The Great Utopia Individual de Luis Salazar
En La Hacienda La Trinidad en alianza con Carmen Araujo Arte
Casa Vieja de la Hacienda
Domingo 13 de Abril de 2014, 11 am
La obra reciente de Luis Salazar reflexiona sobre la situación actual del arte contemporáneo, trabajando desde los contrastes, dualidades y contradicciones del medio. Las analogías mercado/supermercado, gusto/pensamiento colectivo, estética/antiestética, son la base de su cuerpo de obras, todas signadas con un aire de desfachatez, pero también por una cierta reinvindicación de los materiales innobles repuestos mecánicos, retazos de revista, materiales de fabricación industrial.
lo político
exposición colectiva | luis arroyo, camilo barboza, eduardo gil, yucef merhi, luis poleo, gerardo rosales y armando ruiz
clausura: domingo, 27 de abril de 2014 – 4:00 pm
-
carmen araujo Arte® urbanización sorokaima, calle rafael rangel sur
secadero 2, hacienda la trinidad parque culturalcaracas, venezuela-
info@carmenaraujoarte.comwww.carmenaraujoarte.com
-
horarios
martes a sábado: 10:00 am a 06:00 pm
domingos: 11:00 am a 04:00 pm
martes a sábado: 10:00 am a 06:00 pm
domingos: 11:00 am a 04:00 pm
feriados: 11:00 am a 4:00 pm
Conferencia
El collage como paradigma del arte moderno
Rafael Castillo Zapata
En
el marco de la exposición "Pares mínimos" nos complace invitarlos al
ciclo de conferencias "La exigencia fragmentaria. El collage como
paradigma del arte moderno" a cargo del reconocido escritor Rafael
Castillo Zapata. En esta oportunidad, Castillo Zapata brindará una
reflexión sobre el collage y su relación con los diversos contextos
históricos y sociales, indagando a su vez en la versatilidad y
relevancia de esta técnica en las artes plásticas.
Conversatorio
“Interpretaciones de la Colección Celarg 3”
El jueves 24 de abril de 2014, se realizará otro conversatorio
con
participación de los artistas plásticos Manuel Eduardo
González,
José Ignacio Beiner y Susana Arwas, también en el Museo Rómulo
Gallegos a las 5:00 p.m.
Finalmente,
el viernes 25 de abril de 2014 se realizará una visita guiada
para
el público y el personal de la Fundación Celarg con
participantes
del montaje en la Sala RG, a partir de las 11:00 a.m. En el
recorrido
intervendrán los artistas plásticos Linda Philips, Claudia
Jaimes,
Horacio Pietri y Ángel Bello.
En
estas actividades, enmarcadas en la programación de la Cátedra
Claudio Perna del Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo
Gallegos, los ponentes comentarán los argumentos y
experiencias
resultantes de producir una obra a partir de la referencia de
una
pieza de la Colección de la Fundación Celarg.
La
exposición “Interpretaciones, Colección Celarg 3” puede ser
visitada en Sala RG. La propuesta expositiva presenta
interpretaciones de obras que forman parte del patrimonio
artístico
de la Fundación Celarg, desarrolladas por diecisiete artistas
plásticos. Estará disponible para disfrute del público en
general
en horario de martes a domingo de 2:00 p.m. a 8:00 p.m., hasta
el
domingo 27 de abril.
El
grupo de artistas participantes en el montaje está conformado
por
Susana Arwas, Francisco Bassim, José Ignacio Beiner, Ángel
Bello,
Rodrigo Benavides, Prada Colón, José Luis Flores, Jhonny Fung,
Néstor García, Manuel González, Félix Hernández, Claudia
Jaimes,
Franklin Perozo, Linda Phillips, Horacio Pietri, Maciá Pintó y
Natalia Rondón. Ellas y ellos interpretan obras de Antonio
Caro,
María Ezcurra, José de Jesús Dávila, Paul Del Río, José de
Jesús Dávila Balza, Alfredo Maraver, Mario Abreu, Asdrúbal
Colmenárez, Marcelo Brodsky, Luis Guevara Moreno, Manuel
Quintana
Castillo, Sigfredo Chacón, Manuel Loes, Víctor Hugo Irazábal,
Franco Contreras y Juan Calzadilla.
Diversas miradas a la Colección Celarg
Roberto
Hernández Montoya, presidente de la Fundación Celarg, refirió
que
se trata de la tercera etapa de montajes museográficos que se
han
realizado desde 2011 para promover el disfrute por parte del
público
de obras que forman parte de la colección de obras de arte de
la
Fundación Celarg.
La
primera, titulada Colección Celarg, Arte, Patrimonio,
Proyección,
fue realizada en diciembre de 2011, y concebida por el
profesor
Zacarías García, un artista que ha dedicado años de su vida a
la
docencia y a la investigación de las artes visuales. El
montaje
agrupó obras representativas de los diferentes momentos y
movimientos de la historia del arte en nuestro país,
identificando
dos tiempos fundamentales en la producción artística. Estos
son,
por una parte, el tiempo de creación, el taller y el hacer de
las
obras; el pensamiento y la acción del artista. Por otra parte,
el
tiempo de relación e inserción de la obra en su sociedad. De
estos
comportamientos cobra especial importancia, en palabras de
Zacarías
García, “la reflexión en torno a la colección como destino
final
de las obras de arte”.
La
segunda exposición tuvo lugar en diciembre de 2012 y la
curaduría
estuvo a cargo de Zuleyva Vivas, investigadora, crítica de
arte y
quien fuera en una oportunidad coordinadora de artes
visuales de la
Fundación Celarg. De los criterios utilizados por Vivas para
presentar su propuesta, se destaca la demarcación conceptual
referida a los diferentes relatos que narran la historia de
la
colección y las diferentes circunstancias que han permitido
incrementarla.
Ella
comentó
que en una etapa de vida institucional los criterios de
adquisición de obras consideraban parámetros o paradigmas
que
reproducían lo acontecido en las metrópolis. A su vez,
denunció el
hecho de que se promovía a artistas que copiaban lenguajes y
estilos
de moda. Vivas, utilizó el instrumento de la crítica y la
denuncia
como recurso para escribir un nuevo capítulo de la historia
de
nuestro patrimonio.
En
la tercera muestra, el centro de atención son obras de arte de
la
colección Celarg. Sin embargo, han cambiado algunos criterios
para
su convocatoria, acentuando esta vez el aspecto didáctico y
dando
importancia a la política de organizar muestras con
participación
de colectivos de artistas, en vez de figuras individuales. Se
brinda
continuidad al estudio de la colección, con miras a estimular
el
interés del patrimonio artístico tanto para el personal de la
Fundación Celarg como el público en general.
La
tercera etapa museológica cuenta ahora con curaduría del
arquitecto
Pedro Sanz, quien orientó la exposición, para que cada artista
invitado escogiera una pieza de la colección y desarrollara un
planteamiento plástico a partir de ella. Esta propuesta invita
al
público visitante a producir sus propias interpretaciones
(FIN/Cristóbal J. Alva R.).
Arte: Ver, Sentir e Imaginar Más Allá de la Mirada
La Obra de la Semana
Cuatro por mes...
La exposición La Obra de la Semana, es el resultado de un programa educativo curado por Eudys Gamboa y el equipo del Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz Diez, MEDI; es una experiencia de educación a partir de la selección de obras emblemáticas de la Colección que custodia el MEDI.
Se realizarán actividades de facilitación junto a los visitantes, que participan observando cada obra desde el análisis plástico y la reflexión teórica y vivencia personal con una mirada sensible, didáctica y pedagógica. Por esta razón no se realiza una selección temática, el criterio único es calidad tanto artística como técnica de cada obra que se comporta como un fragmento de dicha Colección.
Se le da una relevante importancia a las técnicas tradicionales de grabado e impresión, la xilografía, linografía, aguafuerte, aguatinta, aguadulce, litografía, serigrafía; sin dejar de lado los avances en las artes actuales con la gráfica digital y la mixtura de técnicas varias.
Reconocemos en esta muestra un diálogo visual participativo que nos permite hacer correspondencia entre artistas visuales nacionales e internacionales que reafirman el perfil de la Institución y su compromiso con la difusión del patrimonio en su custodia a la comunidad.
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| Material Coleccionable que Describe las Obras de la Semana |
En esta primera exposición ubicada en la Sala 1 del Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz Diez, MEDI, la muestra cuenta con la participación de obras de los artistas: Alirio Palacios, Auguste Herbin, Carolina Otero, Carlos Riera, Felipe Ehrenberg, Genevieve Claisse, Gertrudis Goldsmith-GEGO, Gerd Leufert, Jesús Morales, Jean Arp, Jesús Soto, Josef Albers, Juvenal Ravelo, Karl Gerstner, Luis Chacón, Luis Guevara Moreno, Luisa Ritchter, María Gabriela Trejo, Mercedes Pardo, Nedo Mion Ferrario, Oswaldo Subero, Piet Mondrian, Sigfredo Chacón, Victor Vasarely, Zacarías García.
Al finalizar el recorrido por la sala y establecer relación con una obra o con un grupo de obras desde su vivencia personal, deje su aporte en una encuesta ubicada al lado de la puerta, la finalidad recoger su impresión sobre este proceso de investigación y sus intereses para hacerle copartícipe de este programa educativo.
 |
| Edgar González Fotografía Leonardo Noguera |
El museo como medio de transformación social; este espacio está dedicado a repensar a resignificar ese concepto
clásico de museo que ahora nosotros lo estamos llevando a uno más
cercano a nuestra realidad, a nuestros entornos cercanos y sobre todo,
pensar en las comunidades. Esos espacios museísticos con sus perfiles bien definidos puedan aportar
ese concepto de memoria y patrimonio para sensibilizar a nuestros
públicos.
Edgar González, Presidente de la Fundación Museos Nacionales.
Nos visita desde Buenos Aires para dictar un Taller sobre Heramientas del Grabado en UNEARTE y el MEDI.
Nació en en Buenos Aires el 15 de Marzo de 1950.
Cursó estudios con Demetrio Urruchúa y Juan Lópes Taetzel. En MEEBA (Mutualidad de estudiantes y egresados de Bellas Artes) con Carlos González. Grabado con Carlos Demestre.
Litografia con José Contino en el Taller Experimental de Gráfica de La Habana. Ejerce la docencia en su taller desde el año 1982.
Participó en 82 muestras colectivas en el país extranjero, lleva realizada 14 muestras individuales desde 1981.
Participó en 65 salones internacionales con selección de jurado. Entre ellos: XIV Premio Internazionale Biella per l'Incisione Biella, Italia - V Bienal Internacional de Grabado Caixa Ourense, Orense, España - 1st World Small Printings and Exlibris Works Exhibition Beijing, P.R. China - 3rd Malasia Annual Exhibition of Internacional Contemporary Prints, Kuala Lumpur, Malasia. - 4 Triennale Mondiale D'estamps Petit Format, Chamaliére, Auvergne, Francia - Xylon 13 Internationale Triennale, Suiza, entre otros.
En su país particpó en 73 salones nacionales obteniendo, entre otras, las siguientes distinciones: 2º Premio en el Salón Nacional de Grabado y Dibujo, 1998. 1º Premio Fráfica Experimental, Salón Nacional 1995. 2º Premio V Salón Benito Quinquela Martín, 2º Premio Salón Municipal Manuel Belgrano 1994, Premio "Cata Mortola de Bianchi" en el Salón Nacional de Grabado. Preside Xylon Argentina. Edita Grafa, 70 años; 5 + 1 Arte revista de arte. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Eva Farji Osvaldo Jalil
http://www.boladenieve.org.ar/artista/917/jalil-osvaldo
Lucía Pizzani en la Sala Mendoza. "El adorador de la imagen"
Comprende material audiovisual, textil, fotografía, entre otras piezas. La exposición estará abierta hasta el 4 de mayo .
La delicadeza del collage se puede disfrutar en nuestro espacio de Librería con la muestra "Pares Mínimos" de Rafael Castillo Zapata. Este reconocido escritor, nos presenta una selección de sus piezas realizadas en esta técnica del papel, la cual se acompaña con algunas de sus publicaciones literarias. Te invitamos a visitar esta muestra que estará abierta hasta el 4 de mayo.
En medio del mal humor producido por las espinas que cotidianamente nos hieren, y la hostilidad generada por su toque incesante, como cito Leonardo Padrón; quiero invitarles a que me acompañen en esta pequeña muestra Fotográfica.
Son momentos duros y difíciles, pero donde mi trabajo apuesta por aquel país que se fue quedando no se donde, y otrora estuvo siempre lleno de enriquecedoras horas que hacían crecer nuestro espíritu.
Así, espero poner mi pequeño grano de arena como aporte a esta campaña porque volvamos a contar con una Venezuela sin heridas, pero por encima de todo sin hostilidad.
Hasta el 27 de Abril de 2014
Calle California, Residencias Sonora, Local PB-1, Las Mercedes.
Martes a Viernes de 11 am a 6 pm.
Sábados y Domingos de 11 am a 4 pm.
www.tresy3.com
Sala Mendoza contamos con una exposición de piezas que forman parte del legado documental de este gran artista venezolano y que se exponen por primera vez. Los invitamos a visitar esta importante muestra desde este martes 25, de 8:30 a 5:00 pm hasta el domingo 30 de marzo de 11:00 a 3:00 pm. Así mismo, el libro está a la venta en nuestra Librería. ¡Los esperamos! Centro Documental Sala Mendoza Patricia Velasco Barbieri
Sala Mendoza, Universidad Metropolitana.
Nos visita desde Buenos Aires para dictar un Taller sobre Heramientas del Grabado en UNEARTE y el MEDI.
Nació en en Buenos Aires el 15 de Marzo de 1950.
Cursó estudios con Demetrio Urruchúa y Juan Lópes Taetzel. En MEEBA (Mutualidad de estudiantes y egresados de Bellas Artes) con Carlos González. Grabado con Carlos Demestre.
Litografia con José Contino en el Taller Experimental de Gráfica de La Habana. Ejerce la docencia en su taller desde el año 1982.
Participó en 82 muestras colectivas en el país extranjero, lleva realizada 14 muestras individuales desde 1981.
Participó en 65 salones internacionales con selección de jurado. Entre ellos: XIV Premio Internazionale Biella per l'Incisione Biella, Italia - V Bienal Internacional de Grabado Caixa Ourense, Orense, España - 1st World Small Printings and Exlibris Works Exhibition Beijing, P.R. China - 3rd Malasia Annual Exhibition of Internacional Contemporary Prints, Kuala Lumpur, Malasia. - 4 Triennale Mondiale D'estamps Petit Format, Chamaliére, Auvergne, Francia - Xylon 13 Internationale Triennale, Suiza, entre otros.
En su país particpó en 73 salones nacionales obteniendo, entre otras, las siguientes distinciones: 2º Premio en el Salón Nacional de Grabado y Dibujo, 1998. 1º Premio Fráfica Experimental, Salón Nacional 1995. 2º Premio V Salón Benito Quinquela Martín, 2º Premio Salón Municipal Manuel Belgrano 1994, Premio "Cata Mortola de Bianchi" en el Salón Nacional de Grabado. Preside Xylon Argentina. Edita Grafa, 70 años; 5 + 1 Arte revista de arte. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Eva Farji Osvaldo Jalil
http://www.boladenieve.org.ar/artista/917/jalil-osvaldo
" Carreteras Nocturnas" de Ricardo Jiménez
en La Sala del Ateneo de Caracas
Lucía Pizzani en la Sala Mendoza. "El adorador de la imagen"
 |
| Fotografía Ricardo Jiménez |
Comprende material audiovisual, textil, fotografía, entre otras piezas. La exposición estará abierta hasta el 4 de mayo .
La delicadeza del collage se puede disfrutar en nuestro espacio de Librería con la muestra "Pares Mínimos" de Rafael Castillo Zapata. Este reconocido escritor, nos presenta una selección de sus piezas realizadas en esta técnica del papel, la cual se acompaña con algunas de sus publicaciones literarias. Te invitamos a visitar esta muestra que estará abierta hasta el 4 de mayo.
Miradas desfragmentadas
Fotografías de Félix León
En medio del mal humor producido por las espinas que cotidianamente nos hieren, y la hostilidad generada por su toque incesante, como cito Leonardo Padrón; quiero invitarles a que me acompañen en esta pequeña muestra Fotográfica.
Son momentos duros y difíciles, pero donde mi trabajo apuesta por aquel país que se fue quedando no se donde, y otrora estuvo siempre lleno de enriquecedoras horas que hacían crecer nuestro espíritu.
Así, espero poner mi pequeño grano de arena como aporte a esta campaña porque volvamos a contar con una Venezuela sin heridas, pero por encima de todo sin hostilidad.
Hasta el 27 de Abril de 2014
Calle California, Residencias Sonora, Local PB-1, Las Mercedes.
Martes a Viernes de 11 am a 6 pm.
Sábados y Domingos de 11 am a 4 pm.
www.tresy3.com
Exposición "El color que vendrá"
de Reymond Romero en D'Museo Los Galpones
Hasta el 20 de abril
El relato es movimiento hacia un punto, no
sólo desconocido, ignorado, extraño, sino concebido de tal manera que no parece
poseer, de antemano y fuera de este movimiento, realidad alguna (…) pero, no
obstante, sólo el relato y el movimiento imprevisible del relato proporcionan
el espacio donde el punto se vuelve real, poderoso y atrayente.
Maurice Blanchot
Una de las preocupaciones más genuinas que
ha tenido el arte venezolano a través de distintos lapsos de su historiografía,
ha sido la intención particular de entretejer los síntomas del entorno local
con las inquietudes que al ritmo de los tiempos se agitaban en el pensamiento
foráneo. De este modo, en ciertos
momentos cruciales de nuestra historia visual la vanguardia encontró el enlace justo,
el momento adecuado, la síntesis perfecta para amalgamar todas las resonancias
que cabalgaban al unísono y cuya unión propició engranajes inéditos, metáforas
particulares donde las referencias se convirtieron en imagen propia.
A los creadores posteriores a las
generaciones que llevaron adelante este cometido, les ha tocado dialogar no
sólo con las geodesias visuales de otras latitudes, sino también con los
asentamientos que nuestros propios referentes consolidaron en la columna
vertebral del arte venezolano; caminos recorridos en la segunda mitad del siglo
XX que han despuntado desde entonces hasta nuestros días en varias líneas de
acción, prefigurando un panorama activo donde forma y concepto se alternan y
debaten, unidos por la amplitud del
mundo global y seguidos de cerca por la exigencia que la visibilidad mediática
le otorga a las propuestas e inquietudes de las nuevas generaciones.
Reymond Romero obtuvo en el año 2003, la
Licenciatura en Artes Plásticas del Instituto Universitario de Estudios
Superiores Armando Reverón. Desde entonces ha construido con disciplina un
amplio cuerpo de trabajo concentrado en la pesquisa del color como trama y
estrategia principal de elaboración, trayectoria que le ha hecho merecedor de
varios premios y reconocimientos institucionales. Sin embargo hay que apuntar
que no ha sido precisamente la bidimensionalidad de la pintura el campo más
visitado por este artista; en su lugar,
lo pictórico se desplaza para transformarse en un puente hacia otros estados de
la materia donde la trama, los componentes y las diversas combinaciones de los
elementos reconstruyen campos cromáticos que elevan y disponen sus volúmenes y
siluetas en el espacio museográfico. El medio para Romero no es la simulación
química con la que el óleo o el acrílico despliegan una aproximación probable a
lo habitual; en su caso, el proceso sucede a la inversa, cambio de dirección en
el que los puntos cruciales del acontecimiento se encuentran anclados en los
materiales propios de lo real, testigos reinventados para una escena diversa,
texturas manipuladas que trascienden su circunstancia y penetran en los
territorios de la otredad.
Cuando se visita el taller del artista, una
fuerte impresión sacude la mirada del que allí entra: miles de carretes de hilo
de distintos colores abundan en todos los ángulos del lugar, mientras las
series y los objetos ya realizados esperan, se mueven entre los proyectos que
aún respiran en el área, miran a distancia y con serenidad el nuevo norte,
advierten la conclusión, el desvío esencial que los llevará a habitar la
vibración oculta de inusuales dimensiones. El hilo está por todas partes, es el
factor principal a través de la cual Romero se ha empeñado en llevar a término
una superficie desconocida del color: campos sensoriales que más que remitir a
un problema formal, parecen ubicarse en el encuentro incierto que los demanda,
reflexiones silentes que aunque rozan relaciones directas con la abstracción
lírica, el action-painting o el cinetismo; en realidad se levantan como
estructuras inoculadas por las historias suspensas de un relato latente. Al
color Reymond lo hilvana, le da un pasado y un futuro, lo vuelve presencia y
ausencia, profundidad, inicio y desaparición. Ya sea desde las formas geométricas,
la serialidad de un patrón, la alternancia de la figura o las poéticas del
caos, en cada pieza este creador nos confronta con la fibra de una narración
potencial, conclusión venidera de un algo que más allá del color, aún está por
verse.
Lorena González I.
D'Museo
Desde: 16/03/14 al 20/04/14
Horario: Martes a sábado de 11 am a 6 pm y
domingos de 11 am a 4 pm
D'Museo
8va Transversal
con Av. Ávila, Los Chorros
Caracas 1060
T +58 212 2840943 / 2840177 / 2869241
T +58 212 2840943 / 2840177 / 2869241
Primer libro sobre la obra
del artista contemporáneo venezolano
Roberto Obregón
a cargo de Ariel Jiménez.
Sala Mendoza contamos con una exposición de piezas que forman parte del legado documental de este gran artista venezolano y que se exponen por primera vez. Los invitamos a visitar esta importante muestra desde este martes 25, de 8:30 a 5:00 pm hasta el domingo 30 de marzo de 11:00 a 3:00 pm. Así mismo, el libro está a la venta en nuestra Librería. ¡Los esperamos! Centro Documental Sala Mendoza Patricia Velasco Barbieri
Sala Mendoza, Universidad Metropolitana.
Muestra Colectiva de Artistas Venezolanos en The Arts Arena Gallery
A Venezuelan Suite
Se presenta en Dellray Beach en la Galería The Ars Arena Gallery una muestra con artistas cuya temática es el color que se hace evidente en las obras de los artistas participantes.
Artistas de trayectoria en Venezuela, que hacen uso de técnicas y medios de expresión diversos, se puede disfrutar de los vitrales de Raiza Carreño, las pinturas de Isa García y Onofre Frías, Eliane Serrier von Watchter, León Guiner y las gráficas de Miguel von Wachter.
Raiza Carreño presenta personajes que atraviesan puertas, cargados de vida propia, con gran riqueza cromática y la traslucidez del vidrio, utilizando como vehículo
la antigua técnica del vitral, obra que se consolida desde su espíritu creador y dedicación
constante.
Onofre Fría según la curadora Bélgica Rodríguez ...un sistema constructivo sirve de base a un trabajo pictórico prácticamente gestual. Pero, precisamente, lo que a Onofre Frías le interesa es construir la superficie de la tela a partir de varios procesos, no en el sentido histórico-plástico de una tendencia. Un proceso es la preparación meticulosa de la tela como primer soporte, a este le cubre con una seda que en el transcurso de la realización le permite lograr transparencias y blancos inusitados. Sobre esta doble superficie, canvas y seda, trabaja las imágenes desde adentro hacia fuera, proyectando el esplendor del color, rojos, verdes, amarillos, azules, en matices infinitos. La seda queda entrelazada a las formas y en los espacios donde ella queda libre de pigmento, se crea una atmósfera plásticamente activa a partir de su grano imperceptible.
León Guiner artista autodidacta ecoplástico, la temática Los Caballos de mi Infancia. utiliza materiales de desecho metálicos, cabillas, recortes de láminas, engranajes, piezas de motor, entre otras y los transforma.
The Arts Arena Gallery
777 E Atlantic Ave Suite B3
Delray Beach FL 33484
Phone 561-274-7005
Manager@TheArtsARenaGallery.com
Onofre Fría según la curadora Bélgica Rodríguez ...un sistema constructivo sirve de base a un trabajo pictórico prácticamente gestual. Pero, precisamente, lo que a Onofre Frías le interesa es construir la superficie de la tela a partir de varios procesos, no en el sentido histórico-plástico de una tendencia. Un proceso es la preparación meticulosa de la tela como primer soporte, a este le cubre con una seda que en el transcurso de la realización le permite lograr transparencias y blancos inusitados. Sobre esta doble superficie, canvas y seda, trabaja las imágenes desde adentro hacia fuera, proyectando el esplendor del color, rojos, verdes, amarillos, azules, en matices infinitos. La seda queda entrelazada a las formas y en los espacios donde ella queda libre de pigmento, se crea una atmósfera plásticamente activa a partir de su grano imperceptible.
León Guiner artista autodidacta ecoplástico, la temática Los Caballos de mi Infancia. utiliza materiales de desecho metálicos, cabillas, recortes de láminas, engranajes, piezas de motor, entre otras y los transforma.
The Arts Arena Gallery
777 E Atlantic Ave Suite B3
Delray Beach FL 33484
Phone 561-274-7005
Manager@TheArtsARenaGallery.com
Daniel Henríquez: “La fotografía ha sido más que todo una compañera”
La foto premiada, que fue tomada en Bruselas, se titula 3 Gamins Jouent au Foot | Cortesía Daniel Henríquez
Triunfó en la categoría de Venezuela y en mayo verá su imagen en una exhibición en Londres
24 de marzo 2014 - 12:01 am
Era domingo en Bruselas. Eran
pocos los que caminaban por las calles. De repente, tres niños con un
balón de fútbol. Solo eso. Y Daniel Henríquez, que andaba por allí con
su cámara en el hombro, decidió capturarlos en una fotografía. “Así,
como hice con otros paisajes que vi”, dice por teléfono desde el otro
lado de la barricada en que se ha convertido la ciudad.
La imagen –que tituló 3 Gamins Jouent au Foot–
le valió al caraqueño de 28 años de edad un reconocimiento
internacional. Fue el ganador del Sony World Photography Award 2014 en
la categoría de Venezuela. Además de una cámara, un lente y un flash, el
resultado le dio la oportunidad de que su imagen sea exhibida en
Londres, junto con las de los otros ganadores. “Espero poder conocer a
los grandes fotógrafos. No es nada más ver mi foto, sino otras tantas
increíbles”, señala con alegría.
Henríquez
estudió en el Colegio Emil Friedman y después se graduó como ingeniero
de producción en la Universidad Simón Bolívar. Pero el arte siempre lo
ha acompañado, en especial la música: es hijo de George Henríquez,
integrante de Aditus. “Yo también hice melodías, pero desde hace 7 años
empecé con la fotografía. Como ingeniero estudioso y cabeza cuadrada
comencé con la parte teórica. Me metí en el taller de Roberto Mata,
donde tuve muy buenos profesores que me brindaron la inquietud de
buscar”, relata.
No sabe si definirse
como paisajista o documentalista, porque le gustan ambos objetivos de
la imagen. Recuerda que solía tomar muchas fotografías en sus viajes por
Venezuela, cuando todavía se podía acampar en playas y montañas. Afirma
que su principal influencia son los fotógrafos clásicos. “Esos que en
su momento hacían cosas diferentes. Me pasa lo mismo en la música: soy
amante del jazz, el blues, del rock de los setenta. Me gustan mucho las
cosas tradicionales”.
A pesar de que a
veces hace fotografías por trabajo, retratar es principalmente una
satisfacción personal. Está residenciado en Colombia, donde labora en
una empresa que comercializa rines y cauchos. “Tuve que irme por la
falta de oportunidades en Venezuela. Vengo al país cada vez que quiero
visitar a mi familia, ver a mi gente. La fotografía fue en su momento
curiosidad y ha sido más que todo una compañera”.
Jesús Hernández, censurado
La muestra "Capital sin nombre" en la galería Oficina #1.
|
El artista cubano esta vez no reflexiona sobre la violencia (Oswer Díaz/ Kenny Márquez)
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Jesús Hernández Hernández (1983), mejor conocido como "Güero"-el apodo se lo dieron en el colegio-nació en Cuba. Desde hace tres años vive y trabaja en Venezuela. Dejó la isla para casarse con una venezolana y juntos se instalaron en Maracay.
Su unión no la signa un anillo de compromiso. Ambos optaron por llevar un tatuaje que refuerce el vínculo: Ella con la bandera de Cuba en su mano izquierda y él con la de Venezuela en su mano derecha. "Fue una especie de tributo a nosotros... significó asumir y aceptar la realidad del otro", comenta el creador, que trasladó no sólo su responsabilidad de padre y esposo al territorio tricolor. Como artista hace de esta tierra su terruño y en la muestra Capital limitado, que inaugura mañana en Oficina #1, se permite retratar una parte de su cotidianidad.
Ya en 2012, el fotógrafo y performancero egresado de la Academia de Bellas Artes San Alejandro, en La Habana, se había interesado por el tema de la violencia. En las armas no matan recreó un campo de batalla. Al espectador lo puso a caminar entre cascos de balas y lo apuntó con una serie de serigrafías en las que moldeaba entre pólvora esas pistolas usadas para robar y someter a las víctimas en Venezuela.
Su discurso le restaba culpa a las armas como implementos para matar y agredir de forma violenta. Más bien centraba la atención en los individuos y la mente humana detrás de ésta.
Hoy trae a colación la censura. En la serie fotográfica Lecturas difíciles nueve imágenes -a color y mediano formato- retratan publicaciones que circulan en Cuba de forma clandestina. "Quiero dejar constancia de que esa literatura prohibida existe. Aunque sea a escondidas, documenta momentos importantes de resistencia cívica", explica el ganador del Salón Jóvenes con FIA 2.0 (2012).
Un libro, La tercera pata, le sirve al artista como espacio para publicar artículos y manuscritos de los intelectuales en exilio. "Esas voces expulsadas que también forman parte de la historia de Cuba", detalla.
Y la serie calados capitales en lugares de paso completa la muestra. Nueve fotografías impresas en papel moneda, en las que Hzdez-Güero desmonta la iconografía de los billetes de Polonia, Venezuela y Cuba para cuestionar su valor legítimo. "No tengo intenciones de direccionar un discurso, solo quiero presentar un fenómeno. Esta es la realidad que percibo, escojan la reflexión que quieren llevarse a casa", concluye.
Productora de Cine
Gabriela Rodríguez: "Alfonso Cuarón es un tipo del más allá"
"Me gusta la producción, ese momento de crisis cuando tienes 15 pelotas en el aire y tienes que atajarlas todas", señala la cineasta venezolana.
sábado 22 de marzo de 2014 09:28 AM
"Creo que me quedaban 12
dólares en la cuenta cuando me dijeron que me iban a contratar y a pagar
en la productora de Alfonso Cuarón. Después de graduarme en Boston, me
fui a Nueva York para conseguir trabajo y se me acababa el dinero,
estaba a punto de regresarme a Caracas. Casualmente mi mamá estaba
camino a Nueva York para visitarme y se encontró con un conocido.
Resulta que la novia de él trabajaba en la oficina de Alfonso en Nueva
York, estaban buscando a una persona... Y así empecé como pasante sin
paga"."Como al año de estar trabajando con Alfonso nos mudamos a Londres, y rodamos Children of men (Hijos del hombre, 2006). Yo no había estado nunca en una producción de ese calibre; durante los veranos de la Universidad, había trabajado en Venezuela en Prohouse, hice comerciales... pero en Inglaterra tuve que aprender mucho y muy rápido. Por ejemplo, me tocó manejar: el día en que llegué me dijeron: 'Aquí tienes un carro, toma un mapa, tienes que estar en el estudio'. Allí era asistente de Alfonso, así arranqué".
"Luego de Children of men, comenzamos con A boy and his shoe, pero Alfonso quería hacer algo pequeño, más íntimo, y además con la crisis de 2008 el proyecto se cayó. Al año, Alfonso comenzó con Gravedad y eso nos tomó todos los años del mundo. Ahí pasé a ser productora asociada".
"Es difícil explicar qué es una productora asociada: continúo llevando la parte personal de la vida de Alfonso, pero a la vez tengo otras responsabilidades, soy coordinadora y link entre Alfonso y todos sus roles (productor, guionista, editor, director...) con el equipo".
"Sandra Bullock y George Clooney son increíblemente talentosos, divertidos, tienen un gran sentido del humor. ¿Divos? No lo sé, pero sí son bastante buena gente. En Gravedad éramos una producción de 300 ó 400 personas y Sandra se tomó la molestia de aprenderse los nombres de todos".
"Alfonso Cuarón es increíble. Para mí, es un tipo del más allá: excelente jefe y mejor ser humano, con principios bien aferrados a lo correcto, con un sentido del humor brillante. Es excelente persona, buen amigo con los amigos, buen padre. ¿Defectos? Su carácter latinoamericano apasionado, a veces. Impuntualidad, ese sería su máximo defecto. ¡Vértigo! Hasta yo me estoy convirtiendo en impuntual. En Inglaterra nadie lo entiende".
Productora nata
"No me interesa la dirección de cine pero ni un poquito. Me gusta la producción. Ese momento de crisis cuando tienes 15 pelotas en el aire y tienes que atajarlas todas y ver cómo coordinas para que todo funcione. Me gusta ese rompecabezas".
"No gano mucho. Se gana más experiencia, conocimiento y millas de aerolíneas, ¡todas las que quieras! En realidad, hago esto más por placer que por dinero".
"Por ahora sigo con Alfonso, estamos evolucionando. Su próximo proyecto espero producirlo también. Pareciera que Gravedad salió hace años, pero estamos apenas cogiendo mínimo, organizándonos de nuevo".
"Hay momentos en que no tengo vida, no puedo estar en los cumpleaños de mis amigas, no puedo desprenderme de mi teléfono por un segundo, no tengo tiempo para novios. Pero bueno, todo tiene su momento. Ahora tengo espacio para una vida más tranquila. El comer en la casa, por ejemplo, ya se me había olvidado lo que era cocinar, nunca he estado tan aferrada a mi olla como estoy ahorita".
"Es increíblemente difícil ver lo que pasa en Venezuela. Son casi 18 años que tengo fuera del país, pero siento a Venezuela como mi tierra, mis raíces, quien soy. No sólo es una cuestión de país por patriotismo; ese es mi hogar, mis amigas en el extranjero son venezolanas, es una parte que está completamente en mí. Y en este momento no tengo palabras para expresar mi solidaridad, apoyo y admiración por los estudiantes, los jóvenes y toda la gente que toma la calle. ¿Qué desearía para mi país? Libertad".
@argomezc
"Pelo malo" también tuvo buenas críticas en medios españoles
La película venezolana abrió ayer el festival de Touluse
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Mariana Rondón promociona su filme en Francia EFE
El estreno de Pelo malo en España no pasó inadvertido para la crítica especializada. El largometraje de Mariana Rondón, que está en las salas comerciales del país ibérico, obtuvo comentarios positivos en distintos medios.
El diario La Vanguardia valoró la película como muy buena, con puntaje de 5 de 5. "Con elementos en apariencia tenues, tratados para provocar un progresivo impacto emocional en el espectador, la cineasta Mariana Rondón teje una historia íntima que se expande a un entorno social en ocasiones sobrecogedor", dijo Lluís Bonet Mojica.
La revista digital Cinemanía también alabó la cinta. "Pelo Malo es hermosa, dura y sincera (...). Mariana Rondón nos hiere y también enamora", escribió Serbio Bonilla, que hizo referencia a la existencia del cine venezolano tras el triunfo de Azul y no tan rosa en los Goya.
Fotogramas, en cambió, le dedicó a la película la sección en la que un crítico escribe a favor y otro en contra. "Pelo malo habla de muchas cosas sin alzar la voz entre el incesante ruido", indicó Ricardo Aldarondo, mientras que Desireé de Fez afirmó: "La pena es que Mariana Rondón no profundice más en esos asuntos. se mueve en la superficie de los temas más potentes del relato y se detiene en otros mucho más obvios".
Ahora, Francia
Pelo Malo abrió ayer el festival de Cine latino de Toulouse. En su película, que se alzó en septiembre con el máximo galardón del Festival de San Sebastián, Rondón pinta el retrato de una convulsionada Caracas, entre polarización e intolerancia, pero jamás creyó que este retrato se tornara tan crudamente real.
Venezuela está desde hace cinco semanas inmersa en una ola de protestas que ya suma más de 30 muertos. "Lo que está sucediendo en Venezuela viene a reafirmar lo que dije en mi película", afirmó Rondón en entrevista con la AFP, haciendo alusión a una sociedad herida, en la que, según ella, la mitad de la gente no se siente representada. Para sanar , "necesitamos un diálogo de paz sincero, con garantías de que es un diálogo real y no un simulacro".
El carrusel de Sánchez-Vegas
"Arre arre caballito" inaugura el domingo en la galería La Ventana Artkao.
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El creador venezolano retrata a sus 32 caballos de carrusel con pinceladas de óleo (Gabriela Pulido)
JESSICA MORÓN
| EL UNIVERSAL
jueves 20 de marzo de 2014 08:35 AM
Carlos Sánchez-Vegas (Caracas,
1961) atesora de su infancia los paseos por La Carlota y El Paraíso a
bordo de una carreta halada por un caballo. De su padre heredó el gusto
por los equinos, que compartían durante algunas visitas al Hipódromo de
La Rinconada, donde conoció a su corcel Tapahueco.Aclara el artista, que inaugura el domingo la exposición Arre Arre Caballito en la galería La Ventana Artkao, que la muestra no es un homenaje a ese caballo de carreras, al que recuerda de manera especial, pues se lo obsequiaron tras haberse fracturado su pata en la pista. Sin embargo, en los 32 cuadros de variados formatos que exhibe en sala, se aseguró de pintar a los equinos sin extremidades frágiles. "Con todo respeto, si yo fuera Dios, los corregiría y haría una suerte de híbrido que contenga lo mejor de cada especie. En mi obra me permito ensancharle los tobillos, eso le da más fortaleza para sostener su musculatura y correr con más libertad, como el viento", explica el artista que recrea un arquetipo lúdico: el caballo de carrusel.
"De niño siempre quise pasar a la historia, pero no de forma vanidosa. Nunca quise ser actor ni músico, no quería entrar a un sitio y ser reconocido por todos y que me aplaudieran...Nada más alejado de mí que eso. Yo quería instalarme en el imaginario colectivo. Como artista comprendí que para lograr mi cometido tenía que quedarme con una sola imagen. Esa es la clave para conectarte e instalarte para siempre en el imaginario colectivo", comenta el creador que ha retratado meninas, payasos y catedrales, pero se aferra a los caballos. Pareciera negarse a abandonar el recuerdo de ese animal histórico y noble.
En su obra, lo traza a mano alzada. Con pinceladas imperfectas en óleo y de colores variados (marrón, negro, dorado). En ocasiones lo esboza sobre acrílico y vidrio esmerilado. Por momentos se divierte construyendo su cuerpo a base de papel artesanal, al hacer uso de la técnica del collage. "Trabajo con una geometría sensible", dice cuando quiere referirse a esas líneas irregulares y al trazo libre que se permite al momento de retratar a un mamífero nostálgico.
Al igual que un niño, no juzga. Sánchez-Vegas se toma atribuciones que no hacen daño. En su obra el caballo de feria es la excusa perfecta para incitar al espectador a revivir alguna memoria recóndita de su infancia: La del chico que "cabalgaba" en casa a bordo de una escoba, bajo la piel de un vaquero o quizás un guerrero. La del pequeño que pedía a Santa Claus un pony.
El discípulo de Mercedes Pardo -quien estudió y vivió en su taller de diseño gráfico-, descarta esa imagen del rocín mitológico. "Yo no pinto un caballo de batalla. No me interesa el animal que sirvió para transportar cargas ni su carácter mitológico emparentado con Pegaso. Mi arquetipo de caballo no es esa referencia literaria que fue Rocinante, el caballo de Don Quijote. A mí me interesa el prototipo que tenemos en la cabeza, ese que revive un sentimiento", apunta.
Sánchez-Vegas emana pureza interior. Su sonrisa, todavía, denota un ápice de inocencia. "Todos tenemos un pequeño niño dentro. Unos lo han matado, hay quienes, como yo, nos rehusamos a hacerlo. Precisamente ese caballo de carrusel guarda consigo un carácter ingenuo, ese que debe mantener el arte. Porque una vez que la pieza pierde candidez, ironía y sentido del humor, se convierte en un objeto estético. Por mi parte, al igual que ese público infantil que se desconcierta ante mi obra yo quiero optar por mantenerme joven. No quiero perder mi capacidad de asombro", concluye el artista visual.
jmoron@eluniversal.com
Tres galerías llevan arte venezolano rumbo a Perú
Okyo, Graphicart y Oficina #1 estarán hasta el 23 de marzo en Art Lima
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Pinturas de Paul Parrella en sala (Gustavo Bandres)
Tres galerías venezolanas lograron vencer la crisis económica del país, al menos por el momento. En 2013, antes de que se desatara la escasez de boletos aéreos, Graphicart, Okyo y Oficina #1 tomaron previsiones y adquirieron, sin dificultades, los pasajes que les permitieron trasladarse ayer a Perú para participar en la segunda edición de la Feria Internacional de Arte ArtLima 2014.
Desde el 19 de marzo y hasta el 23 , la obra de 12 artistas venezolanos y 6 extranjeros estará presente en los espacios de la Escuela Militar de Chorrillos, monumento nacional del país suramericano. "Manteniendo la línea constructivista, regreso a la feria con los creadores que me acompañaron el año pasado y debuto con Rafael Barrios. A la propuesta se incorporan los artistas peruanos Fernando Otero y Cristina Calichón", detalla Magdalena Arria, directora de Graphicart.
En su stand, exhibirá las esculturas de aluminio monocromáticas del venezolano Pedro Fermín, el alfabeto plástico ideado por Nanín García, las cajas de luz de Celin Amiuni, las piezas en blanco y negro de Héctor Ramírez, los móviles de Joaquín Latorraca y obra reciente del maestro Carlos Cruz-Diez. "El maestro del cinetismo se sigue cotizando muy bien, es uno de nuestros artistas que goza de gran aceptación a nivel internacional y todavía uno de los más buscados", afirma Arria.
Okyo acude a la feria con 8 artistas -4 extranjeros y 4 venezolanos-. Las pinturas de Paul Parrella, los bípedos de Francisco Pereira, fotografías del deslave de La Guaira hechas por Karim Borjas e impresiones en tela realizadas por la creadora caraqueña Annette Turrillo, acompañarán piezas de Yosman Botero, Camilo Sanín, Vargas -Suárez Universal y Ania Borzobohaty.
Oficina #1 participa en la sección de videos con 23 de Enero de Iván Candeo, una muestra del paisaje actual en la urbanización caraqueña, cámara en mano y a bordo de un caballo.
@jessicamoron
Festival de cine Movida Conciencia
El evento proyectará 16 documentales hasta el 30 de marzo
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"Feliz", de Roko Belic, es unos de los títulos de la muestra CORTESÍA
El festival de cine Movida Conciencia Ya empezará hoy en varias puntos de Caracas. 16 documentales galardonados en el extranjero se proyectarán hasta el 30 de marzo. También habrá conciertos, charlas motivacionales, clases de yoga, biodanza, jornadas de reciclaje y foros.
Algunos títulos de la muestra son La educación prohibida, del argentino German Doin; La Experiencia Humana, producida por los hermanos Azize; Embólsalo, de la directora Suzan Beraza; Descubre tu Don, de Damian Lichtenstein; Feliz, de Roko Belic; y Volver al amor, de la venezolana Sylvia Briceño, entre varios otros.
Entre el 22 y 30 de Marzo, la Plaza Miranda, la Plaza de Los Museos, la Plaza Alfredo Sadel, el Centro de Arte Los Galpones, la Cinemateca Celarg, Chorpus Menti, la Sala Antonieta Colón en el Centro Cultural Parque Central, el Centro Cultural Chacao, la Unefa, la UCAB, Universidad Metropolitana, la UCV, entre otros, son los lugares hasta ahora confirmados para las proyecciones y las actividades complementarias.
Además, la audiencia podrá conocer las conversaciones que Arausi Armand tuvo con los directores de la muestra, en torno a los documentales y otros temas de profundidad, a través de una serie de Micros-documentales realizados por el director Mauricio Fallini. También podrán ser vistos como antesala a la proyección de los documentales y en las redes sociales.
Los trailers de las películas participantes, así como la programación completa de las actividades, salas y horarios de proyección de las cintas están disponibles en la página web de la Organización Conciencia Global: www.somosconcienciaglobal.org.
Para la inauguración se hará un mandala humano con todos los asistentes, en la Plaza de los Museos de Bellas Artes, acompañado de la música de Ilhaam Proyect, dúo francés multi-instrumentalista. A las 3:00 pm, además, la sala de la Cinemateca del Celarg proyectará la película Yo soy, del director Tom Schadyac, realizador de largoemtrajes como Ace Ventura y Liar Liar.
Un total de ocho ejemplares
Iartes lanza serie de cuentos digitales inspirados en la trayectoria de artistas venezolanos
21 marzo 2014
La institución optó por presentar los cuentos impresos y en formato digital para hacer de la lectura una experiencia más atractiva
Hacer del cuento un instrumento a través del cual los niños y niñas de la patria conozcan la historia y legado que artistas venezolanos como Alejandro Otero, César Rengifo, Jesús Soto y Rosa Vegas, entre otros, han aportado a la cultura en el país es es el proyecto que emprende el Instituto de las Artes, de la Imagen y el Espacio (Iartes) con el lanzamiento de ocho cuentos que, a través de la narrativa, llevan a padres e hijos a viajar por la historia de estos artistas, conocer sus creaciones y mirarlos en la cotidianidad.
Los cuentos, un total de ocho ejemplares, se presentan bajo el nombre de Cuentos Maestros del Arte Venezolano. En conversación con la Agencia Venezolana de Noticias, Rosana Gianello, coordinadora de publicaciones del Iartes, explicó que estos cuentos son narrados en sentido biográfico, pues, asegura, es la mejor manera de hacerle saber a los niños quiénes son estos personajes.
Sin embargo, el proyecto cuenta con una novedad: a pesar de que el papel garantiza una experiencia personal y placentera cuando de arte se trata, la institución optó por presentar los cuentos impresos y en formato digital para hacer de la lectura una experiencia más atractiva. Además, los discos traen consigo un código QR, el cual permite ser descargado en teléfonos inteligentes e, incluso, compartido a través de distintas aplicaciones que facilitan la transmisión de datos.
“Sabemos que el arte cuando está impreso en papel es muy bello, que hay una forma de conectarse con el papel a través de lo que está escrito, de lo que está impreso, pero nosotros queremos generar otro tipo de acercamiento con estos productos”, expresó Gianello desde el stand del Iartes ubicado en el Teatro Teresa Carreño, lugar donde se desarrolla la décima edición de la Feria Internacional del Libro Venezuela (Filven 2014).
La serie de cuentos está conformada por textos e ilustraciones llamativas que acompañan la biografía de cada artista. Para lograr lo anterior de manera armoniosa, explicó Luis Duarte, investigador perteneciente al equipo de creadores del proyecto, fue necesario reflexionar acerca de los avances de la tecnología y el acceso que los niños tienen a herramientas como la computadora, los teléfonos celulares y las tabletas.
“Los niños tienen un conjunto de elementos visuales muy marcados por los juegos que siguen, por la tecnología, por el cine. Es una carga visual muy grande. Las nuevas generaciones tienen una visión de mundo que está marcada por lo tecnológico, por ello, decidimos conjugar la escritura, la visión plástica y la tecnología en estos cuentos”, expresó Duarte.
Además, la presentación de los cuentos en formato digital posee tres grandes ventajas: la disminución del uso del papel, el ayudar a la preservación del ambiente y hacer que el producto tenga un mayor alcance.
“Imprimir una serie de libros o juegos de cualquier tipo tiene un costo muy elevado. Si este proyecto fuese en formato impreso, solo llegaríamos a 500 niños”, situación que cambia al ser estos cuentos un producto digital, afirmó el investigador.
Seres comunes
Gianello resaltó cómo los investigadores, ilustradores y escritores que participaron en el proyecto plasmaron la historia de los creadores venezolanos. Durante la entrevista, expresó que cada biografía retrata a los maestros desde lo común, para hacer ver que un artista no es alguien con dones especiales, ni de seres imposibles de igualar.
“Usualmente las personas conocen la obra de un artista plástico, pero no conocen su fisionomía ni su entorno geográfico. Nosotros hemos hecho el esfuerzo de hacer notar esta realidad y hacer visible el rostro del artista. Ya ellos tienen una obra plástica que les hace peso, que los representa pero la gente no sabe cómo son, cómo es Michelena, cómo es Rosa Vegas, como es Alejandro Otero”, explicó la coordinadora de la institución.
La colección Cuentos Maestros del Arte Venezolano podrá adquirirse en la sede en Caracas de la Universidad Nacional Experimental de las Artes (Unearte), así como en la sede del Iartes ubicada en la avenida México, parroquia La Candelaria, frente a la salida de la estación Bellas Artes del Metro de Caracas.
Fuente / AVN
Disparos que arman el rompecabezas del país
"Fotos de primera" sigue en Cubo 7 de la Hacienda La Trinidad.
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La exposición puede ser visitada de martes a domingo de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. (Oswer Díaz)
Fotos de primera sitúa al espectador en una atmósfera de espanto. El cuerpo se acongoja. Acto seguido, la memoria debate contra una sensación de resistencia y negación; la misma que embarga a diario al venezolano cuando se topa con una imagen de país que lacera el alma.
Un grupo de 27 fotografías, tomadas en 2013 por 13 fotoperiodistas de El Universal, retratan una parte de Venezuela. El territorio tricolor donde conviven la inseguridad, la violencia, la impunidad. La misma tierra que cobija los triunfos de sus hijos.
Nicola Rocco, Fernando Sánchez, Oswer Díaz, Adolfo Acosta, Cruz Sojo, Edsaú Olivares Gabriela Pulido, Georgina Svieykowsky, Gustavo Bandres, Kisaí Mendoza, Venancio Alcázares, Vicente Correale y el ausente Enio Perdomo, muestran retazos de una realidad. Cámara en mano, con humildad, su lente se encarga de perpetuar un hecho que pasará a la historia y servirá como prueba fehaciente a las generaciones futuras.
Un sustento gráfico que esboza el día en que la jueza Afiuni recibió la boleta de excarcelación en su residencia. De rodillas, saboreó luego de dos años su libertad. La tarde en que el hampa le arrebató la vida a Logsand Rodríguez (abogado y víctima de secuestro). No sobrevivió para contarlo, los plagiarios lo asesinaron.
La victoria de Antonio Díaz, cuando el pasado 10 de mayo se convirtió en el campeón mundial de kárate. La noche en que Álex Cabrera, primera base de los Tiburones de La Guaira, rompió récord tras batear el jonrón 21, destronando al catcher Baudilio Díaz de Los Leones del Caracas.
"Son fotos muy honestas. No sólo esbozan la noticia sino que están cargadas de algo más... ¡Impactan! Nos duele reconocer esas cosas que para otros resultan inexplicables, pero que a fin de cuentas transcurren en Venezuela", comenta el fotógrafo Ricardo Jiménez sobre la exposición que permanecerá abierta hasta la primera semana de abril.
Historias -en pequeño formato- se repiten con otros personajes. La esposa del funcionario del Cicpc Wilmer Troya no es la primera venezolana que llora a un ser querido, abatido por un grupo de antisociales. Su rostro encara a millones de viudas en todo el territorio nacional y que lamentan la muerte de un ser amado.
Una protesta de enfermeras que claman por beneficios y un cargo fijo frente al J.M. De Los Ríos encarnan el sentir de otros empleados con una preocupación similar. "Son imágenes duras, pero ese es el país que tenemos", concluye Oswer Díaz, organizador y fotógrafo participante en la muestra.
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