasadoPresente en la galería Carmen Araujo Arte, ubicada en la Hacienda La Trinidad.
La
exposición contempla 'fotografías' de una metrópoli donde los puntos
cardinales no están distantes. Un lugar geográfico donde el este y el
oeste se fusionan y hasta se comunican en un mismo terreno. En sala, una
serie de grabados sitúa el Obelisco de Altamira frente a la parroquia
23 de Enero, el Helicoide junto al Hotel Humboldt y La estatua de la
libertad resguarda la cárcel de Tocuyito. "Porque las ideas mutan a
través del tiempo. Las necesidades que propiciaron la construcción de
nuestros monumentos vienen de un deseo utópico. Hay obras que más bien
surgieron por capricho del Estado", comenta el también pintor egresado
del antiguo Instituto de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando
Reverón.
Siete monumentos plasmados sobre papel de algodón
(mediano formato) y dos sobre fórmica (gran formato), intentan perpetuar
el recuerdo de una urbanidad impoluta en la memoria. "Utilizo la
técnica del grabado en un intento por simular el hecho de tatuar o
imprimir algo en tinta indeleble, para que no se consuma en el tiempo y
quede condenado al olvido", explica el escultor que cursó también
estudios en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas.
"Los
trabajos de Daniel Medina terminan acusando a través del juego, la
realidad en la que vivimos. En una ciudad que (re) construimos
imaginariamente para negar el caos", reseña Ricardo Sarco Lira en el
catálogo de la muestra.
El creador construye una Caracas
idealizada sobre fórmica y cerámica. Medina evoca el carácter no
perecedero del material sobre el cual esboza su boceto de ciudad. "Este
es mi paisaje ficticio, repleto de posibilidades. Con espacio para
reconstruir y desconfigurar", concluye.
jmoron@eluniversal.com
El próximo domingo 16 de febrero, a las 11.00 a.m., el Museo de Arte
Popular de Petare Bárbaro Rivas siente satisfacción y orgullo en iniciar
las celebraciones de sus 30 años de
labor ininterrumpida y del 393 aniversario del Pueblo de Petare con la
exposición Petare - De Civitate Dei de Miguel von Dangel. En 30 obras
inéditas, cuya inspiración está basada en el texto homónimo de San
Agustín (La ciudad de Dios), el artista, que ha permanecido fiel a su
concepción trascendente del arte, honra al pueblo con el que ha estado
vinculado por más de sesenta años. Igualmente la muestra presenta
algunos libros de la Serie Desesperanto.
La inauguración contará con la participación del coro de cámara
Entrevoces, dirigido por el profesor Francisco Zapata, que interpretará
piezas del renacimiento y populares.
Miguel von Dangel (Bayreuth, Alemania, 1946), ha vivido desde 1950 en
Petare, residiendo actualmente en su casa-taller del barrio El Dorado.
Premio Nacional de Artes Plásticas en 1991 y Premio de la exposición
"Eco-Art", Río de Janeiro en 1992, su obra ha participado en la Bienal
de Sao Paulo, Brasil, en 1983 y en la Bienal de Venecia, Italia, en 1994
con la obra monumental La Batalla de San Romano. Entre sus exposiciones
individuales resaltan: Sociedad Maraury, Petare, 1965; Galería Espiral,
1966; Galería 22, 1969; Galería El Ave que Llovía, 1972; Galería Félix,
1982; Sala Mendoza, 1982; Galería Sotavento, 1986; Galería Artisnativa,
1987, 1988; Centro Armitano Arte, Caracas, 1989; MACCSI, 1990; Museo de
Arte Contemporáneo Mario Abreu, Maracay, estado Aragua, 1993;
Exposición Antológica 1963-1993, GAN, 1994.
La exposición Petare - De Civitate Dei de Miguel Von Dangel permanecerá
abierta al público del 16 de febrero al 04 de mayo. Horarios: Lunes a
viernes de 9.30 a.m. a 12.00 m. y 1.30 a 5.00 p.m. / Sábados y domingos
de 10.00 a.m. a 4 p.m.
Para visitas guiadas y talleres, contactar a la Unidad de Educación del
Museo de Petare por el 0212-8801608.
Síguenos por nuestras redes: Facebook: Museo de Petare Bárbaro Rivas;
Twitter:@museodepetare
Blog: www.fundalamas.wordpress.com; Correo-E: museopetare@gmail.com
Experimentos ajenos con color
Jaime Gili inaugura "Droits de succesion"
Oficina #1. Los Galpones
El creador venezolano, residenciado en Londres,
le da otra lectura a "lo acabado" (Oswer Díaz)
Jaime Gili (Caracas, 1972)
solía dormir junto a una gran mesa de dibujo. Además de compartir cuarto
con su hermano, el mobiliario artístico de su padre ocupaba parte de la
habitación en la que su progenitor, pintó un imaginario ajeno. "Mi papá
nunca tuvo mucho dinero para comprar obras, así que las copiaba. Tenía
una sensibilidad artística pero le faltaba el empuje de un pintor; él
era diseñador. Recuerdo que con un rapidrograf se sentaba a reproducir
la obra de Mondrian", comenta el artista visual que optó por
experimentar en carne propia eso que cualquiera tildaría de "usurpar".
En la muestra Droits de succession que
inaugura el domingo en la galería Oficina #1, el creador se apropia de
la obra de Carlos Cruz-Diez, Marcel Floris, Max Bill y Morellet "en
tono conversacional. Detesto escuchar eso de 'Jaime Gili interviene
piezas de otros artistas'... Esta es mi manera de dialogar con algunos
de los que ya no están. Se trata de experimentar, es necesario probar
ideas, pero más importante es poder escoger bien o retractarse a
tiempo", dice el creador que trabajó sobre 11 serigrafías y una
intervención. Las piezas originales datan de los años 70, cuando negoció
con una galería alemana para adquirir pruebas de estado y los restos de
un viejo stock con obras de artistas venezolanos y extranjeros, quizás
condenadas a algún rincón.
"El plan, si es que lo hay, es
trabajar sobre estas obras gráficas 'acabadas'. Tiene que ver con la
idea de cómo me enfrento a un espacio en ocasiones para completarlo,
para continuar trabajándolo. No sé si está bien o mal, no sé realmente
qué pasa, estoy en búsqueda de reacciones... Habrá quien lo considere
abominable, otro pudiera valorarlo más y aferrarse a la necedad de tener
dos obras en una", comenta el también interventor del espacio urbano.
¿Alguna
vez pensó en trabajar sobre la obra de su papá?, se le pregunta. "Jamás
me atreví a tocar sus copias. Él hubiese dicho que era una falta de
respeto", responde Gili.
El pintor incorpora su trazo en
acrílicos, lápices y wash a la obra geométrica. "A las de Floris quise
darles tonos fluorescentes, su obra es muy plana y neutra. Había un
grosor en las serigrafías de Morellet y una cierta cosa con el papel que
me motivó a dibujarla con lápiz", explica.
"Tengo que sentirme
cómodo, no quiero pensar que es una intromisión. El Cruz-Diez, por
ejemplo, me intimidó. Pero no deja de resultar provechoso, es curioso,
porque haciendo todo esto acabe aprendiendo de todos estos artistas y su
forma de trabajar, por ahí fue un buen experimento", afirma.
Gili creció viendo dos reproducciones exactas de las Constelaciones de Miró, colgadas
en la entrada de su casa y reproducidas por su papá, un diseñador con
alma de pintor. El mismo que jamás se atrevió a mostrar al mundo esa
ingenua y bienintencionada usurpación.
El artista no reniega de
esa herencia. Sus ansias las desahoga en lienzos ajenos. "Los buenos
apostadores persisten en su juego hasta que creen conocer todos los
secretos(...). Cuando contemplo el trabajo de Jaime Gili lo imagino
volando como Peter Pan, dejando un rastro fulgurante que nadie puede
encerrar o atrapar", concluye Federico Vega, autor del texto en sala.
Teresa Mulet hurga en las palabras para discenir sobre la violencia
Durante dos meses se expondrá el trabajo de Mulet en la ONG | FOTO LEONARDO NOGUERA
La diseñadora considera que el lenguaje perdió su poder y se quedó mudo ante las cifras rojas que enlutan al país
28 de enero 2014 - 12:01 am El Nacional
Teresa Mulet hizo un nuevo
paréntesis en su producción artística como diseñadora e investigadora de
la tipografía, para hablar a través de su obra sobre la situación del
país. Hace dos años alzó la voz contra la criminalidad en Cada-ver-es. Cada-vez-más y ahora, saturada por los altos índices de violencia, vuelve a gritar en Tipo inútil, en la Organización Nelson Garrido.
La
artista usó la figura del oxímoron (dos términos de significados
opuestos en una misma estructura sintáctica) para hacer una metáfora de
la nación, que para ella es una sociedad llena de contradicciones en la
que pareciera no haber conexión entre la realidad y el lenguaje.
Una
de las piezas principales de la exhibición, elaborada en lona, está
integrada por los vocablos “Palabra” y “Silente”, sobre la cual se
superponen otras como “Asamblea” y “Parlamento”, que se pierden entre
las capas de tela. La intención es recrear una imposibilidad, la
duplicación de la paradoja.
“En las palabras escondemos dolor o indiferencia. La denominé Palabra silente
y para evidenciar todo su contexto la relacioné con otras formas:
discurso silente, manifestación silente, rumor silente, prensa silente,
escuela silente, familia silente. Cuando esto pasa, como en Venezuela,
entonces el instante es eterno y el silencio ruidoso”, expresa Mulet.
La exponente además creó un alfabeto, Doble-Desdoble,
formado a través de letras superpuestas que reiteran las palabras
duales que afirman y niegan como “entrar saliendo”. “Es un abecedario
inútil, pero quizá nos permita comunicarnos de otra manera porque al
parecer tenemos la capacidad de hablar, pero no lo hacemos”, señala.
Una
segunda parte de la exhibición está integrada por obras elaboradas con
números, pero no son dígitos cualesquiera. Son las cifras que compartió
el Informe del Observatorio Venezolano de Violencia sobre las muertes
ocurridas en 2013.
“En una enorme
hoja están impresos los números desde el 1 hasta el 24.763 (que fue el
total de fallecidos). Las palabras pareciera que perdieron su poder y
quedaron mudas, y las cifras llevan la voz, pero no las entendemos.
Intento hurgar en la materia, para ver si desde este lugar podemos
evidenciar el sinsentido de observar cómo las carrozas fúnebres pasan
frente a nosotros y no hacemos nada, solo nos apartamos. Creo que nos
falta comprender que lo que ocurre depende de cada uno de nosotros y no
solo de los líderes. Ellos distraen las responsabilidades personales y
las dejan suspendidas en un lenguaje demagógico que solo da falsas
esperanzas”, asegura la diseñadora, que también expone otras obras
críticas como las vocales y consonantes del Himno Nacional esparcidas en
el piso. “Ellas reclaman y evidencian que estamos cansados de la espera
inactiva”, agrega.
Teresa Mulet. Tipo inútil
Organización Nelson Garrido. Avenida María Teresa Toro, residencias Carmencita, Los Rosales
Carlos Medina escultor en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia - Maczul
Hasta Marzo 2014
Para darle
continuidad a la celebración por su 15º aniversario, el Museo de Arte
Contemporáneo del Zulia (Maczul) recibe en su Sala 4 la muestra
expositiva Esencial, la evolución de la escultura sin bases hacia el
muro o el espacio a través de instalaciones únicas, una propuesta del
artista venezolano Carlos Medina.
Esencial
reúne dibujos, esculturas e instalaciones de este creador
barquisimetano, obras que nos sumergen en un mundo de principios
razonados y de extrema precisión, un mundo donde el más remoto azar o la
más mínima improvisación no tienen lugar. En las obras de Medina, la
materia prima es fundamental y la ejecución de las piezas es impecable.
Esta muestra expositiva, que se estará exhibiendo hasta mediados de
marzo de 2014, es una invitación a descubrir formas esenciales y a ser
testigos de la subjetividad intrínseca contenida en el rigor geométrico.
Lugar: Sala 4 del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia.
Carlos Medina Escultor - Instalación Gotas
Fotografía Gladys Calzadilla.
En su camino hacia
las formas abstractas esenciales, Carlos Medina va haciendo cada vez más suya
esa zona ambigua entre razón y libertad, donde el buen arte se mueve
holgadamente.
María Elena
Ramos.
Carlos Medina - Neutrinos
Carlos Medina - Esencial, Fugas, en el Maczul
Las modernas
geometrías más que sistemas de medición son actualmente consideradas como
formas de la lógica, tal vez eso invita al artista a la cuadratura del círculo
que no puede sorprender cuando la ciencia habla hoy de un cosmo de membranas y
un mundo de sistemas de diez u once dimensiones.
Soto
Carlos Medina - Esencial, Fugas, en el Maczul
Carlos Medina, gotas (móviles) instalación en varas de acero inoxidable y nylon.
La piedra, el
hierro, el mármol, el granito, el acero, el papel, compañeros de vida y arte de
Carlos Medina, le han abierto caminos desde sus primeros días como escultor.
La transformación
formal y conceptual de una forma geométrica, podría definir la trayectoria de
un artista como Carlos Medina. Siendo esta transformación la base de sus
planteamientos estéticos, las series escultóricas que trabaja están inscritas
en una nueva manera de plantearse la tridimensionalidad (…)
Carlos Medina superficie blanca en el Maczul
Carlos Medina gotas en el Maczul
La curiosidad
investigativa y necesidad reflexiva de Medina le ha conducido a crear técnicas
fuera de lo convencional y a dominar materiales no convencionales (…)
Medina advierte
su trabajo escultórico, como realizaciones siempre preconceptuadas y luego materializadas
en la línea que va de lo material a lo esencial.
Se refiere
entonces a “lo esencial” al Minimalismo puro que explica el proceso plástico de
los últimos años, con propiedades físicas y estéticas definidas por lo formal y
lo conceptual.
Es decir que
material, técnica e idea conforman un planteamiento unitario; que en función de
sus exigencias le conduzcan al logro de un resultado de altísima calidad
estética y estructural.
Fragmentos de
texto “De lo Material a lo Esencial” , por Bélgica Rodríguez, Caracas 2013.
Clausura de la Exposición
GEGO sobre papel, el trazo transparente.
Museo de la Estampa y el Diseño "Carlos Cruz Diez" Sala 1A,
Domingo 26 de enero, 11 am,
Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez
Avenida Bolívar entre Calle Sur 11 y Este 8. Paseo Vargas, Caracas.
Central 0212-571.24.01 Fax 0212-572.14.76
F. museoedccd T. @museocruzdiez
Exposición Colectiva ENTRE LÍNEAS
Artista Invitados:
Ben Abounassif
Álvaro Fernández
Flix
Augusto Marcano
Alberto Riera
Horario: Martes a Sábado de 11am a 6pm
Domingos de 11am a 4pm
Centro de Arte Los Galpones, Galpón 12, 8va. Transversal con Avenida Ávila y Calle Ávila B, Urbanización Los Chorros - Caracas.
El adorador de la imagen de Lucía Pizzani y
Pares mínimos. Collages de
Rafael Castillo Zapata.
Sala Mendoza , domingo 26 de enero, de 11 am a 3 pm.
La Fundación Sala Mendoza tiene el placer de invitarlos a la inauguración de las exposiciones que estrenan el 2014.
En la sala principal inaugura El adorador de la imagen de Lucía Pizzani, muestra individual de esta joven
artista ganadora de la más reciente edición del Premio Mendoza (2012).
En esta ocasión, Pizzani exhibe el resultado del trabajo desarrollado
durante la residencia en el Centro de producción e investigaciones en
artes visuales Hangar, ubicado en Barcelona, España.
A su vez, en el espacio de Librería, se presenta Pares mínimos. Collages de
Rafael Castillo Zapata. La muestra es una oportunidad de apreciar el
manejo del lenguaje plástico por parte de este reconocido escritor
venezolano, quien mediante el collage como técnica, demuestra una pulcra
cualidad en la composición a través de la sobriedad del color y de las
formas duales.
Finalmente, en los espacios de Mezzanina y del Centro Documental se
inicia la conmemoración de los 20 años de este centro de investigación
con una selección de carteles y catálogos que forman parte de la
historia de la Sala Mendoza y de su tradición editorial.
Será un gran placer para el equipo de la Sala Mendoza compartir con
ustedes estos proyectos expositivos. Los esperamos el domingo 26 de
enero, de 11:00 am a 3:00 pm.
Individuales y nuevos espacios marcan la agenda del año 2014
La Sala TAC celebrará el centenario de nacimiento de Gerd Leufert | Foto Archivo
A pesar de que las salas abrirán sus puertas en enero, febrero será el mes de las inauguraciones
Después de unos días de descanso
por las vacaciones navideñas, la mayoría de las galerías y salas
expositivas de la ciudad reanudarán las actividades la próxima semana.
Muchas son las expectativas porque, a pesar de que cumplieron sus metas
en 2013, el balance no fue tan positivo como en anteriores años.
En
2014, los artistas se enfrentan, entre otras cosas, a la falta o
difícil adquisición de materiales para desarrollar sus producciones
artísticas. Asimismo, a la dificultad de los centros de exposición para
conseguir pinturas para las paredes o marcos para las obras.
A
pesar de las dificultades el calendario ya está armado y principalmente
está integrado por individuales. Odalys Galería de Arte mantendrá hasta
el 26 de enero la exposición del artista alemán Uli Westphal, Human Nature. El 9 de febrero ofrecerán el montaje de Los ocultos,
con tres artistas españoles: Antón Lamazares, Antón Patiño y Menchú
Lamas. Durante el año presentarán fotografías de Carlos Eduardo Puche y
las obras de la italiana Irina Novarese. En la sede de España, exhibirán
las Columnas policromadas de Mateo Manaure y en junio ofrecerán
una exposición del guitarrista de The Rolling Stones, Ronnie Wood, y el
artista venezolano Abdul Vas. La inauguración contará con la presencia
de los integrantes de la mítica banda.
El
próximo mes la Sala TAC montará una exposición fotográfica de Alfredo
Armas Alfonzo, curada por su hijo Ricardo Armas. El centro también tiene
programada una muestra con ocasión del centenario de nacimiento de Gerd
Leufert y otra de Nedo, pionero del diseño gráfico venezolano.
Carmen
Araujo Arte comienza sus actividades en 2014 con una individual de
Daniel Medina, que será inaugurada el 9 de febrero. GBG Arts ofrecerá
una exposición de Harry Abend con textos de Federica Palomero y otra de
Ricardo Benaím.
El Ateneo de Caracas
organiza para febrero una muestra de Ricardo Jiménez. También el próximo
mes, Oficina #1, en el Centro de Arte Los Galpones, inaugurará una
exhibición de Jaime Gili. En 2014 presentarán también una colectiva de
piezas intervenidas sobre obra gráfica de artistas como Carlos
Cruz-Diez.
En marzo, La Caja del
Centro Cultural Chacao hará un montaje con obras de Oscar Molinari y
Gabriela Gamboa. La galería Okyo tendrá individuales de Yosman Botero y
de Claudio Gallina.
El miércoles
reanudan sus actividades tanto la galería Freites como D’ Museo. La
primera ofrecerá en febrero una exhibición del artista estadounidense
Robert Indiana, mientras que la segunda tiene dentro de sus planes las
exposiciones de Reymond Romero, Nayarí Castillo, Alirio Rodríguez, Juan
Toro y Edgar Sánchez.
El circuito de
exposiciones también contará con un nuevo centro: la galería La Cuadra
será ahora Espacio Monitor y se mudará al Centro de Arte Los Galpones.
La curaduría estará a cargo de Miguel Miguel García y estará ubicada en
la antigua sede de Periférico Caracas. El 16 de febrero será la muestra
inaugural de Víctor Lucena. Le seguirá el mexicano José Dávila y el
uruguayo Marco Maggi.
Art Tepuy
amplió sus espacios: ahora tendrá un segundo piso. La reinauguración
será en febrero con una exposición colectiva curada por Lorena
González.
En el extranjero
En
España, el año 2014 estará dedicado a celebrar el cuarto centenario de
la muerte del Greco. El Museo del Prado ofrecerá dos exposiciones del
pintor: El Greco y la pintura moderna y La biblioteca del Greco.
En Toledo, ciudad donde nació, también habrá varias exhibiciones. En
Nueva York se impondrá el arte contemporáneo con propuestas de creadores
como Jeff Koons. En París, el Pompidou mostrará una retrospectiva del
fotógrafo Henri Cartier-Bresson y también exhibirá obras de Marcel
Duchamp. The National Gallery en Londres expondrá Rembrandt, los años finales, mientras que la Tate Modern tendrá creaciones de Matisse.
Exposición SINGAMIA de Daniela Quilici
HASTA EL 30 DE ENERO
en el colegio Francia de Caracas
de 12 a 4 pm
Venezuela en la Feria de Cartagena
Del 9 al 12 de enero, 15 galerías participan en la versión "boutique" de la Feria
ArtCartagena
se realizará en el hotel Bóvedas de Santa Clara. Contará con la
participación de 15 galerías latinoamericanas provenientes de seis
países. Por Venezuela participará D Museo con obras de los artistas
Ángel Marcano, Francisco Pereira, Pancho Quilici, Reymond Romero, Jesús
Soto y Édgar Sánchez
MARÍA GABRIELA MÉNDEZ
| ESPECIAL / EL UNIVERSAL
lunes 6 de enero de 2014 12:00 AM
Bogotá.- Enmarcada en
una ciudad de ensueño, el próximo nueve de enero abre sus puertas
ArtCartagena, la primera versión de una feria de arte en pequeño formato
que contará con la participación de quince galerías, entre ellas la
venezolana D'Museo.
Andrea Walker, quien hizo posible ArtBo y la
convirtió, luego de ocho años como su directora, en una de las más
importantes de Latinoamérica, fue la cabeza detrás de la idea de hacer
de Cartagena un punto de encuentro para artistas, galeristas y
coleccionistas nacionales e internacionales.
"Desde que me
retiré, sentía que los coleccionistas de arte que venían a Bogotá
estarían muy interesados en también visitar Cartagena como centro
histórico y turístico. Lo que más me motivó fue brindar plataformas
diferentes que pudieran replicarse en otras regiones del país", cuenta
Walker, quien ve un gran potencial artístico fuera de Bogotá.
Lo
más novedoso de esta feria "boutique" es que se realizará en un hotel,
el Bóvedas de Santa Clara, específicamente en sus 15 suites dúplex,
donde el galerista puede usar la habitación del piso superior y exponer
en la parte de abajo sin tener que hacer doble gasto. Así se hace viable
económicamente no solo para la organización sino también para el
galerista.
"Quisimos demostrar que se pueden hacer cosas
innovadoras pensando muy bien cómo hacer viable este tipo de proyectos.
Por eso surge la idea de hacerlo en un hotel, y en Cartagena porque es
un centro turístico que congrega a un público nacional e internacional y
que podía reunir, como punto geográfico, toda la expresión del Caribe",
anota Walker, quien además considera ventajosas las condiciones de
seguridad y conservación de las obras que ofrece el hotel.
Para
seleccionar las galerías, el comité organizador, conformado por un
selecto grupo de personas de larga trayectoria en el arte y la cultura
de Colombia como curadores, coleccionistas, directores de museos, hizo
una convocatoria pública nacional e internacional que tuvo muy buena
acogida. Unas 30 galerías se postularon para los 15 puestos disponibles.
De
un total de 15 galerías, de las cuales cinco son colombianas y el resto
de Costa Rica, México, Estados Unidos, España, Argentina, se encuentra
D'Museo, la galería venezolana que desde 1990 promueve a grandes
maestros de la pintura venezolana de finales del siglo XIX y del siglo
XX, así como a artistas plásticos de nuevas generaciones. Zoraida
Irazábal, Ana Josefina Vicentini y Nicomedes Febres, sus directores, han
sido además los fundadores y organizadores de la Feria Iberoamericana
de Arte FIA, desde su primera edición, en 1992.
Para
ArtCartagena, seleccionaron seis de sus artistas: Ángel Marcano, con
dibujos tridimensionales hechos de alambre; al escultor Francisco
Pereira y sus representaciones de bestias míticas; a Pancho Quilici con
sus dibujos-pintura-escultura que muestran mundos interiores; a Reymond
Romero y sus exploraciones del color a través de elementos textiles; y
los maestros consagrados Édgar Sánchez y Jesús Soto.
En la feria
no hay un foco o tema particular, sino que más bien dejaron en manos de
las galerías la propuesta y la selección de obras. Así, se encontrará
una gama variada entre artistas consolidados y emergentes del arte
contemporáneo y moderno. Además de la venta y exposición, hay una
programación turística y académica con una exposición de seis artistas
de la Costa y dos conversatorios: el proceso creativo y el
coleccionismo.
Walker tiene expectativas positivas sobre la
acogida que tendrá y espera que sea la primera de muchas ediciones en
las que la feria pueda crecer y consolidarse: "Queremos ir creciendo en
la medida en que el público y la ciudad vayan respondiendo para ir poco a
poco pero de manera sólida. Lo que más nos interesa es demostrarle a la
región que se pueden hacer cosas si uno es lo suficientemente creativo y
hace viable estos proyectos. Los recursos económicos son
indispensables, pero lo que se necesita es ser innovador, creativo, y
tener un buen equipo", recalca.
Su nombre fue gancho infalible
para la convocatoria: "Aunque sea una primera versión y muy pequeña, no
es mi primera feria porque ya una hay experiencia adquirida que le suma
al proyecto", dice Walker. La experiencia de ArtBo le dio las alas y el
conocimiento para poder organizar otro tipo de ferias en regiones
diferentes. "Uno conoce las variables que debe tener un proyecto para
que sea exitoso, no es solamente colgar unos cuadros en un espacio, es
atraer el coleccionismo para que vengan buenas galerías y traer buenas
galerías para que venga el coleccionismo, es un círculo que hay que
manejar; darle oportunidad a la región en cuanto a artistas y proyectos
que se puedan gestar alrededor".
La feria se une así a una gran
oferta cultural que ofrece durante el año Cartagena: el Festival de
Música, el Hay Festival, el Festival de Cine, la Bienal de arte. Con
esta última se pone, definitivamente a la ciudad en la mira de las artes
plásticas.
FATA
MORGANA “Cada quien hizo lo que le dio la gana” en Galería 39
Carlos
Anzola, Jose Antonio Fernández, J.J. Moros y Carlos Quintana
-Todo
es un espejismo porque nada nunca es lo que parece-
Hasta Enero de 2014
11am
a 4pm.
Fata
Morgana es una forma de espejismo natural que ha retado la imaginación de
viajeros y navegantes a lo largo de los siglos.
En
la mitología artúrica, Morgana era un hada de aspecto cambiante, hechicera y
discípula del mago Merlín, lo que
explicaría algunos mitos, como la
isla flotante de Avalon o el barco fantasma “The Flying Dutchman” ( El
Holandés Errante).
Estos
cuatro artistas venezolanos contemporáneos, de reconocida trayectoria, desarrollan individualmente sus
lenguajes, propuestas y visiones del arte, principalmente en el ámbito
tridimensional, a partir de fundamentos conceptuales personales, técnicas, materiales y formatos muy diversos.
CARLOS
ANZOLA
“Con
un eje netamente recolector, el 100% de la materia prima utilizada en estas
piezas proviene del encontrar. Filtrados por su condición visual de deterioro,
se establece un diálogo franco entre este inventario de objetos."
JOSE
ANTONIO FERNANDEZ REYNA
GEOMETRIA
EMPIRICA
Del
proyecto PENTAGONAL, se desprende una línea de investigación: el pentágono
regular, de la cual surge lo que llamo geometría empírica y los dos temas
centrales de esta muestra: icosaedro / tetraedro.
JJ
MOROS
Estoy
preparando un conjunto diverso, unas piezas recientes y otras con algún tiempo.
…
un esquinero que pasó un tiempo en el taller, con un juego de medias lunas y
líneas.
…
un par de cuadrados de arista, son pareja porque las muescas o intervenciones
están hechas con la idea de que se interrelacionen, no sólo con las del propio
cuadrado, sino también con las del otro.
La más
reciente, es un conjunto de tres piezas circulares con un relieve central sobre
el que se desarrollan intervenciones variadas y
profundas que se asocian a lo interno y en el conjunto
Por
último, una rueda grande, con un tamaño que se impone con diversas
intervenciones.
CARLOSQINTANA
ZUTKABUFF
Instalación
de un grupo de mis ranchos más recientes, que apareció de manera espontánea con
ejemplos de tecnología ferroviaria de
origen marciana; además de otras piezas que parecieran inconexas, y que sin
embargo no lo son.
Levedad / Densidad - Jonidel Mendoza, Paul Parella y Paulo Castro exponen en el Centro de Artes Integradas
Paulo Castro. Tensopintura 2013
Tres artistas venezolanos cuyas propuestas divergen entre sí y que
esperan propiciar en el espectador una experiencia sensorial que
trasciende lo visual, comparten sus visiones y creaciones artísticas en
la muestra Levedad / Densidad que podrá visitarse hasta el 12 de enero en la sala William Werner del Centro de Artes Integradas, CAI, en Terrazas del Ávila.
En todas las piezas que conforman la propuesta de Jonidel Mendoza, Paul Parella y Paulo Castro,
se pueden percibir principios opuestos que la curadora pone a dialogar
en esta exhibición, como Levedad / densidad, transparencia / opacidad,
desplazamiento / fijación, tensión / fluidez y materialidad /
inmaterialidad. Si uno de estos artistas encarna algunos de estos
conceptos, es probable que otro trabaje su contrario y esto se verá en
sala como una experiencia museográfica en la que lo leve y lo denso
conviven.
“Así como existe en arte una escala de valores que se refiere al paso
gradual de la luz a la sombra y viceversa, en Levedad / Densidad se
producen gradaciones similares cuando apreciamos los principios duales
que nos han motivado exponer las obras de estos tres artistas”, dice
Susana Benko, curadora, investigadora de arte y museólogo miembro de la
Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA-Capítulo Venezuela).
Paul Parrella. Anotaciones sobre el cielo. Intervención del espacio CAI
Según la curadora, “No cabe duda que se da una experiencia sensorial
múltiple cuando captamos la esencia del alma humana a través de las
obras transparentes, casi evanescentes, de Jonidel Mendoza; o cuando
Paul Parrella desafía la escala llevando un trozo de cielo, en medio de
su transitoriedad y condición efímera. Y nos queda la experiencia con la
materia, pura y densa, y a la vez tan sutil de sus armonías cromáticas
cuando Paulo Castro incita a la activación de nuestra pasión por la
belleza”.
Para Benko, queda en el espectador establecer el último lazo
comunicante para que sea él quien sensorialmente propicie el diálogo
entre las obras de estos tres artistas. “Además de las dualidades
mencionadas, se producen otras lecturas transversales que derivan de la
relación entre figuración/abstracción, conceptos a primera vista básicos
pero que en algunas de estas obras adquieren cierto grado de complejidad
según las búsquedas de estos artistas”, afirma.
Lo evidente o lo velado, lo literal o lo sugerido, es lo que hace que
esta exposición se vuelva atractiva a los ojos del espectador y a su
entendimiento, encontrando paradojas interesantes que demuestran que no
todo lo que se define y se ve como certero realmente lo es. Las
dualidades se redimensionan significativamente.
Jonidel Mendoza. Intercepciones del Reflejo II
Trina Itriago de Vallenilla, directora ejecutiva y secretaria
permanente del Centro de Artes Integradas afirma que para el CAI es
primordial apoyar y difundir el arte nacional e internacional en todas
sus expresiones y corrientes. “Nuestro compromiso es seguir trabajando
para que pronto podamos contar con todas las instalaciones educativas
que encierra nuestro proyecto: El Complejo Educativo-Cultural Centro de
Artes Integradas. Agradecemos a los artistas que se unen a nuestro
proyecto de promoción de las artes, a La Oriental de Seguros por
apoyarnos y acompañarnos en esta muestra y al personal del Centro de
Artes Integradas y Montaña Creativa”.
Los creadores de Levedad / Densidad
Jonidel Mendoza. El ser humano está presente
en su obra. Un artista figurativo, con formación académica y un excelente
dibujante cuyo proceso creativo ha ido a la inversa: fue despojándose
de la materialidad del soporte, del pigmento y del color, para crear a
partir del vacío. La línea y el punto son su principal herramienta y son
las que sustentan materialmente su trabajo. El espacio es su soporte y
se convierte en el cuerpo y alma de sus figuras. Éstas no llegan a
corporizarse. Son presencias que conmueven precisamente por su ausencia.
Jonidel juega equilibradamente con la levedad y densidad de sus
recursos.
Paul Parrella. Su trabajo se sustenta en una
paradoja. Ello se debe a que vemos una obra abstracta e informal (que
muchos catalogarían de tachista y gestual) pero que difiere radicalmente
de los procedimientos de los tachistas y gestualistas. Contrario a
aquellos, Paul no se centra en la representación informal de la materia
ni en el dinamismo del gesto, al menos en esta serie en particular, sino
en la transcripción literal de las formas de las nubes que visualiza a
través de la ventana de su taller. En otras palabras, su obra deriva de
una meticulosa observación de la naturaleza. Primero sucedió con sus
Anotaciones sobre el agua (2005), después sobre la luz (2007) y ahora es
sobre el cielo, en particular, las nubes.
Paulo Castro. La propuesta más abstracta de esta
exposición la desarrolla este artista: cuatro piezas cuya composición,
basada en planos de color, es asimétrica e irregular. Todas concebidas
como una sola obra, quedando entrelazadas secuencialmente a través de
las formas, de los mismos planos de color como a través de las telas
sintéticas estiradas que se mimetizan con el fondo al tener ellas el
mismo color. El resultado, sin embargo, es variable y se debe a la
cantidad de elementos tenso-pictóricos empleados así como a su
direccionalidad que hace que cada módulo presente una composición
diferente. Es precisamente la tela sintética dispuesta dinámicamente y
en tensión la que define formal y conceptualmente la obra de Paulo
Castro. Por ello se llaman: Tensopinturas.
Levedad /Densidad podrá visitarse hasta el 12 de enero en la Sala
William Werner, Centro de Artes Integradas, Universidad Metropolitana.
El Centro de Artes Integradas (CAI), es una
asociación civil sin fines de lucro constituida en 1979, que nació de la
inquietud de integrar todas las disciplinas artísticas: música, danza,
teatro y artes plásticas, en un centro educacional y cultural del más
alto nivel que permita al sector privado una intervención directa en el
desarrollo de las artes. Es un proyecto de educación integral, donde el
alumno se acerca y conoce las diferentes expresiones artísticas como un
todo, sin seccionarlas. La idea final comprende la convivencia de un
Colegio, un Conservatorio de Música, Salas de Teatro, Galerías, Escuela
de Artes Plásticas, Escuela de Teatro, Escuela de Danza, Escuela de
Fotografía, Escuela de Cine, una Zona Rental y un Centro de
Investigación y Estudios. www.centrodeartesintegradas.org / Twitter
@CentroArtesInt / Facebook.
Jonidel Mendoza, Paul Parella y Paulo Castro
Levedad / Densidad
Hasta el 12 de enero de 2014
Centro de Artes Integradas
Sala William Werner
UNIMET, 2da entrada izq. Terrazas del Ávila
Caracas, Venezuela
Horario: de lunes a viernes, 9:30 a.m. a 4:30 p.m.
Fuente: PressRelease Comunicación Corporativa
Mariposario: Esculturas en cerámica y obras en papel de Lucía Pizzani
Lucía Pizzani - Mariposario
A partir del jueves 5 de diciembre la artista venezolana Lucía Pizzani
mostrará su primera exposición individual en Oficina #1. Bajo el título
de Mariposario. Pizzani, residenciada en Londres, traerá al país su más
reciente producción que comprende dos series: una de esculturas en
cerámica y otra de trabajos sobre papel.
Pizzani, quien recibiera este año el Primer Premio en la XII edición del Premio Eugenio Mendoza y el Premio a la Artista Emergente
otorgado por la Asociación Internacional de Críticos de Arte
AICA-Venezuela, acaba de participar, representada por Oficina #1, con un
solo project en la feria Pinta NY en la sección de videos curada por Octavio Zaya.
Para la muestra Mariposario se ha contado con la colaboración de la
crítico de arte y curadora Lorena Muñoz-Alonso, quien estuvo a cargo del
texto curatorial. Para Muñoz-Alonzo esta muestra se inscribe dentro del
proceso investigativo que ha venido desarrollando Pizzani en sus
últimos trabajos, en el que las ideas de transformación y cambio han
sido una constante, por lo que estas nociones cobran una particular
relevancia para entender su acercamiento al cuerpo, su trabajo con
formas orgánicas y su cuestionamiento del acto creativo.
Entre los antecedentes para llegar a Mariposario se encuentran proyectos recientes como Orchis (2011) o La Desconocida del Sena y otras Ofelias (2012),
que condujeron a Pizzani hasta una novela de Richard Le Gallienne que
narra como la obsesión del protagonista por una máscara mortuoria con la
efigie de su amada desencadena un trágico final, representado por la
mariposa nocturna Acherontia atropos, que es conocida por sus marcas
blancas con forma de calavera humana.
“A raíz de esta imagen, siniestra y romántica, Pizzani empezó a
trabajar con la figura de la mariposa. Este tipo de insecto es
particularmente significativo a nivel simbólico ya que en su corto ciclo
de vida –a veces de tan solo un día de duración– se transforma de oruga
a mariposa y, una vez cumplida su función reproductiva, muere. Su
impactante metamorfosis, de viscoso gusano a una de la especies más
bellas y vistosas de la naturaleza, encarna a la perfección la idea de
‘devenir’, un concepto clave en el pensamiento de Deleuze, que define la
idea de movimiento en estado puro”, afirma Muñoz-Alonso.
Mariposario está compuesta de dos series: Capullos (2013) y Lepidópteros (2013).
La primera la integran un grupo de cerámicas de gres esmaltadas
estéticamente fascinantes e inquietantes. “Las cerámicas han sido
moldeadas en una enorme variedad de tipos de crisálidas. Así, el proceso
de oruga a mariposa queda congelado de manera indefinida justo antes de
su eclosión, los insectos para siempre suspendidos en este estado de
devenir” explica la curadora. La serie Lepidópteros (2013) la conforman
un conjunto de dibujos elaborados con una técnica de impresión manual
desarrollada por Pizzani, en la que, a través de una transferencia de
tintas y agua, invita a explorar un inventario de rastros y huellas.
Como refiere Muñoz-Alonso “Los dibujos resultantes parecen mariposas,
sin duda, pero la tinta aguada les dota de una apariencia
fantasmagórica, como si lo que viéramos en la galería no fueran sino las
marcas que estos insectos han dejado en el papel, batiendo sus alas
impregnadas de tinta durante unos segundos antes de volver a
desaparecer. (…) Lo que resulta interesante de estos dibujos, además de
sus variadas implicaciones, es su vacuidad, que ofrece al espectador la
ocasión de proyectar sus propios paisajes mentales, como si de los
famosos test de Rorschach se tratara”.
Lucía Pizzani (Caracas 1975) vive y trabaja en
Londres. Es licenciada en Comunicación Social, mención Audiovisual de la
Universidad Católica Andrés Bello, Certificate in Conservation Biology
CERC en Columbia University (NY) y Master en Fine Arts del Chelsea
College of Arts and Design de Londres. Dentro de sus muestras
individuales se pueden nombrar Vessel y Orchis (Fernando Zubillaga
Galería, Centro de Arte Los Galpones. Caracas, 2009 y 2011,
respectivamente), Retratos Ausentes-Absent Portraits (La Carniceria,
Caracas y Signature Art Gallery, Miami, 2007), y Vestigios (Sala
Mendoza, -La Librería-, Caracas, 2003), entre otras. Ha participado en
exposiciones colectivas en países como Venezuela, Colombia, Estados
Unidos, Reino Unido, España y Nueva Zelanda. Entre estas muestras se
pueden mencionar el XII Premio Eugenio Mendoza (Sala Mendoza. Caracas,
2013), Masquarade: be another (Stephen Lawrence Gallery. Londres, 2013),
II Taller de Curaduría Experimental (Periférico Caracas. Caracas,
2012), Transgression (Beers.Lambert Contemporary. Londres, 2011), Bienal
Internacional de Arte Contemporáneo ULA (Universidad de Los Andes.
Mérida, 2010), MOLAA Collects Photo-Based Art, (Museum Of Latin American
Art. Los Angeles, 2009), III Queens Museum Biennale (Queens Museum. New
York, 2006), Identidades (Galería El Museo. Bogota, 2006), The Drop
(Exit Art. New York, 2006), y Naturalezas Abiertas, Salon Exxon Mobil
(Galería de Arte Nacional. Caracas, 2003).
Entre los reconocimientos a su trabajo se cuentan el XII Premio
Eugenio Mendoza (Sala Mendoza. Caracas, 2013), el Premio a la Artista
Emergente otorgado por el AICA Capítulo Venezuela, (Asociación
Internacional de Críticos de Arte, Caracas, 2013), el Segundo Premio en
el IX Salón CANTV de Jóvenes Artistas FIA (Centro Cultural Corp Banca.
Caracas, 2006). Su obra está representada en la Colección Banco
Mercantil, el Museum Of Latin American Art (MOLAA) y la Colección
Patricia Phelps de Cisneros (CPPC), entre otras.
Lorena Muñoz-Alonso es una crítica de arte y curadora independiente
española residenciada en Londres. Publica sus textos periódicamente en
Art-Agenda, Kaleidoscope, Frieze, This is Tomorrow, The White Review, AD
o Celeste, así como en numerosos catálogos, incluyendo el de la
exposición The Last Newspaper del New Museum de Nueva York. Ha trabajado
en el departmento curatorial de la Barbican Art Gallery, Pilar Corrias
Gallery y Frieze Art Fair.
Mariposario
Lucía Pizzan
Hasta el 26 de enero de 2014
Oficina #1
Galpón 9. Centro de Arte Los Galpones 29-11.
Av. Avila con 8va Transversal Los Chorros.
Caracas, Distrito Federal 1071, Venezuela
oficina1.com
Martes a viernes de 2 a 6 pm. Sábados y domingos de 11 am a 4 pm.
Teléfono: +58 (0)212-2835010
Prensa Oficina #1
xposición individual de Hendrik Hidalgo
APOLOGÍA IMAGINARIA
Museo de Arte Afroamericano
LA FÁBULA DE LO MÍSTICO
El
Museo de Arte Afroamericano abre sus puertas una vez más con regocijo al artista plástico Hendrik Hidalgo, cuyo
monólogo teatral sobre la vida y obra de la pintora mexicana Frida Kahlo dejó una
huella imborrable en estos espacios culturales.
En esta oportunidad Hidalgo presenta una
importante muestra que surge de la síntesis,
la inteligencia, la creatividad y la experimentación, en una conjunción de alto nivel profesional que recarga esta
exposición de una estética muy personal y
el mestizaje de creencias tan característicos de la cultura latinoamericana.
La magia técnica y conceptual le ha
permitido conseguir por medio de los materiales interpretaciones religiosas con
múltiples posibilidades. En sus investigaciones se remonta a una memoria
ancestral y transmite claramente el
vínculo y la oposición entre lo sagrado y lo profano, rememora figuras arquetipales para construir ese mundo
emotivo y místico que nos envuelve pero
que también nos inquieta en su ficción y realidad. De esta manera, a través del sincretismo realiza un extenso estudio
analítico del fenómeno religioso en el
plano cotidiano, tanto en piezas bidimensionales como en tridimensionales y corporales.
Sus pinturas, esculturas y ensamblajes invitan al espectador a una reflexión sobre los rituales, lo simbólico,
mitológico y enigmático, para con ellos edificar
un mundo de lo imaginario.
En el Caribe encontramos otros artistas que
han recurrido a lo mágico – religioso
para expresarse, es el caso de los cubanos José Bedia, Juan Francisco Elso y Ana Mendieta. También Charo Oquet de la
República Dominicana, Eduard Duval
Carrie de Haití; y en Venezuela Luis Alberto Hernández, Mario Abreu, Marta Cabrujas y Miguel Von Dangel, entre
otros. Estas referencias resultan fundamentales
para ubicar la obra de Hendrik en el contexto plástico nacional e internacional. En su labor están presentes
la naturaleza, lo humano y los arquetipos
religiosos: observamos en sus obras las figuras de José Gregorio Hernández, el Divino Niño de Colombia y la
Virgen acompañados de iconografía simbólica proveniente de las grandes
religiones del cercano y lejano oriente, India China y África, dialogando de una manera tal
que no pierden su fuerza expresiva ni su
contenido mítico. De allí que el trabajo de Hidalgo se coloque a la altura de los
más destacados artistas contemporáneos en su imaginario colectivo, el cual refleja nuestro anhelo de espiritualidad y
comprensión del mundo que nos rodea bajo
la perspectiva de lo sagrado.
Nelson Sánchez Chapellín
La década TAC 2003 - 2013. Diez años, un legado
Una exposición que reúne piezas de más de 30 artistas que han
expuesto a lo largo de estos 10 años de actividad de la Sala TAC
completamente a la venta.
Diez años, un legado de la Sala TAC
Desde aquella agitada semana inaugural de junio del año 2003 han
transcurrido diez años, una década de intensidades en todos los sentidos
pues la Sala TAC ha vestido sus paredes con 67 exposiciones que han
dado pie a más de 50 publicaciones, decenas de eventos especiales y, lo
más expresivo, que ha sido visitada por 400.000 personas. Esta
envidiable cifra está relacionada con las posibilidades que el
característico horario del Trasnocho facilita, ya que la gente que acude
al centro comercial, a los cines y teatros, a los restaurantes y
chocolatería, también hace el paseo por las exposiciones.
Paisajes de Adrián Pujol, esculturas de Pedro Fermín, pinturas de Patricia Van Dalen, joyas de Lourdes Silva, cerámicas de Noemí Márquez, esmaltes de Lamis Feldman, Collage de Ángel Hurtado y Augusto Lange, óleos de Luisa Palacios, Víctor Millán, Paul Klose, Víctor Valera, piezas de arte colonial, ensamblajes de Vicente Antonorsi e Isabel Cisneros, textiles de María Eugenia Dávila y Eduardo Portillo, serigrafías de John Lange, Marcel Floris, Jacobo Borges, Nedo y otros y un múltiple de Cruz-Diez, todas ellas a la venta para el público y una escultura de Cornelis Zitman será objeto de subasta durante el tiempo de permanencia de la muestra.
La tarea de desplegar las 60 obras que integran la muestra en los
espacios de la sala TAC ha recaído sobre Rafael Santana. No ha sido
fácil por la diversidad de obra que reúne esta colectiva de artistas,
pero que en su recorrido el público podrá recordar muchas de las
exposiciones que se han presentado en los espacios de la Sala TAC. El
criterio para la convocatoria fue dejar para una futura edición los
trabajos de fotografía y artesanía, pues el espacio representaba la
principal limitación.
Con motivo de este aniversario se hace necesario valorar a través de
una publicación que no sea solamente gozo de contemplar lo culminado
sino herramienta para investigadores atentos al acontecer de las artes
plásticas en nuestra ciudad. Se procura dejar evidencia impresa de la
huella de los diez años de actividad de la Sala TAC desde su fundación
en el mes de junio de 2003 hasta el mes de junio del año que corre.
Este testimonio recoge una reseña detallada de cada exposición con
imágenes de los montajes. También se documenta cada una de las
publicaciones que la Sala TAC editara durante estos diez años.
En la sección de índices de esta publicación, se destacan
especialmente a los autores de textos y los diseñadores gráficos pues ha
sido anhelo obligado de la Sala TAC dejar huella de su actividad a
través de sus catálogos. Por ello, esta década también celebra que se
haya podido mantener una actividad editorial importante.
El diseño de esta importante publicación estuvo a cargo de Aixa Díaz,
quien también realizó la selección de imágenes que ilustran la
publicación, Lourdes Blanco, investigadora, fungió como editora,
mientras que Rosa Elda Fernández , Gerente de Sala TAC fue la
Coordinadora General de la publicación.
Hasta el 31 de enero de 2014
Miércoles a sábados 10:00 am a 9:00 pm
Martes, domingos y feriados 1:00 pm a 9:00 pm
Sala TAC
C.C. Paseo Las Mercedes, Nivel Trasnocho
Las Mercedes, Caracas. T. 993-2957
www.trasnochocultural.com
Prensa Trasnocho Cultural
(Re)presentaciones. Fotografía Contemporánea Latinoamericana en el Centro Cultural Chacao
Espejo del Colectivo Galería Experiencia (Brasil)
La Oficina Cultural de la Embajada en Venezuela trae por primera vez a Venezuela a PhotoEspaña, importante evento internacional de fotografía, con esta exposición que podrá verse en el Centro Cultural Chacao y que coincidirá además con un visionado de porfolios en el CiEF
El próximo martes 03 de diciembre a las 7 pm, será inaugurada en La Caja del Centro Cultural Chacao la exposición (Re)presentaciones. Fotografía Latinoamericana Contemporánea, bajo la curaduría de Ana Berruguete.
La muestra reúne el trabajo de 14 fotógrafos contemporáneos procedentes
de Latinoamérica y pudo verse antes en Madrid, donde formó parte de la
programación oficial del festival internacional de fotografía
PhotoEspaña’13.
(Re)presentaciones está enmarcada dentro de los eventos que organiza
la Oficina Cultural de la Embajada de España en Venezuela, en alianza
con la AECID, el Centro Cultural Chacao y el Centro de Estudios
Fotográficos-CiEF, con motivo de la visita por primera vez a Venezuela
de PhotoEspaña, de la cual también se ha previsto un visionado de
porfolios Trasatlántica, en el que participarán 21 fotógrafos
previamente seleccionados y que tendrá lugar los días 4 y 5 de diciembre
en el CiEF.
La serpiente líquida de Nicolas Janowski (Argentina)
Los 14 fotógrafos que conforman (Re)presentaciones proceden a su vez
de los Visionados de Porfolios de la edición de Trasatlántica de 2012,
celebrados en Costa Rica y México. Por primera vez, con motivo de la
exposición en el Centro Cultural Chacao, un visionado de Trasatlántica
visitará otra ciudad y otro país que no sean Madrid y España, fuera del
contexto del festival de celebración anual PhotoEspaña.
Entre los fotógrafos y series que integran la (Re)presentaciones
figuran: Los olvidados de Fabián Hernández (Costa Rica), Desvestidas de
Luis Arturo Aguirre (México), La casita de turrón de Roberto Tondopó
(México), Los matrimonios viejos no se dan los buenos días de Irama
Gómez (Venezuela), La serpiente líquida de Nicolas Janowski (Argentina),
La tercera frontera de Leslie Searles (Perú), Espacios de Control de
Eduardo Jiménez (México), Una y otra erupción de Ilana Lichtenstein
(Brasil), 4 13 de Juan Carlos López Morales (México), Tratado visual
sobre el vacío de Aglae Cortés (México), El caballo de dos cabezas de
Mariela Sancari (Argentina), Tránsito de Humberto Ríos (México),
Paisajes para el fin de la existencia de Xtabay Zhanik Alderete
(México), y Espejo del Colectivo Galería Experiencia (Brasil).
La casita de turrón de Roberto
Tondopó (México)
Según señala en el texto de presentación la curadora de la muestra,
Ana Berruguete, las series seleccionadas atañen tanto a la
representación, como al medio, en un ejercicio de interpretación de la
imagen que desvela otros significados. “Proponen relatos que hacen
referencia a situaciones o estados intermedios entre algo pasado y algo
nuevo, entre lo visible y lo sugerido, lo evidente y lo intuido”.
A su juicio, la diversidad de sus lenguajes e intereses rompe con
cualquier intento de mostrar un grupo homogéneo bajo el epígrafe de
«fotografía latinoamericana», sino que por el contrario, las propuestas
presentadas pretenden subrayar la pluralidad de estilos y estéticas, —en
sus más variadas formas—, y mostrar una de las tantas posibles miradas.
En tal sentido, Ana Berruguete señala en el texto que “Fabián
Hernández devuelve la identidad pasada a un grupo de hombres por medio
de su vestimenta y de su pose, mientras que Luis Arturo Aguirre presenta
a mujeres que, al desnudarse, muestran toda su ambigüedad de género.
Otros fotógrafos como Humberto Ríos Rodríguez, Mariela Sancari o Xtabay
Zhanik Alderete componen fábulas metafóricas acerca del concepto de la
muerte, alejadas de los tópicos. Roberto Tondopó explora vivencias
autobiográficas a través de la infancia y pubertad de sus sobrinos,
mientras que Irama Gómez construye un relato sobre la vejez. Ilana
Lichtenstein y Juan Carlos López Morales muestran proyectos que están a
medio camino entre la realidad y la ficción, lo evidente y lo
sugerido. Aglae Cortés se recrea en las representaciones del vacío para
construir paisajes entre lo abstracto y lo figurativo, y Eduardo Jiménez
reivindica los comedores de las fábricas mejicanas como espacios de
poder y de control”.
Por su parte, el colectivo Galería Experiência muestra imágenes que
nacen del texto; Nicolás Janowski hace un retrato de la Amazonía como un
paisaje en continua transformación provocada por el devenir de la
propia naturaleza y la presencia del hombre; y por último, Leslie
Searles ha compartido su tiempo con personas que esperan su próximo
destino en un espacio intermedio, la tercera frontera, según escribe la
curadora.
Sin título. De la serie Los matrimonios viejos
no se dan los buenos días, 2010-2012, ©Irama Gómez
El público podrá visitar esta exposición de PhotoEspaña 2013, del 03
de diciembre al 16 de febrero de 2014, en la sala 1 de La Caja del
Centro Cultural Chacao, ubicado en la Avenida Tamanaco de El Rosal. El
horario es de martes a sábado de 12:00 p.m. a 8:00 p.m., y domingos de
11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.
Mayor información puede ser solicitada por las páginas web:
www.culturaesve.org.ve / www.centroculturalchacao.com /
www.culturachacao.org / www.ciefve.com o a través de las cuentas de
Twitter: @culturachacao y @CculturalChacao Facebook: Centro Cultural
Chacao y La Radio del Centro Cultural Chacao
(Re)Presentaciones
Hasta el 16 de febrero de 2014
Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco, El Rosal
Caracas, Venezuela
Prensa: Zoraida Depablos
Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa en el Centro Cultural Chacao
A partir del 3 de diciembre
El artista venezolano Carlos Zerpa presenta su nueva
propuesta creativa, a través de una muestra que será inaugurada el
próximo martes 03 de diciembre a las 7:00 de la noche, en la Sala 2 de La Caja del Centro Cultural Chacao, en El Rosal, donde permanecerá en exhibición hasta el 16 de febrero de 2014.
Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa es el título de esta exposición, que bajo la curaduría de Lorena González,
refleja la inestabilidad, el agobio y la violencia de nuestros días,
mediante el conceptualismo objetual de Zerpa, el cual, manejado con
maestría y buena lid en sus composiciones, supera “las liviandades de
una vanguardia que resuena sus flecos en las esquinas insonoras del
ligero presente cultural que atravesamos”, según escribe en el texto de
presentación la curadora de la muestra.
A juicio de Lorena González, la obra del artista Carlos Zerpa “es un
cúmulo de despliegues y trayectorias que siempre se han desplazado fuera
de sí para convertirse en un paradigma de lo visual: una apuesta por
traducir las variables de un afuera en conmoción constante, a través de
acciones que entorchan con saludable ironía las inconstancias de un
mundo atroz y servil”.
En esta ocasión, reproduce un arquetipo dantesco del cotidiano
nacional, donde los personajes –al igual que nosotros- viven en un
desapego que crece y multiplica sus capacidades de anulación para
reproducir un torrente de desconfianza eterna; una reinversión inmediata
de las formas y una pérdida total de los referentes, según explica
González. “En la sala de exposiciones estallan sus alarmas el Sr. Conejo
-quien parece huir de la hecatombe trepado en una altísima escalera-,
la Anaconda Amazónica que da vueltas sobre sí misma a través de más de
once mil discos de vinilo, el Sr. Trastorno vigilante y custodio del
desastre, el Taxi Caracas en un nuevo entierro con botellas de Jack
Daniel y los Caimanes/Leviatanes quienes han sido sujetados con cadenas
para que no ataquen”, afirma.
Con una amplia carrera artística de más de cuatro décadas, Carlos
Zerpa es un artista de medios no convencionales, cuya obra ha transitado
por diferentes campos y medios de las artes visuales, como son la
fotografía, pintura, escultura, ensamblaje, videoarte y performance. Ha
realizado exposiciones en museos, salas y galerías de Venezuela,
Colombia, Estados Unidos, España, Brasil, México, Japón, Australia,
Italia, Ecuador, y Francia, entre otros países, además su obra forma
parte de importantes colecciones del país, como las de la Galería de
Arte Nacional, Museo de Bellas Artes, Museo de Arte Contemporáneo de
Caracas, Museo de Arte Moderno de Mérida, y Museo de Arte Contemporáneo
Francisco Narváez; así como también, de las colecciones del Bronx Museum
(Nueva York, USA), Museo de Las Américas (Washington, USA), Museo de
Arte Moderno de San Diego (California, USA), Pinacoteca Giulio Rodino
(Nápoles, Italia), Museo de Arte Contemporáneo de Cali (Colombia), Museo
de Arte Moderno de Bogotá (Colombia), Museo de Arte Contemporáneo MARCO
(Monterrey, México), y Museo de Arte Moderno de Monterrey (México).
El
público podrá apreciar la más reciente propuesta de este artista, a
través de la muestra Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa, que
se presentará del 03 de diciembre de este año al 16 de febrero de 2014,
en la Sala 2 del Centro Cultural Chacao, ubicado en la Avenida Tamanaco
de El Rosal, en horario de martes a sábado de 12:00 p.m. a 8:00 p.m., y
domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.
Mayor información puede ser solicitada por las páginas web:
www.centroculturalchacao.com y www.culturachacao.org o a través de las
cuentas de Twitter: @culturachacao y @CculturalChacao Facebook: Centro
Cultural Chacao y La Radio del Centro Cultural Chacao.
Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa
Hasta el 16 de febrero de 2014
Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco, El Rosal
Caracas, Venezuela
Prensa: Zoraida Depablos
Javier León celebra el Aula Magna de la UCV en sus pinturas y fotografías
El
artista Javier León, nos ofrece una exposición en
la que reúne un conjunto de pinturas, fotografías, grabados y video,
que tienen como tema central el Aula Magna de la Universidad Central de
Venezuela, serie en la que ha venido trabajando desde 2012 y en la que
continua realizando nuevos planteamientos.
En
esta oportunidad coinciden esta muestra con la celebración del 60
aniversario de la fundación de la zona cultural de la Ciudad
Universitaria de Caracas, por tal motivo el viernes 29 de noviembre del
presente año a las 12:30 del mediodía, se estará inaugurando la
exposición Javier León Aula Magna
poniendo una vez mas de relieve la importancia de este monumento
arquitectónico realizado por el Arq. Carlos Raúl Villanueva y que sigue
siendo el mejor ejemplo en el país de la mejor integración de la
arquitectura y el arte, gracias al trabajo en conjunto que el arquitecto
realizó con el artista Alexander Calder con la obra Stabile, Nubes o
Platillos como suelen ser llamados estos elementos escultóricos los
cuáles además de su contundente armonía estética cumplen una función
acústica para el espacio que integran, los cuales son tomados por Javier
León como significante de este proyecto de modernidad.
Como comenta el arquitecto e historiador Freddy Carreño al referirse a
esta serie de obras: Se trata ahora de una revisión crítica de momentos
o discursos emblemáticos de la plástica con la finalidad de
re-encontrar en el análisis formal las claves que dan sentido a ese
proceso creativo. Desde este espacio de reflexión se inserta el trabajo
reciente de Javier León, un artista que se identifica con la noción del
arte como discurso conceptual, sin embargo, aun afianzado en la idea no
abandona el valor de lo pictórico, precisamente por su importancia como
transmisor de mensajes. Ese enfoque del hacer del artista se centra en
el tiempo heroico de la modernidad nacional, plena de realizaciones y
resultados de importancia histórica.
Este espacio de reflexión que abre el artista por medio de sus obras
es oportuno cuando se celebran 60 años de la inauguración de este
espacio, además de ser mostrada en la Galería Universitaria de Arte que
se encuentra a escasos metros de la original Aula Magna, es un ejercicio
de acercamiento y de lejanía de enfrentar una interpretación que deja
ver la posibilidad que pareciera infinita de descubrir nuevos espacios y
nuevos acercamientos desde los cuales puede ser observada e imaginada
esta sala de conciertos y sus Nubes.
Esta muestra cuenta con la curaduría de Marisela Chivico, quien comenta: La
modernidad, viene a ser en esta oportunidad el marco que envuelve el
cuerpo de obras, que traen a la memoria un ejemplo de ese momento
convertido en ansiado anhelo, esta apropiación se da por medio de un
despliegue de interpretaciones que nos traducen en su propia
significación lo inefable de este proyecto inconcluso.
Esta exposición será inaugurada el viernes 29 de noviembre a las
12:30 del mediodía y estará abierta al público hasta el 28 de febrero de
2014 en el horario de lunes a viernes de 10:00 am a 4:00 pm.
Javier León
Aula Magna
Hasta el 28 de febrero de 2014
Curadora: Marisela Chivico
Galería Universitaria de Arte
Plaza cubierta, Universidad Central de Venezuela
Caracas
Telf.: 0212 605 20 25
Email:
galeriaucv@gmail.com
Fuente: Marisela Chivico
Campo Ciego. Federico Ovalles-Ar revisa los imperativos de la modernidad en el MAC
Asiste a la Sala 7 del Museo de Arte Contemporáneo (Caracas) para experimentar la espacialidad informal propuesta por el artista Federico Ovalles-Ar.
La curadora, Albeley Rodríguez, apunta “Las obras de este creador
interpelan las políticas aplicadas a lo urbano así como las lógicas de
disciplinamiento social, al tiempo que develan la capacidad creadora de
quienes tienen que resolver su vida cotidianamente con los elementos que
tienen a la mano. La muestra se llama campo ciego tomando como eje la
categoría llamada así por el pionero de las tesis sobre el espacio como
producción social, Henri Lefebvre, a través de la cual
el teórico buscó explicar aquellos espacios que han sido anulados de
los patrones formales de la sociedad urbana pero, aun así brotan
funcionando desde la contradicción, la incertidumbre y la
provisionalidad de la ciudad no pensada”.
El público podrá identificar distintos procesos experimentados por la
ciudad de Caracas a través de un video-collage hecho por Ovalles-Ar
tomando fragmentos de filmes venezolanos desde los 50 hasta finales de
los 90; asimismo se encontrará con obras de sitio-específico en los que
las lógicas museísticas y sus estéticas tradicionales son puestas en
revisión capciosa al transformar tabiques en propuestas contingentes y
usar sus materiales en planteamientos constructivos opuestos al cubo
blanco, controlado y en orden. En la exposición Campo Ciego. Federico Ovalles-Ar
los imperativos de la modernidad y sus mitos de perfección son puestos
en entredicho desde otras vistas la ciudad y desde un museo abierto a
los desafíos impulsados por el arte contemporáneo al mostrar lo que late
dentro de nuestra propia ceguera.
La apertura estará acompañada por la música de Dj Torkins y un brindis. Todos están invitados a disfrutar mientras repiensan sus esquemas.
Entrada libre.
Federico Ovalles-Ar
Campo Ciego. Federico Ovalles-Ar
Hasta el 17 de febrero de 2014
Inauguración: viernes 1° de noviembre, hora: 5:00 – 7:00 pm
Museo de Arte Contemporáneo
Sala 7
Parque Central, Caracas
Fuente: Albeley Rodríguez
Grabado Argentino Actual
Los
comienzos del grabado en Argentina se remiten al siglo XVII con la
introducción en el Río de La Plata de la imprenta por parte de
los jesuitas en las misiones del Paraguay, quienes imprimieron unos de
los primeros incunables en Sudamérica, basándose en copias de imágenes y
textos de origen europeo.
Con su expulsión, la imprenta fue
trasladada una parte a Buenos Aires y otra a Córdoba, decayendo su
producción para emerger nuevamente en el siglo XVIII pero sin la calidad
y cantidad de décadas pasadas. A partir de 1810, llegan al país
profesionales con inclinaciones artísticas llamados "los Artistas
Viajeros" que documentaron de manera singular las costumbres y paisajes
de las Provincias Unidas.
A fines del siglo XIX se afianza la
litografía como técnica aplicada para la impresión de periódicos con
acento sobre lo social-político. También cabe destacar el inicio de los
primeros centros de formación de bellas artes llamado " la Sociedad de
Estímulo de Bellas Artes" que en 1905 va a tomar el nombre de "Academia
Nacional de Bellas Artes".
A partir del siglo XX la República
Argentina atraviesa nuevamente replanteos socio-políticos, en algunos
casos impulsados por las corrientes inmigratorias internas y externas
que de alguna manera influirán en el pensamiento de numerosos artistas,
por ejemplo los denominados "Artistas del Pueblo" que vieron en el
grabado una posibilidad de difundir sus ideas. .
En la segunda
mitad del siglo XX hasta la actualidad, el arte impreso tomará nuevos
rumbos, no solamente por el aporte de nuevas técnicas sino por las
propuestas de los artistas grabadores, dedicados tanto a las técnicas
clásicas de grabado como a las innovaciones aportadas por el arte
digital. (Investigación de Alberto Arjona, grabador argentino, y ex
librista).
Hasta el 15 de febrero de 2013
Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez
Calle Sur 11 con calle 8, Parque Vargas
Pop Art y Figuración Estados Unidos–Venezuela Centro Cultural B.O.D.
Robert Indiana
El Centro Cultural B.O.D. inaugura el miércoles 2 de octubre su nueva exposición, Pop Art y Figuración; una muestra, que presenta a los artistas más representativos del Pop Art y la figuración, de Venezuela y Estados Unidos. Bajo la curaduría de María Luz Cárdenas, se hace un recorrido por la segunda mitad del siglo XX para reconstruir la historia de este momento y de esta forma de cultura a través de sus obras, creadores y seguidores.
Más de 50 piezas serán exhibidas gracias a la colaboración de grandes
coleccionistas del país y del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas;
donde figuran nombres como los de Marcel Duchamp, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, y Larry Rivers, precursores del Pop Art. De igual manera, podrán apreciarse obras de Andy Warhol, Robert Indiana, Tom Wesselman, Red Grooms y Jim Dine, reconocidas figuras del Pop norteamericano.
José Antonio Dávila Pasajeros, 1974. Colección privada
En Venezuela, el desarrollo del Pop Art guarda
relación con una extraordinaria capacidad del venezolano para construir
imaginarios, iconos, ídolos, señala la curadora. “En una especie de
reconocimiento y adoración por las imágenes, por los objetos rituales o
mitos fabricados por nosotros mismos; en la permanente construcción de
universos simbólicos y mitologías cotidianas; habita una fuente
determinante para tender puentes entre ese imaginario y el orden
social”. De allí, que entre los participantes activos e iniciadores del
movimiento en el país se encuentren Marisol y Rolando Peña, presentes en
la exposición junto a otros grandes maestros como: Nelson Moctezuma,
Campos Biscardi, José Antonio Dávila, Luis Domínguez Salazar, Margot
Römer y Pedro León Zapata.
Por su parte, entre los exponentes de la Figuración, veremos a George Segal, uno de los exponentes más claros de esta nueva versión del realismo. John Clem Clarke que asigna otro giro al Pop y a la Figuración; y Jacobo Borges, un artista integral y una presencia destacada en la pintura venezolana contemporánea.
En el recorrido propuesto en esta exposición por los movimientos
figurativos y el Pop Art, se planteó como espacio final, la presentación
de propuestas contemporáneas que continúan abriendo caminos en la
comprensión de lo real. Dos artistas, el norteamericano Donald Sultan y
nuevamente el venezolano Jacobo Borges, construyen nuevos modelos
iconográficos para la representación de la naturaleza, ejemplos que
también podrán apreciarse en la muestra.
Luis Domínguez Salazar American Holy Family I, 1970.
Colección Carmen de Domínguez
La exhibición puede visitarse de martes a domingo de 10:00 a.m. a
5:00 p.m., en la Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D.
Pop Art y Figuración
B.O.D.-Corp Banca
Torre B.O.D.-Corp Banca - Urb. La Castellana. Caracas.
www.corpbanca.com.ve
Prensa: Fadella Lares Velásquez. B.O.D.-Corp Banca
Erwin Gonzalez exposición Generación XXI PDVSA la Estancia Sala 2
Erwin Gonzalez Blog oficial
Mi vida en el fondo del mar. hierro forjado. 38 x 23 x 21 cm. 2005
Primera Retrospectiva a GEGO en Francia
París rinde homenaje por primera vez a la
escultora venezolana Gego, a partir del 14 de febrero, donde la Maison
de l'Amérique Latine le dedica su primera retrospectiva en Francia.
En
París podrán verse 41 piezas, 39 de ellas cedidas por la Colección
Mercantil de Caracas, institución coorganizadora de la muestra, y seis
obras de la serie "Chorros", cedidas por Bárbara y Tomas Gunz
París reunirá ahora un conjunto representativo
de las grandes etapas de su trabajo, desde sus dibujos y grabados a
sus obras tridimensionales, caracterizadas por la utilización singular
y poética del espacio y la línea, que sitúan al espectador en el
centro de una experiencia física y sensorial
El descubrimiento europeo de la escultora venezolana Gego,
considerada como una de las más grandes figuras latinoamericanas del
arte del siglo XX, llegará a París a partir del 14 de febrero, donde la
Maison de l'Amérique Latine le dedica su primera retrospectiva en
Francia.
Prosigue así la revelación
del trabajo tan sutil y delicado como inclasificable de esta artista
de origen alemán, a quien el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona
(MACBA) dedicó la primera gran antológica en Europa en 2006.
París reunirá ahora un conjunto representativo de las grandes etapas de
su trabajo, desde sus dibujos y grabados a sus obras tridimensionales,
caracterizadas por la utilización singular y poética del espacio y la
línea, que sitúan al espectador en el centro de una experiencia física y
sensorial.
Hasta el próximo 14 de mayo, distribuidas en nueve
salas, podrán verse 41 obras, algunas de sus emblemáticas
"Reticuláreas", estructuras etéreas y laberínticas de hilos de hierro
suspendidas en el espacio, de sus "Troncos", "Cuerdas", "Chorros" y
"Esferas", y también de sus "dibujos sin papel" y sus posteriores
"Tejeduras".
Gego (1912-1994), cuya actividad más sólida
empieza en los años 60, "estaba bajo la influencia del neoplasticismo" y
se distanció radicalmente de la obra cinética, explicó a Efe la
comisaria de la muestra, Tahia Rivero.
Su obra, añadió, es
todavía poco conocida en Europa, "porque comenzó tarde" a desarrollar su
carrera y porque en un principio fue "poco divulgada por su entorno",
ya que, a diferencia de muchos artistas conocidos, "no sentía la
necesidad del éxodo, sino que, al contrario, quería vivir en Venezuela".
Justamente, agregó, sus herederos "están haciendo hoy día un excelente
trabajo, pues, mientras ella vivía, hacía muy pocas exposiciones
fuera".
Hasta principios de los años 50, la artista fundó y
regentó un taller de diseño y creación de lámparas, y en 1952 conoció a
quien sería su segundo compañero, Gerd Leufert, quien le animó a
lanzarse a una prolífica actividad artística.
A finales de la década, esa nueva actividad desembocó en sus primeras esculturas y le llevó también a la enseñanza.
Ya entonces, a diferencia de otras grandes figuras del arte
latinoamericano, Gego, seudónimo formado con la contracción de las
cuatro primeras letras de su nombre y apellido, Gertrud Goldschmit,
conocía muy bien Europa por haber nacido en Hamburgo (Alemania).
La artista había emigrado a Venezuela a los 27 años, en 1939, al año
siguiente de haber obtenido su diploma de Arquitectura e Ingeniería en
la Universidad de Stuttgart, y cuatro años después de que el régimen
nazi le retirase su nacionalidad.
"Se fue obligada prácticamente por su familia y ayudada con patrocinio de la comunidad judía", explicó la comisaria.
Primero viajó a Londres, pero, al no lograr obtener permiso de residencia en el Reino Unido, siguió su camino hacia Caracas.
"Su llegada a Venezuela fue casual; se fue para allá sin saber la
lengua, por ser el único sitio donde tenia algo seguro", indicó Rivero.
En París podrán verse 41 piezas, 39 de ellas cedidas por la Colección
Mercantil de Caracas, institución coorganizadora de la muestra, y seis
obras de la serie "Chorros", cedidas por Bárbara y Tomas Gunz, hijos del
primer marido de la escultora, precisó.
La exhibición fue
montada por primera vez en 2012, cuando la Fundación Gego invitó a
varias organizaciones a participar en el centenario de su nacimiento, y
"solo ha sido vista hasta ahora en Caracas", resaltó Rivero.
Domingo 9 de febrero, 11 am
Exposición "Alegría" de Ramón Maldonado, Galería Trazos
Ramón de Jesús
Maldonado se forjó a sí mismo en esto de las artes plásticas. Agradece
que un día, siendo adolescente, se fue la energía eléctrica mientras
veía televisión. Pero, al mismo tiempo se le encendió una luz al
encontrar los libros de arte en la biblioteca de su casa en Trujillo. A
partir de ese momento, no ha dejado de investigar hasta definir un
estilo único en su plástica, alegre, colorida y brillante, inspirada en
las fiestas criollas tradicionales.
Con una obra
presente en tres continentes, se ha convertido en un reconocido artista
internacional del Arte Naif Tropical Contemporáneo, también llamado arte
ingenuo o popular.
Maldonado es el ganador del Premio
Único de Arte Popular otorgado por la Galería de Arte Trazos, con
motivo de la V Bienal de Escultura. El jurado conformado por el crítico
de Arte Perán Erminy, y los maestros de la Escultura Max Pedemonte y
Noemí Márquez otorgaron el premio por su obra "Ganó mi gallo", inspirada
en una de las viejas tradiciones folklóricas y festivas de los pueblos
latinoamericanos y caribeños, "representada con el uso de técnica pulcra
y virtuosamente atractiva".
El domingo nueve de
febrero, a las 11 de la mañana, será inaugurada la exposición "Alegría"
para mostrar ésta y otras 20 obras. Y, si hay un tema que se aprecia en
su obra, es la alegría. "Siempre he querido pintar cosas lindas,
alegres" resume. "De joven me inspiré en los grandes, Picasso, Rembrand,
Monet, Dalí. Era la época en que llegaban las noticias de Vietnan, y yo
quería cambiar esa visión del mundo que me llegaba".
Maldonado
afirma "No es secreto que en Venezuela estamos en un des confort
emocional fuerte por el mal entendimiento de los venezolanos, los de un
bando y del otro. He tenido la suerte de que mi obra gusta a todos
porque todos quieren tener obras que representen la alegría en sus
casas".
En la exposición individual en la Galería
Trazos el público podrá ver los personajes de Las Locainas, que narran
la fiesta de Los Zaragozas, celebrando el día de los santos inocentes.
Las representaciones de las festividades de La Burriquita, El Guarandol…
El Carite, el personaje de San Pedro en la Fiesta de Guatire, entre
otras.
Dirección de la Galería Trazos: Centro Lido, Nivel
Miranda, local M−17, Av. Francisco de Miranda, Urbanización El Rosal,
Municipio, Chacao, Caracas.
www.galeriadeartetrazos.blogspot.com
Yoima Varela moldea la fragilidad de un sentimiento
La diseñadora inaugura mañana "De todo corazón" en la galería Art3.
La creadora venezolana expone una muestra de esculturas e instalaciones (Nicola Rocco)
JESSICA MORÓN
| EL UNIVERSAL
sábado 8 de febrero de 2014 09:30 AM
Para Yoima Varela (1980) el
amor no es color de rosa. Sus corazones se revisten de alambres,
alfileres, flores artificiales, retazos de tela y hasta santos. Quizás,
porque amar en estos tiempos se ha vuelto un acto de fe. "Aquel que se
ha enamorado, lo sabe. Aunque la desilusión y el desencanto no son parte
del amor de pareja nada más. También se experimentan entre familia y
con la amistad", comenta la diseñadora venezolana que inaugura mañana la
muestra De todo corazón en la galería Art3 de Las Mercedes.
Una
instalación, doce esculturas y tres robots, más que un sentimiento,
evocan una sensación. "Me aprovecho de la forma y la trabajo en
distintos materiales. Combino texturas chocantes y colores alegres para
suscitar impresiones", explica la creadora de 33 corazones.
La
instalación agrupa en la pared más de una veintena de esa figura curva,
en pequeño formato. Corazones envueltos en flores, forrados en tela y
encaje, atravesados con alfileres y cubiertos con alambre, integran la
exposición.
En la serie Cóncavos, esculturas de gran
formato representan el icono del amor en fibra de vidrio, plástico y
madera. Tres piezas que retratan la fragilidad, dureza y debilidad que
provoca el acto de amar.
Los morochos -una obra
compuesta por dos robots, uno de acrílico y otro de hierro- le
proporcionan amparo y luz a un sentimiento. "Son máquinas a base de
circuitos que se encienden. Les coloco un corazón dentro para
humanizarlos. Por más vanguardista y avanzada que sea la tecnología, no
hay un aparato que sustituya los afectos", dice Varela.
La
artista visual confiesa que los corazones todavía no se han convertido
en una obsesión. No descarta que la figura que la ha acompañado desde
sus inicios pueda emigrar en algún momento. "O tal vez mutar, mi deseo
es crear".
jmoron@eluniversal.com
La urbe hipotética de Medina
La muestra "Futuro Pasado Presente"
inaugura mañana en Carmen Araujo Arte.
El creador venezolano construye una Caracas ficticia sobre fórmica y cerámica (Georgina Svieykowsky)
JESSICA MORÓN
| EL UNIVERSAL
sábado 8 de febrero de 2014 09:24 AM
Referentes arquitectónicos al
borde del colapso. Edificios, construcciones y monumentos entregados al
descalabro. Un paisaje a punto de sucumbir, anhela subsistir ante los
embates del tiempo y el espacio.
Daniel Medina (Caracas, 1978)
recurre a elementos urbanos para esbozar un panorama fantástico. El
artista visual yuxtapone imágenes de un pasaje cotidiano y las proyecta
en un futuro inmediato. "Cuando pensamos en Caracas siempre imaginamos
el retrato de una urbe a futuro, pero cuando la recordamos en el
presente quisiéramos volver al pasado", dice el creador venezolano que
inaugura mañana la muestra FuturoPasadoPresente en la galería Carmen Araujo Arte, ubicada en la Hacienda La Trinidad.
La
exposición contempla 'fotografías' de una metrópoli donde los puntos
cardinales no están distantes. Un lugar geográfico donde el este y el
oeste se fusionan y hasta se comunican en un mismo terreno. En sala, una
serie de grabados sitúa el Obelisco de Altamira frente a la parroquia
23 de Enero, el Helicoide junto al Hotel Humboldt y La estatua de la
libertad resguarda la cárcel de Tocuyito. "Porque las ideas mutan a
través del tiempo. Las necesidades que propiciaron la construcción de
nuestros monumentos vienen de un deseo utópico. Hay obras que más bien
surgieron por capricho del Estado", comenta el también pintor egresado
del antiguo Instituto de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando
Reverón.
Siete monumentos plasmados sobre papel de algodón
(mediano formato) y dos sobre fórmica (gran formato), intentan perpetuar
el recuerdo de una urbanidad impoluta en la memoria. "Utilizo la
técnica del grabado en un intento por simular el hecho de tatuar o
imprimir algo en tinta indeleble, para que no se consuma en el tiempo y
quede condenado al olvido", explica el escultor que cursó también
estudios en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas.
"Los
trabajos de Daniel Medina terminan acusando a través del juego, la
realidad en la que vivimos. En una ciudad que (re) construimos
imaginariamente para negar el caos", reseña Ricardo Sarco Lira en el
catálogo de la muestra.
El creador construye una Caracas
idealizada sobre fórmica y cerámica. Medina evoca el carácter no
perecedero del material sobre el cual esboza su boceto de ciudad. "Este
es mi paisaje ficticio, repleto de posibilidades. Con espacio para
reconstruir y desconfigurar", concluye.
jmoron@eluniversal.com
El próximo domingo 16 de febrero, a las 11.00 a.m., el Museo de Arte
Popular de Petare Bárbaro Rivas siente satisfacción y orgullo en iniciar
las celebraciones de sus 30 años de
labor ininterrumpida y del 393 aniversario del Pueblo de Petare con la
exposición Petare - De Civitate Dei de Miguel von Dangel. En 30 obras
inéditas, cuya inspiración está basada en el texto homónimo de San
Agustín (La ciudad de Dios), el artista, que ha permanecido fiel a su
concepción trascendente del arte, honra al pueblo con el que ha estado
vinculado por más de sesenta años. Igualmente la muestra presenta
algunos libros de la Serie Desesperanto.
La inauguración contará con la participación del coro de cámara
Entrevoces, dirigido por el profesor Francisco Zapata, que interpretará
piezas del renacimiento y populares.
Miguel von Dangel (Bayreuth, Alemania, 1946), ha vivido desde 1950 en
Petare, residiendo actualmente en su casa-taller del barrio El Dorado.
Premio Nacional de Artes Plásticas en 1991 y Premio de la exposición
"Eco-Art", Río de Janeiro en 1992, su obra ha participado en la Bienal
de Sao Paulo, Brasil, en 1983 y en la Bienal de Venecia, Italia, en 1994
con la obra monumental La Batalla de San Romano. Entre sus exposiciones
individuales resaltan: Sociedad Maraury, Petare, 1965; Galería Espiral,
1966; Galería 22, 1969; Galería El Ave que Llovía, 1972; Galería Félix,
1982; Sala Mendoza, 1982; Galería Sotavento, 1986; Galería Artisnativa,
1987, 1988; Centro Armitano Arte, Caracas, 1989; MACCSI, 1990; Museo de
Arte Contemporáneo Mario Abreu, Maracay, estado Aragua, 1993;
Exposición Antológica 1963-1993, GAN, 1994.
La exposición Petare - De Civitate Dei de Miguel Von Dangel permanecerá
abierta al público del 16 de febrero al 04 de mayo. Horarios: Lunes a
viernes de 9.30 a.m. a 12.00 m. y 1.30 a 5.00 p.m. / Sábados y domingos
de 10.00 a.m. a 4 p.m.
Para visitas guiadas y talleres, contactar a la Unidad de Educación del
Museo de Petare por el 0212-8801608.
Síguenos por nuestras redes: Facebook: Museo de Petare Bárbaro Rivas;
Twitter:@museodepetare
Blog: www.fundalamas.wordpress.com; Correo-E: museopetare@gmail.com
Experimentos ajenos con color
Jaime Gili inaugura "Droits de succesion"
Oficina #1. Los Galpones
El creador venezolano, residenciado en Londres,
le da otra lectura a "lo acabado" (Oswer Díaz)
Jaime Gili (Caracas, 1972)
solía dormir junto a una gran mesa de dibujo. Además de compartir cuarto
con su hermano, el mobiliario artístico de su padre ocupaba parte de la
habitación en la que su progenitor, pintó un imaginario ajeno. "Mi papá
nunca tuvo mucho dinero para comprar obras, así que las copiaba. Tenía
una sensibilidad artística pero le faltaba el empuje de un pintor; él
era diseñador. Recuerdo que con un rapidrograf se sentaba a reproducir
la obra de Mondrian", comenta el artista visual que optó por
experimentar en carne propia eso que cualquiera tildaría de "usurpar".
En la muestra Droits de succession que
inaugura el domingo en la galería Oficina #1, el creador se apropia de
la obra de Carlos Cruz-Diez, Marcel Floris, Max Bill y Morellet "en
tono conversacional. Detesto escuchar eso de 'Jaime Gili interviene
piezas de otros artistas'... Esta es mi manera de dialogar con algunos
de los que ya no están. Se trata de experimentar, es necesario probar
ideas, pero más importante es poder escoger bien o retractarse a
tiempo", dice el creador que trabajó sobre 11 serigrafías y una
intervención. Las piezas originales datan de los años 70, cuando negoció
con una galería alemana para adquirir pruebas de estado y los restos de
un viejo stock con obras de artistas venezolanos y extranjeros, quizás
condenadas a algún rincón.
"El plan, si es que lo hay, es
trabajar sobre estas obras gráficas 'acabadas'. Tiene que ver con la
idea de cómo me enfrento a un espacio en ocasiones para completarlo,
para continuar trabajándolo. No sé si está bien o mal, no sé realmente
qué pasa, estoy en búsqueda de reacciones... Habrá quien lo considere
abominable, otro pudiera valorarlo más y aferrarse a la necedad de tener
dos obras en una", comenta el también interventor del espacio urbano.
¿Alguna
vez pensó en trabajar sobre la obra de su papá?, se le pregunta. "Jamás
me atreví a tocar sus copias. Él hubiese dicho que era una falta de
respeto", responde Gili.
El pintor incorpora su trazo en
acrílicos, lápices y wash a la obra geométrica. "A las de Floris quise
darles tonos fluorescentes, su obra es muy plana y neutra. Había un
grosor en las serigrafías de Morellet y una cierta cosa con el papel que
me motivó a dibujarla con lápiz", explica.
"Tengo que sentirme
cómodo, no quiero pensar que es una intromisión. El Cruz-Diez, por
ejemplo, me intimidó. Pero no deja de resultar provechoso, es curioso,
porque haciendo todo esto acabe aprendiendo de todos estos artistas y su
forma de trabajar, por ahí fue un buen experimento", afirma.
Gili creció viendo dos reproducciones exactas de las Constelaciones de Miró, colgadas
en la entrada de su casa y reproducidas por su papá, un diseñador con
alma de pintor. El mismo que jamás se atrevió a mostrar al mundo esa
ingenua y bienintencionada usurpación.
El artista no reniega de
esa herencia. Sus ansias las desahoga en lienzos ajenos. "Los buenos
apostadores persisten en su juego hasta que creen conocer todos los
secretos(...). Cuando contemplo el trabajo de Jaime Gili lo imagino
volando como Peter Pan, dejando un rastro fulgurante que nadie puede
encerrar o atrapar", concluye Federico Vega, autor del texto en sala.
Teresa Mulet hurga en las palabras para discenir sobre la violencia
Durante dos meses se expondrá el trabajo de Mulet en la ONG | FOTO LEONARDO NOGUERA
La diseñadora considera que el lenguaje perdió su poder y se quedó mudo ante las cifras rojas que enlutan al país
28 de enero 2014 - 12:01 am El Nacional
Teresa Mulet hizo un nuevo
paréntesis en su producción artística como diseñadora e investigadora de
la tipografía, para hablar a través de su obra sobre la situación del
país. Hace dos años alzó la voz contra la criminalidad en Cada-ver-es. Cada-vez-más y ahora, saturada por los altos índices de violencia, vuelve a gritar en Tipo inútil, en la Organización Nelson Garrido.
La
artista usó la figura del oxímoron (dos términos de significados
opuestos en una misma estructura sintáctica) para hacer una metáfora de
la nación, que para ella es una sociedad llena de contradicciones en la
que pareciera no haber conexión entre la realidad y el lenguaje.
Una
de las piezas principales de la exhibición, elaborada en lona, está
integrada por los vocablos “Palabra” y “Silente”, sobre la cual se
superponen otras como “Asamblea” y “Parlamento”, que se pierden entre
las capas de tela. La intención es recrear una imposibilidad, la
duplicación de la paradoja.
“En las palabras escondemos dolor o indiferencia. La denominé Palabra silente
y para evidenciar todo su contexto la relacioné con otras formas:
discurso silente, manifestación silente, rumor silente, prensa silente,
escuela silente, familia silente. Cuando esto pasa, como en Venezuela,
entonces el instante es eterno y el silencio ruidoso”, expresa Mulet.
La exponente además creó un alfabeto, Doble-Desdoble,
formado a través de letras superpuestas que reiteran las palabras
duales que afirman y niegan como “entrar saliendo”. “Es un abecedario
inútil, pero quizá nos permita comunicarnos de otra manera porque al
parecer tenemos la capacidad de hablar, pero no lo hacemos”, señala.
Una
segunda parte de la exhibición está integrada por obras elaboradas con
números, pero no son dígitos cualesquiera. Son las cifras que compartió
el Informe del Observatorio Venezolano de Violencia sobre las muertes
ocurridas en 2013.
“En una enorme
hoja están impresos los números desde el 1 hasta el 24.763 (que fue el
total de fallecidos). Las palabras pareciera que perdieron su poder y
quedaron mudas, y las cifras llevan la voz, pero no las entendemos.
Intento hurgar en la materia, para ver si desde este lugar podemos
evidenciar el sinsentido de observar cómo las carrozas fúnebres pasan
frente a nosotros y no hacemos nada, solo nos apartamos. Creo que nos
falta comprender que lo que ocurre depende de cada uno de nosotros y no
solo de los líderes. Ellos distraen las responsabilidades personales y
las dejan suspendidas en un lenguaje demagógico que solo da falsas
esperanzas”, asegura la diseñadora, que también expone otras obras
críticas como las vocales y consonantes del Himno Nacional esparcidas en
el piso. “Ellas reclaman y evidencian que estamos cansados de la espera
inactiva”, agrega.
Teresa Mulet. Tipo inútil
Organización Nelson Garrido. Avenida María Teresa Toro, residencias Carmencita, Los Rosales
Carlos Medina escultor en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia - Maczul
Hasta Marzo 2014
Para darle
continuidad a la celebración por su 15º aniversario, el Museo de Arte
Contemporáneo del Zulia (Maczul) recibe en su Sala 4 la muestra
expositiva Esencial, la evolución de la escultura sin bases hacia el
muro o el espacio a través de instalaciones únicas, una propuesta del
artista venezolano Carlos Medina.
Esencial
reúne dibujos, esculturas e instalaciones de este creador
barquisimetano, obras que nos sumergen en un mundo de principios
razonados y de extrema precisión, un mundo donde el más remoto azar o la
más mínima improvisación no tienen lugar. En las obras de Medina, la
materia prima es fundamental y la ejecución de las piezas es impecable.
Esta muestra expositiva, que se estará exhibiendo hasta mediados de
marzo de 2014, es una invitación a descubrir formas esenciales y a ser
testigos de la subjetividad intrínseca contenida en el rigor geométrico.
Lugar: Sala 4 del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia.
Carlos Medina Escultor - Instalación Gotas
Fotografía Gladys Calzadilla.
En su camino hacia
las formas abstractas esenciales, Carlos Medina va haciendo cada vez más suya
esa zona ambigua entre razón y libertad, donde el buen arte se mueve
holgadamente.
María Elena
Ramos.
Carlos Medina - Neutrinos
Carlos Medina - Esencial, Fugas, en el Maczul
Las modernas
geometrías más que sistemas de medición son actualmente consideradas como
formas de la lógica, tal vez eso invita al artista a la cuadratura del círculo
que no puede sorprender cuando la ciencia habla hoy de un cosmo de membranas y
un mundo de sistemas de diez u once dimensiones.
Soto
Carlos Medina - Esencial, Fugas, en el Maczul
Carlos Medina, gotas (móviles) instalación en varas de acero inoxidable y nylon.
La piedra, el
hierro, el mármol, el granito, el acero, el papel, compañeros de vida y arte de
Carlos Medina, le han abierto caminos desde sus primeros días como escultor.
La transformación
formal y conceptual de una forma geométrica, podría definir la trayectoria de
un artista como Carlos Medina. Siendo esta transformación la base de sus
planteamientos estéticos, las series escultóricas que trabaja están inscritas
en una nueva manera de plantearse la tridimensionalidad (…)
Carlos Medina superficie blanca en el Maczul
Carlos Medina gotas en el Maczul
La curiosidad
investigativa y necesidad reflexiva de Medina le ha conducido a crear técnicas
fuera de lo convencional y a dominar materiales no convencionales (…)
Medina advierte
su trabajo escultórico, como realizaciones siempre preconceptuadas y luego materializadas
en la línea que va de lo material a lo esencial.
Se refiere
entonces a “lo esencial” al Minimalismo puro que explica el proceso plástico de
los últimos años, con propiedades físicas y estéticas definidas por lo formal y
lo conceptual.
Es decir que
material, técnica e idea conforman un planteamiento unitario; que en función de
sus exigencias le conduzcan al logro de un resultado de altísima calidad
estética y estructural.
Fragmentos de
texto “De lo Material a lo Esencial” , por Bélgica Rodríguez, Caracas 2013.
Clausura de la Exposición
GEGO sobre papel, el trazo transparente.
Museo de la Estampa y el Diseño "Carlos Cruz Diez" Sala 1A,
Domingo 26 de enero, 11 am,
Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez
Avenida Bolívar entre Calle Sur 11 y Este 8. Paseo Vargas, Caracas.
Central 0212-571.24.01 Fax 0212-572.14.76
F. museoedccd T. @museocruzdiez
Exposición Colectiva ENTRE LÍNEAS
Artista Invitados:
Ben Abounassif
Álvaro Fernández
Flix
Augusto Marcano
Alberto Riera
Horario: Martes a Sábado de 11am a 6pm
Domingos de 11am a 4pm
Centro de Arte Los Galpones, Galpón 12, 8va. Transversal con Avenida Ávila y Calle Ávila B, Urbanización Los Chorros - Caracas.
El adorador de la imagen de Lucía Pizzani y
Pares mínimos. Collages de
Rafael Castillo Zapata.
Sala Mendoza , domingo 26 de enero, de 11 am a 3 pm.
La Fundación Sala Mendoza tiene el placer de invitarlos a la inauguración de las exposiciones que estrenan el 2014.
En la sala principal inaugura El adorador de la imagen de Lucía Pizzani, muestra individual de esta joven
artista ganadora de la más reciente edición del Premio Mendoza (2012).
En esta ocasión, Pizzani exhibe el resultado del trabajo desarrollado
durante la residencia en el Centro de producción e investigaciones en
artes visuales Hangar, ubicado en Barcelona, España.
A su vez, en el espacio de Librería, se presenta Pares mínimos. Collages de
Rafael Castillo Zapata. La muestra es una oportunidad de apreciar el
manejo del lenguaje plástico por parte de este reconocido escritor
venezolano, quien mediante el collage como técnica, demuestra una pulcra
cualidad en la composición a través de la sobriedad del color y de las
formas duales.
Finalmente, en los espacios de Mezzanina y del Centro Documental se
inicia la conmemoración de los 20 años de este centro de investigación
con una selección de carteles y catálogos que forman parte de la
historia de la Sala Mendoza y de su tradición editorial.
Será un gran placer para el equipo de la Sala Mendoza compartir con
ustedes estos proyectos expositivos. Los esperamos el domingo 26 de
enero, de 11:00 am a 3:00 pm.
Individuales y nuevos espacios marcan la agenda del año 2014
La Sala TAC celebrará el centenario de nacimiento de Gerd Leufert | Foto Archivo
A pesar de que las salas abrirán sus puertas en enero, febrero será el mes de las inauguraciones
Después de unos días de descanso
por las vacaciones navideñas, la mayoría de las galerías y salas
expositivas de la ciudad reanudarán las actividades la próxima semana.
Muchas son las expectativas porque, a pesar de que cumplieron sus metas
en 2013, el balance no fue tan positivo como en anteriores años.
En
2014, los artistas se enfrentan, entre otras cosas, a la falta o
difícil adquisición de materiales para desarrollar sus producciones
artísticas. Asimismo, a la dificultad de los centros de exposición para
conseguir pinturas para las paredes o marcos para las obras.
A
pesar de las dificultades el calendario ya está armado y principalmente
está integrado por individuales. Odalys Galería de Arte mantendrá hasta
el 26 de enero la exposición del artista alemán Uli Westphal, Human Nature. El 9 de febrero ofrecerán el montaje de Los ocultos,
con tres artistas españoles: Antón Lamazares, Antón Patiño y Menchú
Lamas. Durante el año presentarán fotografías de Carlos Eduardo Puche y
las obras de la italiana Irina Novarese. En la sede de España, exhibirán
las Columnas policromadas de Mateo Manaure y en junio ofrecerán
una exposición del guitarrista de The Rolling Stones, Ronnie Wood, y el
artista venezolano Abdul Vas. La inauguración contará con la presencia
de los integrantes de la mítica banda.
El
próximo mes la Sala TAC montará una exposición fotográfica de Alfredo
Armas Alfonzo, curada por su hijo Ricardo Armas. El centro también tiene
programada una muestra con ocasión del centenario de nacimiento de Gerd
Leufert y otra de Nedo, pionero del diseño gráfico venezolano.
Carmen
Araujo Arte comienza sus actividades en 2014 con una individual de
Daniel Medina, que será inaugurada el 9 de febrero. GBG Arts ofrecerá
una exposición de Harry Abend con textos de Federica Palomero y otra de
Ricardo Benaím.
El Ateneo de Caracas
organiza para febrero una muestra de Ricardo Jiménez. También el próximo
mes, Oficina #1, en el Centro de Arte Los Galpones, inaugurará una
exhibición de Jaime Gili. En 2014 presentarán también una colectiva de
piezas intervenidas sobre obra gráfica de artistas como Carlos
Cruz-Diez.
En marzo, La Caja del
Centro Cultural Chacao hará un montaje con obras de Oscar Molinari y
Gabriela Gamboa. La galería Okyo tendrá individuales de Yosman Botero y
de Claudio Gallina.
El miércoles
reanudan sus actividades tanto la galería Freites como D’ Museo. La
primera ofrecerá en febrero una exhibición del artista estadounidense
Robert Indiana, mientras que la segunda tiene dentro de sus planes las
exposiciones de Reymond Romero, Nayarí Castillo, Alirio Rodríguez, Juan
Toro y Edgar Sánchez.
El circuito de
exposiciones también contará con un nuevo centro: la galería La Cuadra
será ahora Espacio Monitor y se mudará al Centro de Arte Los Galpones.
La curaduría estará a cargo de Miguel Miguel García y estará ubicada en
la antigua sede de Periférico Caracas. El 16 de febrero será la muestra
inaugural de Víctor Lucena. Le seguirá el mexicano José Dávila y el
uruguayo Marco Maggi.
Art Tepuy
amplió sus espacios: ahora tendrá un segundo piso. La reinauguración
será en febrero con una exposición colectiva curada por Lorena
González.
En el extranjero
En
España, el año 2014 estará dedicado a celebrar el cuarto centenario de
la muerte del Greco. El Museo del Prado ofrecerá dos exposiciones del
pintor: El Greco y la pintura moderna y La biblioteca del Greco.
En Toledo, ciudad donde nació, también habrá varias exhibiciones. En
Nueva York se impondrá el arte contemporáneo con propuestas de creadores
como Jeff Koons. En París, el Pompidou mostrará una retrospectiva del
fotógrafo Henri Cartier-Bresson y también exhibirá obras de Marcel
Duchamp. The National Gallery en Londres expondrá Rembrandt, los años finales, mientras que la Tate Modern tendrá creaciones de Matisse.
Exposición SINGAMIA de Daniela Quilici
HASTA EL 30 DE ENERO
en el colegio Francia de Caracas
de 12 a 4 pm
Venezuela en la Feria de Cartagena
Del 9 al 12 de enero, 15 galerías participan en la versión "boutique" de la Feria
ArtCartagena
se realizará en el hotel Bóvedas de Santa Clara. Contará con la
participación de 15 galerías latinoamericanas provenientes de seis
países. Por Venezuela participará D Museo con obras de los artistas
Ángel Marcano, Francisco Pereira, Pancho Quilici, Reymond Romero, Jesús
Soto y Édgar Sánchez
MARÍA GABRIELA MÉNDEZ
| ESPECIAL / EL UNIVERSAL
lunes 6 de enero de 2014 12:00 AM
Bogotá.- Enmarcada en
una ciudad de ensueño, el próximo nueve de enero abre sus puertas
ArtCartagena, la primera versión de una feria de arte en pequeño formato
que contará con la participación de quince galerías, entre ellas la
venezolana D'Museo.
Andrea Walker, quien hizo posible ArtBo y la
convirtió, luego de ocho años como su directora, en una de las más
importantes de Latinoamérica, fue la cabeza detrás de la idea de hacer
de Cartagena un punto de encuentro para artistas, galeristas y
coleccionistas nacionales e internacionales.
"Desde que me
retiré, sentía que los coleccionistas de arte que venían a Bogotá
estarían muy interesados en también visitar Cartagena como centro
histórico y turístico. Lo que más me motivó fue brindar plataformas
diferentes que pudieran replicarse en otras regiones del país", cuenta
Walker, quien ve un gran potencial artístico fuera de Bogotá.
Lo
más novedoso de esta feria "boutique" es que se realizará en un hotel,
el Bóvedas de Santa Clara, específicamente en sus 15 suites dúplex,
donde el galerista puede usar la habitación del piso superior y exponer
en la parte de abajo sin tener que hacer doble gasto. Así se hace viable
económicamente no solo para la organización sino también para el
galerista.
"Quisimos demostrar que se pueden hacer cosas
innovadoras pensando muy bien cómo hacer viable este tipo de proyectos.
Por eso surge la idea de hacerlo en un hotel, y en Cartagena porque es
un centro turístico que congrega a un público nacional e internacional y
que podía reunir, como punto geográfico, toda la expresión del Caribe",
anota Walker, quien además considera ventajosas las condiciones de
seguridad y conservación de las obras que ofrece el hotel.
Para
seleccionar las galerías, el comité organizador, conformado por un
selecto grupo de personas de larga trayectoria en el arte y la cultura
de Colombia como curadores, coleccionistas, directores de museos, hizo
una convocatoria pública nacional e internacional que tuvo muy buena
acogida. Unas 30 galerías se postularon para los 15 puestos disponibles.
De
un total de 15 galerías, de las cuales cinco son colombianas y el resto
de Costa Rica, México, Estados Unidos, España, Argentina, se encuentra
D'Museo, la galería venezolana que desde 1990 promueve a grandes
maestros de la pintura venezolana de finales del siglo XIX y del siglo
XX, así como a artistas plásticos de nuevas generaciones. Zoraida
Irazábal, Ana Josefina Vicentini y Nicomedes Febres, sus directores, han
sido además los fundadores y organizadores de la Feria Iberoamericana
de Arte FIA, desde su primera edición, en 1992.
Para
ArtCartagena, seleccionaron seis de sus artistas: Ángel Marcano, con
dibujos tridimensionales hechos de alambre; al escultor Francisco
Pereira y sus representaciones de bestias míticas; a Pancho Quilici con
sus dibujos-pintura-escultura que muestran mundos interiores; a Reymond
Romero y sus exploraciones del color a través de elementos textiles; y
los maestros consagrados Édgar Sánchez y Jesús Soto.
En la feria
no hay un foco o tema particular, sino que más bien dejaron en manos de
las galerías la propuesta y la selección de obras. Así, se encontrará
una gama variada entre artistas consolidados y emergentes del arte
contemporáneo y moderno. Además de la venta y exposición, hay una
programación turística y académica con una exposición de seis artistas
de la Costa y dos conversatorios: el proceso creativo y el
coleccionismo.
Walker tiene expectativas positivas sobre la
acogida que tendrá y espera que sea la primera de muchas ediciones en
las que la feria pueda crecer y consolidarse: "Queremos ir creciendo en
la medida en que el público y la ciudad vayan respondiendo para ir poco a
poco pero de manera sólida. Lo que más nos interesa es demostrarle a la
región que se pueden hacer cosas si uno es lo suficientemente creativo y
hace viable estos proyectos. Los recursos económicos son
indispensables, pero lo que se necesita es ser innovador, creativo, y
tener un buen equipo", recalca.
Su nombre fue gancho infalible
para la convocatoria: "Aunque sea una primera versión y muy pequeña, no
es mi primera feria porque ya una hay experiencia adquirida que le suma
al proyecto", dice Walker. La experiencia de ArtBo le dio las alas y el
conocimiento para poder organizar otro tipo de ferias en regiones
diferentes. "Uno conoce las variables que debe tener un proyecto para
que sea exitoso, no es solamente colgar unos cuadros en un espacio, es
atraer el coleccionismo para que vengan buenas galerías y traer buenas
galerías para que venga el coleccionismo, es un círculo que hay que
manejar; darle oportunidad a la región en cuanto a artistas y proyectos
que se puedan gestar alrededor".
La feria se une así a una gran
oferta cultural que ofrece durante el año Cartagena: el Festival de
Música, el Hay Festival, el Festival de Cine, la Bienal de arte. Con
esta última se pone, definitivamente a la ciudad en la mira de las artes
plásticas.
FATA
MORGANA “Cada quien hizo lo que le dio la gana” en Galería 39
Carlos
Anzola, Jose Antonio Fernández, J.J. Moros y Carlos Quintana
-Todo
es un espejismo porque nada nunca es lo que parece-
Hasta Enero de 2014
11am
a 4pm.
Fata
Morgana es una forma de espejismo natural que ha retado la imaginación de
viajeros y navegantes a lo largo de los siglos.
En
la mitología artúrica, Morgana era un hada de aspecto cambiante, hechicera y
discípula del mago Merlín, lo que
explicaría algunos mitos, como la
isla flotante de Avalon o el barco fantasma “The Flying Dutchman” ( El
Holandés Errante).
Estos
cuatro artistas venezolanos contemporáneos, de reconocida trayectoria, desarrollan individualmente sus
lenguajes, propuestas y visiones del arte, principalmente en el ámbito
tridimensional, a partir de fundamentos conceptuales personales, técnicas, materiales y formatos muy diversos.
CARLOS
ANZOLA
“Con
un eje netamente recolector, el 100% de la materia prima utilizada en estas
piezas proviene del encontrar. Filtrados por su condición visual de deterioro,
se establece un diálogo franco entre este inventario de objetos."
JOSE
ANTONIO FERNANDEZ REYNA
GEOMETRIA
EMPIRICA
Del
proyecto PENTAGONAL, se desprende una línea de investigación: el pentágono
regular, de la cual surge lo que llamo geometría empírica y los dos temas
centrales de esta muestra: icosaedro / tetraedro.
JJ
MOROS
Estoy
preparando un conjunto diverso, unas piezas recientes y otras con algún tiempo.
…
un esquinero que pasó un tiempo en el taller, con un juego de medias lunas y
líneas.
…
un par de cuadrados de arista, son pareja porque las muescas o intervenciones
están hechas con la idea de que se interrelacionen, no sólo con las del propio
cuadrado, sino también con las del otro.
La más
reciente, es un conjunto de tres piezas circulares con un relieve central sobre
el que se desarrollan intervenciones variadas y
profundas que se asocian a lo interno y en el conjunto
Por
último, una rueda grande, con un tamaño que se impone con diversas
intervenciones.
CARLOSQINTANA
ZUTKABUFF
Instalación
de un grupo de mis ranchos más recientes, que apareció de manera espontánea con
ejemplos de tecnología ferroviaria de
origen marciana; además de otras piezas que parecieran inconexas, y que sin
embargo no lo son.
Levedad / Densidad - Jonidel Mendoza, Paul Parella y Paulo Castro exponen en el Centro de Artes Integradas
Paulo Castro. Tensopintura 2013
Tres artistas venezolanos cuyas propuestas divergen entre sí y que
esperan propiciar en el espectador una experiencia sensorial que
trasciende lo visual, comparten sus visiones y creaciones artísticas en
la muestra Levedad / Densidad que podrá visitarse hasta el 12 de enero en la sala William Werner del Centro de Artes Integradas, CAI, en Terrazas del Ávila.
En todas las piezas que conforman la propuesta de Jonidel Mendoza, Paul Parella y Paulo Castro,
se pueden percibir principios opuestos que la curadora pone a dialogar
en esta exhibición, como Levedad / densidad, transparencia / opacidad,
desplazamiento / fijación, tensión / fluidez y materialidad /
inmaterialidad. Si uno de estos artistas encarna algunos de estos
conceptos, es probable que otro trabaje su contrario y esto se verá en
sala como una experiencia museográfica en la que lo leve y lo denso
conviven.
“Así como existe en arte una escala de valores que se refiere al paso
gradual de la luz a la sombra y viceversa, en Levedad / Densidad se
producen gradaciones similares cuando apreciamos los principios duales
que nos han motivado exponer las obras de estos tres artistas”, dice
Susana Benko, curadora, investigadora de arte y museólogo miembro de la
Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA-Capítulo Venezuela).
Paul Parrella. Anotaciones sobre el cielo. Intervención del espacio CAI
Según la curadora, “No cabe duda que se da una experiencia sensorial
múltiple cuando captamos la esencia del alma humana a través de las
obras transparentes, casi evanescentes, de Jonidel Mendoza; o cuando
Paul Parrella desafía la escala llevando un trozo de cielo, en medio de
su transitoriedad y condición efímera. Y nos queda la experiencia con la
materia, pura y densa, y a la vez tan sutil de sus armonías cromáticas
cuando Paulo Castro incita a la activación de nuestra pasión por la
belleza”.
Para Benko, queda en el espectador establecer el último lazo
comunicante para que sea él quien sensorialmente propicie el diálogo
entre las obras de estos tres artistas. “Además de las dualidades
mencionadas, se producen otras lecturas transversales que derivan de la
relación entre figuración/abstracción, conceptos a primera vista básicos
pero que en algunas de estas obras adquieren cierto grado de complejidad
según las búsquedas de estos artistas”, afirma.
Lo evidente o lo velado, lo literal o lo sugerido, es lo que hace que
esta exposición se vuelva atractiva a los ojos del espectador y a su
entendimiento, encontrando paradojas interesantes que demuestran que no
todo lo que se define y se ve como certero realmente lo es. Las
dualidades se redimensionan significativamente.
Jonidel Mendoza. Intercepciones del Reflejo II
Trina Itriago de Vallenilla, directora ejecutiva y secretaria
permanente del Centro de Artes Integradas afirma que para el CAI es
primordial apoyar y difundir el arte nacional e internacional en todas
sus expresiones y corrientes. “Nuestro compromiso es seguir trabajando
para que pronto podamos contar con todas las instalaciones educativas
que encierra nuestro proyecto: El Complejo Educativo-Cultural Centro de
Artes Integradas. Agradecemos a los artistas que se unen a nuestro
proyecto de promoción de las artes, a La Oriental de Seguros por
apoyarnos y acompañarnos en esta muestra y al personal del Centro de
Artes Integradas y Montaña Creativa”.
Los creadores de Levedad / Densidad
Jonidel Mendoza. El ser humano está presente
en su obra. Un artista figurativo, con formación académica y un excelente
dibujante cuyo proceso creativo ha ido a la inversa: fue despojándose
de la materialidad del soporte, del pigmento y del color, para crear a
partir del vacío. La línea y el punto son su principal herramienta y son
las que sustentan materialmente su trabajo. El espacio es su soporte y
se convierte en el cuerpo y alma de sus figuras. Éstas no llegan a
corporizarse. Son presencias que conmueven precisamente por su ausencia.
Jonidel juega equilibradamente con la levedad y densidad de sus
recursos.
Paul Parrella. Su trabajo se sustenta en una
paradoja. Ello se debe a que vemos una obra abstracta e informal (que
muchos catalogarían de tachista y gestual) pero que difiere radicalmente
de los procedimientos de los tachistas y gestualistas. Contrario a
aquellos, Paul no se centra en la representación informal de la materia
ni en el dinamismo del gesto, al menos en esta serie en particular, sino
en la transcripción literal de las formas de las nubes que visualiza a
través de la ventana de su taller. En otras palabras, su obra deriva de
una meticulosa observación de la naturaleza. Primero sucedió con sus
Anotaciones sobre el agua (2005), después sobre la luz (2007) y ahora es
sobre el cielo, en particular, las nubes.
Paulo Castro. La propuesta más abstracta de esta
exposición la desarrolla este artista: cuatro piezas cuya composición,
basada en planos de color, es asimétrica e irregular. Todas concebidas
como una sola obra, quedando entrelazadas secuencialmente a través de
las formas, de los mismos planos de color como a través de las telas
sintéticas estiradas que se mimetizan con el fondo al tener ellas el
mismo color. El resultado, sin embargo, es variable y se debe a la
cantidad de elementos tenso-pictóricos empleados así como a su
direccionalidad que hace que cada módulo presente una composición
diferente. Es precisamente la tela sintética dispuesta dinámicamente y
en tensión la que define formal y conceptualmente la obra de Paulo
Castro. Por ello se llaman: Tensopinturas.
Levedad /Densidad podrá visitarse hasta el 12 de enero en la Sala
William Werner, Centro de Artes Integradas, Universidad Metropolitana.
El Centro de Artes Integradas (CAI), es una
asociación civil sin fines de lucro constituida en 1979, que nació de la
inquietud de integrar todas las disciplinas artísticas: música, danza,
teatro y artes plásticas, en un centro educacional y cultural del más
alto nivel que permita al sector privado una intervención directa en el
desarrollo de las artes. Es un proyecto de educación integral, donde el
alumno se acerca y conoce las diferentes expresiones artísticas como un
todo, sin seccionarlas. La idea final comprende la convivencia de un
Colegio, un Conservatorio de Música, Salas de Teatro, Galerías, Escuela
de Artes Plásticas, Escuela de Teatro, Escuela de Danza, Escuela de
Fotografía, Escuela de Cine, una Zona Rental y un Centro de
Investigación y Estudios. www.centrodeartesintegradas.org / Twitter
@CentroArtesInt / Facebook.
Jonidel Mendoza, Paul Parella y Paulo Castro
Levedad / Densidad
Hasta el 12 de enero de 2014
Centro de Artes Integradas
Sala William Werner
UNIMET, 2da entrada izq. Terrazas del Ávila
Caracas, Venezuela
Horario: de lunes a viernes, 9:30 a.m. a 4:30 p.m.
Fuente: PressRelease Comunicación Corporativa
Mariposario: Esculturas en cerámica y obras en papel de Lucía Pizzani
Lucía Pizzani - Mariposario
A partir del jueves 5 de diciembre la artista venezolana Lucía Pizzani
mostrará su primera exposición individual en Oficina #1. Bajo el título
de Mariposario. Pizzani, residenciada en Londres, traerá al país su más
reciente producción que comprende dos series: una de esculturas en
cerámica y otra de trabajos sobre papel.
Pizzani, quien recibiera este año el Primer Premio en la XII edición del Premio Eugenio Mendoza y el Premio a la Artista Emergente
otorgado por la Asociación Internacional de Críticos de Arte
AICA-Venezuela, acaba de participar, representada por Oficina #1, con un
solo project en la feria Pinta NY en la sección de videos curada por Octavio Zaya.
Para la muestra Mariposario se ha contado con la colaboración de la
crítico de arte y curadora Lorena Muñoz-Alonso, quien estuvo a cargo del
texto curatorial. Para Muñoz-Alonzo esta muestra se inscribe dentro del
proceso investigativo que ha venido desarrollando Pizzani en sus
últimos trabajos, en el que las ideas de transformación y cambio han
sido una constante, por lo que estas nociones cobran una particular
relevancia para entender su acercamiento al cuerpo, su trabajo con
formas orgánicas y su cuestionamiento del acto creativo.
Entre los antecedentes para llegar a Mariposario se encuentran proyectos recientes como Orchis (2011) o La Desconocida del Sena y otras Ofelias (2012),
que condujeron a Pizzani hasta una novela de Richard Le Gallienne que
narra como la obsesión del protagonista por una máscara mortuoria con la
efigie de su amada desencadena un trágico final, representado por la
mariposa nocturna Acherontia atropos, que es conocida por sus marcas
blancas con forma de calavera humana.
“A raíz de esta imagen, siniestra y romántica, Pizzani empezó a
trabajar con la figura de la mariposa. Este tipo de insecto es
particularmente significativo a nivel simbólico ya que en su corto ciclo
de vida –a veces de tan solo un día de duración– se transforma de oruga
a mariposa y, una vez cumplida su función reproductiva, muere. Su
impactante metamorfosis, de viscoso gusano a una de la especies más
bellas y vistosas de la naturaleza, encarna a la perfección la idea de
‘devenir’, un concepto clave en el pensamiento de Deleuze, que define la
idea de movimiento en estado puro”, afirma Muñoz-Alonso.
Mariposario está compuesta de dos series: Capullos (2013) y Lepidópteros (2013).
La primera la integran un grupo de cerámicas de gres esmaltadas
estéticamente fascinantes e inquietantes. “Las cerámicas han sido
moldeadas en una enorme variedad de tipos de crisálidas. Así, el proceso
de oruga a mariposa queda congelado de manera indefinida justo antes de
su eclosión, los insectos para siempre suspendidos en este estado de
devenir” explica la curadora. La serie Lepidópteros (2013) la conforman
un conjunto de dibujos elaborados con una técnica de impresión manual
desarrollada por Pizzani, en la que, a través de una transferencia de
tintas y agua, invita a explorar un inventario de rastros y huellas.
Como refiere Muñoz-Alonso “Los dibujos resultantes parecen mariposas,
sin duda, pero la tinta aguada les dota de una apariencia
fantasmagórica, como si lo que viéramos en la galería no fueran sino las
marcas que estos insectos han dejado en el papel, batiendo sus alas
impregnadas de tinta durante unos segundos antes de volver a
desaparecer. (…) Lo que resulta interesante de estos dibujos, además de
sus variadas implicaciones, es su vacuidad, que ofrece al espectador la
ocasión de proyectar sus propios paisajes mentales, como si de los
famosos test de Rorschach se tratara”.
Lucía Pizzani (Caracas 1975) vive y trabaja en
Londres. Es licenciada en Comunicación Social, mención Audiovisual de la
Universidad Católica Andrés Bello, Certificate in Conservation Biology
CERC en Columbia University (NY) y Master en Fine Arts del Chelsea
College of Arts and Design de Londres. Dentro de sus muestras
individuales se pueden nombrar Vessel y Orchis (Fernando Zubillaga
Galería, Centro de Arte Los Galpones. Caracas, 2009 y 2011,
respectivamente), Retratos Ausentes-Absent Portraits (La Carniceria,
Caracas y Signature Art Gallery, Miami, 2007), y Vestigios (Sala
Mendoza, -La Librería-, Caracas, 2003), entre otras. Ha participado en
exposiciones colectivas en países como Venezuela, Colombia, Estados
Unidos, Reino Unido, España y Nueva Zelanda. Entre estas muestras se
pueden mencionar el XII Premio Eugenio Mendoza (Sala Mendoza. Caracas,
2013), Masquarade: be another (Stephen Lawrence Gallery. Londres, 2013),
II Taller de Curaduría Experimental (Periférico Caracas. Caracas,
2012), Transgression (Beers.Lambert Contemporary. Londres, 2011), Bienal
Internacional de Arte Contemporáneo ULA (Universidad de Los Andes.
Mérida, 2010), MOLAA Collects Photo-Based Art, (Museum Of Latin American
Art. Los Angeles, 2009), III Queens Museum Biennale (Queens Museum. New
York, 2006), Identidades (Galería El Museo. Bogota, 2006), The Drop
(Exit Art. New York, 2006), y Naturalezas Abiertas, Salon Exxon Mobil
(Galería de Arte Nacional. Caracas, 2003).
Entre los reconocimientos a su trabajo se cuentan el XII Premio
Eugenio Mendoza (Sala Mendoza. Caracas, 2013), el Premio a la Artista
Emergente otorgado por el AICA Capítulo Venezuela, (Asociación
Internacional de Críticos de Arte, Caracas, 2013), el Segundo Premio en
el IX Salón CANTV de Jóvenes Artistas FIA (Centro Cultural Corp Banca.
Caracas, 2006). Su obra está representada en la Colección Banco
Mercantil, el Museum Of Latin American Art (MOLAA) y la Colección
Patricia Phelps de Cisneros (CPPC), entre otras.
Lorena Muñoz-Alonso es una crítica de arte y curadora independiente
española residenciada en Londres. Publica sus textos periódicamente en
Art-Agenda, Kaleidoscope, Frieze, This is Tomorrow, The White Review, AD
o Celeste, así como en numerosos catálogos, incluyendo el de la
exposición The Last Newspaper del New Museum de Nueva York. Ha trabajado
en el departmento curatorial de la Barbican Art Gallery, Pilar Corrias
Gallery y Frieze Art Fair.
Mariposario
Lucía Pizzan
Hasta el 26 de enero de 2014
Oficina #1
Galpón 9. Centro de Arte Los Galpones 29-11.
Av. Avila con 8va Transversal Los Chorros.
Caracas, Distrito Federal 1071, Venezuela
oficina1.com
Martes a viernes de 2 a 6 pm. Sábados y domingos de 11 am a 4 pm.
Teléfono: +58 (0)212-2835010
Prensa Oficina #1
Erwin Gonzalez exposición Generación XXI PDVSA la Estancia Sala 2
Erwin Gonzalez Blog oficial
Mi vida en el fondo del mar. hierro forjado. 38 x 23 x 21 cm. 2005
Primera Retrospectiva a GEGO en Francia
París rinde homenaje por primera vez a la escultora venezolana Gego, a partir del 14 de febrero, donde la Maison de l'Amérique Latine le dedica su primera retrospectiva en Francia.
En París podrán verse 41 piezas, 39 de ellas cedidas por la Colección Mercantil de Caracas, institución coorganizadora de la muestra, y seis obras de la serie "Chorros", cedidas por Bárbara y Tomas Gunz
París reunirá ahora un conjunto representativo
de las grandes etapas de su trabajo, desde sus dibujos y grabados a
sus obras tridimensionales, caracterizadas por la utilización singular
y poética del espacio y la línea, que sitúan al espectador en el
centro de una experiencia física y sensorial
El descubrimiento europeo de la escultora venezolana Gego, considerada como una de las más grandes figuras latinoamericanas del arte del siglo XX, llegará a París a partir del 14 de febrero, donde la Maison de l'Amérique Latine le dedica su primera retrospectiva en Francia.
Prosigue así la revelación del trabajo tan sutil y delicado como inclasificable de esta artista de origen alemán, a quien el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) dedicó la primera gran antológica en Europa en 2006.
París reunirá ahora un conjunto representativo de las grandes etapas de su trabajo, desde sus dibujos y grabados a sus obras tridimensionales, caracterizadas por la utilización singular y poética del espacio y la línea, que sitúan al espectador en el centro de una experiencia física y sensorial.
Hasta el próximo 14 de mayo, distribuidas en nueve salas, podrán verse 41 obras, algunas de sus emblemáticas "Reticuláreas", estructuras etéreas y laberínticas de hilos de hierro suspendidas en el espacio, de sus "Troncos", "Cuerdas", "Chorros" y "Esferas", y también de sus "dibujos sin papel" y sus posteriores "Tejeduras".
Gego (1912-1994), cuya actividad más sólida empieza en los años 60, "estaba bajo la influencia del neoplasticismo" y se distanció radicalmente de la obra cinética, explicó a Efe la comisaria de la muestra, Tahia Rivero.
Su obra, añadió, es todavía poco conocida en Europa, "porque comenzó tarde" a desarrollar su carrera y porque en un principio fue "poco divulgada por su entorno", ya que, a diferencia de muchos artistas conocidos, "no sentía la necesidad del éxodo, sino que, al contrario, quería vivir en Venezuela".
Justamente, agregó, sus herederos "están haciendo hoy día un excelente trabajo, pues, mientras ella vivía, hacía muy pocas exposiciones fuera".
Hasta principios de los años 50, la artista fundó y regentó un taller de diseño y creación de lámparas, y en 1952 conoció a quien sería su segundo compañero, Gerd Leufert, quien le animó a lanzarse a una prolífica actividad artística.
A finales de la década, esa nueva actividad desembocó en sus primeras esculturas y le llevó también a la enseñanza.
Ya entonces, a diferencia de otras grandes figuras del arte latinoamericano, Gego, seudónimo formado con la contracción de las cuatro primeras letras de su nombre y apellido, Gertrud Goldschmit, conocía muy bien Europa por haber nacido en Hamburgo (Alemania).
La artista había emigrado a Venezuela a los 27 años, en 1939, al año siguiente de haber obtenido su diploma de Arquitectura e Ingeniería en la Universidad de Stuttgart, y cuatro años después de que el régimen nazi le retirase su nacionalidad.
"Se fue obligada prácticamente por su familia y ayudada con patrocinio de la comunidad judía", explicó la comisaria.
Primero viajó a Londres, pero, al no lograr obtener permiso de residencia en el Reino Unido, siguió su camino hacia Caracas.
"Su llegada a Venezuela fue casual; se fue para allá sin saber la lengua, por ser el único sitio donde tenia algo seguro", indicó Rivero.
En París podrán verse 41 piezas, 39 de ellas cedidas por la Colección Mercantil de Caracas, institución coorganizadora de la muestra, y seis obras de la serie "Chorros", cedidas por Bárbara y Tomas Gunz, hijos del primer marido de la escultora, precisó.
La exhibición fue montada por primera vez en 2012, cuando la Fundación Gego invitó a varias organizaciones a participar en el centenario de su nacimiento, y "solo ha sido vista hasta ahora en Caracas", resaltó Rivero.
Domingo 9 de febrero, 11 am
Exposición "Alegría" de Ramón Maldonado, Galería Trazos
Ramón de Jesús Maldonado se forjó a sí mismo en esto de las artes plásticas. Agradece que un día, siendo adolescente, se fue la energía eléctrica mientras veía televisión. Pero, al mismo tiempo se le encendió una luz al encontrar los libros de arte en la biblioteca de su casa en Trujillo. A partir de ese momento, no ha dejado de investigar hasta definir un estilo único en su plástica, alegre, colorida y brillante, inspirada en las fiestas criollas tradicionales.
Con una obra presente en tres continentes, se ha convertido en un reconocido artista internacional del Arte Naif Tropical Contemporáneo, también llamado arte ingenuo o popular.
Maldonado es el ganador del Premio Único de Arte Popular otorgado por la Galería de Arte Trazos, con motivo de la V Bienal de Escultura. El jurado conformado por el crítico de Arte Perán Erminy, y los maestros de la Escultura Max Pedemonte y Noemí Márquez otorgaron el premio por su obra "Ganó mi gallo", inspirada en una de las viejas tradiciones folklóricas y festivas de los pueblos latinoamericanos y caribeños, "representada con el uso de técnica pulcra y virtuosamente atractiva".
El domingo nueve de febrero, a las 11 de la mañana, será inaugurada la exposición "Alegría" para mostrar ésta y otras 20 obras. Y, si hay un tema que se aprecia en su obra, es la alegría. "Siempre he querido pintar cosas lindas, alegres" resume. "De joven me inspiré en los grandes, Picasso, Rembrand, Monet, Dalí. Era la época en que llegaban las noticias de Vietnan, y yo quería cambiar esa visión del mundo que me llegaba".
Maldonado afirma "No es secreto que en Venezuela estamos en un des confort emocional fuerte por el mal entendimiento de los venezolanos, los de un bando y del otro. He tenido la suerte de que mi obra gusta a todos porque todos quieren tener obras que representen la alegría en sus casas".
En la exposición individual en la Galería Trazos el público podrá ver los personajes de Las Locainas, que narran la fiesta de Los Zaragozas, celebrando el día de los santos inocentes. Las representaciones de las festividades de La Burriquita, El Guarandol… El Carite, el personaje de San Pedro en la Fiesta de Guatire, entre otras.
Dirección de la Galería Trazos: Centro Lido, Nivel Miranda, local M−17, Av. Francisco de Miranda, Urbanización El Rosal, Municipio, Chacao, Caracas.
www.galeriadeartetrazos.blogspot.com
Yoima Varela moldea la fragilidad de un sentimiento
La diseñadora inaugura mañana "De todo corazón" en la galería Art3.
La creadora venezolana expone una muestra de esculturas e instalaciones (Nicola Rocco)
JESSICA MORÓN
| EL UNIVERSAL
sábado 8 de febrero de 2014 09:30 AM
Para Yoima Varela (1980) el
amor no es color de rosa. Sus corazones se revisten de alambres,
alfileres, flores artificiales, retazos de tela y hasta santos. Quizás,
porque amar en estos tiempos se ha vuelto un acto de fe. "Aquel que se
ha enamorado, lo sabe. Aunque la desilusión y el desencanto no son parte
del amor de pareja nada más. También se experimentan entre familia y
con la amistad", comenta la diseñadora venezolana que inaugura mañana la
muestra De todo corazón en la galería Art3 de Las Mercedes. Una instalación, doce esculturas y tres robots, más que un sentimiento, evocan una sensación. "Me aprovecho de la forma y la trabajo en distintos materiales. Combino texturas chocantes y colores alegres para suscitar impresiones", explica la creadora de 33 corazones.
La instalación agrupa en la pared más de una veintena de esa figura curva, en pequeño formato. Corazones envueltos en flores, forrados en tela y encaje, atravesados con alfileres y cubiertos con alambre, integran la exposición.
En la serie Cóncavos, esculturas de gran formato representan el icono del amor en fibra de vidrio, plástico y madera. Tres piezas que retratan la fragilidad, dureza y debilidad que provoca el acto de amar.
Los morochos -una obra compuesta por dos robots, uno de acrílico y otro de hierro- le proporcionan amparo y luz a un sentimiento. "Son máquinas a base de circuitos que se encienden. Les coloco un corazón dentro para humanizarlos. Por más vanguardista y avanzada que sea la tecnología, no hay un aparato que sustituya los afectos", dice Varela.
La artista visual confiesa que los corazones todavía no se han convertido en una obsesión. No descarta que la figura que la ha acompañado desde sus inicios pueda emigrar en algún momento. "O tal vez mutar, mi deseo es crear".
jmoron@eluniversal.com
La urbe hipotética de Medina
La muestra "Futuro Pasado Presente"
inaugura mañana en Carmen Araujo Arte.
JESSICA MORÓN | EL UNIVERSAL
sábado 8 de febrero de 2014 09:24 AM
Daniel Medina (Caracas, 1978) recurre a elementos urbanos para esbozar un panorama fantástico. El artista visual yuxtapone imágenes de un pasaje cotidiano y las proyecta en un futuro inmediato. "Cuando pensamos en Caracas siempre imaginamos el retrato de una urbe a futuro, pero cuando la recordamos en el presente quisiéramos volver al pasado", dice el creador venezolano que inaugura mañana la muestra FuturoPasadoPresente en la galería Carmen Araujo Arte, ubicada en la Hacienda La Trinidad.
La exposición contempla 'fotografías' de una metrópoli donde los puntos cardinales no están distantes. Un lugar geográfico donde el este y el oeste se fusionan y hasta se comunican en un mismo terreno. En sala, una serie de grabados sitúa el Obelisco de Altamira frente a la parroquia 23 de Enero, el Helicoide junto al Hotel Humboldt y La estatua de la libertad resguarda la cárcel de Tocuyito. "Porque las ideas mutan a través del tiempo. Las necesidades que propiciaron la construcción de nuestros monumentos vienen de un deseo utópico. Hay obras que más bien surgieron por capricho del Estado", comenta el también pintor egresado del antiguo Instituto de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón.
Siete monumentos plasmados sobre papel de algodón (mediano formato) y dos sobre fórmica (gran formato), intentan perpetuar el recuerdo de una urbanidad impoluta en la memoria. "Utilizo la técnica del grabado en un intento por simular el hecho de tatuar o imprimir algo en tinta indeleble, para que no se consuma en el tiempo y quede condenado al olvido", explica el escultor que cursó también estudios en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas.
"Los trabajos de Daniel Medina terminan acusando a través del juego, la realidad en la que vivimos. En una ciudad que (re) construimos imaginariamente para negar el caos", reseña Ricardo Sarco Lira en el catálogo de la muestra.
El creador construye una Caracas idealizada sobre fórmica y cerámica. Medina evoca el carácter no perecedero del material sobre el cual esboza su boceto de ciudad. "Este es mi paisaje ficticio, repleto de posibilidades. Con espacio para reconstruir y desconfigurar", concluye.
jmoron@eluniversal.com
Experimentos ajenos con color
Jaime Gili inaugura "Droits de succesion"
Oficina #1. Los Galpones
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El creador venezolano, residenciado en Londres,
le da otra lectura a "lo acabado" (Oswer Díaz)
le da otra lectura a "lo acabado" (Oswer Díaz)
En la muestra Droits de succession que inaugura el domingo en la galería Oficina #1, el creador se apropia de la obra de Carlos Cruz-Diez, Marcel Floris, Max Bill y Morellet "en tono conversacional. Detesto escuchar eso de 'Jaime Gili interviene piezas de otros artistas'... Esta es mi manera de dialogar con algunos de los que ya no están. Se trata de experimentar, es necesario probar ideas, pero más importante es poder escoger bien o retractarse a tiempo", dice el creador que trabajó sobre 11 serigrafías y una intervención. Las piezas originales datan de los años 70, cuando negoció con una galería alemana para adquirir pruebas de estado y los restos de un viejo stock con obras de artistas venezolanos y extranjeros, quizás condenadas a algún rincón.
"El plan, si es que lo hay, es trabajar sobre estas obras gráficas 'acabadas'. Tiene que ver con la idea de cómo me enfrento a un espacio en ocasiones para completarlo, para continuar trabajándolo. No sé si está bien o mal, no sé realmente qué pasa, estoy en búsqueda de reacciones... Habrá quien lo considere abominable, otro pudiera valorarlo más y aferrarse a la necedad de tener dos obras en una", comenta el también interventor del espacio urbano.
¿Alguna vez pensó en trabajar sobre la obra de su papá?, se le pregunta. "Jamás me atreví a tocar sus copias. Él hubiese dicho que era una falta de respeto", responde Gili.
El pintor incorpora su trazo en acrílicos, lápices y wash a la obra geométrica. "A las de Floris quise darles tonos fluorescentes, su obra es muy plana y neutra. Había un grosor en las serigrafías de Morellet y una cierta cosa con el papel que me motivó a dibujarla con lápiz", explica.
"Tengo que sentirme cómodo, no quiero pensar que es una intromisión. El Cruz-Diez, por ejemplo, me intimidó. Pero no deja de resultar provechoso, es curioso, porque haciendo todo esto acabe aprendiendo de todos estos artistas y su forma de trabajar, por ahí fue un buen experimento", afirma.
Gili creció viendo dos reproducciones exactas de las Constelaciones de Miró, colgadas en la entrada de su casa y reproducidas por su papá, un diseñador con alma de pintor. El mismo que jamás se atrevió a mostrar al mundo esa ingenua y bienintencionada usurpación.
El artista no reniega de esa herencia. Sus ansias las desahoga en lienzos ajenos. "Los buenos apostadores persisten en su juego hasta que creen conocer todos los secretos(...). Cuando contemplo el trabajo de Jaime Gili lo imagino volando como Peter Pan, dejando un rastro fulgurante que nadie puede encerrar o atrapar", concluye Federico Vega, autor del texto en sala.
Teresa Mulet hurga en las palabras para discenir sobre la violencia
Durante dos meses se expondrá el trabajo de Mulet en la ONG | FOTO LEONARDO NOGUERA
La diseñadora considera que el lenguaje perdió su poder y se quedó mudo ante las cifras rojas que enlutan al país
28 de enero 2014 - 12:01 am El Nacional
Teresa Mulet hizo un nuevo
paréntesis en su producción artística como diseñadora e investigadora de
la tipografía, para hablar a través de su obra sobre la situación del
país. Hace dos años alzó la voz contra la criminalidad en Cada-ver-es. Cada-vez-más y ahora, saturada por los altos índices de violencia, vuelve a gritar en Tipo inútil, en la Organización Nelson Garrido.
La
artista usó la figura del oxímoron (dos términos de significados
opuestos en una misma estructura sintáctica) para hacer una metáfora de
la nación, que para ella es una sociedad llena de contradicciones en la
que pareciera no haber conexión entre la realidad y el lenguaje.
Una
de las piezas principales de la exhibición, elaborada en lona, está
integrada por los vocablos “Palabra” y “Silente”, sobre la cual se
superponen otras como “Asamblea” y “Parlamento”, que se pierden entre
las capas de tela. La intención es recrear una imposibilidad, la
duplicación de la paradoja.
“En las palabras escondemos dolor o indiferencia. La denominé Palabra silente
y para evidenciar todo su contexto la relacioné con otras formas:
discurso silente, manifestación silente, rumor silente, prensa silente,
escuela silente, familia silente. Cuando esto pasa, como en Venezuela,
entonces el instante es eterno y el silencio ruidoso”, expresa Mulet.
La exponente además creó un alfabeto, Doble-Desdoble,
formado a través de letras superpuestas que reiteran las palabras
duales que afirman y niegan como “entrar saliendo”. “Es un abecedario
inútil, pero quizá nos permita comunicarnos de otra manera porque al
parecer tenemos la capacidad de hablar, pero no lo hacemos”, señala.
Una
segunda parte de la exhibición está integrada por obras elaboradas con
números, pero no son dígitos cualesquiera. Son las cifras que compartió
el Informe del Observatorio Venezolano de Violencia sobre las muertes
ocurridas en 2013.
“En una enorme
hoja están impresos los números desde el 1 hasta el 24.763 (que fue el
total de fallecidos). Las palabras pareciera que perdieron su poder y
quedaron mudas, y las cifras llevan la voz, pero no las entendemos.
Intento hurgar en la materia, para ver si desde este lugar podemos
evidenciar el sinsentido de observar cómo las carrozas fúnebres pasan
frente a nosotros y no hacemos nada, solo nos apartamos. Creo que nos
falta comprender que lo que ocurre depende de cada uno de nosotros y no
solo de los líderes. Ellos distraen las responsabilidades personales y
las dejan suspendidas en un lenguaje demagógico que solo da falsas
esperanzas”, asegura la diseñadora, que también expone otras obras
críticas como las vocales y consonantes del Himno Nacional esparcidas en
el piso. “Ellas reclaman y evidencian que estamos cansados de la espera
inactiva”, agrega.
Organización Nelson Garrido. Avenida María Teresa Toro, residencias Carmencita, Los Rosales
Carlos Medina escultor en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia - Maczul
Hasta Marzo 2014
Para darle
continuidad a la celebración por su 15º aniversario, el Museo de Arte
Contemporáneo del Zulia (Maczul) recibe en su Sala 4 la muestra
expositiva Esencial, la evolución de la escultura sin bases hacia el
muro o el espacio a través de instalaciones únicas, una propuesta del
artista venezolano Carlos Medina.
Esencial
reúne dibujos, esculturas e instalaciones de este creador
barquisimetano, obras que nos sumergen en un mundo de principios
razonados y de extrema precisión, un mundo donde el más remoto azar o la
más mínima improvisación no tienen lugar. En las obras de Medina, la
materia prima es fundamental y la ejecución de las piezas es impecable.
Esta muestra expositiva, que se estará exhibiendo hasta mediados de
marzo de 2014, es una invitación a descubrir formas esenciales y a ser
testigos de la subjetividad intrínseca contenida en el rigor geométrico.
Lugar: Sala 4 del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia.
|
| Carlos Medina Escultor - Instalación Gotas Fotografía Gladys Calzadilla. |
En su camino hacia
las formas abstractas esenciales, Carlos Medina va haciendo cada vez más suya
esa zona ambigua entre razón y libertad, donde el buen arte se mueve
holgadamente.
María Elena
Ramos.
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| Carlos Medina - Neutrinos |
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| Carlos Medina - Esencial, Fugas, en el Maczul |
Las modernas
geometrías más que sistemas de medición son actualmente consideradas como
formas de la lógica, tal vez eso invita al artista a la cuadratura del círculo
que no puede sorprender cuando la ciencia habla hoy de un cosmo de membranas y
un mundo de sistemas de diez u once dimensiones.
Soto
|
| Carlos Medina - Esencial, Fugas, en el Maczul |
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| Carlos Medina, gotas (móviles) instalación en varas de acero inoxidable y nylon. |
La piedra, el
hierro, el mármol, el granito, el acero, el papel, compañeros de vida y arte de
Carlos Medina, le han abierto caminos desde sus primeros días como escultor.
La transformación
formal y conceptual de una forma geométrica, podría definir la trayectoria de
un artista como Carlos Medina. Siendo esta transformación la base de sus
planteamientos estéticos, las series escultóricas que trabaja están inscritas
en una nueva manera de plantearse la tridimensionalidad (…)
|
| Carlos Medina superficie blanca en el Maczul |
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| Carlos Medina gotas en el Maczul |
La curiosidad
investigativa y necesidad reflexiva de Medina le ha conducido a crear técnicas
fuera de lo convencional y a dominar materiales no convencionales (…)
Medina advierte
su trabajo escultórico, como realizaciones siempre preconceptuadas y luego materializadas
en la línea que va de lo material a lo esencial.
Se refiere
entonces a “lo esencial” al Minimalismo puro que explica el proceso plástico de
los últimos años, con propiedades físicas y estéticas definidas por lo formal y
lo conceptual.
Es decir que
material, técnica e idea conforman un planteamiento unitario; que en función de
sus exigencias le conduzcan al logro de un resultado de altísima calidad
estética y estructural.
Fragmentos de
texto “De lo Material a lo Esencial” , por Bélgica Rodríguez, Caracas 2013.
Clausura de la Exposición
GEGO sobre papel, el trazo transparente.
Museo de la Estampa y el Diseño "Carlos Cruz Diez" Sala 1A,
Domingo 26 de enero, 11 am,
Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez
Avenida Bolívar entre Calle Sur 11 y Este 8. Paseo Vargas, Caracas.
Central 0212-571.24.01 Fax 0212-572.14.76
F. museoedccd T. @museocruzdiez
Exposición Colectiva ENTRE LÍNEAS
Artista Invitados:
Ben Abounassif
Álvaro Fernández
Flix
Augusto Marcano
Alberto Riera
Horario: Martes a Sábado de 11am a 6pm
Domingos de 11am a 4pm
Centro de Arte Los Galpones, Galpón 12, 8va. Transversal con Avenida Ávila y Calle Ávila B, Urbanización Los Chorros - Caracas.
El adorador de la imagen de Lucía Pizzani y
Pares mínimos. Collages de Rafael Castillo Zapata.
Sala Mendoza , domingo 26 de enero, de 11 am a 3 pm.
La Fundación Sala Mendoza tiene el placer de invitarlos a la inauguración de las exposiciones que estrenan el 2014.En la sala principal inaugura El adorador de la imagen de Lucía Pizzani, muestra individual de esta joven artista ganadora de la más reciente edición del Premio Mendoza (2012). En esta ocasión, Pizzani exhibe el resultado del trabajo desarrollado durante la residencia en el Centro de producción e investigaciones en artes visuales Hangar, ubicado en Barcelona, España.
A su vez, en el espacio de Librería, se presenta Pares mínimos. Collages de Rafael Castillo Zapata. La muestra es una oportunidad de apreciar el manejo del lenguaje plástico por parte de este reconocido escritor venezolano, quien mediante el collage como técnica, demuestra una pulcra cualidad en la composición a través de la sobriedad del color y de las formas duales.
Finalmente, en los espacios de Mezzanina y del Centro Documental se inicia la conmemoración de los 20 años de este centro de investigación con una selección de carteles y catálogos que forman parte de la historia de la Sala Mendoza y de su tradición editorial.
Será un gran placer para el equipo de la Sala Mendoza compartir con ustedes estos proyectos expositivos. Los esperamos el domingo 26 de enero, de 11:00 am a 3:00 pm.
Individuales y nuevos espacios marcan la agenda del año 2014
La Sala TAC celebrará el centenario de nacimiento de Gerd Leufert | Foto Archivo
A pesar de que las salas abrirán sus puertas en enero, febrero será el mes de las inauguraciones
Después de unos días de descanso
por las vacaciones navideñas, la mayoría de las galerías y salas
expositivas de la ciudad reanudarán las actividades la próxima semana.
Muchas son las expectativas porque, a pesar de que cumplieron sus metas
en 2013, el balance no fue tan positivo como en anteriores años.
En
2014, los artistas se enfrentan, entre otras cosas, a la falta o
difícil adquisición de materiales para desarrollar sus producciones
artísticas. Asimismo, a la dificultad de los centros de exposición para
conseguir pinturas para las paredes o marcos para las obras.
A
pesar de las dificultades el calendario ya está armado y principalmente
está integrado por individuales. Odalys Galería de Arte mantendrá hasta
el 26 de enero la exposición del artista alemán Uli Westphal, Human Nature. El 9 de febrero ofrecerán el montaje de Los ocultos,
con tres artistas españoles: Antón Lamazares, Antón Patiño y Menchú
Lamas. Durante el año presentarán fotografías de Carlos Eduardo Puche y
las obras de la italiana Irina Novarese. En la sede de España, exhibirán
las Columnas policromadas de Mateo Manaure y en junio ofrecerán
una exposición del guitarrista de The Rolling Stones, Ronnie Wood, y el
artista venezolano Abdul Vas. La inauguración contará con la presencia
de los integrantes de la mítica banda.
El
próximo mes la Sala TAC montará una exposición fotográfica de Alfredo
Armas Alfonzo, curada por su hijo Ricardo Armas. El centro también tiene
programada una muestra con ocasión del centenario de nacimiento de Gerd
Leufert y otra de Nedo, pionero del diseño gráfico venezolano.
Carmen
Araujo Arte comienza sus actividades en 2014 con una individual de
Daniel Medina, que será inaugurada el 9 de febrero. GBG Arts ofrecerá
una exposición de Harry Abend con textos de Federica Palomero y otra de
Ricardo Benaím.
El Ateneo de Caracas
organiza para febrero una muestra de Ricardo Jiménez. También el próximo
mes, Oficina #1, en el Centro de Arte Los Galpones, inaugurará una
exhibición de Jaime Gili. En 2014 presentarán también una colectiva de
piezas intervenidas sobre obra gráfica de artistas como Carlos
Cruz-Diez.
En marzo, La Caja del
Centro Cultural Chacao hará un montaje con obras de Oscar Molinari y
Gabriela Gamboa. La galería Okyo tendrá individuales de Yosman Botero y
de Claudio Gallina.
El miércoles
reanudan sus actividades tanto la galería Freites como D’ Museo. La
primera ofrecerá en febrero una exhibición del artista estadounidense
Robert Indiana, mientras que la segunda tiene dentro de sus planes las
exposiciones de Reymond Romero, Nayarí Castillo, Alirio Rodríguez, Juan
Toro y Edgar Sánchez.
El circuito de
exposiciones también contará con un nuevo centro: la galería La Cuadra
será ahora Espacio Monitor y se mudará al Centro de Arte Los Galpones.
La curaduría estará a cargo de Miguel Miguel García y estará ubicada en
la antigua sede de Periférico Caracas. El 16 de febrero será la muestra
inaugural de Víctor Lucena. Le seguirá el mexicano José Dávila y el
uruguayo Marco Maggi.
Art Tepuy
amplió sus espacios: ahora tendrá un segundo piso. La reinauguración
será en febrero con una exposición colectiva curada por Lorena
González.
En el extranjero
En
España, el año 2014 estará dedicado a celebrar el cuarto centenario de
la muerte del Greco. El Museo del Prado ofrecerá dos exposiciones del
pintor: El Greco y la pintura moderna y La biblioteca del Greco.
En Toledo, ciudad donde nació, también habrá varias exhibiciones. En
Nueva York se impondrá el arte contemporáneo con propuestas de creadores
como Jeff Koons. En París, el Pompidou mostrará una retrospectiva del
fotógrafo Henri Cartier-Bresson y también exhibirá obras de Marcel
Duchamp. The National Gallery en Londres expondrá Rembrandt, los años finales, mientras que la Tate Modern tendrá creaciones de Matisse.
Exposición SINGAMIA de Daniela Quilici
en el colegio Francia de Caracas
de 12 a 4 pm
Venezuela en la Feria de Cartagena
Del 9 al 12 de enero, 15 galerías participan en la versión "boutique" de la Feria
ArtCartagena
se realizará en el hotel Bóvedas de Santa Clara. Contará con la
participación de 15 galerías latinoamericanas provenientes de seis
países. Por Venezuela participará D Museo con obras de los artistas
Ángel Marcano, Francisco Pereira, Pancho Quilici, Reymond Romero, Jesús
Soto y Édgar Sánchez
MARÍA GABRIELA MÉNDEZ
| ESPECIAL / EL UNIVERSAL
lunes 6 de enero de 2014 12:00 AM
Bogotá.- Enmarcada en
una ciudad de ensueño, el próximo nueve de enero abre sus puertas
ArtCartagena, la primera versión de una feria de arte en pequeño formato
que contará con la participación de quince galerías, entre ellas la
venezolana D'Museo.
Andrea Walker, quien hizo posible ArtBo y la convirtió, luego de ocho años como su directora, en una de las más importantes de Latinoamérica, fue la cabeza detrás de la idea de hacer de Cartagena un punto de encuentro para artistas, galeristas y coleccionistas nacionales e internacionales.
"Desde que me retiré, sentía que los coleccionistas de arte que venían a Bogotá estarían muy interesados en también visitar Cartagena como centro histórico y turístico. Lo que más me motivó fue brindar plataformas diferentes que pudieran replicarse en otras regiones del país", cuenta Walker, quien ve un gran potencial artístico fuera de Bogotá.
Lo más novedoso de esta feria "boutique" es que se realizará en un hotel, el Bóvedas de Santa Clara, específicamente en sus 15 suites dúplex, donde el galerista puede usar la habitación del piso superior y exponer en la parte de abajo sin tener que hacer doble gasto. Así se hace viable económicamente no solo para la organización sino también para el galerista.
"Quisimos demostrar que se pueden hacer cosas innovadoras pensando muy bien cómo hacer viable este tipo de proyectos. Por eso surge la idea de hacerlo en un hotel, y en Cartagena porque es un centro turístico que congrega a un público nacional e internacional y que podía reunir, como punto geográfico, toda la expresión del Caribe", anota Walker, quien además considera ventajosas las condiciones de seguridad y conservación de las obras que ofrece el hotel.
Para seleccionar las galerías, el comité organizador, conformado por un selecto grupo de personas de larga trayectoria en el arte y la cultura de Colombia como curadores, coleccionistas, directores de museos, hizo una convocatoria pública nacional e internacional que tuvo muy buena acogida. Unas 30 galerías se postularon para los 15 puestos disponibles.
De un total de 15 galerías, de las cuales cinco son colombianas y el resto de Costa Rica, México, Estados Unidos, España, Argentina, se encuentra D'Museo, la galería venezolana que desde 1990 promueve a grandes maestros de la pintura venezolana de finales del siglo XIX y del siglo XX, así como a artistas plásticos de nuevas generaciones. Zoraida Irazábal, Ana Josefina Vicentini y Nicomedes Febres, sus directores, han sido además los fundadores y organizadores de la Feria Iberoamericana de Arte FIA, desde su primera edición, en 1992.
Para ArtCartagena, seleccionaron seis de sus artistas: Ángel Marcano, con dibujos tridimensionales hechos de alambre; al escultor Francisco Pereira y sus representaciones de bestias míticas; a Pancho Quilici con sus dibujos-pintura-escultura que muestran mundos interiores; a Reymond Romero y sus exploraciones del color a través de elementos textiles; y los maestros consagrados Édgar Sánchez y Jesús Soto.
En la feria no hay un foco o tema particular, sino que más bien dejaron en manos de las galerías la propuesta y la selección de obras. Así, se encontrará una gama variada entre artistas consolidados y emergentes del arte contemporáneo y moderno. Además de la venta y exposición, hay una programación turística y académica con una exposición de seis artistas de la Costa y dos conversatorios: el proceso creativo y el coleccionismo.
Walker tiene expectativas positivas sobre la acogida que tendrá y espera que sea la primera de muchas ediciones en las que la feria pueda crecer y consolidarse: "Queremos ir creciendo en la medida en que el público y la ciudad vayan respondiendo para ir poco a poco pero de manera sólida. Lo que más nos interesa es demostrarle a la región que se pueden hacer cosas si uno es lo suficientemente creativo y hace viable estos proyectos. Los recursos económicos son indispensables, pero lo que se necesita es ser innovador, creativo, y tener un buen equipo", recalca.
Su nombre fue gancho infalible para la convocatoria: "Aunque sea una primera versión y muy pequeña, no es mi primera feria porque ya una hay experiencia adquirida que le suma al proyecto", dice Walker. La experiencia de ArtBo le dio las alas y el conocimiento para poder organizar otro tipo de ferias en regiones diferentes. "Uno conoce las variables que debe tener un proyecto para que sea exitoso, no es solamente colgar unos cuadros en un espacio, es atraer el coleccionismo para que vengan buenas galerías y traer buenas galerías para que venga el coleccionismo, es un círculo que hay que manejar; darle oportunidad a la región en cuanto a artistas y proyectos que se puedan gestar alrededor".
La feria se une así a una gran oferta cultural que ofrece durante el año Cartagena: el Festival de Música, el Hay Festival, el Festival de Cine, la Bienal de arte. Con esta última se pone, definitivamente a la ciudad en la mira de las artes plásticas.
FATA MORGANA “Cada quien hizo lo que le dio la gana” en Galería 39
Carlos
Anzola, Jose Antonio Fernández, J.J. Moros y Carlos Quintana
-Todo
es un espejismo porque nada nunca es lo que parece-
Hasta Enero de 2014
11am
a 4pm.
Carlos
Anzola, Jose Antonio Fernández, J.J. Moros y Carlos Quintana
-Todo
es un espejismo porque nada nunca es lo que parece-
Hasta Enero de 2014
Fata
Morgana es una forma de espejismo natural que ha retado la imaginación de
viajeros y navegantes a lo largo de los siglos.
En
la mitología artúrica, Morgana era un hada de aspecto cambiante, hechicera y
discípula del mago Merlín, lo que
explicaría algunos mitos, como la
isla flotante de Avalon o el barco fantasma “The Flying Dutchman” ( El
Holandés Errante).
Estos
cuatro artistas venezolanos contemporáneos, de reconocida trayectoria, desarrollan individualmente sus
lenguajes, propuestas y visiones del arte, principalmente en el ámbito
tridimensional, a partir de fundamentos conceptuales personales, técnicas, materiales y formatos muy diversos.
CARLOS
ANZOLA
“Con
un eje netamente recolector, el 100% de la materia prima utilizada en estas
piezas proviene del encontrar. Filtrados por su condición visual de deterioro,
se establece un diálogo franco entre este inventario de objetos."
JOSE
ANTONIO FERNANDEZ REYNA
GEOMETRIA
EMPIRICA
Del
proyecto PENTAGONAL, se desprende una línea de investigación: el pentágono
regular, de la cual surge lo que llamo geometría empírica y los dos temas
centrales de esta muestra: icosaedro / tetraedro.
JJ
MOROS
Estoy
preparando un conjunto diverso, unas piezas recientes y otras con algún tiempo.
…
un esquinero que pasó un tiempo en el taller, con un juego de medias lunas y
líneas.
…
un par de cuadrados de arista, son pareja porque las muescas o intervenciones
están hechas con la idea de que se interrelacionen, no sólo con las del propio
cuadrado, sino también con las del otro.
La más
reciente, es un conjunto de tres piezas circulares con un relieve central sobre
el que se desarrollan intervenciones variadas y
profundas que se asocian a lo interno y en el conjunto
Por
último, una rueda grande, con un tamaño que se impone con diversas
intervenciones.
CARLOSQINTANA
ZUTKABUFF
Instalación
de un grupo de mis ranchos más recientes, que apareció de manera espontánea con
ejemplos de tecnología ferroviaria de
origen marciana; además de otras piezas que parecieran inconexas, y que sin
embargo no lo son.
Levedad / Densidad - Jonidel Mendoza, Paul Parella y Paulo Castro exponen en el Centro de Artes Integradas
Paulo Castro. Tensopintura 2013
Tres artistas venezolanos cuyas propuestas divergen entre sí y que
esperan propiciar en el espectador una experiencia sensorial que
trasciende lo visual, comparten sus visiones y creaciones artísticas en
la muestra Levedad / Densidad que podrá visitarse hasta el 12 de enero en la sala William Werner del Centro de Artes Integradas, CAI, en Terrazas del Ávila.
En todas las piezas que conforman la propuesta de Jonidel Mendoza, Paul Parella y Paulo Castro,
se pueden percibir principios opuestos que la curadora pone a dialogar
en esta exhibición, como Levedad / densidad, transparencia / opacidad,
desplazamiento / fijación, tensión / fluidez y materialidad /
inmaterialidad. Si uno de estos artistas encarna algunos de estos
conceptos, es probable que otro trabaje su contrario y esto se verá en
sala como una experiencia museográfica en la que lo leve y lo denso
conviven.
“Así como existe en arte una escala de valores que se refiere al paso gradual de la luz a la sombra y viceversa, en Levedad / Densidad se producen gradaciones similares cuando apreciamos los principios duales que nos han motivado exponer las obras de estos tres artistas”, dice Susana Benko, curadora, investigadora de arte y museólogo miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA-Capítulo Venezuela).
“Así como existe en arte una escala de valores que se refiere al paso gradual de la luz a la sombra y viceversa, en Levedad / Densidad se producen gradaciones similares cuando apreciamos los principios duales que nos han motivado exponer las obras de estos tres artistas”, dice Susana Benko, curadora, investigadora de arte y museólogo miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA-Capítulo Venezuela).
Paul Parrella. Anotaciones sobre el cielo. Intervención del espacio CAI
Según la curadora, “No cabe duda que se da una experiencia sensorial
múltiple cuando captamos la esencia del alma humana a través de las
obras transparentes, casi evanescentes, de Jonidel Mendoza; o cuando
Paul Parrella desafía la escala llevando un trozo de cielo, en medio de
su transitoriedad y condición efímera. Y nos queda la experiencia con la
materia, pura y densa, y a la vez tan sutil de sus armonías cromáticas
cuando Paulo Castro incita a la activación de nuestra pasión por la
belleza”.
Para Benko, queda en el espectador establecer el último lazo
comunicante para que sea él quien sensorialmente propicie el diálogo
entre las obras de estos tres artistas. “Además de las dualidades
mencionadas, se producen otras lecturas transversales que derivan de la
relación entre figuración/abstracción, conceptos a primera vista básicos
pero que en algunas de estas obras adquieren cierto grado de complejidad
según las búsquedas de estos artistas”, afirma.
Lo evidente o lo velado, lo literal o lo sugerido, es lo que hace que
esta exposición se vuelva atractiva a los ojos del espectador y a su
entendimiento, encontrando paradojas interesantes que demuestran que no
todo lo que se define y se ve como certero realmente lo es. Las
dualidades se redimensionan significativamente.
Jonidel Mendoza. Intercepciones del Reflejo II
Trina Itriago de Vallenilla, directora ejecutiva y secretaria
permanente del Centro de Artes Integradas afirma que para el CAI es
primordial apoyar y difundir el arte nacional e internacional en todas
sus expresiones y corrientes. “Nuestro compromiso es seguir trabajando
para que pronto podamos contar con todas las instalaciones educativas
que encierra nuestro proyecto: El Complejo Educativo-Cultural Centro de
Artes Integradas. Agradecemos a los artistas que se unen a nuestro
proyecto de promoción de las artes, a La Oriental de Seguros por
apoyarnos y acompañarnos en esta muestra y al personal del Centro de
Artes Integradas y Montaña Creativa”.
Los creadores de Levedad / Densidad
Jonidel Mendoza. El ser humano está presente en su obra. Un artista figurativo, con formación académica y un excelente dibujante cuyo proceso creativo ha ido a la inversa: fue despojándose de la materialidad del soporte, del pigmento y del color, para crear a partir del vacío. La línea y el punto son su principal herramienta y son las que sustentan materialmente su trabajo. El espacio es su soporte y se convierte en el cuerpo y alma de sus figuras. Éstas no llegan a corporizarse. Son presencias que conmueven precisamente por su ausencia. Jonidel juega equilibradamente con la levedad y densidad de sus recursos.
Jonidel Mendoza. El ser humano está presente en su obra. Un artista figurativo, con formación académica y un excelente dibujante cuyo proceso creativo ha ido a la inversa: fue despojándose de la materialidad del soporte, del pigmento y del color, para crear a partir del vacío. La línea y el punto son su principal herramienta y son las que sustentan materialmente su trabajo. El espacio es su soporte y se convierte en el cuerpo y alma de sus figuras. Éstas no llegan a corporizarse. Son presencias que conmueven precisamente por su ausencia. Jonidel juega equilibradamente con la levedad y densidad de sus recursos.
Paul Parrella. Su trabajo se sustenta en una
paradoja. Ello se debe a que vemos una obra abstracta e informal (que
muchos catalogarían de tachista y gestual) pero que difiere radicalmente
de los procedimientos de los tachistas y gestualistas. Contrario a
aquellos, Paul no se centra en la representación informal de la materia
ni en el dinamismo del gesto, al menos en esta serie en particular, sino
en la transcripción literal de las formas de las nubes que visualiza a
través de la ventana de su taller. En otras palabras, su obra deriva de
una meticulosa observación de la naturaleza. Primero sucedió con sus
Anotaciones sobre el agua (2005), después sobre la luz (2007) y ahora es
sobre el cielo, en particular, las nubes.
Paulo Castro. La propuesta más abstracta de esta
exposición la desarrolla este artista: cuatro piezas cuya composición,
basada en planos de color, es asimétrica e irregular. Todas concebidas
como una sola obra, quedando entrelazadas secuencialmente a través de
las formas, de los mismos planos de color como a través de las telas
sintéticas estiradas que se mimetizan con el fondo al tener ellas el
mismo color. El resultado, sin embargo, es variable y se debe a la
cantidad de elementos tenso-pictóricos empleados así como a su
direccionalidad que hace que cada módulo presente una composición
diferente. Es precisamente la tela sintética dispuesta dinámicamente y
en tensión la que define formal y conceptualmente la obra de Paulo
Castro. Por ello se llaman: Tensopinturas.
Levedad /Densidad podrá visitarse hasta el 12 de enero en la Sala
William Werner, Centro de Artes Integradas, Universidad Metropolitana.
El Centro de Artes Integradas (CAI), es una
asociación civil sin fines de lucro constituida en 1979, que nació de la
inquietud de integrar todas las disciplinas artísticas: música, danza,
teatro y artes plásticas, en un centro educacional y cultural del más
alto nivel que permita al sector privado una intervención directa en el
desarrollo de las artes. Es un proyecto de educación integral, donde el
alumno se acerca y conoce las diferentes expresiones artísticas como un
todo, sin seccionarlas. La idea final comprende la convivencia de un
Colegio, un Conservatorio de Música, Salas de Teatro, Galerías, Escuela
de Artes Plásticas, Escuela de Teatro, Escuela de Danza, Escuela de
Fotografía, Escuela de Cine, una Zona Rental y un Centro de
Investigación y Estudios. www.centrodeartesintegradas.org / Twitter
@CentroArtesInt / Facebook.
Jonidel Mendoza, Paul Parella y Paulo Castro
Levedad / Densidad
Hasta el 12 de enero de 2014
Levedad / Densidad
Hasta el 12 de enero de 2014
Centro de Artes Integradas
Sala William Werner
UNIMET, 2da entrada izq. Terrazas del Ávila
Caracas, Venezuela
Horario: de lunes a viernes, 9:30 a.m. a 4:30 p.m.
Sala William Werner
UNIMET, 2da entrada izq. Terrazas del Ávila
Caracas, Venezuela
Horario: de lunes a viernes, 9:30 a.m. a 4:30 p.m.
Fuente: PressRelease Comunicación Corporativa
Mariposario: Esculturas en cerámica y obras en papel de Lucía Pizzani
Lucía Pizzani - Mariposario
A partir del jueves 5 de diciembre la artista venezolana Lucía Pizzani
mostrará su primera exposición individual en Oficina #1. Bajo el título
de Mariposario. Pizzani, residenciada en Londres, traerá al país su más
reciente producción que comprende dos series: una de esculturas en
cerámica y otra de trabajos sobre papel.
Pizzani, quien recibiera este año el Primer Premio en la XII edición del Premio Eugenio Mendoza y el Premio a la Artista Emergente
otorgado por la Asociación Internacional de Críticos de Arte
AICA-Venezuela, acaba de participar, representada por Oficina #1, con un
solo project en la feria Pinta NY en la sección de videos curada por Octavio Zaya.
Para la muestra Mariposario se ha contado con la colaboración de la
crítico de arte y curadora Lorena Muñoz-Alonso, quien estuvo a cargo del
texto curatorial. Para Muñoz-Alonzo esta muestra se inscribe dentro del
proceso investigativo que ha venido desarrollando Pizzani en sus
últimos trabajos, en el que las ideas de transformación y cambio han
sido una constante, por lo que estas nociones cobran una particular
relevancia para entender su acercamiento al cuerpo, su trabajo con
formas orgánicas y su cuestionamiento del acto creativo.
Entre los antecedentes para llegar a Mariposario se encuentran proyectos recientes como Orchis (2011) o La Desconocida del Sena y otras Ofelias (2012),
que condujeron a Pizzani hasta una novela de Richard Le Gallienne que
narra como la obsesión del protagonista por una máscara mortuoria con la
efigie de su amada desencadena un trágico final, representado por la
mariposa nocturna Acherontia atropos, que es conocida por sus marcas
blancas con forma de calavera humana.
“A raíz de esta imagen, siniestra y romántica, Pizzani empezó a
trabajar con la figura de la mariposa. Este tipo de insecto es
particularmente significativo a nivel simbólico ya que en su corto ciclo
de vida –a veces de tan solo un día de duración– se transforma de oruga
a mariposa y, una vez cumplida su función reproductiva, muere. Su
impactante metamorfosis, de viscoso gusano a una de la especies más
bellas y vistosas de la naturaleza, encarna a la perfección la idea de
‘devenir’, un concepto clave en el pensamiento de Deleuze, que define la
idea de movimiento en estado puro”, afirma Muñoz-Alonso.
Mariposario está compuesta de dos series: Capullos (2013) y Lepidópteros (2013).
La primera la integran un grupo de cerámicas de gres esmaltadas
estéticamente fascinantes e inquietantes. “Las cerámicas han sido
moldeadas en una enorme variedad de tipos de crisálidas. Así, el proceso
de oruga a mariposa queda congelado de manera indefinida justo antes de
su eclosión, los insectos para siempre suspendidos en este estado de
devenir” explica la curadora. La serie Lepidópteros (2013) la conforman
un conjunto de dibujos elaborados con una técnica de impresión manual
desarrollada por Pizzani, en la que, a través de una transferencia de
tintas y agua, invita a explorar un inventario de rastros y huellas.
Como refiere Muñoz-Alonso “Los dibujos resultantes parecen mariposas,
sin duda, pero la tinta aguada les dota de una apariencia
fantasmagórica, como si lo que viéramos en la galería no fueran sino las
marcas que estos insectos han dejado en el papel, batiendo sus alas
impregnadas de tinta durante unos segundos antes de volver a
desaparecer. (…) Lo que resulta interesante de estos dibujos, además de
sus variadas implicaciones, es su vacuidad, que ofrece al espectador la
ocasión de proyectar sus propios paisajes mentales, como si de los
famosos test de Rorschach se tratara”.
Lucía Pizzani (Caracas 1975) vive y trabaja en
Londres. Es licenciada en Comunicación Social, mención Audiovisual de la
Universidad Católica Andrés Bello, Certificate in Conservation Biology
CERC en Columbia University (NY) y Master en Fine Arts del Chelsea
College of Arts and Design de Londres. Dentro de sus muestras
individuales se pueden nombrar Vessel y Orchis (Fernando Zubillaga
Galería, Centro de Arte Los Galpones. Caracas, 2009 y 2011,
respectivamente), Retratos Ausentes-Absent Portraits (La Carniceria,
Caracas y Signature Art Gallery, Miami, 2007), y Vestigios (Sala
Mendoza, -La Librería-, Caracas, 2003), entre otras. Ha participado en
exposiciones colectivas en países como Venezuela, Colombia, Estados
Unidos, Reino Unido, España y Nueva Zelanda. Entre estas muestras se
pueden mencionar el XII Premio Eugenio Mendoza (Sala Mendoza. Caracas,
2013), Masquarade: be another (Stephen Lawrence Gallery. Londres, 2013),
II Taller de Curaduría Experimental (Periférico Caracas. Caracas,
2012), Transgression (Beers.Lambert Contemporary. Londres, 2011), Bienal
Internacional de Arte Contemporáneo ULA (Universidad de Los Andes.
Mérida, 2010), MOLAA Collects Photo-Based Art, (Museum Of Latin American
Art. Los Angeles, 2009), III Queens Museum Biennale (Queens Museum. New
York, 2006), Identidades (Galería El Museo. Bogota, 2006), The Drop
(Exit Art. New York, 2006), y Naturalezas Abiertas, Salon Exxon Mobil
(Galería de Arte Nacional. Caracas, 2003).
Entre los reconocimientos a su trabajo se cuentan el XII Premio
Eugenio Mendoza (Sala Mendoza. Caracas, 2013), el Premio a la Artista
Emergente otorgado por el AICA Capítulo Venezuela, (Asociación
Internacional de Críticos de Arte, Caracas, 2013), el Segundo Premio en
el IX Salón CANTV de Jóvenes Artistas FIA (Centro Cultural Corp Banca.
Caracas, 2006). Su obra está representada en la Colección Banco
Mercantil, el Museum Of Latin American Art (MOLAA) y la Colección
Patricia Phelps de Cisneros (CPPC), entre otras.
Lorena Muñoz-Alonso es una crítica de arte y curadora independiente
española residenciada en Londres. Publica sus textos periódicamente en
Art-Agenda, Kaleidoscope, Frieze, This is Tomorrow, The White Review, AD
o Celeste, así como en numerosos catálogos, incluyendo el de la
exposición The Last Newspaper del New Museum de Nueva York. Ha trabajado
en el departmento curatorial de la Barbican Art Gallery, Pilar Corrias
Gallery y Frieze Art Fair.
Mariposario
Lucía Pizzan
Hasta el 26 de enero de 2014
Lucía Pizzan
Hasta el 26 de enero de 2014
Oficina #1
Galpón 9. Centro de Arte Los Galpones 29-11.
Av. Avila con 8va Transversal Los Chorros.
Caracas, Distrito Federal 1071, Venezuela
oficina1.com
Galpón 9. Centro de Arte Los Galpones 29-11.
Av. Avila con 8va Transversal Los Chorros.
Caracas, Distrito Federal 1071, Venezuela
oficina1.com
Martes a viernes de 2 a 6 pm. Sábados y domingos de 11 am a 4 pm.
Teléfono: +58 (0)212-2835010
Teléfono: +58 (0)212-2835010
Prensa Oficina #1
xposición individual de Hendrik Hidalgo
APOLOGÍA IMAGINARIA
Museo de Arte Afroamericano
LA FÁBULA DE LO MÍSTICO
El
Museo de Arte Afroamericano abre sus puertas una vez más con regocijo al artista plástico Hendrik Hidalgo, cuyo
monólogo teatral sobre la vida y obra de la pintora mexicana Frida Kahlo dejó una
huella imborrable en estos espacios culturales.
En esta oportunidad Hidalgo presenta una
importante muestra que surge de la síntesis,
la inteligencia, la creatividad y la experimentación, en una conjunción de alto nivel profesional que recarga esta
exposición de una estética muy personal y
el mestizaje de creencias tan característicos de la cultura latinoamericana.
La magia técnica y conceptual le ha
permitido conseguir por medio de los materiales interpretaciones religiosas con
múltiples posibilidades. En sus investigaciones se remonta a una memoria
ancestral y transmite claramente el
vínculo y la oposición entre lo sagrado y lo profano, rememora figuras arquetipales para construir ese mundo
emotivo y místico que nos envuelve pero
que también nos inquieta en su ficción y realidad. De esta manera, a través del sincretismo realiza un extenso estudio
analítico del fenómeno religioso en el
plano cotidiano, tanto en piezas bidimensionales como en tridimensionales y corporales.
Sus pinturas, esculturas y ensamblajes invitan al espectador a una reflexión sobre los rituales, lo simbólico,
mitológico y enigmático, para con ellos edificar
un mundo de lo imaginario.
En el Caribe encontramos otros artistas que
han recurrido a lo mágico – religioso
para expresarse, es el caso de los cubanos José Bedia, Juan Francisco Elso y Ana Mendieta. También Charo Oquet de la
República Dominicana, Eduard Duval
Carrie de Haití; y en Venezuela Luis Alberto Hernández, Mario Abreu, Marta Cabrujas y Miguel Von Dangel, entre
otros. Estas referencias resultan fundamentales
para ubicar la obra de Hendrik en el contexto plástico nacional e internacional. En su labor están presentes
la naturaleza, lo humano y los arquetipos
religiosos: observamos en sus obras las figuras de José Gregorio Hernández, el Divino Niño de Colombia y la
Virgen acompañados de iconografía simbólica proveniente de las grandes
religiones del cercano y lejano oriente, India China y África, dialogando de una manera tal
que no pierden su fuerza expresiva ni su
contenido mítico. De allí que el trabajo de Hidalgo se coloque a la altura de los
más destacados artistas contemporáneos en su imaginario colectivo, el cual refleja nuestro anhelo de espiritualidad y
comprensión del mundo que nos rodea bajo
la perspectiva de lo sagrado.
Nelson Sánchez Chapellín
LA FÁBULA DE LO MÍSTICO
El
Museo de Arte Afroamericano abre sus puertas una vez más con regocijo al artista plástico Hendrik Hidalgo, cuyo
monólogo teatral sobre la vida y obra de la pintora mexicana Frida Kahlo dejó una
huella imborrable en estos espacios culturales.
En esta oportunidad Hidalgo presenta una
importante muestra que surge de la síntesis,
la inteligencia, la creatividad y la experimentación, en una conjunción de alto nivel profesional que recarga esta
exposición de una estética muy personal y
el mestizaje de creencias tan característicos de la cultura latinoamericana.
La magia técnica y conceptual le ha
permitido conseguir por medio de los materiales interpretaciones religiosas con
múltiples posibilidades. En sus investigaciones se remonta a una memoria
ancestral y transmite claramente el
vínculo y la oposición entre lo sagrado y lo profano, rememora figuras arquetipales para construir ese mundo
emotivo y místico que nos envuelve pero
que también nos inquieta en su ficción y realidad. De esta manera, a través del sincretismo realiza un extenso estudio
analítico del fenómeno religioso en el
plano cotidiano, tanto en piezas bidimensionales como en tridimensionales y corporales.
Sus pinturas, esculturas y ensamblajes invitan al espectador a una reflexión sobre los rituales, lo simbólico,
mitológico y enigmático, para con ellos edificar
un mundo de lo imaginario.
En el Caribe encontramos otros artistas que
han recurrido a lo mágico – religioso
para expresarse, es el caso de los cubanos José Bedia, Juan Francisco Elso y Ana Mendieta. También Charo Oquet de la
República Dominicana, Eduard Duval
Carrie de Haití; y en Venezuela Luis Alberto Hernández, Mario Abreu, Marta Cabrujas y Miguel Von Dangel, entre
otros. Estas referencias resultan fundamentales
para ubicar la obra de Hendrik en el contexto plástico nacional e internacional. En su labor están presentes
la naturaleza, lo humano y los arquetipos
religiosos: observamos en sus obras las figuras de José Gregorio Hernández, el Divino Niño de Colombia y la
Virgen acompañados de iconografía simbólica proveniente de las grandes
religiones del cercano y lejano oriente, India China y África, dialogando de una manera tal
que no pierden su fuerza expresiva ni su
contenido mítico. De allí que el trabajo de Hidalgo se coloque a la altura de los
más destacados artistas contemporáneos en su imaginario colectivo, el cual refleja nuestro anhelo de espiritualidad y
comprensión del mundo que nos rodea bajo
la perspectiva de lo sagrado.
Nelson Sánchez Chapellín
La década TAC 2003 - 2013. Diez años, un legado
Una exposición que reúne piezas de más de 30 artistas que han expuesto a lo largo de estos 10 años de actividad de la Sala TAC completamente a la venta.
Diez años, un legado de la Sala TAC
Desde aquella agitada semana inaugural de junio del año 2003 han
transcurrido diez años, una década de intensidades en todos los sentidos
pues la Sala TAC ha vestido sus paredes con 67 exposiciones que han
dado pie a más de 50 publicaciones, decenas de eventos especiales y, lo
más expresivo, que ha sido visitada por 400.000 personas. Esta
envidiable cifra está relacionada con las posibilidades que el
característico horario del Trasnocho facilita, ya que la gente que acude
al centro comercial, a los cines y teatros, a los restaurantes y
chocolatería, también hace el paseo por las exposiciones.
Paisajes de Adrián Pujol, esculturas de Pedro Fermín, pinturas de Patricia Van Dalen, joyas de Lourdes Silva, cerámicas de Noemí Márquez, esmaltes de Lamis Feldman, Collage de Ángel Hurtado y Augusto Lange, óleos de Luisa Palacios, Víctor Millán, Paul Klose, Víctor Valera, piezas de arte colonial, ensamblajes de Vicente Antonorsi e Isabel Cisneros, textiles de María Eugenia Dávila y Eduardo Portillo, serigrafías de John Lange, Marcel Floris, Jacobo Borges, Nedo y otros y un múltiple de Cruz-Diez, todas ellas a la venta para el público y una escultura de Cornelis Zitman será objeto de subasta durante el tiempo de permanencia de la muestra.
La tarea de desplegar las 60 obras que integran la muestra en los
espacios de la sala TAC ha recaído sobre Rafael Santana. No ha sido
fácil por la diversidad de obra que reúne esta colectiva de artistas,
pero que en su recorrido el público podrá recordar muchas de las
exposiciones que se han presentado en los espacios de la Sala TAC. El
criterio para la convocatoria fue dejar para una futura edición los
trabajos de fotografía y artesanía, pues el espacio representaba la
principal limitación.
Con motivo de este aniversario se hace necesario valorar a través de
una publicación que no sea solamente gozo de contemplar lo culminado
sino herramienta para investigadores atentos al acontecer de las artes
plásticas en nuestra ciudad. Se procura dejar evidencia impresa de la
huella de los diez años de actividad de la Sala TAC desde su fundación
en el mes de junio de 2003 hasta el mes de junio del año que corre.
Este testimonio recoge una reseña detallada de cada exposición con
imágenes de los montajes. También se documenta cada una de las
publicaciones que la Sala TAC editara durante estos diez años.
En la sección de índices de esta publicación, se destacan
especialmente a los autores de textos y los diseñadores gráficos pues ha
sido anhelo obligado de la Sala TAC dejar huella de su actividad a
través de sus catálogos. Por ello, esta década también celebra que se
haya podido mantener una actividad editorial importante.
El diseño de esta importante publicación estuvo a cargo de Aixa Díaz,
quien también realizó la selección de imágenes que ilustran la
publicación, Lourdes Blanco, investigadora, fungió como editora,
mientras que Rosa Elda Fernández , Gerente de Sala TAC fue la
Coordinadora General de la publicación.
Hasta el 31 de enero de 2014
Miércoles a sábados 10:00 am a 9:00 pm
Martes, domingos y feriados 1:00 pm a 9:00 pm
Miércoles a sábados 10:00 am a 9:00 pm
Martes, domingos y feriados 1:00 pm a 9:00 pm
Sala TAC
C.C. Paseo Las Mercedes, Nivel Trasnocho
Las Mercedes, Caracas. T. 993-2957
www.trasnochocultural.com
C.C. Paseo Las Mercedes, Nivel Trasnocho
Las Mercedes, Caracas. T. 993-2957
www.trasnochocultural.com
Prensa Trasnocho Cultural
(Re)presentaciones. Fotografía Contemporánea Latinoamericana en el Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco, El Rosal
Caracas, Venezuela
(Re)presentaciones. Fotografía Contemporánea Latinoamericana en el Centro Cultural Chacao
Espejo del Colectivo Galería Experiencia (Brasil)
La Oficina Cultural de la Embajada en Venezuela trae por primera vez a Venezuela a PhotoEspaña, importante evento internacional de fotografía, con esta exposición que podrá verse en el Centro Cultural Chacao y que coincidirá además con un visionado de porfolios en el CiEF
El próximo martes 03 de diciembre a las 7 pm, será inaugurada en La Caja del Centro Cultural Chacao la exposición (Re)presentaciones. Fotografía Latinoamericana Contemporánea, bajo la curaduría de Ana Berruguete.
La muestra reúne el trabajo de 14 fotógrafos contemporáneos procedentes
de Latinoamérica y pudo verse antes en Madrid, donde formó parte de la
programación oficial del festival internacional de fotografía
PhotoEspaña’13.
(Re)presentaciones está enmarcada dentro de los eventos que organiza
la Oficina Cultural de la Embajada de España en Venezuela, en alianza
con la AECID, el Centro Cultural Chacao y el Centro de Estudios
Fotográficos-CiEF, con motivo de la visita por primera vez a Venezuela
de PhotoEspaña, de la cual también se ha previsto un visionado de
porfolios Trasatlántica, en el que participarán 21 fotógrafos
previamente seleccionados y que tendrá lugar los días 4 y 5 de diciembre
en el CiEF.
La serpiente líquida de Nicolas Janowski (Argentina)
Los 14 fotógrafos que conforman (Re)presentaciones proceden a su vez
de los Visionados de Porfolios de la edición de Trasatlántica de 2012,
celebrados en Costa Rica y México. Por primera vez, con motivo de la
exposición en el Centro Cultural Chacao, un visionado de Trasatlántica
visitará otra ciudad y otro país que no sean Madrid y España, fuera del
contexto del festival de celebración anual PhotoEspaña.
Entre los fotógrafos y series que integran la (Re)presentaciones
figuran: Los olvidados de Fabián Hernández (Costa Rica), Desvestidas de
Luis Arturo Aguirre (México), La casita de turrón de Roberto Tondopó
(México), Los matrimonios viejos no se dan los buenos días de Irama
Gómez (Venezuela), La serpiente líquida de Nicolas Janowski (Argentina),
La tercera frontera de Leslie Searles (Perú), Espacios de Control de
Eduardo Jiménez (México), Una y otra erupción de Ilana Lichtenstein
(Brasil), 4 13 de Juan Carlos López Morales (México), Tratado visual
sobre el vacío de Aglae Cortés (México), El caballo de dos cabezas de
Mariela Sancari (Argentina), Tránsito de Humberto Ríos (México),
Paisajes para el fin de la existencia de Xtabay Zhanik Alderete
(México), y Espejo del Colectivo Galería Experiencia (Brasil).
La casita de turrón de Roberto
Tondopó (México)
Según señala en el texto de presentación la curadora de la muestra,
Ana Berruguete, las series seleccionadas atañen tanto a la
representación, como al medio, en un ejercicio de interpretación de la
imagen que desvela otros significados. “Proponen relatos que hacen
referencia a situaciones o estados intermedios entre algo pasado y algo
nuevo, entre lo visible y lo sugerido, lo evidente y lo intuido”.
A su juicio, la diversidad de sus lenguajes e intereses rompe con
cualquier intento de mostrar un grupo homogéneo bajo el epígrafe de
«fotografía latinoamericana», sino que por el contrario, las propuestas
presentadas pretenden subrayar la pluralidad de estilos y estéticas, —en
sus más variadas formas—, y mostrar una de las tantas posibles miradas.
En tal sentido, Ana Berruguete señala en el texto que “Fabián
Hernández devuelve la identidad pasada a un grupo de hombres por medio
de su vestimenta y de su pose, mientras que Luis Arturo Aguirre presenta
a mujeres que, al desnudarse, muestran toda su ambigüedad de género.
Otros fotógrafos como Humberto Ríos Rodríguez, Mariela Sancari o Xtabay
Zhanik Alderete componen fábulas metafóricas acerca del concepto de la
muerte, alejadas de los tópicos. Roberto Tondopó explora vivencias
autobiográficas a través de la infancia y pubertad de sus sobrinos,
mientras que Irama Gómez construye un relato sobre la vejez. Ilana
Lichtenstein y Juan Carlos López Morales muestran proyectos que están a
medio camino entre la realidad y la ficción, lo evidente y lo
sugerido. Aglae Cortés se recrea en las representaciones del vacío para
construir paisajes entre lo abstracto y lo figurativo, y Eduardo Jiménez
reivindica los comedores de las fábricas mejicanas como espacios de
poder y de control”.
Por su parte, el colectivo Galería Experiência muestra imágenes que
nacen del texto; Nicolás Janowski hace un retrato de la Amazonía como un
paisaje en continua transformación provocada por el devenir de la
propia naturaleza y la presencia del hombre; y por último, Leslie
Searles ha compartido su tiempo con personas que esperan su próximo
destino en un espacio intermedio, la tercera frontera, según escribe la
curadora.
Sin título. De la serie Los matrimonios viejos
no se dan los buenos días, 2010-2012, ©Irama Gómez
El público podrá visitar esta exposición de PhotoEspaña 2013, del 03
de diciembre al 16 de febrero de 2014, en la sala 1 de La Caja del
Centro Cultural Chacao, ubicado en la Avenida Tamanaco de El Rosal. El
horario es de martes a sábado de 12:00 p.m. a 8:00 p.m., y domingos de
11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.
Mayor información puede ser solicitada por las páginas web:
www.culturaesve.org.ve / www.centroculturalchacao.com /
www.culturachacao.org / www.ciefve.com o a través de las cuentas de
Twitter: @culturachacao y @CculturalChacao Facebook: Centro Cultural
Chacao y La Radio del Centro Cultural Chacao
(Re)Presentaciones
Hasta el 16 de febrero de 2014
Centro Cultural ChacaoHasta el 16 de febrero de 2014
Avenida Tamanaco, El Rosal
Caracas, Venezuela
Prensa: Zoraida Depablos
Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa en el Centro Cultural Chacao
A partir del 3 de diciembre
El artista venezolano Carlos Zerpa presenta su nueva
propuesta creativa, a través de una muestra que será inaugurada el
próximo martes 03 de diciembre a las 7:00 de la noche, en la Sala 2 de La Caja del Centro Cultural Chacao, en El Rosal, donde permanecerá en exhibición hasta el 16 de febrero de 2014.
Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa es el título de esta exposición, que bajo la curaduría de Lorena González,
refleja la inestabilidad, el agobio y la violencia de nuestros días,
mediante el conceptualismo objetual de Zerpa, el cual, manejado con
maestría y buena lid en sus composiciones, supera “las liviandades de
una vanguardia que resuena sus flecos en las esquinas insonoras del
ligero presente cultural que atravesamos”, según escribe en el texto de
presentación la curadora de la muestra.
A juicio de Lorena González, la obra del artista Carlos Zerpa “es un
cúmulo de despliegues y trayectorias que siempre se han desplazado fuera
de sí para convertirse en un paradigma de lo visual: una apuesta por
traducir las variables de un afuera en conmoción constante, a través de
acciones que entorchan con saludable ironía las inconstancias de un
mundo atroz y servil”.
En esta ocasión, reproduce un arquetipo dantesco del cotidiano
nacional, donde los personajes –al igual que nosotros- viven en un
desapego que crece y multiplica sus capacidades de anulación para
reproducir un torrente de desconfianza eterna; una reinversión inmediata
de las formas y una pérdida total de los referentes, según explica
González. “En la sala de exposiciones estallan sus alarmas el Sr. Conejo
-quien parece huir de la hecatombe trepado en una altísima escalera-,
la Anaconda Amazónica que da vueltas sobre sí misma a través de más de
once mil discos de vinilo, el Sr. Trastorno vigilante y custodio del
desastre, el Taxi Caracas en un nuevo entierro con botellas de Jack
Daniel y los Caimanes/Leviatanes quienes han sido sujetados con cadenas
para que no ataquen”, afirma.
Con una amplia carrera artística de más de cuatro décadas, Carlos
Zerpa es un artista de medios no convencionales, cuya obra ha transitado
por diferentes campos y medios de las artes visuales, como son la
fotografía, pintura, escultura, ensamblaje, videoarte y performance. Ha
realizado exposiciones en museos, salas y galerías de Venezuela,
Colombia, Estados Unidos, España, Brasil, México, Japón, Australia,
Italia, Ecuador, y Francia, entre otros países, además su obra forma
parte de importantes colecciones del país, como las de la Galería de
Arte Nacional, Museo de Bellas Artes, Museo de Arte Contemporáneo de
Caracas, Museo de Arte Moderno de Mérida, y Museo de Arte Contemporáneo
Francisco Narváez; así como también, de las colecciones del Bronx Museum
(Nueva York, USA), Museo de Las Américas (Washington, USA), Museo de
Arte Moderno de San Diego (California, USA), Pinacoteca Giulio Rodino
(Nápoles, Italia), Museo de Arte Contemporáneo de Cali (Colombia), Museo
de Arte Moderno de Bogotá (Colombia), Museo de Arte Contemporáneo MARCO
(Monterrey, México), y Museo de Arte Moderno de Monterrey (México).
El
público podrá apreciar la más reciente propuesta de este artista, a
través de la muestra Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa, que
se presentará del 03 de diciembre de este año al 16 de febrero de 2014,
en la Sala 2 del Centro Cultural Chacao, ubicado en la Avenida Tamanaco
de El Rosal, en horario de martes a sábado de 12:00 p.m. a 8:00 p.m., y
domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.
Mayor información puede ser solicitada por las páginas web:
www.centroculturalchacao.com y www.culturachacao.org o a través de las
cuentas de Twitter: @culturachacao y @CculturalChacao Facebook: Centro
Cultural Chacao y La Radio del Centro Cultural Chacao.
Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa
Hasta el 16 de febrero de 2014
Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco, El Rosal
Caracas, Venezuela
Prensa: Zoraida Depablos
Javier León celebra el Aula Magna de la UCV en sus pinturas y fotografías
El
artista Javier León, nos ofrece una exposición en
la que reúne un conjunto de pinturas, fotografías, grabados y video,
que tienen como tema central el Aula Magna de la Universidad Central de
Venezuela, serie en la que ha venido trabajando desde 2012 y en la que
continua realizando nuevos planteamientos.
En
esta oportunidad coinciden esta muestra con la celebración del 60
aniversario de la fundación de la zona cultural de la Ciudad
Universitaria de Caracas, por tal motivo el viernes 29 de noviembre del
presente año a las 12:30 del mediodía, se estará inaugurando la
exposición Javier León Aula Magna
poniendo una vez mas de relieve la importancia de este monumento
arquitectónico realizado por el Arq. Carlos Raúl Villanueva y que sigue
siendo el mejor ejemplo en el país de la mejor integración de la
arquitectura y el arte, gracias al trabajo en conjunto que el arquitecto
realizó con el artista Alexander Calder con la obra Stabile, Nubes o
Platillos como suelen ser llamados estos elementos escultóricos los
cuáles además de su contundente armonía estética cumplen una función
acústica para el espacio que integran, los cuales son tomados por Javier
León como significante de este proyecto de modernidad.
Como comenta el arquitecto e historiador Freddy Carreño al referirse a
esta serie de obras: Se trata ahora de una revisión crítica de momentos
o discursos emblemáticos de la plástica con la finalidad de
re-encontrar en el análisis formal las claves que dan sentido a ese
proceso creativo. Desde este espacio de reflexión se inserta el trabajo
reciente de Javier León, un artista que se identifica con la noción del
arte como discurso conceptual, sin embargo, aun afianzado en la idea no
abandona el valor de lo pictórico, precisamente por su importancia como
transmisor de mensajes. Ese enfoque del hacer del artista se centra en
el tiempo heroico de la modernidad nacional, plena de realizaciones y
resultados de importancia histórica.
Este espacio de reflexión que abre el artista por medio de sus obras
es oportuno cuando se celebran 60 años de la inauguración de este
espacio, además de ser mostrada en la Galería Universitaria de Arte que
se encuentra a escasos metros de la original Aula Magna, es un ejercicio
de acercamiento y de lejanía de enfrentar una interpretación que deja
ver la posibilidad que pareciera infinita de descubrir nuevos espacios y
nuevos acercamientos desde los cuales puede ser observada e imaginada
esta sala de conciertos y sus Nubes.
Esta muestra cuenta con la curaduría de Marisela Chivico, quien comenta: La
modernidad, viene a ser en esta oportunidad el marco que envuelve el
cuerpo de obras, que traen a la memoria un ejemplo de ese momento
convertido en ansiado anhelo, esta apropiación se da por medio de un
despliegue de interpretaciones que nos traducen en su propia
significación lo inefable de este proyecto inconcluso.
Esta exposición será inaugurada el viernes 29 de noviembre a las
12:30 del mediodía y estará abierta al público hasta el 28 de febrero de
2014 en el horario de lunes a viernes de 10:00 am a 4:00 pm.
Javier León
Aula Magna
Hasta el 28 de febrero de 2014
Curadora: Marisela Chivico
Galería Universitaria de Arte
Plaza cubierta, Universidad Central de Venezuela
Caracas
Telf.: 0212 605 20 25
Email:
galeriaucv@gmail.com
Fuente: Marisela Chivico
Campo Ciego. Federico Ovalles-Ar revisa los imperativos de la modernidad en el MAC
Asiste a la Sala 7 del Museo de Arte Contemporáneo (Caracas) para experimentar la espacialidad informal propuesta por el artista Federico Ovalles-Ar.
La curadora, Albeley Rodríguez, apunta “Las obras de este creador
interpelan las políticas aplicadas a lo urbano así como las lógicas de
disciplinamiento social, al tiempo que develan la capacidad creadora de
quienes tienen que resolver su vida cotidianamente con los elementos que
tienen a la mano. La muestra se llama campo ciego tomando como eje la
categoría llamada así por el pionero de las tesis sobre el espacio como
producción social, Henri Lefebvre, a través de la cual
el teórico buscó explicar aquellos espacios que han sido anulados de
los patrones formales de la sociedad urbana pero, aun así brotan
funcionando desde la contradicción, la incertidumbre y la
provisionalidad de la ciudad no pensada”.
El público podrá identificar distintos procesos experimentados por la
ciudad de Caracas a través de un video-collage hecho por Ovalles-Ar
tomando fragmentos de filmes venezolanos desde los 50 hasta finales de
los 90; asimismo se encontrará con obras de sitio-específico en los que
las lógicas museísticas y sus estéticas tradicionales son puestas en
revisión capciosa al transformar tabiques en propuestas contingentes y
usar sus materiales en planteamientos constructivos opuestos al cubo
blanco, controlado y en orden. En la exposición Campo Ciego. Federico Ovalles-Ar
los imperativos de la modernidad y sus mitos de perfección son puestos
en entredicho desde otras vistas la ciudad y desde un museo abierto a
los desafíos impulsados por el arte contemporáneo al mostrar lo que late
dentro de nuestra propia ceguera.
La apertura estará acompañada por la música de Dj Torkins y un brindis. Todos están invitados a disfrutar mientras repiensan sus esquemas.
Entrada libre.
Federico Ovalles-Ar
Campo Ciego. Federico Ovalles-Ar
Hasta el 17 de febrero de 2014
Inauguración: viernes 1° de noviembre, hora: 5:00 – 7:00 pm
Museo de Arte Contemporáneo
Sala 7
Parque Central, Caracas
Fuente: Albeley Rodríguez
Grabado Argentino Actual
Los
comienzos del grabado en Argentina se remiten al siglo XVII con la
introducción en el Río de La Plata de la imprenta por parte de
los jesuitas en las misiones del Paraguay, quienes imprimieron unos de
los primeros incunables en Sudamérica, basándose en copias de imágenes y
textos de origen europeo.
Con su expulsión, la imprenta fue
trasladada una parte a Buenos Aires y otra a Córdoba, decayendo su
producción para emerger nuevamente en el siglo XVIII pero sin la calidad
y cantidad de décadas pasadas. A partir de 1810, llegan al país
profesionales con inclinaciones artísticas llamados "los Artistas
Viajeros" que documentaron de manera singular las costumbres y paisajes
de las Provincias Unidas.
A fines del siglo XIX se afianza la
litografía como técnica aplicada para la impresión de periódicos con
acento sobre lo social-político. También cabe destacar el inicio de los
primeros centros de formación de bellas artes llamado " la Sociedad de
Estímulo de Bellas Artes" que en 1905 va a tomar el nombre de "Academia
Nacional de Bellas Artes".
A partir del siglo XX la República
Argentina atraviesa nuevamente replanteos socio-políticos, en algunos
casos impulsados por las corrientes inmigratorias internas y externas
que de alguna manera influirán en el pensamiento de numerosos artistas,
por ejemplo los denominados "Artistas del Pueblo" que vieron en el
grabado una posibilidad de difundir sus ideas. .
En la segunda
mitad del siglo XX hasta la actualidad, el arte impreso tomará nuevos
rumbos, no solamente por el aporte de nuevas técnicas sino por las
propuestas de los artistas grabadores, dedicados tanto a las técnicas
clásicas de grabado como a las innovaciones aportadas por el arte
digital. (Investigación de Alberto Arjona, grabador argentino, y ex
librista).
Hasta el 15 de febrero de 2013
Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez
Calle Sur 11 con calle 8, Parque Vargas
Pop Art y Figuración Estados Unidos–Venezuela Centro Cultural B.O.D.
Robert Indiana
El Centro Cultural B.O.D. inaugura el miércoles 2 de octubre su nueva exposición, Pop Art y Figuración; una muestra, que presenta a los artistas más representativos del Pop Art y la figuración, de Venezuela y Estados Unidos. Bajo la curaduría de María Luz Cárdenas, se hace un recorrido por la segunda mitad del siglo XX para reconstruir la historia de este momento y de esta forma de cultura a través de sus obras, creadores y seguidores.
Más de 50 piezas serán exhibidas gracias a la colaboración de grandes
coleccionistas del país y del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas;
donde figuran nombres como los de Marcel Duchamp, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, y Larry Rivers, precursores del Pop Art. De igual manera, podrán apreciarse obras de Andy Warhol, Robert Indiana, Tom Wesselman, Red Grooms y Jim Dine, reconocidas figuras del Pop norteamericano.
José Antonio Dávila Pasajeros, 1974. Colección privada
En Venezuela, el desarrollo del Pop Art guarda
relación con una extraordinaria capacidad del venezolano para construir
imaginarios, iconos, ídolos, señala la curadora. “En una especie de
reconocimiento y adoración por las imágenes, por los objetos rituales o
mitos fabricados por nosotros mismos; en la permanente construcción de
universos simbólicos y mitologías cotidianas; habita una fuente
determinante para tender puentes entre ese imaginario y el orden
social”. De allí, que entre los participantes activos e iniciadores del
movimiento en el país se encuentren Marisol y Rolando Peña, presentes en
la exposición junto a otros grandes maestros como: Nelson Moctezuma,
Campos Biscardi, José Antonio Dávila, Luis Domínguez Salazar, Margot
Römer y Pedro León Zapata.
Por su parte, entre los exponentes de la Figuración, veremos a George Segal, uno de los exponentes más claros de esta nueva versión del realismo. John Clem Clarke que asigna otro giro al Pop y a la Figuración; y Jacobo Borges, un artista integral y una presencia destacada en la pintura venezolana contemporánea.
En el recorrido propuesto en esta exposición por los movimientos
figurativos y el Pop Art, se planteó como espacio final, la presentación
de propuestas contemporáneas que continúan abriendo caminos en la
comprensión de lo real. Dos artistas, el norteamericano Donald Sultan y
nuevamente el venezolano Jacobo Borges, construyen nuevos modelos
iconográficos para la representación de la naturaleza, ejemplos que
también podrán apreciarse en la muestra.
Luis Domínguez Salazar American Holy Family I, 1970.
Colección Carmen de Domínguez
La exhibición puede visitarse de martes a domingo de 10:00 a.m. a
5:00 p.m., en la Sala de Exposiciones del Centro Cultural B.O.D.
Pop Art y Figuración
B.O.D.-Corp Banca
Torre B.O.D.-Corp Banca - Urb. La Castellana. Caracas.
www.corpbanca.com.ve
Prensa: Fadella Lares Velásquez. B.O.D.-Corp Banca
Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa en el Centro Cultural Chacao
A partir del 3 de diciembre
El artista venezolano Carlos Zerpa presenta su nueva
propuesta creativa, a través de una muestra que será inaugurada el
próximo martes 03 de diciembre a las 7:00 de la noche, en la Sala 2 de La Caja del Centro Cultural Chacao, en El Rosal, donde permanecerá en exhibición hasta el 16 de febrero de 2014.
Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa es el título de esta exposición, que bajo la curaduría de Lorena González,
refleja la inestabilidad, el agobio y la violencia de nuestros días,
mediante el conceptualismo objetual de Zerpa, el cual, manejado con
maestría y buena lid en sus composiciones, supera “las liviandades de
una vanguardia que resuena sus flecos en las esquinas insonoras del
ligero presente cultural que atravesamos”, según escribe en el texto de
presentación la curadora de la muestra.
A juicio de Lorena González, la obra del artista Carlos Zerpa “es un
cúmulo de despliegues y trayectorias que siempre se han desplazado fuera
de sí para convertirse en un paradigma de lo visual: una apuesta por
traducir las variables de un afuera en conmoción constante, a través de
acciones que entorchan con saludable ironía las inconstancias de un
mundo atroz y servil”.
En esta ocasión, reproduce un arquetipo dantesco del cotidiano
nacional, donde los personajes –al igual que nosotros- viven en un
desapego que crece y multiplica sus capacidades de anulación para
reproducir un torrente de desconfianza eterna; una reinversión inmediata
de las formas y una pérdida total de los referentes, según explica
González. “En la sala de exposiciones estallan sus alarmas el Sr. Conejo
-quien parece huir de la hecatombe trepado en una altísima escalera-,
la Anaconda Amazónica que da vueltas sobre sí misma a través de más de
once mil discos de vinilo, el Sr. Trastorno vigilante y custodio del
desastre, el Taxi Caracas en un nuevo entierro con botellas de Jack
Daniel y los Caimanes/Leviatanes quienes han sido sujetados con cadenas
para que no ataquen”, afirma.
Con una amplia carrera artística de más de cuatro décadas, Carlos
Zerpa es un artista de medios no convencionales, cuya obra ha transitado
por diferentes campos y medios de las artes visuales, como son la
fotografía, pintura, escultura, ensamblaje, videoarte y performance. Ha
realizado exposiciones en museos, salas y galerías de Venezuela,
Colombia, Estados Unidos, España, Brasil, México, Japón, Australia,
Italia, Ecuador, y Francia, entre otros países, además su obra forma
parte de importantes colecciones del país, como las de la Galería de
Arte Nacional, Museo de Bellas Artes, Museo de Arte Contemporáneo de
Caracas, Museo de Arte Moderno de Mérida, y Museo de Arte Contemporáneo
Francisco Narváez; así como también, de las colecciones del Bronx Museum
(Nueva York, USA), Museo de Las Américas (Washington, USA), Museo de
Arte Moderno de San Diego (California, USA), Pinacoteca Giulio Rodino
(Nápoles, Italia), Museo de Arte Contemporáneo de Cali (Colombia), Museo
de Arte Moderno de Bogotá (Colombia), Museo de Arte Contemporáneo MARCO
(Monterrey, México), y Museo de Arte Moderno de Monterrey (México).
El
público podrá apreciar la más reciente propuesta de este artista, a
través de la muestra Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa, que
se presentará del 03 de diciembre de este año al 16 de febrero de 2014,
en la Sala 2 del Centro Cultural Chacao, ubicado en la Avenida Tamanaco
de El Rosal, en horario de martes a sábado de 12:00 p.m. a 8:00 p.m., y
domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.
Mayor información puede ser solicitada por las páginas web:
www.centroculturalchacao.com y www.culturachacao.org o a través de las
cuentas de Twitter: @culturachacao y @CculturalChacao Facebook: Centro
Cultural Chacao y La Radio del Centro Cultural Chacao.
Días líquidos. Una instalación de Carlos Zerpa
Hasta el 16 de febrero de 2014
Hasta el 16 de febrero de 2014
Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco, El Rosal
Caracas, Venezuela
Avenida Tamanaco, El Rosal
Caracas, Venezuela
Prensa: Zoraida Depablos
Grabado Argentino Actual
Con su expulsión, la imprenta fue trasladada una parte a Buenos Aires y otra a Córdoba, decayendo su producción para emerger nuevamente en el siglo XVIII pero sin la calidad y cantidad de décadas pasadas. A partir de 1810, llegan al país profesionales con inclinaciones artísticas llamados "los Artistas Viajeros" que documentaron de manera singular las costumbres y paisajes de las Provincias Unidas.
A fines del siglo XIX se afianza la litografía como técnica aplicada para la impresión de periódicos con acento sobre lo social-político. También cabe destacar el inicio de los primeros centros de formación de bellas artes llamado " la Sociedad de Estímulo de Bellas Artes" que en 1905 va a tomar el nombre de "Academia Nacional de Bellas Artes".
A partir del siglo XX la República Argentina atraviesa nuevamente replanteos socio-políticos, en algunos casos impulsados por las corrientes inmigratorias internas y externas que de alguna manera influirán en el pensamiento de numerosos artistas, por ejemplo los denominados "Artistas del Pueblo" que vieron en el grabado una posibilidad de difundir sus ideas. .
En la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad, el arte impreso tomará nuevos rumbos, no solamente por el aporte de nuevas técnicas sino por las propuestas de los artistas grabadores, dedicados tanto a las técnicas clásicas de grabado como a las innovaciones aportadas por el arte digital. (Investigación de Alberto Arjona, grabador argentino, y ex librista).
Hasta el 15 de febrero de 2013
Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez
Calle Sur 11 con calle 8, Parque Vargas
Pop Art y Figuración Estados Unidos–Venezuela Centro Cultural B.O.D.
Javier León celebra el Aula Magna de la UCV en sus pinturas y fotografías
El
artista Javier León, nos ofrece una exposición en
la que reúne un conjunto de pinturas, fotografías, grabados y video,
que tienen como tema central el Aula Magna de la Universidad Central de
Venezuela, serie en la que ha venido trabajando desde 2012 y en la que
continua realizando nuevos planteamientos.
En
esta oportunidad coinciden esta muestra con la celebración del 60
aniversario de la fundación de la zona cultural de la Ciudad
Universitaria de Caracas, por tal motivo el viernes 29 de noviembre del
presente año a las 12:30 del mediodía, se estará inaugurando la
exposición Javier León Aula Magna
poniendo una vez mas de relieve la importancia de este monumento
arquitectónico realizado por el Arq. Carlos Raúl Villanueva y que sigue
siendo el mejor ejemplo en el país de la mejor integración de la
arquitectura y el arte, gracias al trabajo en conjunto que el arquitecto
realizó con el artista Alexander Calder con la obra Stabile, Nubes o
Platillos como suelen ser llamados estos elementos escultóricos los
cuáles además de su contundente armonía estética cumplen una función
acústica para el espacio que integran, los cuales son tomados por Javier
León como significante de este proyecto de modernidad.
Como comenta el arquitecto e historiador Freddy Carreño al referirse a
esta serie de obras: Se trata ahora de una revisión crítica de momentos
o discursos emblemáticos de la plástica con la finalidad de
re-encontrar en el análisis formal las claves que dan sentido a ese
proceso creativo. Desde este espacio de reflexión se inserta el trabajo
reciente de Javier León, un artista que se identifica con la noción del
arte como discurso conceptual, sin embargo, aun afianzado en la idea no
abandona el valor de lo pictórico, precisamente por su importancia como
transmisor de mensajes. Ese enfoque del hacer del artista se centra en
el tiempo heroico de la modernidad nacional, plena de realizaciones y
resultados de importancia histórica.
Este espacio de reflexión que abre el artista por medio de sus obras
es oportuno cuando se celebran 60 años de la inauguración de este
espacio, además de ser mostrada en la Galería Universitaria de Arte que
se encuentra a escasos metros de la original Aula Magna, es un ejercicio
de acercamiento y de lejanía de enfrentar una interpretación que deja
ver la posibilidad que pareciera infinita de descubrir nuevos espacios y
nuevos acercamientos desde los cuales puede ser observada e imaginada
esta sala de conciertos y sus Nubes.
Esta muestra cuenta con la curaduría de Marisela Chivico, quien comenta: La
modernidad, viene a ser en esta oportunidad el marco que envuelve el
cuerpo de obras, que traen a la memoria un ejemplo de ese momento
convertido en ansiado anhelo, esta apropiación se da por medio de un
despliegue de interpretaciones que nos traducen en su propia
significación lo inefable de este proyecto inconcluso.
Esta exposición será inaugurada el viernes 29 de noviembre a las
12:30 del mediodía y estará abierta al público hasta el 28 de febrero de
2014 en el horario de lunes a viernes de 10:00 am a 4:00 pm.
Javier León
Aula Magna
Hasta el 28 de febrero de 2014
Curadora: Marisela Chivico
Aula Magna
Hasta el 28 de febrero de 2014
Curadora: Marisela Chivico
Galería Universitaria de Arte
Plaza cubierta, Universidad Central de Venezuela
Caracas
Telf.: 0212 605 20 25
Email: galeriaucv@gmail.com
Plaza cubierta, Universidad Central de Venezuela
Caracas
Telf.: 0212 605 20 25
Email: galeriaucv@gmail.com
Fuente: Marisela Chivico
Campo Ciego. Federico Ovalles-Ar revisa los imperativos de la modernidad en el MAC
Asiste a la Sala 7 del Museo de Arte Contemporáneo (Caracas) para experimentar la espacialidad informal propuesta por el artista Federico Ovalles-Ar.
La curadora, Albeley Rodríguez, apunta “Las obras de este creador
interpelan las políticas aplicadas a lo urbano así como las lógicas de
disciplinamiento social, al tiempo que develan la capacidad creadora de
quienes tienen que resolver su vida cotidianamente con los elementos que
tienen a la mano. La muestra se llama campo ciego tomando como eje la
categoría llamada así por el pionero de las tesis sobre el espacio como
producción social, Henri Lefebvre, a través de la cual
el teórico buscó explicar aquellos espacios que han sido anulados de
los patrones formales de la sociedad urbana pero, aun así brotan
funcionando desde la contradicción, la incertidumbre y la
provisionalidad de la ciudad no pensada”.
El público podrá identificar distintos procesos experimentados por la
ciudad de Caracas a través de un video-collage hecho por Ovalles-Ar
tomando fragmentos de filmes venezolanos desde los 50 hasta finales de
los 90; asimismo se encontrará con obras de sitio-específico en los que
las lógicas museísticas y sus estéticas tradicionales son puestas en
revisión capciosa al transformar tabiques en propuestas contingentes y
usar sus materiales en planteamientos constructivos opuestos al cubo
blanco, controlado y en orden. En la exposición Campo Ciego. Federico Ovalles-Ar
los imperativos de la modernidad y sus mitos de perfección son puestos
en entredicho desde otras vistas la ciudad y desde un museo abierto a
los desafíos impulsados por el arte contemporáneo al mostrar lo que late
dentro de nuestra propia ceguera.
La apertura estará acompañada por la música de Dj Torkins y un brindis. Todos están invitados a disfrutar mientras repiensan sus esquemas.
Entrada libre.
Federico Ovalles-Ar
Campo Ciego. Federico Ovalles-Ar
Hasta el 17 de febrero de 2014
Inauguración: viernes 1° de noviembre, hora: 5:00 – 7:00 pm
Campo Ciego. Federico Ovalles-Ar
Hasta el 17 de febrero de 2014
Inauguración: viernes 1° de noviembre, hora: 5:00 – 7:00 pm
Museo de Arte Contemporáneo
Sala 7
Parque Central, Caracas
Fuente: Albeley RodríguezSala 7
Parque Central, Caracas
Grabado Argentino Actual
Los comienzos del grabado en Argentina se remiten al siglo XVII con la introducción en el Río de La Plata de la imprenta por parte de los jesuitas en las misiones del Paraguay, quienes imprimieron unos de los primeros incunables en Sudamérica, basándose en copias de imágenes y textos de origen europeo.
Con su expulsión, la imprenta fue trasladada una parte a Buenos Aires y otra a Córdoba, decayendo su producción para emerger nuevamente en el siglo XVIII pero sin la calidad y cantidad de décadas pasadas. A partir de 1810, llegan al país profesionales con inclinaciones artísticas llamados "los Artistas Viajeros" que documentaron de manera singular las costumbres y paisajes de las Provincias Unidas.
A fines del siglo XIX se afianza la litografía como técnica aplicada para la impresión de periódicos con acento sobre lo social-político. También cabe destacar el inicio de los primeros centros de formación de bellas artes llamado " la Sociedad de Estímulo de Bellas Artes" que en 1905 va a tomar el nombre de "Academia Nacional de Bellas Artes".
A partir del siglo XX la República Argentina atraviesa nuevamente replanteos socio-políticos, en algunos casos impulsados por las corrientes inmigratorias internas y externas que de alguna manera influirán en el pensamiento de numerosos artistas, por ejemplo los denominados "Artistas del Pueblo" que vieron en el grabado una posibilidad de difundir sus ideas. .
En la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad, el arte impreso tomará nuevos rumbos, no solamente por el aporte de nuevas técnicas sino por las propuestas de los artistas grabadores, dedicados tanto a las técnicas clásicas de grabado como a las innovaciones aportadas por el arte digital. (Investigación de Alberto Arjona, grabador argentino, y ex librista).
Hasta el 15 de febrero de 2013
Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez
Calle Sur 11 con calle 8, Parque Vargas
Robert Indiana
Más de 50 piezas serán exhibidas gracias a la colaboración de grandes coleccionistas del país y del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas; donde figuran nombres como los de Marcel Duchamp, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, y Larry Rivers, precursores del Pop Art. De igual manera, podrán apreciarse obras de Andy Warhol, Robert Indiana, Tom Wesselman, Red Grooms y Jim Dine, reconocidas figuras del Pop norteamericano.
José Antonio Dávila Pasajeros, 1974. Colección privada
Por su parte, entre los exponentes de la Figuración, veremos a George Segal, uno de los exponentes más claros de esta nueva versión del realismo. John Clem Clarke que asigna otro giro al Pop y a la Figuración; y Jacobo Borges, un artista integral y una presencia destacada en la pintura venezolana contemporánea.
En el recorrido propuesto en esta exposición por los movimientos figurativos y el Pop Art, se planteó como espacio final, la presentación de propuestas contemporáneas que continúan abriendo caminos en la comprensión de lo real. Dos artistas, el norteamericano Donald Sultan y nuevamente el venezolano Jacobo Borges, construyen nuevos modelos iconográficos para la representación de la naturaleza, ejemplos que también podrán apreciarse en la muestra.
Luis Domínguez Salazar American Holy Family I, 1970.
Colección Carmen de Domínguez
Pop Art y Figuración
B.O.D.-Corp Banca
Torre B.O.D.-Corp Banca - Urb. La Castellana. Caracas.
www.corpbanca.com.ve
Prensa: Fadella Lares Velásquez. B.O.D.-Corp Banca
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